Lubok ist in der Tat eine Gravur, die von einem Holzsockel und später von einem Metallsockel gedruckt wurde. Der Ursprung der populären Drucke stammt aus China, von wo aus sie später nach Europa gelangten. Natürlich hatte diese Art von Kunst in jedem Land ihren eigenen Namen und ihre eigenen Merkmale.

Woher der Name "Schiene" stammt, ist nicht sicher bekannt. Es gibt viele Versionen: Sie erinnern sich sowohl an Kalkbretter, auf denen die ersten Bilder geschnitzt wurden, als auch an Bastschachteln von Händlern, die auf Messen beliebte Drucke verkauften, und die Moskauer sind sich völlig sicher, dass die Drucke aus der Lubjanka stammten. Trotzdem ist Lubok die massivste Kunst des russischen Volkes vom 17. bis zum 20. Jahrhundert.

Zuerst wurden Schwarz-Weiß- und „Elite“ -Drucke, die zur Dekoration der königlichen und Bojarenkammern dienten, später wurden die populären russischen Drucke massiv und farbig. Der Schwarz-Weiß-Druck wurde von Frauen gemalt und sie verwendeten Hasenbeine anstelle von Pinseln. Diese "Farben" waren oft ungeschickt und schlampig, aber es gibt einige wirklich kleine Meisterwerke mit harmonisch ausgewählten Farben.

Die Handlungen populärer Drucke waren vielfältig: Dies waren Volksepen, Märchen und moralische Lehren, dies waren „Notizen“ zu Geschichte, Rechtsprechung und Medizin, dies waren auch religiöse Themen - und alles war gut gewürzt mit humorvollen Untertiteln, die über die Bräuche ihrer Zeit erzählten. Für die Menschen waren dies sowohl Newsletter als auch Bildungsquellen. Lubki legte oft große Entfernungen zurück und wechselte den Besitzer.

Gedruckte populäre Drucke auf billigem Papier, Autodidakten, und sie waren bei den Bauern sehr beliebt. Obwohl der höchste Adel die Kunst des populären Drucks nicht anerkannte und niemand speziell damit beschäftigt war, diese Zeichnungen für die Nachkommen aufzubewahren, versuchten die Behörden und die kirchliche Elite von Zeit zu Zeit, sie zu verbieten. Jetzt gilt dieser beliebte Druck als wahrer Schatz, der die Geschichte Russlands und den Volkshumor bewahrt hat, der wahre Karikaturentalente gefördert und zur Quelle der Buchillustration geworden ist. Und natürlich ist die Schiene der direkte Vorfahr moderner Comics.

Es erhielt seinen Namen von Bast (oberes hartes Lindenholz), das im 17. Jahrhundert verwendet wurde. als Gravurbasis für Tafeln beim Drucken solcher Bilder. Im 18. Jahrhundert. Bast wurde im 19. und 20. Jahrhundert durch Kupferplatten ersetzt. Diese Bilder wurden bereits typografisch hergestellt, ihr Name "populäre Drucke" wurde jedoch für sie beibehalten. Diese Art von unprätentiöser und unhöflicher Kunst für den Massenkonsum verbreitete sich im 17. und frühen 20. Jahrhundert in Russland und führte sogar zur populären Massenliteratur. Diese Literatur erfüllte ihre soziale Funktion und führte die ärmsten und am wenigsten ausgebildeten Bevölkerungsschichten in das Lesen ein.

Ehemalige Werke der Volkskunst, die zunächst ausschließlich von Amateuren aufgeführt wurden, beeinflussten populäre Drucke das Erscheinungsbild professioneller Grafiken des frühen 20. Jahrhunderts, die sich durch eine spezielle Bildsprache und das Ausleihen von Folkloretechniken und -bildern auszeichneten.

Luboks waren selbst für die zahlungsunfähigsten Käufer immer zu einem Preis erhältlich. Sie zeichneten sich durch die Verständlichkeit von Texten und Bildlinien, die Helligkeit von Farben und die Komplementarität von Bildern und Erklärungen aus.

Die künstlerischen Merkmale populärer Drucke sind Synkretismus, Mut bei der Auswahl der Techniken (bis zur grotesken und absichtlichen Verformung der abgebildeten), wobei die thematische Hauptsache mit einem größeren Bild hervorgehoben wird (dies ist die Nähe von Kinderzeichnungen). Von Luboks, die für gewöhnliche Stadtbewohner und Landbewohner des 17. - frühen 20. Jahrhunderts waren. Moderne Heimplakate, farbenfrohe Loseblattkalender, Plakate, Comics und viele Werke der modernen Populärkultur (bis hin zur Kunst des Kinos) führen ihre Geschichte auf Zeitungen, Fernseher, Ikonen und Grundierungen zurück.

Als Genre, das Grafik und literarische Elemente kombiniert, waren Luboks kein rein russisches Phänomen.

Die ältesten Bilder dieser Art wurden in China, der Türkei, Japan und Indien verwendet. In China wurden sie zunächst von Hand und ab dem 8. Jahrhundert aufgeführt. auf Holz graviert, gleichzeitig mit leuchtenden Farben verschieden, eingängig.

Der populäre europäische Druck ist seit dem 15. Jahrhundert bekannt. Die wichtigsten Produktionsmethoden für Bilder in europäischen Ländern waren Holzschnitt oder Kupferstich (ab dem 17. Jahrhundert) und Lithographie (ab dem 19. Jahrhundert). Das Erscheinen populärer Drucke in europäischen Ländern war mit der Herstellung von Papierikonen verbunden, die auf Messen und Pilgerstätten verteilt wurden. Frühe europäische populäre Drucke hatten einen ausschließlich religiösen Inhalt. Mit dem Beginn des New Age ging es schnell verloren und behielt den Schatten der visuellen und moralisierenden Belustigung bei. Ab dem 17. Jahrhundert. Luboks waren in Europa allgegenwärtig. In Holland hießen sie "Centsprenten", in Frankreich "Canards", in Spanien "Pliegos", in Deutschland "Bilderbogen" (der russischen Version am nächsten). Sie kommentierten die Ereignisse der Reformation im 16. Jahrhundert, Kriege und Revolutionen in den Niederlanden im 17. Jahrhundert, im 18. und frühen 19. Jahrhundert. - alle französischen Revolutionen und Napoleonischen Kriege.

Russische populäre Drucke 17. Jahrhundert

Im russischen Staat wurden zu Beginn des 17. Jahrhunderts die ersten populären Drucke (die als Werke anonymer Autoren existierten) gedruckt. in der Druckerei der Kiewer Pechersker Lavra. Die Handwerker schnitten sowohl das Bild als auch den Text von Hand auf eine glatt gehobelte, polierte Lindenplatte, wobei der Text und die Linien der Zeichnung angehoben blieben. Dann wurde mit einem speziellen Lederkissen - Matze - schwarze Farbe aus einer Mischung aus verbranntem Heu, Ruß und gekochtem Leinöl auf die Zeichnung aufgetragen. Ein Blatt feuchtes Papier wurde auf die Platte gelegt und das Ganze in einer Druckmaschine zusammengedrückt. Der resultierende Druck wurde dann von Hand in einer oder mehreren Farben gemalt (diese Art von Arbeit, die oft Frauen anvertraut wurde, wurde in einigen Bereichen als "Flecken auf der Nase" bezeichnet - Färbung unter Berücksichtigung der Konturen).

Die frühesten populären Drucke, die in der ostslawischen Region gefunden wurden, gelten als Ikone der Mariä Himmelfahrt der Theotokos 1614–1624, dem ersten populären Moskauer Druck, der ab sofort in den Sammlungen des späten 17. Jahrhunderts aufbewahrt wird.

In Moskau begann die Verbreitung populärer Drucke mit dem königlichen Hof. 1635 wurden für den 7-jährigen Zarewitsch Alexej Michailowitsch in der Gemüsereihe auf dem Roten Platz sogenannte "Druckbögen" gekauft, wonach die Mode für sie in die Bojarenvillen und von dort in die mittleren und unteren Schichten der Stadtbewohner gelangte, wo der beliebte Druck Anerkennung und Popularität erlangte um 1660.

Unter den Hauptgenres populärer Drucke gab es zunächst nur ein religiöses. Nach dem Beginn der Spaltung der russisch-orthodoxen Kirche in Altgläubige und Nikonier begannen beide gegnerischen Seiten, ihre Blätter und ihre Papierikonen zu drucken. Bilder von Heiligen auf Papier wurden am Spassky-Tor des Kremls und in der Gemüsereihe des Moskauer Marktes in Hülle und Fülle verkauft. Im Jahr 1674 verbot Patriarch Joachim in einem besonderen Dekret über die Menschen, dass "das Schneiden auf Brettern auf Papierbögen heiliger Ikonen von Bildern ... die nicht die geringste Ähnlichkeit mit primitiven Gesichtern, tokomo Vorwurf und Schande haben", die Herstellung populärer Drucke "nicht zur Verehrung" untersagte die Bilder der Heiligen, aber um nützlich zu sein. " Gleichzeitig befahl er, "keine Heiligenikonen auf Papierbögen zu drucken, sie nicht in Reihen zu verkaufen". Zu diesem Zeitpunkt jedoch, nicht weit vom Roten Platz entfernt, an der Ecke von Sretenka und Sovr. Auf dem Rozhdestvensky Boulevard wurde bereits die Printing Sloboda gegründet, in der nicht nur Drucker, sondern auch Schnitzer beliebter Drucke lebten. Der Name dieses Handwerks gab sogar einer der zentralen Straßen Moskaus - Lubjanka - sowie dem Platz daneben den Namen. Später vervielfachten sich die Siedlungsgebiete populärer Drucker, die Kirche in der Nähe von Moskau, die jetzt in der Stadt steht. "Mariä Himmelfahrt in Petschatniki" behielt den Namen der Produktion (sowie "Dreifaltigkeit in Blättern" als Teil des architektonischen Ensembles des Klosters Sretensky).

Unter den Künstlern, die an der Herstellung von Gravurbasen für diese Drucke arbeiteten, befanden sich die berühmten Meister der Druckschule Kiew-Lemberg des 17. Jahrhunderts. - Pamva Berynda, Leonty Zemka, Wassili-Wurzel, Hieromonk Elijah. Gedruckte Drucke ihrer Werke wurden in vier Farben von Hand bemalt: rot, lila, gelb, grün. Thematisch waren alle von ihnen geschaffenen Luboks von religiösem Inhalt, jedoch wurden biblische Helden oft in russischer Volkskleidung auf ihnen dargestellt (wie Kain, der das Land auf Vasily Korens Lubok pflügt).

Nach und nach erscheinen unter den populären Drucken neben religiösen Themen (Szenen aus dem Leben der Heiligen und des Evangeliums) Illustrationen für russische Märchen, Epen, übersetzte Ritterromane (über Bove Korolyovitch, Eruslan Lazarevich), historische Legenden (über die Gründung Moskaus, über die Schlacht von Kulikovo).

Dank dieser gedruckten "lustigen Blätter" werden heute die Details der Bauernarbeit und des Alltags der vorpetrinischen Zeit rekonstruiert ("Der alte Mann Agafon webt Bastschuhe, und seine Frau Arina spinnt Fäden"), Szenen des Pflügens, Erntens, Holzeinschlags, Backens von Pfannkuchen, Rituale des Familienzyklus - Geburten, Hochzeiten Beerdigung. Dank ihnen wurde die Geschichte des russischen Alltags mit realen Bildern von Haushaltsgegenständen und der Einrichtung von Hütten gefüllt. Ethnographen verwenden diese Quellen immer noch, um die verlorenen Skripte von Volksfesten, runden Tänzen, Messegeländen, Details und Werkzeugen von Ritualen (zum Beispiel Wahrsagerei) wiederherzustellen. Einige Bilder russischer Volksdrucke des 17. Jahrhunderts. lange Zeit wurde es verwendet, einschließlich des Bildes der „Leiter des Lebens“, auf der jedes Jahrzehnt einem bestimmten „Schritt“ entspricht („Der erste Schritt dieses Lebens besteht darin, ein sicheres Spiel zu durchlaufen ...“).

Gleichzeitig wurden die offensichtlichen Mängel der frühen populären Drucke - das Fehlen einer räumlichen Perspektive, ihre Naivität - durch die Genauigkeit der grafischen Silhouette, die Ausgewogenheit der Komposition, den Lakonismus und die maximale Einfachheit des Dargestellten ausgeglichen.

Russische Volksdrucke 18. Jahrhundert

Peter Ich sah im populären Druck ein mächtiges Propaganda-Werkzeug. 1711 gründete er in St. Petersburg eine spezielle Gravurkammer, in der er die besten russischen Zeichner zusammenbrachte, die von westlichen Meistern ausgebildet worden waren. Im Jahr 1721 erließ er ein Dekret zur Überwachung der Produktion populärer Lizenzabzüge mit der Auflage, den populären Druck nicht außer Kontrolle geraten zu lassen. Ab 1724 wurden nach seinem Erlass Luboks in St. Petersburg nach der xylographischen Methode aus Kupferplatten gedruckt. Dies waren Panoramen der Stadt, Bilder von siegreichen Schlachten, Porträts des Zaren und seines Gefolges. In Moskau wurde jedoch weiter von Holzbrettern gedruckt. Produkte wurden nicht nur „auf der Spassky-Brücke“ verkauft, sondern auch in allen großen „Reihen und auf den Straßen“ wurden Werke populärer Drucke in viele Provinzstädte transportiert.

Die Handlung der Drucke von St. Petersburg und Moskau begann sich deutlich zu unterscheiden. Die in St. Petersburg hergestellten ähnelten den offiziellen Drucken, die Moskauer verspotteten und manchmal nicht sehr anständige Bilder der Abenteuer alberner Helden (Savoska, Paramoshka, Foma und Yerema), der beliebtesten Volksfeste und Vergnügungen ( Bär mit einer Ziege, Wagemutige Burschen sind glorreiche Kämpfer, Bärenjägerstiche, Hasenjagd). Solche Bilder haben den Betrachter eher unterhalten als erbaut oder erbaut.

Vielzahl von Motiven russischer Volksdrucke des 18. Jahrhunderts. wuchs weiter. Ein evangelisches Thema wurde ihnen hinzugefügt (z. Das Gleichnis vom verlorenen Sohn) Gleichzeitig versuchten die kirchlichen Behörden, die Veröffentlichung solcher Blätter nicht außerhalb ihrer Kontrolle zu veröffentlichen. 1744 erließ die Heilige Synode eine Richtlinie über die Notwendigkeit, alle populären Drucke religiösen Inhalts sorgfältig zu prüfen. Dies war die Reaktion der Kirche auf die mangelnde Kontrolle über die Bildstile und Handlungen populärer Drucke. Auf einem von ihnen war ein reuiger Sünder mit einem Skelett am Sarg abgebildet. Die Überschrift lautete: „Ich weine und weine, wenn ich an den Tod denke!“. Das Bild wurde jedoch von einem fröhlichen bunten Kranz eingerahmt, der den Betrachter nicht auf die Schwäche der Existenz, sondern auf ihre Freude hinwies. Auf solch populären Drucken wurden sogar Dämonen als gutmütig dargestellt, wie ausgebildete Bären; Sie erschreckten nicht, sondern brachten die Leute zum Lachen.

Zur gleichen Zeit verbreiteten sich in Moskau regierungsfeindliche Drucke, denen Peter den Titel des Kapitals entzogen hatte. Darunter - Bilder einer frechen Katze mit einem riesigen Schnurrbart, äußerlich ähnlich wie Zar Peter, Chukhonskaya Baba Yaga - ein Hinweis auf eine gebürtige Chukhonia (Livonia oder Estland) Catherine I. Shemyakin Gericht kritisierte Rechtspraxis und Bürokratie, die in einem Jahrhundert nach Einführung des Kathedralengesetzbuches (ab 1649) nie überwunden wurden. So legte der populäre satirische populäre Druck den Grundstein für die politische Karikatur und Bildsatire Russlands.

Ab der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Die Existenz des Kalenders (Bryusov-Kalender) begann von der zweiten - biografischen ( Biographie des glorreichen Fabulisten Aesop) Schienen.

In St. Petersburg wurden in Form von populären Drucken geografische Karten, Pläne und Zeichnungen veröffentlicht. In allen Städten und Provinzen waren die Blätter der Moskauer Produktion perfekt ausverkauft und reproduzierten alltägliche und lehrreiche Maximen zu einem Liebesthema ( Ah, blaues Auge, küss nur einmal, Nehmen Sie einen reichen, wird Vorwurf. Nehmen Sie eine gute, viele Leute werden es wissen. Nehmen Sie eine kluge, lassen Sie nicht ein Wort sagen ...). Ältere Käufer bevorzugten erbauliche Bilder über die Vorteile eines moralischen Familienlebens ( Verpflichtung, sich um den Rest der Frau und der Kinder zu kümmern).

Die humorvollen und satirischen Blätter mit literarischen Texten, die Kurzgeschichten oder Märchen enthalten, haben echte Popularität erlangt. Auf ihnen konnte der Betrachter etwas finden, was im Leben nicht vorkam: einen "feuerfesten Mann", "ein Bauernmädchen Martha Kirillova, das seit 33 Jahren unter dem Schnee war und unversehrt blieb", seltsame Kreaturen mit Krallenpfoten, einem Schlangenschwanz und einem menschlichen bärtigen Gesicht, angeblich "gefunden in Ishpania am Ufer des Uler am 27. Januar 1775 “.

Die Unglaublichkeit und alle Arten von Wundern, die auf den populären Drucken dieser Zeit dargestellt sind, gelten als "volkstümlich grotesk". In den populären Drucken verwandelten sich alte Frauen und Älteste, sobald sie in der Mühle waren, in junge Frauen und tapfere Gefährten, wilde Tiere jagten Jäger, Kinder wickelten und wiegten ihre Eltern. Beliebte populäre Drucke sind als "Changeling" bekannt - ein Bulle, der ein Mann wurde und den Metzger am Bein an einen Haken hängte, und ein Pferd, das den Reiter jagte. Unter den geschlechtsspezifischen „Gestaltwandlern“ gibt es alleinstehende Frauen, die in den Bäumen nach „Niemands“ -Männern suchen. Niemand weiß, wie sie dort gelandet sind. Starke Frauen, die Männern die Hosen rauben und miteinander um die Herren kämpfen, damit niemand sie bekommt.

Von Illustrationen bis zu übersetzten abenteuerlichen Geschichten, Texten, aphoristischen Ausdrücken, Anekdoten, "Orakelvorhersagen" und Interpretationen von Traumbüchern in populären Drucken des 18. Jahrhunderts. Sie können die damaligen moralischen, moralischen und religiösen Ideale des Volkes beurteilen. Russische populäre Drucke verurteilten Rummel, Trunkenheit, Ehebruch, ungerechtfertigt erworbenen Reichtum und lobten die Verteidiger des Vaterlandes. In St. Petersburg wurden Bilder mit Geschichten über bemerkenswerte Ereignisse in der Welt in großen Auflagen verkauft. Damit, Wal im Weißen Meer gefangen, Wunder des Waldes und Wunder des Meeres wiederholte die Nachrichten der Zeitung "St. Petersburg Vedomosti". Während der Jahre erfolgreicher Schlachten des Siebenjährigen Krieges (1756–1763) wurden Bilder mit Bildern von einheimischen Pferde- und Fußgrenadieren mit Porträts berühmter Kommandeure erstellt. Während der russisch-türkischen Kriege von 1768–1774 und 1787–1791 erschienen viele populäre Drucke mit Szenen siegreicher Schlachten. So wurde der beliebte Druck von St. Petersburg zu einer Art illustrierter Zeitung für eine breite Palette von Analphabeten.

Epische Helden in populären Drucken wurden oft im Moment ihres Triumphs über einen Rivalen dargestellt. Zar Alexander der Große besiegte während des Sieges über den indischen König Porus, Eruslan Lazarevich, den siebenköpfigen Drachen. Ilya Muromets wurde dargestellt, als hätte er die Nachtigall den Räuber mit einem Pfeil getroffen, und Ilja ähnelte Zar Peter I. und Nachtigall ähnelte dem schwedischen König Karl XII., Der von ihm niedergeschlagen wurde. Sehr beliebt war auch die beliebte Serie über den russischen Soldaten, der alle Feinde überwindet.

Auf dem Weg von Werkstatt zu Werkstatt wurden Ideen und Handlungen populärer Drucke mit Innovationen bewachsen, die ihre Originalität bewahrten. Ende des 18. Jahrhunderts bildete sich das Hauptunterscheidungsmerkmal populärer Drucke - die untrennbare Einheit von Grafik und Text. Manchmal wurden die Inschriften in die Komposition der Zeichnung aufgenommen und machten einen Teil davon aus, häufiger verwandelten sie sich in einen Hintergrund und manchmal umrahmten sie einfach das Bild. Das Aufteilen der Handlung in separate „Rahmen“ (ähnlich den hagiografischen „Kennzeichen“ auf alten russischen Ikonen), begleitet von dem entsprechenden Text, wurde typisch für beliebte Druckgrafiken. Manchmal, wie auf Symbolen, befand sich der Text innerhalb der Briefmarken. Die grafische Monumentalität flacher Figuren, umgeben von üppigen dekorativen Elementen - Gras, Blumen und verschiedenen kleinen Details - zwingt den modernen Betrachter, sich an die klassischen Fresken der Meister von Jaroslawl und Kostroma des 17. Jahrhunderts zu erinnern, die bis zum Ende des 18. Jahrhunderts als Grundlage des beliebten Druckstils galten.

Um die Wende des 18.-19. Jahrhunderts. Bei der Herstellung populärer Drucke begann der Übergang vom Holzschnitt zur Metall- oder Lithographie (Steindruck). Einfarbige und dann mehrfarbige Bilder wurden typografisch gefärbt. Eine dekorative Einheit von Komposition und Farbgebung entstand unter Wahrung der Unabhängigkeit von den Techniken professioneller Grafik. Entwickelte stabile Farbattribute in den beliebtesten Bildern (gelbe Kasan-Katze, blaue Mäuse in einer Schiene mit dem Begräbnis der Katze, mehrfarbiger Fisch in Die Geschichte von Ruff Ershovich). Neue Methoden der Ausdruckskraft zeigten sich bei der Übertragung von Wolken, Meereswellen, Laub, Gras, Kleidungsfalten, Falten und Gesichtszügen, die mit großer Sorgfalt gezeichnet wurden.

Gleichzeitig beherrschten Altgläubige in abgelegenen Klöstern an den Flüssen Vyg und Lexa in Karelien ihre Technik zur Herstellung und Reproduktion populärer Drucke. Sie übertrugen das von den geistlichen Vätern genehmigte Original auf dickes Papier und bohrten dann mit einer Nadel viele Löcher entlang der Kontur der Zeichnung. Neue Blätter wurden unter die mit Nadeln gestochenen gelegt, und der Meister tätschelte sie mit einem Beutel Kohlenstaub. Staub drang durch die Löcher auf ein leeres Blatt, und der Künstler musste nur die resultierenden Striche und Striche umkreisen, um das Bild dann genau zu malen. Diese Methode wurde "Pulver" genannt.

Russische populäre Drucke des 19. Jahrhunderts.

Im 19. Jahrhundert. lubok hat seine rolle als "illustration der russischen realität" weiter gestärkt. Während des Vaterländischen Krieges von 1812 wurden viele patriotische populäre Drucke mit Zeichnungen und Unterschriften veröffentlicht. Unter dem Einfluss stabiler Methoden zur Darstellung volks amüsanter Blätter erschienen in den Jahren dieses Krieges Autorenimitationen volkstümlicher Drucke, die von professionellen Künstlern im populären Stil angefertigt wurden. Darunter befinden sich Radierungen von I. I. Terebenev, A. G. Venetsianov, I. A. Ivanov, die die Vertreibung von Napoleons Truppen aus Russland darstellen. Realistische Bilder russischer Soldaten und Bauern-Partisanen standen neben fantastischen, grotesken Bildern der französischen Invasoren-Grenadiere. Parallele Existenz von Radierungen des Autors "unter der Schiene" und tatsächlich volkstümlichen, anonymen populären Drucken begann.

In den 1810er Jahren brauchten Verlage nicht mehr als zwei Wochen, um schnell auf Vorfälle zu reagieren und Käufern handgemalte Lithografien "auf den Kopf des Tages" anzubieten. Die Produktion blieb kostengünstig: Die Kosten für 100 gedruckte Blätter betrugen 55 Kopeken. Einige der Blätter wurden in großem Maßstab gedruckt - 34 × 30 oder 35 × 58 cm; Unter ihnen waren am häufigsten gemalte Porträts von Märchenhelden - Eruslan, Guidon, Bova Korolevich, Saltan - anzutreffen. Unter den Menschen wurden die Laken von wandernden Händlern (ofeni, Hausierer) verteilt, die sie in Bastkisten in die Dörfer trugen; In Städten waren Blätter auf Märkten, Auktionen und Messen zu finden. Während sie unterrichteten und unterhielten, waren sie in ständiger und nicht abnehmender Nachfrage. Sie wurden verwendet, um Hütten zu dekorieren, die immer häufiger neben den Symbolen platziert wurden - in der roten Ecke oder einfach an die Wände gehängt.

1822 begann der junge Moskauer Wissenschaftler I. Snegirev, Volksbilder zu sammeln und zu studieren, doch als er den Mitgliedern der Gesellschaft für Russische Literatur seinen Bericht darüber anbot, bezweifelten sie, dass "ein so vulgäres und alltägliches Thema, das dem Gesindel gegeben wurde", wissenschaftlich geprüft werden könnte. Für den Bericht über populäre Drucke wurde ein anderer Name vorgeschlagen - ... Die Einschätzung dieser Art von Volkskunst erwies sich als sehr düster: "Das Bastardbild ist unhöflich und sogar hässlich, aber der Bürger hat sich daran gewöhnt, wie mit dem üblichen Schnitt seines grauen Kaftans oder mit einem nackten Pelzmantel aus heimischem Schaffell." Snegirev fand jedoch Anhänger, darunter D. A. Rovinsky, der zum größten Sammler populärer Drucke wurde und seine Sammlung dann als Geschenk an das Rumyantsev-Museum in Moskau überließ.

Thematisch nahm die Kritik an reichen, gierigen, eitlen Menschen einen immer wichtigeren Platz in den Volkslisten ein. Bekannt aus dem 18. Jahrhundert erhielt eine neue Bedeutung. Blätter Dandy und venaler Dandy, Bestechungsgeldgeber, Der Traum eines reichen Mannes... Lubki kritisierte bildlich Beamte, Grundbesitzer, Vertreter des Klerus ( Beschwerden der Kalyazin-Mönche).

Im Jahr 1839, zur Zeit der strengen Zensurbestimmungen (von Zeitgenossen als "Gusseisen" bezeichnet), wurden auch populäre Drucke zensiert. Die Versuche der Regierung, ihre Produktion einzustellen, brachten jedoch unter anderem kein Ergebnis - der Befehl der Moskauer Behörden von 1851, alle Kupferplatten in der "alten Hauptstadt" auf die Glocken zu gießen. Als den Behörden klar wurde, dass es unmöglich war, die Entwicklung dieser Form der Volkskunst zu verbieten, begann ein Kampf, den populären Druck zu einem Instrument ausschließlich staatlicher und kirchlicher Propaganda zu machen. Zur gleichen Zeit wurde der schismatische (Altgläubige) Lubok 1855 von Nikolaus I. verboten, und die Klöster auf Vyga und Leks selbst wurden durch denselben Erlass geschlossen. Populäre Veröffentlichungen über das kurze Leben russischer Heiliger, Papierikonen, Klostertypen und Evangelien in Bildern wurden auf einer einzigen, von den Kirchenbehörden genehmigten Grundlage gedruckt und kostenlos unter den Menschen verteilt, "um den Glauben zu stärken".

Die Zahl der Lithografien, die in Russland Drucke produzieren, nahm stetig zu. Nur eine Lithografiewerkstatt des 1858 gegründeten Verlags I. Golyshev produzierte bis zu 500.000 Drucke pro Jahr. Die Entwicklung der Massenproduktion dieser Bilder beeinflusste jedoch ihre Qualität, Farbgebung, führte zum Verlust der Individualität in der visuellen Art und Weise, Inhalt. Zur gleichen Zeit, in der Mitte des 19. Jahrhunderts, nicht nur die Gleichnisse von A. P. Sumarokov und Illustrationen zu den Fabeln von I. A. Krylov, sondern auch die Märchen von V. A. Levshin, die Geschichten von N. M. Karamzin, kurz Werke von A. S. Puschkin, M. Yu Lermontov, A. V. Koltsov, N. V. Gogol. Oft verändert und verzerrt, nachdem sie den Namen des Autors verloren hatten, brachten sie den Verlagen aufgrund ihrer großen Auflage und anhaltenden Beliebtheit enorme Einnahmen. Zu diesem Zeitpunkt wurde die Kunst des populären Drucks als Pseudokunst, Kitsch, angesehen.

Manchmal erhalten Autorenwerke in populären Drucken nicht nur eine Art grafische Interpretation, sondern auch eine Fortsetzung der Handlung. Das sind Schienen Borodino auf den Versen von Lermontov, Abends regnerischer Herbst über Gedichte von Puschkin, veröffentlicht unter dem Titel Romantik, Illustrationen zu den Handlungen von Koltsovs Liedern.

Seit 1860 sind populäre Drucke ein unverzichtbares Merkmal des Inneren des Hauses eines gebildeten Bauern geworden. Sie bildeten das Konzept des "Massenlesers", das, wie einer der Forscher in der Zeitschrift Otechestvennye zapiski schrieb, aus "Kindermädchen, Müttern und Krankenschwestern" bestand. Laut dem Verlag ID Sytin wurde die Rolle der "Zeitung, des Buches, der Schule" und der populären Drucke immer häufiger zu den ersten Grundierungen, mit denen Bauernkinder lesen und schreiben lernten. Gleichzeitig erregte die Fälschung "unter der Nationalität" in einigen Druckabzügen die Empörung der Literaturkritiker (VG Belinsky, NG Chernyshevsky), die den Verlegern schlechten Geschmack und die mangelnde Bereitschaft vorwarfen, das Weltbild der Menschen zu entwickeln und zu verbessern. Aber da die populären Drucke manchmal die einzige Lesung waren, die den Bauern zur Verfügung stand, träumte N. A. Nekrasov von dieser Zeit:

Wenn ein Mann nicht Blucher ist,

Und nicht törichter Milord,

Belinsky und Gogol

Vom Basar wird tragen...

Der vom Dichter erwähnte Blucher und Milord Georg waren Helden populärer Drucke, die ab dem Ende des 18. Jahrhunderts existierten. Westeuropäische Themen solcher "Blätter für das Volk" wurden leicht zu russischen. So verwandelte sich die französische Legende über Gargantua (die die Grundlage von F. Rables Buch in Frankreich bildete) in Russland in populäre Drucke über Herrliches Überessen und fröhliches Podlival... Das Blatt war auch sehr beliebt Geldteufel - Kritik an der allgemeinen Bewunderung für die Macht des Goldes.

Im letzten Drittel des 19. Jahrhunderts, als die Chromolithographie (Druck in mehreren Farben) erschien, die die billige Druckproduktion noch billiger machte, wurde eine strenge Zensurkontrolle für jedes Bild eingeführt. Der neue populäre Druck begann sich auf die offizielle Kunst und die darin enthaltenen Themen zu konzentrieren. Zwar hat der alte populäre Druck als eine Art bildende Volkskunst fast aufgehört zu existieren.

Russischer populärer Druck im 20. Jahrhundert und seine Transformation.

Viele Meister des Pinsels und der Worte Russlands suchten nach ihren Inspirationsquellen für populäre Drucke, ihrer Klarheit und Popularität. I. E. Repin ermutigte die Schüler, dies zu studieren. Elemente populärer Drucke finden sich in den Werken von V. M. Vasnetsov, B. M. Kustodiev und einer Reihe anderer Künstler des frühen 20. Jahrhunderts.

In der Zwischenzeit wurden Volksbilder weiterhin landesweit versteigert. Zu Beginn des 19. und 20. Jahrhunderts, während der Jahre des Anglo-Boer-Krieges, wurde die berühmte Volksprinzessin Ojedala in Form eines riesigen Boer gemalt, der zu viel von den Briten gegessen hatte. 1904, zu Beginn des russisch-japanischen Krieges, wurde derselbe Ojedala als russischer Heldensoldat dargestellt, der japanische Soldaten verschlang.

Illustratoren satirischer Magazine wandten sich während der Ersten Russischen Revolution von 1905–1907 auch volkstümlichen Drucken zu.

Die künstlerische Erfahrung der Menschen, ihr Sinn für Schönheit und Maß hatten einen bedeutenden Einfluss auf die berühmten Künstler Mikhail Larionov und Natalia Goncharova. Sie organisierten 1913 die erste Ausstellung populärer Drucke in Russland.

Im August 1914 gründeten die Avantgarde-Künstler K. Malevich, A. Lentulov, VV Mayakovsky, D. D. Burliuk die Gruppe "Today's Lubok", die die alten Traditionen des Battle Lubok des 19. Jahrhunderts wiederbelebte. Diese Gruppe erstellte eine Reihe von 22 Seiten zu militärischen Themen unter Verwendung der Tradition populärer Drucke. In ihnen verband der patriotische Aufschwung zu Beginn des Ersten Weltkriegs die Besonderheiten der naiv-primitiven künstlerischen Sprache mit der individuellen Art jedes Künstlers. Poetische Texte für die Blätter wurden von Mayakovsky geschrieben, der nach Inspiration für die alten Reimtraditionen suchte:

Eh du, Deutscher, mit und mit dem gleichen!
Sie werden nicht fertig sein, was Sie in Paris essen sollten!
Und schon, Bruder, wie ein Keil:
Sie sind in Paris - und wir sind in Berlin!

Massiv veröffentlichte populäre Drucke von Sytins Druckerei lobten damals die Heldentaten des fiktiven Draufgänger - des russischen Soldaten Kozma Kryuchkov.

Populäre Drucke als eigenständige grafische Werke wurden 1918 in Russland nicht mehr veröffentlicht, als das gesamte Druckgeschäft in Staatsbesitz wurde und unter eine einzige ideologische Kontrolle fiel. Das Genre des populären Drucks, dh Blätter mit Bildern, die für das einfache Volk verständlich sind, beeinflusste jedoch die Arbeit vieler sowjetischer Künstler. Sein Einfluss findet sich auf den Plakaten der 1920er Jahre "ROSTA Windows", die in die Geschichte der Weltkunst eingehen. Es war dieser Einfluss, der die frühen sowjetischen Plakate populär machte, die in einem populären Stil ausgeführt wurden - Hauptstadt V. I. Denis (1919), der die imperialistische Oligarchie kritisierte, und Bist du unter den Freiwilligen? und Wrangel lebt noch D. S. Moora, die den Schutz des Vaterlandes forderte. Mayakovsky, M. Cheremnykh, suchte speziell nach Möglichkeiten, die künstlerische Ausdruckskraft dieser "sowjetischen Volksdrucke" (sowjetische Propagandakunst) zu verbessern. Die Bilder populärer Drucke wurden in der Poesie von Demian Bedny, S. Yesenin, S. Gorodetsky verwendet.

Die Werke russischer Avantgarde- und konstruktivistischer Künstler beziehen sich auf den traditionellen russischen Lubok-Lakonismus der Ausdrucksmittel, Monumentalität und Nachdenklichkeit der Komposition. Sein Einfluss zeigt sich besonders in den Werken von I. Bilibin, M. Larionov, N. Goncharova, P. Filonov, V. Lebedev, V. Kandinsky, K. Malevich, später - V. Favorsky, N. Radlov, A. Radakov.

Während des Großen Vaterländischen Krieges wurde der populäre Druck erneut von den Kukryniksy verwendet. Böse Karikaturen der faschistischen Rädelsführer (Hitler, Goebbels) wurden von den Texten scharfer Fronten begleitet, die den "schrägen Hitler" und seine Handlanger lächerlich machten.

Während des "Auftauens" von Chruschtschow (Ende der 1950er bis Anfang der 1960er Jahre) wurden in Moskau Ausstellungen populärer Drucke organisiert, in denen die besten Proben aus den Sammlungen des Museums der Schönen Künste zusammengeführt wurden. A. S. Puschkin, Literaturmuseum, Russische Nationalbibliothek. M. E. Saltykov-Shchedrin in St. Petersburg, Russische Staatsbibliothek in Moskau. Seit dieser Zeit begann eine systematische wissenschaftliche Untersuchung populärer Drucke in der sowjetischen Kunstgeschichte.

In den Jahren der sogenannten "Stagnation" (1965-1980) verwendete der Künstler T.A. Mavrina populäre Drucke, um Kinderbücher zu illustrieren. Später, während der Perestroika, wurde versucht, Kindercomics im Geiste traditioneller populärer Drucke auf den Mittelfalten der Magazine Krokodil und Murzilka zu veröffentlichen, aber sie gewannen nicht an Popularität.

Im modernen Russland zu Beginn des 21. Jahrhunderts. Es wurde wiederholt versucht, die verlorenen Traditionen der Herstellung populärer Drucke wiederzubeleben. Unter den erfolgreichen Versuchen und Autoren - V. Penzin - der Gründer einer neuen Lubok-Werkstatt in Moskau. Nach Meinung vieler russischer Künstler und Verleger sind populäre Drucke national, unverwechselbar, unübertroffen in Bezug auf Anzahl und Reichtum der Themen, Vielseitigkeit und Lebendigkeit der Reaktionen auf Ereignisse. Seine eleganten, farbenfrohen Blätter mit erbaulichem, informativem oder humorvollem Text traten in das Leben der Menschen ein, die in Russland viel länger als in Europa existierten und mit professionellen Grafiken und Literatur konkurrierten und mit ihnen interagierten.

Alte populäre Drucke werden heute in der Druckabteilung der Russischen Staatsbibliothek als Teil der Sammlungen von D. A. Rovinsky (40 dicke Ordner), V. I. Dal, A. V. Olsufiev, M. P. Pogodin sowie im Russischen Staatsarchiv der Antike aufbewahrt Acts und das Gravurbüro des Museum of Fine Arts. A. S. Puschkin.

Lev Pushkarev, Natalia Pushkareva

Literatur:

Snegirev I. Über beliebte Bilder... - Verfahren der Gesellschaft der Liebhaber russischer Literatur an der Moskauer Universität, Teil 4. M., 1824
Rovinsky D.A. Russische Volksbilder, v. 1–5. SPb, 1881
Ivanov E.P. Russischer Volkslubok... M., 1937
Russischer Volksdruck des 17. - 19. Jahrhunderts... M. - L., 1962
Lubok: Russische Volksbilder des 17. - 18. Jahrhunderts... M., 1968
Russischer Lubok... M., 1970
Drenov N.A. Vom populären Druck zum Kino, die Rolle des populären Drucks bei der Bildung der Populärkultur im 20. Jahrhundert... - Traditionelle Kultur. 2001, Nr. 2

Veröffentlichungen der Sektion Traditionen

Die Kunst des populären Drucks im vorrevolutionären Russland

Lubki erschien im 17. Jahrhundert in Russland und wurde aufgrund der Themenvielfalt schnell bei Bauern und städtischen Gütern beliebt. Sie ersetzten Ikonen, Bücher und Zeitungen und schmückten sogar das Innere. Lesen Sie, wie beliebte Drucke den Verlagsmarkt eroberten und auf welchen Seiten Themen von Kunden besonders geliebt wurden.

Die Kunst der populären Drucke stammt ursprünglich aus China. In Russland gilt der Vorgänger dieses Genres als Papierikone, die auf Messen und in Klöstern massiv verkauft wurde. Die ersten religiösen Drucke wurden zu Beginn des 17. Jahrhunderts in der Kiewer Pechersker Lavra gedruckt. Im Laufe der Zeit wurden einfache und verständliche Szenen aus dem weltlichen Leben zu spirituellen Handlungen hinzugefügt: Solche Bilder waren leicht ausverkauft.

Im 17. Jahrhundert wurden populäre Drucke "fryazhskie" oder deutsche, amüsante Blätter genannt; Viele der Bilder wiederholten die in Europa beliebten Szenen. In Moskau wurden sie zunächst zur Dekoration der Innenräume von Höflingen und Adligen verwendet, und dann begannen die Bürger, Laken zu kaufen. Bald wurde die Produktion von Bildern überwacht.

Die Vertreter der Kirche sorgten dafür, dass die religiösen Drucke keine Häresie aufwiesen, und die Beamten sorgten dafür, dass das Bild der königlichen Personen gut zur Geltung kam. Die Vorschriften und Dekrete wurden jedoch widerstrebend ausgeführt: Auf Messen wurden häufig Blätter mit sehr freiem Inhalt verkauft.

Bereits zu Beginn des 18. Jahrhunderts waren populäre Drucke im Adel aus der Mode gekommen, und die Bourgeoisie, Handwerker und Kaufleute kauften sie immer noch bereitwillig auf. 1721 nahm die Regierung die Volkskunst auf: Der freie Verkauf von Bildern als mächtiges Propagandamittel wurde verboten. Sie dürfen nur in Druckereien und nur mit besonderer Genehmigung reproduziert werden.

Im 19. Jahrhundert verliebten sich die Bauern in beliebte Drucke: Bilder schmückten die Wände fast jeder Dorfhütte. Edle und professionelle Künstler betrachteten dieses Genre als Volkskunst von geringer Qualität, aber gleichzeitig gab es Tausende von Auflagen populärer Drucke.

Beliebte Bilder für Liebhaber und Forscher der russischen Antike sind von großem Interesse: Sie spiegeln den Geist der Menschen lebendig wider, dienen als wertvolles Werkzeug für das Studium ihrer Lebensweise und Bräuche, geben eine Vorstellung davon, was er in Bezug auf Kunst getan hat, machen sich mit seinen Überzeugungen, Ansichten und Vorurteilen vertraut mit allem, was ihn beschäftigte und amüsierte, in dem sich sein Witz widerspiegelte.
Enzyklopädisches Wörterbuch von Brockhaus und Efron

In den entlegensten Winkeln des Landes und in kleinen Dörfern handelten wandernde Händler - Hausierer oder, wie sie auch genannt wurden, ofeni mit Bildern. Zusammen mit Kurzwaren und anderen Waren verkauften sie beliebte Drucke und Kalender, die sie in großen Mengen in Moskauer Werkstätten kauften.

Die Bilder wurden ursprünglich von Kalkbrettern gedruckt. Einer der Versionen zufolge erschien das Wort „Lubok“ von der Linde, die früher Bast genannt wurde. Sie wurden in mehreren Schritten hergestellt: Zuerst legte ein Autodidakt eine Zeichnung auf eine Tafel, schnitt sie dann mit Spezialwerkzeugen aus und bedeckte das Material mit Farbe. Die Vertiefungen während des Druckens blieben weiß, unter der Presse gingen nur die übermalten Bereiche auf das Papier über. Die ersten populären Drucke waren schwarz und weiß und wurden auf billigem grauem Material gedruckt.

Aber bereits im 17. Jahrhundert erschienen Druckwerkstätten. Ein Jahrhundert später gründete Kaiser Peter I. in Moskau eine Gravurkammer, in der die besten in Europa studierenden Künstler arbeiteten. Kupferplatten ersetzten Holzbretter: Eine Zeichnung wurde auch auf das Metall aufgebracht, mit Spezialwerkzeugen zerkratzt, mit Farbe bedeckt und Drucke gemacht. Die aktualisierte Technologie ermöglichte es, dünne und glatte Linien zu erzielen und der Schiene kleine Details hinzuzufügen.

Gedruckte Rohlinge wurden zu Artels in Dörfern in der Nähe von Moskau gebracht, wo Frauen und Kinder sie gegen eine geringe Gebühr mit nur vier Farben bemalten. Oft wurde die Arbeit nachlässig erledigt, aber die Käufer schätzten die hellen Bilder für ihren Humor, nicht für die Qualität der Arbeit. Im 19. Jahrhundert entstanden Fabriken, in denen Blätter in großen Mengen gedruckt wurden. Eine neue Technologie verbilligte die Produktion - das Drucken von einer flachen Steinoberfläche. Die Nachfrage nach populären Drucken war hoch: Ende des 19. Jahrhunderts produzierten die Verlage Hunderttausende von Exemplaren, was ihnen ein gutes Einkommen einbrachte.

Beliebte Themen: von der Moralisierung bis zur Nacherzählung durch Puschkin

Bilder für Bauern wurden zu einer Quelle von Nachrichten und Wissen: Sie waren billig und ersetzten Zeitungen. Ihre Bedeutung war selbst dem Analphabeten klar, obwohl die Bilder von erbaulichem oder humorvollem Text begleitet wurden.

Moral, Religiosität, Familienwerte.Wohlhabende Kaufleute kauften Moralisierungs- und Lehrblätter über Tugenden und Familienleben, und beliebte Drucke über zersplitterte Kinder, die in die Stadt gingen und dort Geld verschwendeten, waren bei den Bauern beliebt. Die Bilder verurteilten Trunkenheit, Aufruhr, Ehebruch und lobten die traditionellen Werte und das Heldentum russischer Soldaten.

Bauern und Stadtbewohner kauften bereitwillig Drucke zu religiösen Themen, biblischen Legenden, Leben von Heiligen, Kalendern von Kirchenfeiertagen und Kopien von Ikonen. Handwerker kopierten Kirchenfresken und Zeichnungen aus Büchern - solche Bilder dienten als billige Version teurer Ikonen. In populären Drucken, die auf den Gleichnissen des Evangeliums basierten, wurde der Laie an die Normen der Moral und der Sünden erinnert, die bei jedem Schritt auf der Lauer liegen. Bilder mit Unterschriften waren beliebt: von welcher Krankheit oder welchem \u200b\u200bUnglück, für welche der Heiligen gebetet werden sollte, sowie beliebte Drucke mit Gebetstexten und Kalendern mit den wichtigsten religiösen Feiertagen.

Politik und Geschichte. Mit Hilfe von Bildern erhielten die Bauern Informationen über Ereignisse im Land und große militärische Schlachten. Zum Beispiel zeigten die populären Drucke die siegreichen Schlachten der russisch-türkischen Kriege des 18. Jahrhunderts. Die Texte für die Blätter stammen aus der Zeitung Moskovskie vedomosti, aber die Autoren der Bilder haben sie umgeschrieben, um die Sprache für Analphabeten verständlich zu machen, und sie wurden durch Legenden und Legenden ergänzt, wobei die Kampfverluste feindlicher Truppen oft in fantastischen Ausmaßen übertrieben wurden.

Oft verzerrten die Autoren sowohl den Text als auch die Handlung eines literarischen Werkes und interpretierten die Charaktere der Helden und ihre Handlungen frei. Gebildete Leser behandelten populäre Drucke als Kunst von geringer Qualität, aber Bilder kamen weiterhin in großer Zahl heraus und brachten den Verlagen beeindruckende Einnahmen.

Sie sahen in Schienen einen völligen Mangel an Perspektive, Farbgebung, ähnlich wie Malen oder Schmieren, Vulgarität und Unhöflichkeit in Ausdrücken, hoch und majestätisch, verwandelten sich in übertrieben und monströs, lustig und lustig in Low-Comic und Scherz, bemerkten aber nicht die Bedeutung und den Geist im Inhalt selbst , Ideen in Bildern.
Historiker, Forscher des russischen populären Drucks Ivan Snegirev. Aus dem Buch "Populäre Bilder des russischen Volkes in der Moskauer Welt"

Luboks waren in Russland bis zum Beginn des 20. Jahrhunderts beliebt. 1918, als das Druckgeschäft in Staatsbesitz wurde, wurde die Veröffentlichung eingestellt. Das Genre manifestierte sich jedoch auf die eine oder andere Weise in der Arbeit der Avantgarde-Künstler. Viele Künstler der 1920er Jahre verwendeten den künstlerischen Stil und die Folkloretechniken populärer Drucke, die sich beispielsweise in den berühmten Plakaten "ROSTA Windows" manifestierten.

Lubochny

Aya, th

1) Gedruckt von einer Schiene, einer Kalkplatte, auf die ein Bild zum Drucken eingraviert ist.

Beliebte Bilder.

2) Bezogen auf oder Zugehörigkeit zu den Werken, die im vorrevolutionären Russland für das Volk veröffentlicht wurden und sich durch ihren primitiven Inhalt auszeichneten.

Beliebte Veröffentlichungen.

Verwandte Wörter:

schiene

Etymologie:

Aus einem gemeinsamen slawischen Substantiv * lubъ, eine indogermanische Wurzel haben * leub (h) - "schälen (Rinde)", "abbrechen", "Schaden".

Luboknaya-Literatur - billige gedruckte Massenpublikationen in Russland, die in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts erschienen. im Anschluss an die beliebten Drucke. Typische Genres der Populärliteratur: Veränderungen von Märchen und Epen, Ritterromane, historische Legenden, Abenteuergeschichten, Leben von Heiligen; Liederbücher, Sammlungen von Anekdoten, Orakeln, Traumbüchern. Populäre literarische Werke waren in der Regel anonym.

Populäres Wörterbuch der russischen Sprache. Erklärend und enzyklopädisch. - M.: Russischsprachige Medien. A.P. Guskova, B.V. Sotin. 2003 .

Synonyme:

Sehen Sie, was "beliebt" in anderen Wörterbüchern ist:

beliebter Druck - Cm … Synonymwörterbuch

beliebter Druck - (beliebt nicht empfohlen) ... Wörterbuch der Aussprache und Stressschwierigkeiten im modernen Russisch

LUBOCHNY - [shn], populärer Druck, populärer Druck. 1. Das gleiche wie Bast. Beliebter Schlitten. 2. Über Bilder: Ursprünglich aus gravierten Lindenluboks gedruckt und durch extreme Primitivität der Ausführung (historisch) gekennzeichnet. Beliebte Bilder. || Transfer Unskilful, grell ... Ushakovs erklärendes Wörterbuch

LUBOCHNY - LUBOCHNY, oh, oh. 1. Siehe Bast und Schiene. 2. Gedruckt von Luboks (in 3 Ziffern). Beliebte Bilder. Populäre Literatur 1) vorrevolutionäre Massenpublikationen, billig und primitiv inhaltlich; 2) primitive Literatur für ... ... Ozhegovs erklärendes Wörterbuch

Lubochny

Lubochny - Ich adj. 1.rel. mit Substantiv Bast, Lubok I 1., verbunden mit ihnen 2. Inhärent in Bast [Lub 2.], Lubok [Lubok I 1.], charakteristisch für sie. 3. Hergestellt aus Bast [Bast 2., 3.], Lubok [Lub I 1.]; Bast. II App. 1.rel. mit Substantiv Schiene II, mit ... Modernes Erklärungswörterbuch der russischen Sprache von Efremova

beliebter Druck - beliebte Drucke, beliebte Drucke, beliebte Drucke, beliebte Drucke, beliebte Drucke, beliebte Drucke, beliebte Drucke, beliebte Drucke, beliebte Drucke, beliebte Drucke, beliebte Drucke, beliebte Drucke, beliebte Drucke, beliebte Drucke, beliebte Drucke, beliebte Drucke, beliebte Drucke, beliebte Drucke, beliebte Drucke ... Wortformen

beliebter Druck - Vollzeitbast; kurz Form Chen, Chna ... Russisches Rechtschreibwörterbuch

beliebter Druck - … Rechtschreibwörterbuch der russischen Sprache

beliebter Druck - A / pr; 110 cm. Anhang II (hergestellt aus faserigem Gewebe von Pflanzen; auf Kunst: primitiv) So ist der direkte Dichter. Er klagt mit seiner Seele über die großartigen Spiele von Melpomene * und lächelt über die Belustigung der Gegend und die Freiheiten der Bastardszene ... Wörterbuch der russischen Belastungen

Bücher

Das ABC von Petersburg. Fast drei Jahrhunderte sind vergangen, seit Peter der Große eine Stadt im Newa-Delta gründete, die zum Weltruhm bestimmt war. St. Petersburg, geschaffen durch titanische Arbeit in den meisten ... Kaufen Sie für 1600 Rubel
Die Charta einer Falknerei, Michail Uspenski. In den Ländern des unbekannten Zamir, wo Sharakh-Vögel Kaviar fressen und Gavriks jagen, befindet sich die herrliche Stadt Makukhha, die Hauptstadt des Listoranischen Königreichs. Und alles wäre in Ordnung, aber ein neuer Herrscher hat gewährt. ...

Layout und Design V.SAVCHENKO

Fotografie B. B. ZVEREVA

Russischer Kniga-Verlag 1992

die eingeschriebene Schiene ist eine der Sorten der Volkskunst. Seine Entstehung und weit verbreitete Existenz fällt auf eine relativ späte Periode in der Geschichte der Volkskunst - der Mitte des 18. und 19. Jahrhunderts, als viele andere Arten der bildenden Volkskunst - Malerei auf Holz, Buchminiaturen, gedruckte Grafikdrucke - bereits einen bestimmten Entwicklungspfad durchlaufen haben.

In historischer und kultureller Hinsicht ist der gezeichnete populäre Druck eine der Hypostasen des volkstümlichen Bildprimitivs, der in einer engen Reihe mit solchen Arten von Kreativität wie bildlichem und graviertem populärem Druck einerseits und mit Malerei auf sich drehenden Rädern, Truhen und der Kunst des Dekorierens handgeschriebener Bücher andererseits steht ... Es sammelte die idealen Prinzipien des ästhetischen Bewusstseins der Folklore, die Hochkultur der alten russischen Miniaturen, populäre Drucke, die auf den Prinzipien der naiven und primitiven Kreativität basieren.

Die gezeichnete Schiene ist eine relativ schlecht untersuchte Entwicklungslinie der Volkskunst des 18.-19. Jahrhunderts. Bis vor kurzem wurde die bemalte Schiene in der Literatur kaum erwähnt. Daher kann die Bekanntschaft mit ihm nur für Kenner und Liebhaber der Volkskunst von Interesse sein.

Gezeichnete populäre Drucke waren kein besonderes Sammlerstück, sie sind in Bibliotheks- und Museumssammlungen ziemlich selten. Das Staatliche Historische Museum verfügt über eine bedeutende Sammlung dieser seltenen Denkmäler (152 Objekte aus dem Katalog). Es wurde aus Blättern gebildet, die 1905 als Teil der Sammlungen so berühmter Liebhaber der russischen Antike wie P. I. Shchukin und A. P. Bakhrushin erhalten wurden. In den frühen 1920er Jahren kaufte das Historische Museum Einzelbilder von Sammlern, Privatpersonen und "auf einer Auktion" ...

1928 wurde ein Teil der Blätter von einer historischen Expedition und einer Haushaltsexpedition aus der Region Wologda gebracht. Die Sammlung des Staatlichen Historischen Museums kann ein vollständiges Bild der künstlerischen Merkmale des gezeichneten populären Drucks vermitteln und die Hauptstadien seiner Entwicklung widerspiegeln

Was ist die Kunst der gezeichneten Volksbilder, wo ist sie entstanden und entstanden? Die Technik, eine gezeichnete Schiene herzustellen, ist eigenartig. Wandplatten wurden mit flüssiger Tempera hergestellt und über eine leichte Bleistiftzeichnung aufgetragen, deren Spuren nur dort sichtbar sind, wo sie später nicht gelöscht wurden. Die Handwerker verwendeten Farben, die mit Eiemulsion oder Gummi (Klebstoffe verschiedener Pflanzen) verdünnt waren. Wie Sie wissen, sind die Bildmöglichkeiten von Tempera sehr groß und ermöglichen es Ihnen bei starker Verdünnung, in der Technik der transparenten Malerei mit durchscheinenden Schichten wie Aquarellen zu arbeiten.

Im Gegensatz zur massendruckten Schiene wurde die gezeichnete Schiene von den Meistern von Anfang bis Ende von Hand ausgeführt. Zeichnen, Malen, Schreiben von Titeln und erklärenden Texten - alles wurde manuell gemacht, um jedem Werk eine improvisatorische Einzigartigkeit zu verleihen. Gezeichnete Bilder beeindrucken durch ihre Helligkeit, Schönheit des Musters, Harmonie der Farbkombinationen, hohe Zierkultur.

Schubladen aus Wandtafeln waren in der Regel eng mit dem Kreis der Volkskünstler verbunden, die alte russische Traditionen bewahrten und entwickelten - mit Ikonenmalern, Miniaturmalern und Buchschreibern. Aus diesem Kontingent wurden die meisten Künstler des gezeichneten Lubok gebildet. Die Produktionsstätten und die Existenz populärer Drucke waren oft Altgläubigeklöster, Dörfer im Norden und in der Region Moskau, die die alten russischen Manuskript- und Ikonenmaltraditionen bewahrten.

Handgezeichnete Schienen waren nicht so verbreitet wie gedruckte gravierte oder lithografierte Bilder, sie sind viel lokaler. Die Herstellung von bemalten Wandplatten konzentrierte sich hauptsächlich auf den Norden Russlands - in den Provinzen Olonets und Wologda, in einigen Gebieten entlang der nördlichen Dwina in Petschora. Gleichzeitig existierte die bemalte Schiene in der Region Moskau, insbesondere in Guslitsy, und in Moskau selbst. Es gab mehrere Zentren, in denen die Kunst der gemalten populären Drucke im 18. und insbesondere im 19. Jahrhundert florierte. Dies sind das Vygo-Leksinsky-Kloster und die angrenzenden Sketen (Karelien), die Verkhnyaya Toyma-Region in der nördlichen Dwina, die Bezirke Kadnikovsky und Totemsky in der Region Wologda, das Velikopozhensky-Hostel am Pizhma-Fluss (Ust-Tsilma), Guslitsy in der Region Orekhovo-Moskau. Es mag andere Orte gegeben haben, an denen handgezeichnete Bilder hergestellt wurden, aber diese sind derzeit nicht bekannt.

Die Altgläubigen legten den Grundstein für die Kunst des gezeichneten Volksdrucks. Die Ideologen der Altgläubigen im späten 17. - frühen 18. Jahrhundert mussten dringend bestimmte Ideen und Pläne entwickeln und bekannt machen, die ihre Einhaltung des „alten Glaubens“ rechtfertigten, was nicht nur durch die Übermittlung von Schriften der Altgläubigen, sondern auch durch visuelle Übermittlung von Informationen befriedigt werden konnte. In der Gemeinde Old Believer Vygo-Leksinsky wurden die ersten Schritte unternommen, um Wandbilder mit religiösem und moralischem Inhalt zu produzieren und zu verbreiten. Die Aktivitäten des Vygo-Leksinsky-Klosters sind eine interessante Seite in der russischen Geschichte. Erinnern wir uns kurz daran.

Nach der Kirchenreform des Patriarchen Nikon flohen die "Eiferer der alten Frömmigkeit", die mit dem I-Namen nicht einverstanden waren, darunter Vertreter verschiedener Bevölkerungsschichten, hauptsächlich Bauern, nach Norden, einige begannen sich entlang des Flusses Vygu (ehemals Provinz Olonets) niederzulassen. Neue Bewohner fällten den Wald, verbrannten ihn, räumten Ackerland und säten Brot auf sie. 1694 wurde aus den Siedlern, die sich auf Vyga niederließen, eine von Daniil Vikulov angeführte Gemeinde gegründet. Die erste Pomor-Gemeinschaft des sketenklösterlichen Typs war zu Beginn die radikalste Organisation des Bespopov-Typs, die Ehen ablehnte, für den Zaren betete und die Idee der sozialen Gleichheit auf religiöser Basis förderte. Die Herberge in Vygovskoe blieb lange Zeit die höchste Autorität in Fragen des Glaubens sowie der religiösen und sozialen Struktur für die gesamten Altgläubigen von Pomor. Die Aktivitäten der Brüder Andrei und Semyon Denisov, ehemalige Äbte (Cinoviarchen) des Klosters (der erste - 1703-1730, Di\u003e - -th - 1730-1741), hatten einen außergewöhnlich breiten organisatorischen und pädagogischen Charakter.

In dem Kloster, in dem viele Einwanderer aufgenommen wurden, richteten die Denisovs Schulen für Erwachsene und Kinder ein, in denen sie später Schüler von anderen Orten mitbrachten, die das Schisma unterstützten. Neben Alphabetisierungsschulen wurden in den 1720er und 1730er Jahren Sonderschulen für Schreiber handgeschriebener Bücher eingerichtet, eine Schule für Sänger, und hier wurden Ikonenmaler ausgebildet, um Ikonen im "alten" Geist herzustellen. Die Vygoviten sammelten eine reiche Sammlung antiker Manuskripte und früher gedruckter Bücher, die liturgische und philosophische Werke in Grammatik und Rhetorik, Chronographen und Chronisten enthielten. In der Vygov-Gemeinde wurde eine eigene Literaturschule entwickelt, die sich auf die ästhetischen Prinzipien der alten russischen Literatur konzentriert.

Werke des Pechersk Center

Denisov, I. Filippov, D. Vikulov. Mitte XIX Jahrhundert. Unbekannter Künstler Tempera Tinte. 35 x 74,5

1898 "auf einer Auktion" gekauft Ivan Filippov (1661-1744) - Historiker des Vygovsky-Klosters, seines vierten Cinoviarchen (1741-1744). Das von ihm verfasste Buch "Die Geschichte des Beginns der Eremitage von Vygovskaya" enthält wertvolle Materialien über die Gründung der Gemeinde und die ersten Jahrzehnte ihres Bestehens. Über S. Denisov und D. Vikulov.

Die Brüder Denisov und ihre Mitarbeiter hinterließen eine Reihe von Werken, die die historischen, dogmatischen und moralischen Grundlagen der altgläubigen Doktrin darlegten.

Handwerk und Kunsthandwerk blühten im Kloster: Kupferguss von Geschirr, Kreuze und Falten, Lederverarbeitung, Holzverarbeitung und Bemalung von Möbeln, Weben von Birkenrindenprodukten, Nähen und Sticken mit Seide und Gold, Herstellung von Silberschmuck. Dies wurde sowohl von der männlichen als auch von der weiblichen Bevölkerung getan (1706 wurde der weibliche Teil des Klosters an den Fluss Leksa übertragen). Ungefähr ein Jahrhundert - von Mitte der 1720er bis 1820er bis 1830er Jahre - war die Blütezeit des wirtschaftlichen und künstlerischen Lebens des Vygovsky-Klosters. Dann gab es eine Phase allmählichen Niedergangs. Das Streben nach Schisma und die Versuche, es auszurotten, die Unterdrückung, die sich während der Regierungszeit von Nikolaus 1 verstärkte, endete 1857 mit dem Ruin und der Schließung des Klosters. Alle Gebetshäuser wurden versiegelt, Bücher und Ikonen herausgenommen, die restlichen Bewohner vertrieben. Auf diese Weise hörte das Alphabetisierungszentrum der großen nördlichen Region, das Zentrum für die Entwicklung von Landwirtschaft, Handel und einer Art Volkskunst auf zu existieren.

Eine andere altgläubige Gemeinde, die im Norden eine ähnliche kulturelle und pädagogische Rolle spielte, war der Velikopozhensky Skete, der um 1715 in Petschora in der Region Ust-Tsilma entstand und bis 18542 existierte. Die interne Struktur der Velikopozhensky-Gemeinschaft basierte auf der Pomorsko-Vygov-Charta. Es war in einer ziemlich bedeutenden wirtschaftlichen Tätigkeit tätig, deren Grundlage Ackerbau und Fischerei waren. Das Kloster stand im Mittelpunkt der alten russischen Alphabetisierung und Alphabetisierung: Bauernkinder lernten, Bücher zu lesen, zu schreiben und zu schreiben. Hier beschäftigten sie sich auch mit dem Zeichnen von Wandtafeln, was in der Regel das Los des weiblichen Teils der Bevölkerung war3.

Es ist bekannt, dass im 18.-19. Jahrhundert die Bevölkerung des gesamten Nordens, insbesondere die Bauernschaft, stark von der altgläubigen Ideologie beeinflusst wurde. Dies wurde durch die aktive Arbeit der Klöster Vygo-Leksinsky und Ust-Tsilemsky erheblich erleichtert.

Im Baltikum, in der Wolga-Region, in Sibirien und in Zentralrussland gab es nicht wenige Orte, die am "alten Glauben" festhielten. Guslitsy war eines der Konzentrationszentren der Bevölkerung der Altgläubigen, was der russischen Kultur interessante Kunstwerke verlieh. Guslitsy ist der alte Name des Gebiets in der Nähe von Moskau, das nach dem Gus-Lyce-Fluss benannt wurde, einem Nebenfluss des Nerskaya, der in den Moskauer Fluss mündet. Hier siedelten sich Ende des 17. - Anfang des 18. Jahrhunderts die flüchtigen Altgläubigen der priesterlichen Zustimmung (dh diejenigen, die das Priestertum anerkannten) an. In den Guslitsky-Dörfern wurden im 18.-19. Jahrhundert Ikonenmalerei, Kupfergießerei und Holzverarbeitung entwickelt. Die Kunst, Bücher zu schreiben und zu dekorieren, ist weit verbreitet, und hier entwickelte sich sogar ein eigener Stil für die Verzierung von Manuskripten, der sich (wie der Inhalt von Büchern) erheblich vom Stil des nördlichen Pomor unterscheidet. In Guslitsy wurde eine Art Herd der Volkskunst gebildet, ein großer Platz darin wurde mit der Produktion von gemalten Wandbildern besetzt.

Der Ursprung und die Verbreitung der Kunst gemalter Blätter mit religiösem und moralischem Inhalt unter den Altgläubigen des Nordens und des Zentrums Russlands kann als eine Art Antwort auf eine bestimmte "soziale Ordnung" interpretiert werden, wenn wir die moderne Terminologie anwenden. Bildungsaufgaben, die Notwendigkeit einer visuellen Apologetik trugen zur Suche nach einer geeigneten Form bei. In der Volkskunst gab es bereits getestete Muster von Werken, die diese Bedürfnisse befriedigen konnten - beliebte Drucke. Die synkretistische Natur populärer populärer Drucke, die Bild und Text kombinierten, die Spezifität ihrer figurativen Struktur, die die Genreinterpretation der für die altrussische Kunst traditionellen Handlungen aufnahm, entsprach so weit wie möglich den Zielen, die ursprünglich vor den Meistern der Altgläubigen standen. Manchmal liehen sich Künstler bestimmte Handlungen direkt von gedruckten Luboks aus und passten sie für ihre eigenen Zwecke an. Alle Anleihen beziehen sich auf lehrreiche und moralische Themen, von denen es viele in gravierten Volksbildern des 18.-19. Jahrhunderts gab.

Was war der Inhalt der gezeichneten Schiene insgesamt, was sind ihre Besonderheiten? Das Thema handgezeichnete Bilder ist sehr vielfältig. Es gibt Blätter, die der historischen Vergangenheit Russlands gewidmet sind, zum Beispiel die Schlacht von Kulikovo, Porträts von Schisma-Führern und Bilder von Altgläubigenklöstern, Illustrationen für Apokryphen zu biblischen und evangelischen Themen, Illustrationen für Geschichten und Gleichnisse aus literarischen Sammlungen, Bilder zum Lesen und Singen, Wandkalender-Kalender ...

Bilder zur Geschichte der Altgläubigen, Ansichten von Klöstern, Porträts von Schismatikern, vergleichende Bilder der "alten und neuen" Kirchen bilden eine ziemlich bedeutende Gruppe. Interessant sind die Bilder des Vygo-Leksinsky-Klosters, die häufig von Künstlern in die komplexe Komposition großer Bilder einbezogen wurden. Die Blätter „Genealogischer Baum von A. und S. Denisovs“ (Kat. 3), „Anbetung der Ikone der Mutter Gottes“ (Kat. 100) zeigen detaillierte Bilder der männlichen und weiblichen Klöster an den Ufern der Vyga bzw. Leksa. Alle Holzgebäude sind gewissenhaft gezeichnet - Wohnzellen, Refektorium, Krankenhäuser, Glockentürme usw. Die Gründlichkeit der Zeichnungen ermöglicht es uns, alle Merkmale des architektonischen Grundrisses, die traditionelle Gestaltung von Häusern im Norden mit Giebeldächern, hoch überdachten Veranden von Hütten, Zwiebeltürmen von Kapellen, Walmdächern von Glockentürmen zu berücksichtigen. Über jedem Gebäude befinden sich Zahlen, die im unteren Teil der Bilder erläutert werden - "Schmiede", "lesen und schreiben", "kochen", wodurch ein vollständiges Bild der Anordnung der Klöster und des Standorts aller ihrer wirtschaftlichen Dienstleistungen erhalten werden kann.

Auf dem "Genealogischen Baum von A. und S. Denisovs" nimmt der Blick auf das Kloster nur den unteren Teil des Blattes ein. Der Rest des Raumes ist dem Bild eines bedingten Stammbaums gewidmet, auf dessen Zweigen in dekorativen runden Rahmen Porträts der Vorfahren der Familie Denisov-Vtorushin aus der Zeit von Prinz Myschetski und den ersten Äbten der Gemeinde zu sehen sind. Handlungen mit einem "Lehrbaum", in dem die Brüder Denisov und ihre Mitarbeiter vertreten sind, waren bei Künstlern des gezeichneten populären Drucks sehr beliebt.

Porträts der Gründer und Äbte des Vygovsky-Klosters sind nicht nur in den Varianten des Stammbaums bekannt, sondern existieren auch unabhängig, individuell, gepaart und gruppenweise. Die häufigste Art der Darstellung von Mentoren des Altgläubigen, sei es ein Einzel- oder ein Gruppenporträt, ist eine, bei der jeder „Älteste“ eine Schriftrolle in der Hand trägt, auf die die Worte des entsprechenden Diktums geschrieben sind. Sie können jedoch nicht als Porträts im allgemein anerkannten Sinne des Wortes betrachtet werden. Sie werden nach einem einzigen Kanon sehr bedingt hergestellt. Alle Pomor-Lehrer wurden flach, streng frontal, in denselben Posen mit einer ähnlichen Handposition dargestellt. Haare und lange Bärte werden ebenfalls gleichmäßig transportiert.

Trotz der Einhaltung der entwickelten kanonischen Form konnten die Künstler die individuellen Merkmale der Figuren vermitteln. Sie sind nicht nur erkennbar, sondern entsprechen auch den Beschreibungen ihres Aussehens, die uns in literarischen Quellen überliefert sind. Zum Beispiel hat Andrey Denisov in allen Zeichnungen eine gerade, längliche Nase, üppiges Haar, das sich in gleichmäßigen Ringen um die Stirn kräuselt, und einen breiten, dicken Bart (Kat. 96, 97).

Gepaarte Porträts werden in der Regel nach einem einzigen Schema angefertigt - sie sind in ovalen Rahmen eingeschlossen, die durch eine charakteristische Zierdekoration des Barocktyps miteinander verbunden sind. Eines dieser Porträts zeigt Pikifor Semyonov, den Kameramann des Vygovsky-Klosters von 1759 bis 1774, und Semyon Titov, von dem bekannt ist, dass er Lehrer im weiblichen Teil des Klosters war (Kat. 1). Eine besondere Art von Gruppenbildern waren Figuren, die in einer Reihe auf langen Papierstreifen angeordnet waren, die aus getrennten Blättern geklebt waren (Kat. 53, 54). Diese Laken waren wahrscheinlich zum Aufhängen in großen Räumen gedacht.

Eine bedeutende Anzahl von Werken widmet sich dem Ritualismus der "alten" und "neuen" Kirche und der Richtigkeit des Kreuzzeichens. Die Bilder basieren auf dem Prinzip der Gegenüberstellung von "Altrussischer Traditionskirche" und "Nikons Tradition". Die Künstler teilten das Blatt normalerweise in zwei Teile und zeigten die Unterschiede in der Darstellung des Kalvarienbergkreuzes, des patriarchalischen Stabes, der Art der Fingerherstellung, der Siegel auf der Prosphora, dh in denen sich die Altgläubigen von den Anhängern von Nikons Reform unterschieden (Kat. 61, 102). Manchmal wurden Zeichnungen nicht auf einem, sondern auf zwei gepaarten Blättern angefertigt (Kat. 5, 6). Einige Meister haben solche Bilder genreisiert - sie zeigten die Priester und die Öffentlichkeit im Inneren des Tempels und gaben den Menschen, die in den „alten“ und „neuen“ Kirchen dienen, ein anderes Aussehen (Kat. 103). Einige tragen ein altes russisches Kleid, andere kurze, moderne Frackmäntel und schmale Pantalons.

Zu den Ereignissen im Zusammenhang mit der Geschichte der Altgläubigenbewegung gehören auch die Pläne für den Solovetsky-Aufstand von 1668-1676 - die Rede der Mönche des Solovetsky-Klosters gegen die Reform des Patriarchen Nikon gegen die Durchführung von Gottesdiensten nach neuen überarbeiteten Büchern, die während des Kampfes zu einem anti-feudalen Volksaufstand führten. Die Solovetsky "Sitzung", in der sich das Kloster den belagerten zaristischen Truppen widersetzte, dauerte acht Jahre und endete mit seiner Niederlage. Die Eroberung des Solovetsky-Klosters durch Voevoda Meshcherinov und die Repressalien gegen die widerspenstigen Mönche nach der Übergabe der Festung spiegelten sich in einer Reihe von Wandgemälden wider, von denen zwei im Historischen Museum aufbewahrt werden (Kat. 88, 94). Die Datierung der Blätter zeigt, dass die Handlung sowohl zu Beginn als auch am Ende des 19. Jahrhunderts die Aufmerksamkeit der Künstler auf sich zog, ebenso wie während dieser Zeit das Interesse an dem Buch - S. Denisovs "Die Geschichte des Vaters und der Leidenden des Solovetsky" (1730er Jahre), die als Grundlage und Quelle für das Schreiben dieser Bilder diente.

Werke des Moskauer Zentrums

Bild des Massakers von Voevoda Meshcherinov

mit den Teilnehmern des Solovetsky-Aufstands von 1668-1676.

Bild der Repressalien von Voevoda Meshcherinov mit den Teilnehmern des Solovetsk-Aufstands von 1668-1676.

Anfang des 19. Jahrhunderts Künstler M. V. Grigoriev (?) Tinte, Tempera. 69 x 102

Es gibt keinen Namen. Erklärende Inschriften (in der Reihenfolge der Episodenfolge): "Belagern Sie den Gouverneur des Klosters und stellen Sie eine Ausrüstung mit vielen Kanonen auf und schlagen Sie das Kloster Tag und Nacht mit einer feurigen Schlacht, nicht mit einem Schnurrbart"; "Zaristischer Gouverneur Ivan Mescherinov"; "Das Heulen des Königs"; "Verleumdung geschickt ... von Kreuzen, Ikonen und Fesseln und deren Schlachtung"; "Märtyrer für alte Frömmigkeit"; "Der Abt und der Keller, von den Kriegern zur Qual nach Meschcherinow gezogen"; „Iioci wie die Wilden aus dem Kloster haben sie in die Seelippe verbannt und im Eis eingefroren, und ihre Körper liegen einen Sommer lang unbestechlich und klammern sich an„ Fleisch an Knochen und Gelenke bewegen sich nicht “. Wenn für eine Sünde vor den Mönchen die Strafe empfangen wird, und nachdem Sie den Brief geschrieben haben, übergeben Sie ihn Zarin Natalia Kirilowna, damit sie ihn nicht nach Mascheschinow schickt, sondern die Wohnstätte aufhört, sich zu erheben ";" der Bote des Königs "; der Weg in der Stadt Wologda ein Bote aus dem Woiwode Meschcherinow mit einem Brief über die Zerstörung des Klosters. “1909„ auf einer Auktion “erworben. Literatur: Itkina I, S. 38; Itkina II, S. 255

Die Bilder zeigen die Ereignisse der Unterdrückung der Aktionen der Mönche des Solovetsky-Klosters gegen die Reform des Patriarchen Nikon. Beide Blätter illustrieren das Buch von S. Denisov "Die Geschichte des Vaters und Leidenden des Solovetsky", das in den 1730er Jahren geschrieben wurde. Gegenwärtig wurden sechs Varianten von Wandtafeln zu diesem Thema identifiziert, von denen drei direkt voneinander abhängig sind und auf ein gemeinsames Original zurückgehen, und drei entstanden unabhängig von dieser Gruppe, obwohl ihre Schöpfer an der allgemeinen Tradition der Verkörperung dieses Themas arbeiteten.

Das Bild (Kat. 88) zeigt eine textologische und künstlerische Abhängigkeit von der Manuskriptgeschichte "Beschreibung des Gesichts der großen Belagerung und Ruine des Solovetsky-Klosters", die Ende des 18. Jahrhunderts geschrieben wurde. und kam aus der Moskauer Werkstatt, wo am Ende des 18. Jahrhunderts Anfang des 19. Jahrhunderts. arbeitete als Meister M. V. Grigoriev. Die angebliche Zuordnung des Bildes zum Künstler Grigoriev erfolgte aufgrund seiner stilistischen Nähe zu den vom Meister signierten Werken. (Einzelheiten siehe: Itkina I, Itkina P.)

Auf einem Blatt, das zu Beginn des 19. Jahrhunderts angefertigt wurde, basiert die Zeichnung auf dem Prinzip einer sequentiellen Geschichte. Jede Episode wird von einer kurzen oder langen erklärenden Bildunterschrift begleitet. Der Künstler zeigt den Beschuss des Klosters aus drei Kanonen, die "das Kloster Tag und Nacht mit einer feurigen Schlacht verstecken", das Stürmen der Festung durch die Bogenschützen, den Ausgang der überlebenden Mönche von den Toren des Klosters nach Mescherinov mit einer Ikone und Kreuze in der Hoffnung seiner Barmherzigkeit, grausame Repressalien gegen die Teilnehmer Aufstände - der Galgen, die Qual des Hegumens und des Kellers, in Eis gefrorene Mönche, die Krankheit von Zar Alexei Michailowitsch und die Entsendung eines Boten mit einem Brief an Mascheschinow zur Beendigung der Belagerung, ein Treffen der königlichen und Mascherinow-Boten in der "Stadt Wologda". In der Mitte des Blattes befindet sich eine große Figur mit einem erhobenen Säbel in der rechten Hand: "Der Woiwode der Zaren Ivan Mescherinov." Dies ist der Hauptträger des Bösen, es wird sowohl durch die Skala als auch durch die harte Steifheit der Pose hervorgehoben. Die bewusste Einführung eines Bildes von bewertenden Momenten durch den Autor macht sich in der Interpretation nicht nur von Woiwode Meschcherinow, sondern auch anderer Charaktere bemerkbar. Der Künstler sympathisiert mit den gefolterten Verteidigern der Festung Solovetsky, zeigt ihre Unflexibilität: Selbst am Galgen ballen zwei von ihnen ihre Finger in einem Zweifingerzeichen. Auf der anderen Seite karikiert er deutlich das Auftreten der Gewehrsoldaten, die an der Unterdrückung des Aufstands beteiligt waren, wie die Kappen des Possenreißers auf ihren Köpfen anstelle von Militärkleidung belegen.

Der emotionale Reichtum der Handlung überschattet jedoch nicht die Aufgabe, ein künstlerisch organisiertes Bild zu schaffen. In der kompositorischen und dekorativen Konstruktion des Blattes als Ganzes kann man die Tradition rhythmisierter populärer Drucke spüren. Der Künstler füllt den Raum zwischen einzelnen Episoden mit Bildern von zufällig verstreuten Blumen, Büschen und Bäumen, die in der typischen Art der Dekoration von Volksbildern ausgeführt sind.

Eine umfassende Untersuchung dieser Zeichnung ermöglicht es uns, basierend auf einer Analogie zu signierten Werken eine Annahme über den Namen und den Ort der Entstehung des Autors zu treffen. Höchstwahrscheinlich arbeitete die Miniaturkünstlerin Mikola Vasilyevich Grigoriev, die durch Korrespondenz von Büchern in Moskau mit einer der Werkstätten der Altgläubigen verbunden war, an dem populären Druck.

Handlungen, die sich auf bestimmte historische Ereignisse der Vergangenheit Russlands beziehen, sind in gezeichneten populären Drucken sehr selten. Darunter befindet sich ein einzigartiges Wandbild des Künstlers I. Blinov, das die Schlacht auf dem Kulikovo-Feld im Jahr 1380 darstellt (Kat. 93). Dies ist das größte Blatt unter allen, die zu uns gekommen sind - seine Länge beträgt 276 Zentimeter. Im unteren Teil schrieb der Künstler den gesamten Text von "Die Legende des Mamayev-Massakers" - eine bekannte handgeschriebene Geschichte - und platzierte oben Illustrationen dafür.

Das Bild beginnt mit Szenen der Versammlung russischer Fürsten, die auf Ruf von Großherzog Dmitri Iwanowitsch nach Moskau kommen, um die unzähligen Horden von Mamai abzuwehren, die auf dem russischen Land vorrücken. Oben ist der Moskauer Kreml abgebildet, vor den Toren Menschenmassen, die die russische Armee zum Feldzug begleiten. Die geordneten Regimenter, angeführt von ihren Fürsten, bewegen sich. Separate kompakte Gruppen von Fahrern sollten eine Vorstellung von dem überfüllten Gastgeber geben.

Von Moskau aus marschieren die Truppen in Richtung Kolomna, wo eine Überprüfung stattfand - die "Anordnung" der Regimenter. Die Stadt ist von einer hohen roten Mauer mit Türmen umgeben, wie aus der Vogelperspektive. Der Künstler gab der Kontur der gebauten Truppen die Form eines unregelmäßigen Vierecks und wiederholte spiegelbildlich die Umrisse der Mauern von Kolomna, wodurch eine bemerkenswerte künstlerische Wirkung erzielt wurde. In der Mitte des Fragments stehen Krieger mit Transparenten, Trompetern und Großherzog Dmitri Iwanowitsch.

Das kompositorische Zentrum des Blattes ist das Duell zwischen dem Helden Peresvet und dem Riesen Chelubey, das nach dem Text der Legende als Prolog der Kulikovo-Schlacht diente. Die Kampfkunstszene ist großräumig, frei platziert, andere Episoden beeinträchtigen ihre Wahrnehmung nicht. Der Künstler zeigt den Moment der Schlacht, in dem die gegeneinander galoppierenden Reiter kollidierten, ihre Pferde belagerten und Speere für einen entscheidenden Schlag machten. Genau dort, direkt darunter, werden beide Helden getötet dargestellt.

Fast die gesamte rechte Seite des Blattes ist mit einem Bild einer heftigen Schlacht besetzt. Wir sehen russische und Horde-Reiter zusammengekauert, ihre wütenden Duelle zu Pferd, Krieger mit gezogenen Säbeln, Horde-Soldaten, die aus Bögen schießen. Die Leichen der Erschlagenen sind unter den Füßen der Pferde verteilt.

Die Geschichte endet mit dem Bild des Zeltes von Mamai, in dem der Khan Nachrichten über die Niederlage seiner Truppen hört. Außerdem zeichnet der Künstler Mamai mit vier "Temniks", die vom Schlachtfeld galoppieren.

Auf der rechten Seite des Panoramas umgeht Dmitri Iwanowitsch in Begleitung seines Gefolges das Schlachtfeld und beklagt die großen Verluste der Russen. Der Text sagt, dass Dmitry, "als er viele tote geliebte Ritter sah, laut zu weinen begann".

In dieser Arbeit mit einer großen Blattlänge und einer Vielzahl von Zeichen fällt die Gewissenhaftigkeit und Sorgfalt des Autors auf, die die höchste Zertifizierung des Meisters darstellen. Jeder Charakter hat ein sorgfältig geschriebenes Gesicht, Kleidung, Helme, Hüte, Waffen. Das Erscheinungsbild der Hauptfiguren ist individuell. Die Zeichnung kombiniert die populäre populäre Volkstradition mit ihrer Konventionalität, dem flachdekorativen Charakter des Bildes, der Verallgemeinerung von Linien und Konturen und den Techniken altrussischer Buchminiaturen, die sich in den anmutigen länglichen Proportionen von Figuren bei der Malerei von Objekten widerspiegeln.

Als Modell verwendete I.G. Blinov für seine in den 1890er Jahren entstandene gedruckte gravierte Schiene, die Ende des 18. Jahrhunderts herausgegeben wurde, aber an einigen Stellen für eine größere Harmonie der Darstellung erheblich überarbeitet wurde, um die Reihenfolge der Episoden zu ändern. Die koloristische Lösung des Blattes ist völlig unabhängig.

Blatt aus Gorodets

Zweite Hälfte der 1890er Jahre Künstler I. G. Blinov. Tinte, Tempera, Gold. 75,5x276

Titel: "Die Miliz und der Feldzug des großen Prinzen Dimitri Ioannovich, des Autokraten des Allrussischen, gegen den bösen und gottlosen tatarischen Zaren Mamai durch die Hilfe seines Gottes gewinnen bis zum Ende." Inv. 42904 Ш Ш 61105 1905 aus der Sammlung von A. P. Bakhrushin erhalten

Literatur: Schlacht von Kulikovo, krank. auf dem Einsatz zwischen p. 128-129; Denkmäler des Kulikovo-Zyklus, krank. 44 Die Schlacht von Kulikovo im Jahr 1380 ist eines der wenigen Ereignisse in der Geschichte Russlands, die in den Denkmälern der Volkskunst festgehalten wurden. Das Bild, das die größte Größe unter den gezeichneten Schienen hat, enthält den Text und die grafischen Teile. Der Text basiert auf "The Legend of the Mamay Massacre", das aus der Synopsis entlehnt wurde (Synopsis ist eine Sammlung von Geschichten zur russischen Geschichte, die zum ersten Mal Ende des 17. Jahrhunderts veröffentlicht und später mehrmals nachgedruckt wurde). Das Bild wurde dem Künstler Blinov aufgrund seiner stilistischen und künstlerischen Ähnlichkeit mit dem zweiten Blatt der Handlung der Schlacht von Kulikovo zugeschrieben, das im Gorodets Museum of Local Lore (Ina. Nr. 603) aufbewahrt wird und die Unterschrift der IG Blinov trägt. Die Handlung des Massakers von Mamaevo ist im gravierten Volksdruck bekannt: Rovinsky I, Bd. 2, Nr. 303; vol. 4, p. 380-381; vol. 5, p. 71-73. Gegenwärtig wurden 8 Kopien der gravierten Schiene identifiziert: I M И И, S. 39474, Gr. 39475; GLM, kp 44817, kp 44816; ГИМ, 74520, 31555 И 73 7379, 99497; Yaroslavl Museum-Reserve, 43019. Gezeichnete BLÄTTER von Blinov wiederholen im Grunde das gravierte Original, und genau diese Schiene, wie das Studium der Texte zeigt, erschien zwischen 1746 und 1785 früher als andere. Der Künstler verwendete beide Male dasselbe gravierte Muster.

"Die Legende vom Mamayev-Massaker" ist in Gesichtsmanuskripten bekannt. Der Künstler I. Blinov selbst wandte sich wiederholt den Tale-Miniaturen zu und schuf mehrere Gesichtsmanuskripte zu diesem Thema (GBL, f. 242, Nr. 203; Staatliches Historisches Museum, Vost. 234, Bars. 1808). Gezeichnete Blätter wurden von ihm unabhängig von den Buchminiaturen erstellt.

Fälle der Verarbeitung gedruckter Auflagen populärer Drucke mit einem historischen Thema werden isoliert. Sie können nur noch ein Bild mit dem Titel "Oh ho ho, ein schwerer russischer Mann mit Faust und Gewicht" nennen (Kat. 60). Dies ist eine Karikatur der politischen Situation der 1850er bis 1870er Jahre, als die Türkei selbst zusammen mit ihren Verbündeten keinen Vorteil gegenüber Russland erzielen konnte. Die Abbildung zeigt eine Waage mit einem russischen Bauern auf einem Brett, und auf dem anderen Brett und an einer Querlatte hängen zahlreiche Figuren von Türken, Franzosen und Briten, die mit aller Kraft die Waage nicht zum Absenken zwingen können.

Das Bild ist eine Neuzeichnung einer lithografischen Auflage, die zwischen 1856 und 1877 mehrmals nachgedruckt wurde. Sie wiederholt fast unverändert die lächerlichen und lächerlichen Posen der Charaktere, die die Querlatte und die Seile der Waage erklimmen, aber hier können Sie das Umdenken der physiognomischen Eigenschaften der Charaktere sehen. Der russische Bauer zum Beispiel hat in seiner Zeichnung das Aussehen verloren, das ihm die Herausgeber von Lithografien verliehen haben. Viele der Charaktere sehen lustiger und schärfer aus als in Drucken. Die Berufung auf das Genre der politischen Karikatur ist ein seltenes, aber sehr bezeichnendes Beispiel, das ein gewisses Interesse seines Schöpfers an sozialen Themen und das Bestehen einer Nachfrage nach solchen Werken belegt.

Beim Übergang von Handlungen zu bestimmten historischen Ereignissen zu Themen im Zusammenhang mit der Illustration verschiedener Gleichnisse aus Lehr- und Hagiographiesammlungen (Patericon, Prolog), Sammlungen wie "The Great Mirror", biblischen und evangelischen Büchern sollte gesagt werden, dass im Volksbewusstsein viele Mythen wahrgenommen wurden als wahre Geschichte, insbesondere jene, die sich auf die Erschaffung des Menschen beziehen, das Leben der ersten Menschen auf Erden. Dies erklärt ihre besondere Beliebtheit. Viele biblische und evangelische Legenden in der Volkskunst sind in apokryphen Interpretationen bekannt, angereichert mit Details und poetischen Interpretationen.

Zeichnungen, die die Geschichte von Adam und Eva veranschaulichen, wurden in der Regel auf große Blätter gelegt und wie andere Kompositionen mit mehreren Themen nach dem Prinzip einer Geschichte gebaut (Kat. 8, 9). Eines der Bilder zeigt das Paradies in Form eines wunderschönen Gartens, der von einer Steinmauer umgeben ist, in der ungewöhnliche Bäume wachsen und verschiedene Tiere wandeln. Der Meister zeigt, wie der Schöpfer Adam eine Seele einhauchte, aus seiner Rippe eine Frau machte und ihnen befahl, die Früchte eines Baumes, der mitten im Garten Eden wächst, nicht zu probieren. Die Erzählung enthält Szenen, in denen Adam und Eva, die der Versuchung der verlockenden Schlange nachgeben, einen Apfel vom verbotenen Baum pflücken, während die Verbannten die himmlischen Tore verlassen, über denen die sechsflügeligen Seraphim schweben, und vor der Mauer auf einem Stein sitzen und um das verlorene Paradies trauern.

Die Erschaffung des Menschen, das Leben von Adam und Eva im Paradies, ihre Vertreibung aus dem Paradies

Die Erschaffung des Menschen, das Leben von Adam und Eva im Paradies, ihre Vertreibung aus dem Paradies. Erste Hälfte des 19. Jahrhunderts... Unbekannter Künstler Tempera Tinte. 49 x 71,5

Der Text unter dem dreiteiligen Rahmen. Linke Spalte mit 6 Zeilen: "Sede Adam ist direkt aus dem Paradies ... du bist es." Der mittlere Teil in 7 Zeilen: „Der Herr erschaffe einen Menschen, nimm einen Finger von der Erde und atme in seinem Gesicht den Atem des Lebens und lasse einen Menschen in seiner Seele leben und nenne seinen Namen Adam, und Gott ist nicht gut für den Menschen, eins zu sein ... wache in allem Vieh auf und Tiere, als hättest du dieses Böse getan. " Rechte Spalte mit 5 Zeilen: "Adam nach seiner Vertreibung aus dem Paradies ... bitter".

1905 aus der Sammlung von P.I.Shchukin erhalten

Die Bilder zeigen die ersten Episoden des biblischen Buches Genesis: die Erschaffung von Adam und Eva, den Fall, die Vertreibung aus dem Paradies und die Trauer um das verlorene Paradies (die Trauerszene ist eine apokryphe Interpretation). In allen Bildern ist die Komposition nach dem gleichen Prinzip aufgebaut. Auf großen Blättern wird eine sequentielle Geschichte gesucht, die aus einzelnen Episoden besteht. Die Aktion findet hinter der hohen Steinmauer statt, die den Garten Eden umgibt, und davor. Künstler variieren die Position einzelner Szenen, zeichnen Charaktere auf unterschiedliche Weise, es gibt spürbare Unterschiede in der Position des Textteils, aber die Auswahl der Episoden und die Gesamtlösung bleiben unverändert. Es gab eine stabile Tradition der Verkörperung dieser Handlung. Die Lebensgeschichte der ersten Menschen wurde wiederholt in handschriftlichen Miniaturen dargestellt: in den Gesichtsbibeln (Staatliches Historisches Museum, Muz. 84, Uvar. 34, Takt. 32), in Sammlungen von Geschichten (Staatliches Historisches Museum, Muz. 295, Vostr. 248, Vakhr. 232, Muz. 3505) ), in Synoden (Staatliches Historisches Museum, Bahr. 15; GBL, Und. 154).

Bekannte gravierte gedruckte Bibeln: Rovinsky I, Bd. 3, Nr. 809-813. In gedruckten populären Drucken und in Miniaturen wird ein völlig anderes Prinzip der Illustration des Buches Genesis beobachtet. Jede Miniatur und jeder Stich illustriert nur eine Episode der Geschichte. Es gibt keine Kombination aufeinanderfolgender Szenen.

Auf dem Lubok, der über Kains Mord an Abel berichtet, gibt es neben dem Ort des Brudermordes Episoden, die die Leiden Kains zeigen, die ihm als Strafe für das Verbrechen zugesandt wurden: Teufel foltern ihn, Gott bestraft ihn mit "Schütteln" usw. (Kat. 78).

Illustration für "Die Legende von der Bestrafung Kains für den Mord an seinem Bruder".

Wenn auf einem bestimmten Blatt Ereignisse zu unterschiedlichen Zeiten nacheinander verbunden sind, beschränkt sich das andere Bild im Gegenteil darauf, ein kleines Diagramm zu zeigen. Dies zeigt die berühmte Legende über das Opfer Abrahams, wonach Gott, als er sich entschied, Abraham zu prüfen, verlangte, dass er seinen Sohn opfert (Kat. 12). Das Bild zeigt den Moment, in dem ein Engel, der auf eine Wolke herabgestiegen ist, die Hand Abrahams stoppt, der ein Messer hob.

Ende des 18. - Anfang des 19. Jahrhunderts

Opfer Abrahams. Ende des 18. - Anfang des 19. Jahrhunderts... Unbekannter Künstler Tempera Tinte. 55,6 x 40,3

Papier mit filigranem J Kool Comp. / Sieben Provinzen (ohne Kreis) Klepikov 1, Nr. 1154. 1790-1800s.

Es gibt viel weniger Evangeliumslegenden in gemalten Bildern als in biblischen. Dies kann anscheinend durch die Tatsache erklärt werden, dass die meisten Mythen des Evangeliums in der Ikonenmalerei verkörpert waren und die Meister des gezeichneten Lubok absichtlich ablehnten, was einer Ikone ähneln könnte. Die Bilder spiegeln hauptsächlich Handlungen wider, die den Charakter von Gleichnissen haben.

Das Gleichnis vom verlorenen Sohn wurde besonders von Künstlern geliebt. Auf den Seiten eines der Bilder befinden sich Episoden der Legende - die Abreise des verlorenen Sohnes von zu Hause, seine Unterhaltung, Missgeschicke, seine Rückkehr zum Dach seines Vaters und in der Mitte des Ovals der Text eines spirituellen Verses über Hakennoten (Kat. 13). Somit konnte dieses Bild nicht nur angesehen, sondern auch gelesen und gesungen werden. Hooks sind die ältesten Notenmarken, die die Tonhöhe und Länge eines Klangs darstellen - ein häufiger Bestandteil von Textblättern. Der spirituelle Vers über den verlorenen Sohn war in der Volksliteratur weit verbreitet, die am engsten mit der Volkskunst verbunden ist.

Anfang des 19. Jahrhunderts

Das Gleichnis vom verlorenen Sohn. Anfang des 19. JahrhundertsUnbekannter Künstler. Tinte, Tempera. 76,3 x 54,6. Blaugraues Papier des frühen 19. Jahrhunderts

Die Lieblingsthemen des gezeichneten populären Drucks sind die Bilder der süßstimmigen Halbvögel-Halbjungfrauen Sirin und Alkonost. Diese Parzellen zirkulierten auch in gedruckten Luboks. Sie wurden ab Mitte des 18. Jahrhunderts und im gesamten 19. Jahrhundert hergestellt. Die Künstler der gezeichneten Blätter wiederholten nicht nur die gravierten Bilder nach einem vorgefertigten Kompositionsschema, sondern entwickelten auch selbst Handlungen mit Paradiesvögeln.

Zu den vollständig originalen Werken gehören Bilder des Sirin-Vogels, begleitet von einer Legende, die auf Informationen basiert, die aus dem Chronographen entlehnt wurden. Nach dem Text auf den Blättern ist der Gesang der Vogeljungfrau so süß, dass eine Person, die ihn gehört hat, alles vergisst und ihr folgt und nicht aufhören kann, bis sie an Müdigkeit stirbt. Die Künstler stellten normalerweise einen Mann dar, gebannt, der einem Vogel zuhörte, der auf einem riesigen Busch saß, übersät mit Blumen und Früchten, und direkt darunter - er lag tot auf dem Boden. Um den Vogel zu vertreiben, erschrecken ihn die Leute mit Geräuschen: Trommeln schlagen, Trompeten blasen, Kanonen schießen, auf mehreren Blättern sehen wir Glockentürme mit klingelnden Glocken. Sirin hat Angst vor "ungewöhnlichen Geräuschen und Geräuschen" und ist "gezwungen, zu ihren Wohnungen zu fliegen" (Kat. 16, 17, 18).

In den gemalten Bildern gibt es ein besonderes, "buchstäbliches" Verständnis der Künstler für das Bild der Vogeljungfrau, das in anderen Denkmälern der Volkskunst nicht zu finden ist.

Ein anderer Paradiesvogel, Alkonost, sieht Sirin sehr ähnlich, hat aber einen wesentlichen Unterschied: Sie wird immer mit den Händen dargestellt. Oft hält Alkonost eine Schriftrolle in der Hand und sagt: Belohnung im Paradies für ein rechtschaffenes Leben auf Erden. Der Legende nach steht Alkonost dem Sirin mit der süßen Stimme durch seinen Einfluss auf eine Person nahe. "Wer in ihrer Nähe ist, wird alles auf der Welt vergessen, dann weicht der Geist von ihm ab und seine Seele geht vom Körper aus ..." - sagt der erklärende Text zum Bild (Kat. 20).

Einige Forscher sowie das Alltagsbewusstsein haben eine ziemlich stabile Idee entwickelt, dass Sirin in der Volkskunst ein Vogel der Freude und Alkonost ein Vogel der Trauer ist. Diese Opposition ist falsch und beruht nicht auf der wirklichen Symbolik dieser Bilder. Die Analyse literarischer Quellen, in denen Vogelbeobachter auftreten, sowie zahlreicher Denkmäler der Volkskunst (Malerei auf Holz, Fliesen, Stickereien) zeigt, dass Alkonost nirgends als Trauervogel interpretiert wird. Wahrscheinlich hat diese Opposition ihren Ursprung im Gemälde von V. M. Vasnetsov

Sirin und Alkonost. Ein Lied der Freude und Traurigkeit “(1896), in dem der Künstler zwei Vögel darstellte: einen schwarzen, einen hellen, einen freudigen und einen traurigen. Wir sind nicht auf frühere Beispiele für den Gegensatz der Symbolik von Sirin und Alkonost gestoßen, und daher können wir davon ausgehen, dass sie nicht aus der Volkskunst stammte, sondern aus der professionellen Kunst, die in ihrer Anziehungskraft auf die russische Antike Beispiele der Volkskunst verwendete und deren Inhalt nicht immer richtig genug verstand.

Bilder mit erbaulichen Geschichten und Gleichnissen aus verschiedenen Literatursammlungen nehmen einen großen Platz in der Kunst der gezeichneten populären Drucke ein. Sie beschäftigen sich mit den Themen moralisches Verhalten, tugendhafte und bösartige menschliche Taten, dem Sinn des menschlichen Lebens, verurteilen Sünden, erzählen von den Qualen der Sünder, die nach dem Tod schwer bestraft wurden. So zeigt „das Mahl der Frommen und Bösen“ (Kat. 62), „über die nachlässigen und rücksichtslosen Jugendlichen“ (Kat. 136) das rechtschaffene und ungerechte Verhalten der Menschen, bei dem einer belohnt und der andere beschuldigt wird.

Eine ganze Reihe von Handlungen erzählt von Bestrafungen in der nächsten Welt für große und kleine Sünden: "Die Bestrafung von Ludwig Langraf für die Sünde des Erwerbs" besteht darin, ihn in die ewige Flamme zu werfen (Kat. 64); eine Sünderin, die ihre "Unzucht" nicht bereut hat, wird von Hunden und Schlangen gequält (Kat. 67); Satan befiehlt dem „unbarmherzigen Menschen, Liebhaber dieser Welt“, in einem feurigen Bad zu schweben, auf ein Feuerbett gelegt zu werden, mit geschmolzenem Schwefel zu trinken usw. (Kat. 63).

Einige Bilder interpretierten die Idee der Versöhnung und Überwindung sündigen Verhaltens während des Lebens und lobten moralisches Verhalten. In dieser Hinsicht ist die Handlung „Spirituelle Pharmazie“ interessant, an die sich die Künstler wiederholt gewandt haben. Die Bedeutung des Gleichnisses, das aus dem Aufsatz "Spirituelle Medizin" entlehnt wurde - Heilung von Sünden mit Hilfe guter Taten -, wird in den Worten eines Arztes offenbart, der der Person, die zu ihm kommt, den folgenden Rat gibt: "Komm und nimm die Wurzel des Gehorsams und die Blätter der Geduld, die Farbe der Reinheit, die Frucht der guten Taten und wische die Stille im Kessel weg ... iss die Lüge der Umkehr und wenn du das getan hast, wirst du vollkommen gesund sein “(Kat. 27).

Ein wesentlicher Teil der an der Wand montierten handgezeichneten Bilder ist eine Gruppe von Textblättern. Verse mit geistigem und moralischem Inhalt, Hymnen auf Hakennoten und erbauliche Lehren wurden in der Regel auf Blättern aufgeführt

großformat, hatte bunte Rahmen, helle Titel, der Text war mit großen Initialen gefärbt, manchmal wurde er von kleinen Illustrationen begleitet.

Am häufigsten waren Geschichten mit erbaulichen Sprüchen, nützlichen Ratschlägen, den sogenannten "guten Freunden" einer Person. In den für diese Gruppe typischen Bildern "Über die guten Freunde der Zwölf" (Kat. 31), "Der Baum des Geistes" (Kat. 35) sind alle Maximen entweder in verzierten Kreisen eingeschlossen und auf dem Bild eines Baumes platziert oder auf die breiten, gebogenen Blätter eines Buschbaums geschrieben.

Spirituelle Verse und Gesänge wurden oft in Ovale gelegt, die von einer Blumengirlande umrahmt waren, die aus einem Blumentopf oder Korb auf dem Boden aufragte (Kat. 36, 37). Mit einer einzigen Methode und einer üblichen Methode für viele Blätter mit ovaler Rahmung von Texten können Sie keine zwei identischen Girlanden oder Kränze finden. Künstler variieren, phantasieren, suchen nach neuen und originellen Kombinationen und erzielen eine wirklich erstaunliche Vielfalt an Komponenten, aus denen das Oval besteht.

Die Handlungen der gemalten Wandbilder zeigen eine gewisse Affinität zu den Themen anderer Arten der Volkskunst. Die meisten Analogien bestehen natürlich bei gravierten Schienen. Ein quantitativer Vergleich zeigt, dass in den gezeichneten populären Drucken, die bis in unsere Zeit zurückreichen, die gemeinsamen Diagramme mit den gedruckten nur ein Fünftel ausmachen. Darüber hinaus gibt es in der überwiegenden Mehrheit der Fälle keine direkte Kopie bestimmter Kompositionen, sondern eine signifikante Änderung der gravierten Originale.

Bei der Verwendung der Handlung des Zeichenblatts brachten die Meister immer ihr Verständnis von Dekorativität in die Zeichnungen ein. Das Farbschema handgeschriebener Luboks unterschied sich signifikant von dem, was bei Druckprodukten beobachtet wurde.

Wir kennen nur zwei Fälle der umgekehrten Beziehung zwischen gravierten und gezeichneten Blättern: Porträts von Andrei Denisov und Daniil Vikulov wurden in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts in Moskau auf der Grundlage gezeichneter Originale gedruckt.

Die Wandblätter haben Analogien in den Miniaturen von Manuskripten. Die Anzahl der parallelen Darstellungen ist hier geringer als bei gedruckten Blättern, nur in zwei Fällen ist die direkte Abhängigkeit des handgeschriebenen populären Drucks von der Miniatur offensichtlich. In allen anderen Fällen gibt es einen unabhängigen Ansatz zur Lösung derselben Themen. Manchmal ist es möglich, eine gemeinsame Tradition der Verkörperung einzelner Bilder zu etablieren, die Miniaturisten des 18.-19. Jahrhunderts und Meistern gezeichneter populärer Drucke bekannt ist, beispielsweise in Illustrationen für die Apokalypse oder in Porträts von Lehrern der Altgläubigen, was ihre Ähnlichkeit erklärt.

Einige gängige Motive mit gemalten Bildern, zum Beispiel die Legende des Sirin-Vogels, sind in der Möbelmalerei des 18.-19. Jahrhunderts bekannt, die aus den Werkstätten des Klosters Vygo-Leksinsky stammt. In diesem Fall wurde die Zusammensetzung der Zeichnungen direkt auf die Schranktüren übertragen.

Alle aufgedeckten Fälle von gemeinsamen und geliehenen Handlungen können in keiner Weise die überwältigende Anzahl unabhängiger künstlerischer Entwicklungen im gezeichneten populären Druck überschatten. Selbst bei der Interpretation moralisierender Gleichnisse, dem am weitesten entwickelten Genre, gingen die Meister größtenteils ihren eigenen Weg und schufen viele neue ausdrucksstarke und reichhaltige figurative Werke. Es kann davon ausgegangen werden, dass das Thema des gezeichneten populären Drucks ziemlich originell ist und von der Breite der Interessen seiner Meister zeugt, von einer kreativen Herangehensweise an die Verkörperung vieler Themen.

Die Frage der Datierung ist sehr wichtig für die Charakterisierung des gezeichneten populären Drucks. Eine spezielle Studie zum Zeitpunkt der Erstellung einzelner Blätter ermöglicht es, das Bild ihres Aussehens, den Grad der Prävalenz in einem bestimmten Zeitraum, zu klären und vollständiger darzustellen, um den Zeitpunkt der Funktionsweise einzelner Kunstzentren zu bestimmen.

Einige Bilder haben Inschriften, die direkt auf das Produktionsdatum hinweisen, zum Beispiel: "Dieses Blatt wurde 1826 gemalt" (Kat. 4) oder "Dieses Bild wurde 1840 am 22. Februar geschrieben" (Kat. 142). Wie Sie wissen, kann das Vorhandensein von Wasserzeichen auf Papier eine große Hilfe bei der Datierung sein. Nach dem Filigran des Papiers ist die Grenze der Schaffung eines Werkes festgelegt, vor der es nicht hätte erscheinen können.

Die Daten auf den Blättern und Wasserzeichen weisen darauf hin, dass die ältesten erhaltenen Bilder aus den 1750er und 1760er Jahren stammen. Es stimmt, es gibt nur sehr wenige von ihnen. In den 1790er Jahren gab es bereits mehr Zeichnungen. Die Datierung der frühesten erhaltenen Bilder bis zur Mitte des 18. Jahrhunderts bedeutet nicht, dass es vor dieser Zeit überhaupt keine Wandplatten gab. Bekannt ist zum Beispiel eine einzigartige Zeichnung aus dem 17. Jahrhundert, die eine strenge Armee zeigt, die auf Booten fährt, um den Aufstand von Stepan Razin zu unterdrücken. Dies ist jedoch ein Ausnahmefall, und das Blatt hatte keinen „populären Druck“ -Charakter. Die etablierte Herstellung von gezogenen Blättern kann nur in Bezug auf die zweite Hälfte des 18. Jahrhunderts gesagt werden.

Die Zeit der größten Blüte der Kunst des gemalten Volksdrucks - Ende des 18. - erstes Drittel des 19. Jahrhunderts; In der Mitte und zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts nahm die Zahl der handgeschriebenen Bilder erst Ende des 19. - Anfang des 20. Jahrhunderts erheblich ab und wieder zu. Die Schlussfolgerungen, die sich aus der Analyse der datierten Blätter ergeben, stimmen gut mit dem allgemeinen Bild der Entwicklung der Kunst des gemalten populären Drucks überein, das sich in der Untersuchung einzelner Zentren seiner Produktion zeigt.

Die Informationen in den Inschriften auf der Vorder- oder Rückseite einiger Blätter sind eine große Hilfe beim Studium der gezeichneten Schiene.

Der Inhalt der Inschriften auf der Rückseite der Bilder ist Widmung, Angaben zum Preis der Blätter, Notizen für Künstler. Hier Beispiele für Widmungen oder Spendentexte: "Dem ehrlichsten Iwan Petrowitsch von Irina V. mit dem niedrigsten Bogen", "Gnädige Kaiserin Fjokla Iwanowna" (Kat. 17), "Diese Heiligen Lev Sergeich und Alexandra Petrowna zusammen mit einem großen Geschenk präsentieren" (Kat. 38) ... Auf der Rückseite von drei Bildern steht ihr Preis in Kursivschrift: "Cent", "Osmi Griwna" (Kat. 62, 63, 65). Diese Kosten sind zwar an sich nicht sehr hoch, übersteigen jedoch den Preis, zu dem gedruckte populäre Drucke verkauft wurden.

Sie können auch die Namen der Künstler herausfinden, die an den Bildern gearbeitet haben, den sozialen Status der Meister: "... diese Cortina von Mirkuliy Nikin" (Kat. 136), "Ivan Sobolytsikov schrieb" (Kat. 82), "Dieser Vogel ist geschrieben (auf dem Bild mit dem Bild von Alkonost) .- E. I.) 1845 von Alexei Ivanov als Ikonenmaler und seinem Diener Ustin Vasiliev, Ikonenmaler Avsyunisky.

Fälle, in denen der Name des Künstlers auf den Bildern angegeben wird, sind jedoch sehr selten. Die meisten Blätter haben keine Unterschriften. Es ist möglich, wenig über die Autoren des gezeichneten Lubok zu erfahren. Es gibt nur wenige Beispiele, wenn einige Informationen über die Meister erhalten geblieben sind. Über die Wologda-Künstlerin Sofya Kalikina, deren Zeichnungen 1928 von einer historischen Expedition und einer Haushaltsexpedition ins Historische Museum gebracht wurden, erzählten die Anwohner etwas, und der Rest wurde Stück für Stück aus verschiedenen schriftlichen Quellen enthüllt. Sophia Kalikina lebte im Dorf Gavrilovskaya, Totemsky Bezirk des Spasskaya Volost. Von einem frühen

zusammen mit ihrem älteren Bruder Grigory illustrierte sie Manuskripte, die von ihrem Vater Ivan Afanasyevich Kalikin8 kopiert wurden8. Gezeichnete Bilder, die 1905 im Alter von etwa zehn Jahren in das Staatliche Historische Museum Sofia Kalikina gebracht wurden (Kat. 66-70). Gemessen an der Tatsache, dass ihre Zeichnungen bis 1928 in den Hütten hingen und die Leute sich daran erinnerten, wer ihre Autorin war und in welchem \u200b\u200bAlter sie sie schuf, war die Arbeit bei denen, für die sie aufgeführt wurden, erfolgreich.

Die Tatsache, dass bäuerliche Altgläubigefamilien, die sich mit der Korrespondenz von Manuskripten (und häufig mit der Ikonenmalerei) und dem Zeichnen von Wandbildern beschäftigten, Kinder anzogen, ist nicht nur aus der Geschichte von Sofya Kalikina bekannt, sondern auch aus anderen Fällen4.

Das auffälligste Beispiel für die Kombination der Aktivitäten eines miniaturistischen Künstlers und eines Meisters populärer Drucke ist das Werk der IG Blinov (sein Bild "Die Schlacht von Kulikovo" wurde oben beschrieben). Es ist bemerkenswert, dass I. G. Blinov fast unser Zeitgenosse war und 1944 starb.

Die Tätigkeit von Ivan Gavrilovich Blinov - einem Künstler, Miniaturisten und Kalligraph - ermöglicht es, die Typologie des Künstlerbildes einer von uns weiter entfernten Zeit zu verstehen, obwohl Blinov bereits ein Mann einer anderen Formation war. Daher lohnt es sich, näher darauf einzugehen.

Die Fakten der Biographie von I. G. Blinov können aus den derzeit in der Abteilung für Manuskripte der GBL "1, im Zentralstaatsarchiv der UdSSR" und in der Abteilung für Manuskripte des Staatlichen Historischen Museums 12 aufbewahrten Dokumenten entnommen werden. I. G. Blinov wurde 1872 im Dorf Kudashikha im Bezirk Balakhninsky in der Provinz Nischni Nowgorod in eine Familie von Altgläubigen geboren, die das Priestertum annehmen. Er lebte lange Zeit unter der Obhut seines Großvaters, der einst "in streng religiösem Geist" in Mönchszellen studierte. Als der Junge zehn Jahre alt war, brachte ihm sein Großvater das Lesen vor Ikonen bei und stellte ihn den alten russischen Sängern vor. Ab dem zwölften Lebensjahr begann Blinov Autodidakt zu malen. Unbekannt von seinem Vater, der das Hobby seines Sohnes oft nachts nicht gut fand, beherrschte er das Schreiben von Briefen, verschiedenen Arten von Handschriften und Ornamenten alter handgeschriebener Bücher. Blinov war siebzehn Jahre alt, als G. M. Pryanishnikov, ein berühmter Sammler der russischen Antike, der in seinem Haus im Dorf Gorodets Buchautoren unterhielt, sich für seine Werke interessierte und alte handgeschriebene Bücher für ihn kopierte. Blinov arbeitete viel mit Pryanishnikov und einem anderen großen Sammler, dem Balakhna-Händler P.A.Ovchinnikov, zusammen, um ihre Aufträge zu erfüllen.

Im Alter von neunzehn Jahren heiratete Blinov, drei Kinder wurden nacheinander geboren, aber trotz der gestiegenen wirtschaftlichen Verantwortung verließ er seinen Lieblingsberuf nicht und verbesserte die Fähigkeiten eines Kalligraphen und Miniaturisten weiter. Ivan Gavrilovich, der sich in einem Sammlerkreis drehte und für sie arbeitete, begann selbst, alte Bücher zu sammeln. 1909 wurde Blinov nach Moskau in die Druckerei der Altgläubigen von LA Malekhonov eingeladen, wo er sieben Jahre lang als Korrektor slawischer Art und als Künstler arbeitete. Zu diesem Zeitpunkt hatte seine Familie bereits sechs Kinder, seine Frau lebte meist mit ihnen im Dorf. Aus mehreren erhaltenen Briefen von Ivan Gavrilovich an seine Frau und seine Eltern während seiner Dienstzeit in der Druckerei geht hervor, dass er viele Moskauer Bibliotheken besuchte - die Historische, Rumyantsev, Synode, besuchte die Tretjakow-Galerie; Er wurde von Moskauer Bibliophilen und Liebhabern der Antike anerkannt. Sie gaben ihm private Aufträge für die Dekoration von Adressen, Tablettbögen und anderen Papieren. In seiner Freizeit schrieb die IG Blinov eigenständig Texte und zeichnete Illustrationen für einige literarische Denkmäler, beispielsweise zu Puschkins „Lied vom prophetischen Oleg“ (1914, aufbewahrt im Staatlichen Historischen Museum) und zu „Das Regiment des Laien von Igor“ (1912, 2 Exemplare werden aufbewahrt) in GBL).

Von 1918 bis 1919 begann der Künstler eng mit dem Staatlichen Historischen Museum zusammenzuarbeiten. Er hatte seine Werke zuvor ins Museum gebracht und verkauft, jetzt wurden ihm speziell Miniaturen für Werke der altrussischen Literatur bestellt: Geschichten über Savva Grudtsyn "3, über Frol Skobeev14, über Weh und Unglück.15 V.N.Schepkin, der zu dieser Zeit die Abteilung für Manuskripte des Museums leitete, schätzte Blinovs Kunst und erwarb bereitwillig seine Werke.

Im November 1919 sandte das Volkskommissariat für Bildung auf Vorschlag des akademischen Kollegiums des Historischen Museums I. G. Blinov in seine Heimat nach Gorodets, wo er sich aktiv am Sammeln von Antiquitäten und an der Schaffung eines örtlichen Museums für lokale Überlieferungen beteiligte. Die ersten fünf Jahre des Bestehens des Museums - von 1920 bis 1925 - waren dessen Direktor. Dann zwangen die materiellen Umstände Blinov, mit seiner Familie ins Dorf zu ziehen. Das einzige Originaldenkmal, das er nach seiner Rückkehr in seine Heimat geschaffen hat, ist das Werk "Die Geschichte der Gorodets" (1937) mit Illustrationen in der Tradition antiker Miniaturen.

I. G. Blinov besaß praktisch alle Arten der alten russischen Handschrift und viele künstlerische Arten der Verzierung und Dekoration von Manuskripten. Einige der Werke, die er speziell mit allen ihm bekannten Schriftarten aufführte, als ob sie ein breites Spektrum der Kunst des antiken Schreibens demonstrieren würden.

Wenn man die kalligraphischen Fähigkeiten von I. G. Blinov würdigt, muss man bedenken, dass er immer ein Stylist geblieben ist. Der Meister strebte nicht nach einer vollständigen und absolut genauen Reproduktion der formalen Merkmale des Originals, sondern interpretierte die Hauptmerkmale eines bestimmten Stils künstlerisch und verkörperte sie im Geiste der Kunst seiner Zeit. In den von Blinov entworfenen Büchern ist immer die Hand eines Künstlers der Wende des 19. und 20. Jahrhunderts zu spüren. Seine Tätigkeit ist ein Beispiel für die tiefe Beherrschung und kreative Entwicklung der alten russischen Buchkunst. Der Künstler beschäftigte sich nicht nur mit dem Kopieren und Korrespondenz alter Bücher, sondern fertigte auch eigene Illustrationen für literarische Denkmäler an. Es ist wichtig sich daran zu erinnern, dass Blinov kein professioneller Künstler war, seine Arbeit liegt ganz im Mainstream der Volkskunst.

I. G. Blinovs Vermächtnis besteht aus etwa sechzig Gesichtsmanuskripten und vier handgezeichneten Wandblättern. Das interessanteste - "Die Schlacht von Kulikovo" - gibt einen vollständigen Überblick über das Ausmaß des Talents des Künstlers. Aber sein Werk zeichnet sich aus, es kann keiner der derzeit bekannten Schulen der Volkskunst zugeschrieben werden.

Wie bereits erwähnt, können die meisten gezeichneten Bilder entsprechend ihrer künstlerischen Eigenschaften mit bestimmten Zentren identifiziert werden. Betrachten wir die wichtigsten.

erinnern wir uns, dass das Vygovsky Center der Vorfahr der Kunst war, populäre Drucke zu zeichnen. Da in der Literatur die handgeschriebenen Bücher aus dem Vygo-Leksinsky-Kloster gewöhnlich als Pomorian bezeichnet werden, wird der dekorative Stil ihres Entwurfs auch Pomor genannt, und in Bezug auf die gemalten Wandbilder des Vygov-Zentrums ist es legitim, diesen Begriff anzuwenden. Dies ist nicht nur durch die gemeinsame Herkunft der Bilder und Manuskripte gerechtfertigt, sondern auch durch die stilistischen Ähnlichkeiten, die in der künstlerischen Art beider beobachtet werden. Die Zufälle betreffen die Handschrift selbst - das Pomor semi-ustav, große Zinnoberinitialen, verziert mit üppigen Zierstielen, und die Titel in charakteristischer Ligatur.

Miniaturen und Zeichenblätter haben farblich viel gemeinsam. Die Lieblingskombinationen von hellen Purpurtönen mit Grün und Gold wurden von den Künstlern der Wandbilder von den handgeschriebenen Meistern entlehnt. In den Zeichnungen gibt es, genau wie in den Pomor-Büchern, Bilder von Blumentöpfen mit Blumen, Bäume mit großen runden Früchten, die Äpfeln ähneln, von denen jeder zweifellos in zwei verschiedenen Farben bemalt ist, Vögel, die über die Bäume flattern und Zweige mit kleinen Beeren in ihren Schnäbeln halten, das Firmament mit Wolken in Form von Rosetten mit drei Blütenblättern, Sonne und Mond mit anthropomorphen Gesichtern. Eine große Anzahl direkter Zufälle und Analogien macht es leicht, die Bilder dieses Zentrums von der allgemeinen Masse der gezeichneten Schiene zu unterscheiden. In der Sammlung des Historischen Museums wurden 42 Werke der Wygow-Schule identifiziert. (Denken Sie daran, dass die Sammlung des Staatlichen Historischen Museums 152 Blätter umfasst und die Gesamtzahl der derzeit identifizierten Bilder 412 beträgt.)

In Techniken und Ornamenten haben Meister handgeschriebener Bücher und Wandbilder viel gemeinsam. Es ist jedoch wichtig, auf das Neue zu achten, das die Pomor-Künstler in die Zeichnung des Bildes eingebracht haben. Eine große Wandzeichnung wird vom Betrachter nach anderen Gesetzen als Buchminiaturen wahrgenommen. Vor diesem Hintergrund haben die Künstler die Palette der Zeichnungen durch die Einführung von offenem Blau, Gelb und Schwarz spürbar bereichert. Die Handwerker erzielten ausgewogene und vollständige Layouts der Blätter unter Berücksichtigung ihres dekorativen Zwecks im Innenraum. Die Fragmentierung und Fragmentierung von Buchillustrationen war hier nicht akzeptabel.

In den Wandtafeln fehlt die ikonografische Interpretation der für die Miniatur charakteristischen „Gesichter“ vollständig. Die Gesichter der Figuren auf den Bildern werden rein populär gerendert. Dies gilt sowohl für Porträts realer Personen, zum Beispiel der Vygov-Äbte mit ihrem typischen Erscheinungsbild, als auch für das Erscheinungsbild fantastischer Kreaturen. In den Geschichten mit Sirin und Alkonost, die die Menschen mit ihrer Schönheit und ihrem überirdischen Gesang verzaubern, wurden beide Vögel ausnahmslos im Geiste der folkloristischen Idee des Ideals der weiblichen Schönheit dargestellt. Die Vogelbeobachter haben volle Schultern, abgerundete Gesichter mit pausbäckigen Wangen, eine gerade Nase, Zobelaugenbrauen usw.

In den Bildern kann man eine charakteristische Übertreibung einzelner Bildmotive beobachten, die für populäre populäre Drucke charakteristisch ist. Vögel, Büsche, Früchte, Blumengirlanden aus rein dekorativen Motiven, wie sie in Manuskripten waren, verwandeln sich in blühende Symbole. Sie nehmen an Größe zu, erreichen manchmal eine unplausibel bedingte Größe und erhalten eine unabhängige und nicht nur dekorative Bedeutung.

Oft dominiert der folkloristische Ansatz das Verständnis der Handlung selbst, wie zum Beispiel im Gemälde "Eine reine Seele und eine sündige Seele" (Kat. 23), wo Gut und Böse einander gegenüberstehen, wo Schönheit über Hässlichkeit triumphiert. Die Komposition wird dominiert von einer königlichen Jungfrau - einer reinen Seele, umgeben von festlichem Strahlen, und in der Ecke einer dunklen Höhle vergießt eine sündige Seele Tränen - eine kleine elende Gestalt.

Wie Sie sehen können, ging die Kunst der Pomor-Wandbilder, die aus den Tiefen der handgeschriebenen Miniaturtradition hervorgegangen war, ihren eigenen Weg, indem sie das populäre Element und die Poesie der Weltanschauung des Volksprimitivs beherrschte.

Die pommersche Schule der gezeichneten Bilder war trotz der stilistischen Einheit der Werke nicht homogen. Die Vygov-Meister arbeiteten auf unterschiedliche Weise, was es ermöglicht, mehrere Richtungen zu unterscheiden, die sich voneinander unterscheiden. Eines von ihnen, das durch die größte Anzahl von Bildern repräsentiert wird, zeichnet sich durch Helligkeit, Festlichkeit und naive Offenheit populärer Drucke aus. In diesen Zeichnungen, die immer auf einem weißen, unbemalten Hintergrund mit leuchtenden Hauptfarben ausgeführt werden, blüht die Welt der fantastischen, fabelhaften Schönheit prächtig auf. Auf dem Bild, das den Moment der Versuchung von Eva im Paradies darstellt, stehen Adam und Eva in der Nähe eines unbekannten Baumes mit einer üppigen Krone und riesigen Früchten. Um sie herum befinden sich Büsche, die vollständig mit Blumen bedeckt sind und über denen Vögel flattern, über ihnen ein blauer, flacher Himmel mit gleichmäßigen Wolken (Katze) . zehn). Harmonisierte Schönheit dominiert selbst in einer scheinbar traurigen und moralistischen Verschwörung wie dem Tod der Gerechten und des Sünders (Kat. 28), in der Engel und Teufel über die Seele des Verstorbenen streiten und in einem Fall die Engel gewinnen und in dem anderen die Besiegten trauern.

Die zweite Art von Pomor-Blättern verdient trotz der geringen Anzahl eine gesonderte Prüfung. Bilder in dieser Kategorie zeichnen sich durch ein überraschend exquisites perlrosa Sortiment aus. Luboks von notwendigerweise großem Format wurden auf einem getönten Hintergrund hergestellt: Das Blatt war vollständig mit grau-rosa Farbe bedeckt, auf die die Zeichnung aufgetragen wurde. Hier wurde Weiß verwendet, das in Kombination mit Pink und Grau einen sehr subtilen Klang ergibt.

Die charakteristischsten Blätter, die auf diese künstlerische Weise hergestellt wurden, sind The Tree of Mind (Kat. 35) und The Bird of Paradise Sirin (Kat. 16). Beide enthalten eine Reihe von Zierdekorationen, die der gesamten pommerschen Schule gemeinsam sind: dekorative Büsche mit darauf sitzenden Vögeln, stilisierte fantastische Blumen, zweifarbige Äpfel, ein himmlisches Gewölbe mit Wolken und Sternen - aber sie zeichnen sich durch eine subtile Anmut von Farbe und Handwerkskunst aus.

Eine Besonderheit der Bilder der dritten Kategorie ist die Verwendung des Motivs eines sich kräuselnden Akanthusblattes. Sogar große Locken aus Akanthusornamenten dominieren die Komposition. Sie sind zum Beispiel geschmückt mit "Der Stammbaum von A. und S. Denisovs" (Kat. 3) und "Das Gleichnis vom verlorenen Sohn" (Kat. 13). Akanthusblätter werden mit den gleichen traditionellen Blütenblättern, Apfelkreisen und Blumenbechern kombiniert, als ob sie mit einem Haufen Beeren gefüllt wären, die mit niedlichen Sirin-Vögeln auf den Zweigen sitzen.

Alle Pomor-Künstler, die die lokale Farbgebung von Objekten und dekorativen Details bevorzugten, griffen ständig auf das Hervorheben und Auswaschen des Haupttons zurück, um einen Licht- und Schatteneffekt zu erzielen, das Spiel von Kleidungsfalten zu vermitteln und Objekten Volumen zu verleihen.

Wenn man die Pomor-Schule der Wandbilder als Ganzes betrachtet, kann man sehen, dass es innerhalb der fraglichen Richtungen populäre Drucke mit einem sehr hohen Leistungsniveau gibt und einfachere, was auf die weit verbreitete Verbreitung der Kunst gezeichneter populärer Drucke hinweist, in denen Meister verschiedener Grad der Bereitschaft.

Über die Datierung der Pomor-Werke ist Folgendes bekannt: Der Großteil der Bilder entstand in den 1790-1830er Jahren; In den 1840-1850er Jahren ging ihre Produktion stark zurück. Dies ist auf die Welle repressiver Aktionen zurückzuführen, die die Klöster Vygovsky und Leksinsky getroffen haben. Trotz der Schließung des Klosters wurde die Produktion von Wandplatten nicht eingestellt. In geheimen Dorfschulen in Pomorie wurde bis zum Beginn des 20. Jahrhunderts die Erziehung der Kinder der Altgläubigen fortgesetzt, die Korrespondenz handgeschriebener Bücher und das Kopieren von Wandbildern.

Das Tora-Zentrum für die Herstellung von bemalten Blättern in Nordrussland befand sich im Unterlauf der Petschora und ist mit den Aktivitäten der Meister des Velikopozhensky-Klosters verbunden. Die Präsenz einer eigenen Schule zur Herstellung handgezeichneter Bilder wurde von dem berühmten Forscher der russischen handgeschriebenen Buchliteratur V. I. Malyshev festgestellt. In dem Buch "Ust-Tsilemsky-Manuskriptsammlungen des 16.-20. Jahrhunderts". Er veröffentlichte eine Zeichnung aus der Gemeinde Velikopozhensky, die das Kloster und seine beiden Äbte darstellt.

VI Malyshev bemerkte die Besonderheiten der Handschrift lokaler Ust-Tsilma-Schreiber von Büchern und wies darauf hin, dass der Pechora semi-ustav im Gegensatz zu seinem Prototyp, dem Pomor semi-ustav, viel freier, weniger ausgeschrieben und nicht so gut strukturiert ist; Eine Vereinfachung macht sich in den Initialen und Begrüßungsbildschirmen bemerkbar. Basierend auf den Besonderheiten der Handschrift und den Stilmerkmalen der Zeichnungen selbst wurden dem gezeichneten populären Druck, den Malyshev definitiv mit der örtlichen Schule verband, 18 weitere hinzugefügt. So verfügt die Pechora-Schule derzeit über 19 erhaltene Blätter. Anscheinend sind die meisten Werke lokaler Handwerker nicht zu uns gekommen. Das Historische Museum enthält nur 2 Zeichnungen dieses Zentrums, aber sie können auch die Originalität der Petschora-Bilder charakterisieren.

Wenn wir das Zusammenspiel der Pechora-Schule des Zeichnens populärer Drucke mit grafischen Gemälden auf Objekten der angewandten Kunst, Arbeits- und Jagdwerkzeugen der Pizhemsky- und Pechora-Zentren verfolgen, die den Produktionsstätten von Bildern am nächsten liegen, wird sich herausstellen, dass in letzterem und in dem Gemälde auf Holz, das an einigen Stellen fast zu unserem geworden ist Tage in Form von Mallöffeln mit ihrer besonderen Kalligraphie und Verkleinerung gab es gemeinsame Ursprünge.

Das Hauptthema der uns bekannten Pechora-Werke sind die Porträts der Vygov-Filmarchive, Lehrer und Mentoren des Pomor-Abkommens. Bei vollständiger Einhaltung eines einzigen ikonografischen Schemas unterscheiden sich die Bilder von denen, die im Vygovsky-Kloster selbst gemalt wurden. Sie sind monumentaler, skulpturaler in der Modellierung von Volumina und nachdrücklich geizig im allgemeinen Farbsystem. Einige der Porträts waren nicht gerahmt und sollten in einer Reihe aufgehängt werden: S. Denisov, I. Filippov, D. Vikulov, M. Petrov und P. Prokopyev (Kat. 53, 54). Die Bilder sind fast monochrom, vollständig in graubraunen Tönen. Die Art der Ausführung der Pechora-Zeichnungen ist streng und einfach.

Eine aktive Rolle in der Komposition spielt die Kontur-Silhouette-Linie, auf die bei fast vollständigem Fehlen dekorativer Elemente die Hauptausdruckslast fällt. Es gibt keine Helligkeit, keine Eleganz, keinen dekorativen Reichtum der Vygov-Tradition, obwohl einige Merkmale, die Pechora- und Pomor-Bilder gemeinsam machen, immer noch gefunden werden können: eine Möglichkeit, Baumkronen, Gras in Form von Kommabüschen auf einer hufeisenförmigen Basis darzustellen.

Eine Analyse der populären Drucke der Pechora-Schule zeigt, dass lokale Künstler ihren eigenen kreativen Stil entwickelt haben, etwas asketisch, ohne Eleganz und Raffinesse, aber sehr ausdrucksstark. Alle erhaltenen Bilder stammen aus der zweiten Hälfte des 19. - frühen 20. Jahrhunderts. Wir kennen keine früheren Denkmäler, obwohl aus dem, was über die Aktivitäten der Gemeinden Velikopozhensky und Ust-Tsilemsky bekannt ist, klar ist, dass sie früher geschaffen wurden.

Das dritte Zentrum des bemalten Lubok kann als Sewerodwinsk bezeichnet werden und befindet sich im Gebiet des ehemaligen Bezirks Shenkur - den modernen Bezirken Verkhnetoemsky und Vinogradovsky. Sewerodwinsks Wandbilder wurden auch in Analogie zu handgeschriebenen Gesichtsbüchern und bemalten Haushaltsbauernobjekten identifiziert.

Die Manuskripttradition von Sewerodwinsk wurde ab den späten 1950er Jahren von Archäographen ausgezeichnet, und ihre aktive Erforschung wird bis heute fortgesetzt.

Die Anzahl der erhaltenen Denkmäler dieses Zentrums ist gering. Das Historische Museum hat fünf Blätter.

Der Vergleich von Wandbildern mit Miniaturen von Sewerodwinsker Manuskripten zeigt manchmal nicht nur gemeinsame künstlerische Motive - Bilder eines blühenden Astes mit tulpenförmigen Blüten oder einer besonderen Farbgebung, sondern auch eine direkte Ausleihe von Motiven aus Gesichtsmanuskripten. Dies ist der "königliche Weg" (Kat. 59), dessen Hauptbedeutung darin besteht, Menschen zu verurteilen, die sich weltlichen Freuden hingeben - Tanzen und Spielen, fleischliche Liebe, Trunkenheit usw. Sünder werden von Teufelsmädchen verführt und geführt. Eine Reihe von Episoden des Bildes, insbesondere Szenen, in denen Dämonen eine Gruppe versammelter Männer mit Wein aus einem Fass behandeln oder junge Mädchen mit Kleidern verführen, Kokoshniks anprobieren und Schals binden, stammen aus einer Sammlung, die Illustrationen für das Evangeliumsgleichnis der zu einem Fest eingeladenen Personen enthält. Dem Text zufolge weigerten sich die Eingeladenen zu kommen, wofür sie bestraft wurden und "auf einen breiten und ausgedehnten Weg" gezogen wurden, auf dem listige Dämonen auf sie warten. Ein Vergleich des Bildes und der handgeschriebenen Miniaturen zeigt, dass der Künstler durch die Ausleihe der Handlung die Kompositionsstruktur der Szenen, die ihm als Originale dienten, erheblich verändert hat. Er führte eine völlig unabhängige Arbeit durch, arrangierte die Charaktere auf seine eigene Weise, gab ihnen ein anderes Aussehen und machte sie vor allem allgemeiner und populärer.

Die künstlerische Tradition der Volkskunst in Sewerodwinsk beschränkt sich nicht nur auf Manuskripte und populäre Drucke. Es enthält auch zahlreiche Werke der Bauernmalerei auf Holz. Die Malwodwinsker Malerei ist derzeit eines der am meisten erforschten Gebiete der volksdekorativen Kunst des Nordens. Zahlreiche Expeditionen des Russischen Museums, des Staatlichen Historischen Museums, des Zagorsker Museums, des Wissenschaftlichen Forschungsinstituts der Kunstindustrie in die Regionen des Mittel- und Oberlaufs der nördlichen Dwina ermöglichten es, eine Fülle von Materialien über die Künstler zu sammeln, die Spinnräder und Haushaltsgegenstände bemalten, und mehrere Zentren für die Herstellung bemalter Produkte zu identifizieren21. Der Vergleich der typischsten Werke einzelner Malschulen für Spinnräder mit bemalten Wandbildern ergab, dass Produkte aus der Gegend des Dorfes Borok in der Art der Ausführung den populären Drucken am nächsten kommen.

Im Zentrum der Farbstruktur der Wrestler-Gemälde steht der Kontrast eines hellen Hintergrunds und heller Töne des Ornaments - Rot, Grün, Gelb, oft Gold. Die vorherrschende Farbe des Gemäldes ist rot. Typische Muster - stilisierte Pflanzenmotive, dünne lockige Zweige mit offenen Blütenrosetten, üppige tulpenförmige Blütenkrone; Genreszenen sind im unteren Spinnrad enthalten.

Der Reichtum der Ornamentik, die Poesie der Fantasie, die Gründlichkeit und Schönheit der Dekoration des Gemäldes von Boretsk-Produkten sowie der freie Besitz lokaler Meister der Ikonenmalerei und des Buchgeschäfts zeugen von den hohen künstlerischen Traditionen der Volkskunst Sewerodwinsks.

Bei Boretskie-Gemälden sind beliebte Drucke durch ein spezielles Muster aus Blumenornamenten, eine konsistente und harmonische Farbpalette mit der vorherrschenden Verwendung von Rottönen und der geschickten Verwendung eines hellen, unbemalten Papierhintergrunds verbunden. Wandpaneelkünstler liebten das blühende Zweigmotiv mit großen tulpenförmigen Blüten. So sitzen auf zwei Bildern die Vögel der Sirins (Kat. 57, 58) nicht auf üppigen Büschen, die mit Früchten aufgehängt sind, wie es auf den Pomor-Blättern war, sondern auf phantasievoll zappelnden Stielen, von denen stilisierte Zierblätter entweder der Lanzette oder der abgerundeten Umrisse in beide Richtungen abweichen und große tulpenförmige Blüten. Das Zeichnen von riesigen Tulpen auf den Bildern erfolgt in genau den gleichen Konturen und mit dem gleichen Schnitt der Blütenblätter und des Kerns wie die Meister auf den Spinnrädern von Toemsk und Puchug.

Neben der stilistischen Gemeinsamkeit finden Sie individuelle Motive, die in Bildern und in der Holzmalerei zusammenfallen. Zum Beispiel wird ein charakteristisches Detail wie das Bild der obligatorischen Fenster mit sorgfältigen Bindungen im oberen Teil der Boretsk-Spinnräder auf dem Blatt mit dem Bild des Garten Eden (Kat. 56) wiederholt, wobei die Umfassungsmauer die gleichen karierten Fenster aufweist. Der Künstler, der dieses Werk geschaffen hat, zeigt eine hohe Beherrschung der altrussischen Zeichentechniken und eine bemerkenswerte Vorstellungskraft. Ungewöhnliche Baumbüsche des Gartens Eden mit fabelhaften Blumen überraschen den Betrachter, zeigen den Reichtum und die Vielfalt der idealen Welt.

Der emotionale Charakter des Ornaments und die gesamte Struktur der Bilder von Sewerodwinsk unterscheiden sich grundlegend von denen der übrigen populären Drucke. Das Farbschema der Sewerodwinsker Blätter zeichnet sich durch die Verfeinerung einiger sorgfältig ausgewählter Kombinationen aus, die dennoch ein Gefühl für die Mehrfarbigkeit und Schönheit der Welt schaffen.

Die Sewerodwinsker Schule für Manuskripte und populäre Drucke wuchs nicht nur auf den Traditionen der alten russischen Kunst auf, sondern wurde auch stark von so großen Zentren des künstlerischen Handwerks wie Veliky Ustyug, Solvychegodsk, Kholmogory beeinflusst. Die helle und farbenfrohe Kunst der Emailleure, dekorative Techniken zum Bemalen der Truhen und Kopfstützen mit charakteristischen hellen Hintergründen, Motive von tulpenartigen Blumen, geschwungenen Stielen und Mustern inspirierten lokale Künstler auf der Suche nach einer besonderen Ausdruckskraft von Pflanzenmustern. Die Kombination dieser Einflüsse erklärt die Originalität der Werke des Kunstzentrums Sewerodwinsk, die Einzigartigkeit ihrer figurativen und farbigen Struktur.

Die Datierung der Bilder von Sewerodwinsk zeugt von einer ziemlich langen Zeit ihrer Entstehung und Existenz. Die frühesten erhaltenen Blätter wurden in den 1820er Jahren hergestellt, die spätesten stammen aus dem frühen 20. Jahrhundert.

Das führende Zentrum der handschriftlichen Schiene ist genau an der Stelle bekannt, an der die Wandplatten hergestellt wurden. Dies ist eine Gruppe von Wologda-Werken, die mit den ehemaligen Bezirken Kadnikovsky und Totemsky der Region Wologda verbunden sind. Von den 35 derzeit bekannten Bildern befinden sich 15 im Historischen Museum.

Trotz der ausreichenden territorialen Nähe unterscheiden sich die Wologda-Blätter erheblich von denen von Sewerodwinsk. Sie unterscheiden sich in stilistischer Weise, in der Farbpalette, in der Abwesenheit von gemusterten Ornamenten in den Vologda-Bildern und in der Vorliebe der Meister für Genrekompositionen mit einer detaillierten narrativen Handlung.

Es ist interessant, Vologda-Drucke mit anderen Arten der Volkskunst zu vergleichen. Holzmalerei war in der Region Wologda weit verbreitet. Von besonderem Interesse für uns ist die Kunst der Hausmalerei des 19. Jahrhunderts, die durch das Fehlen kleiner Beschriftungen und den Lakonismus des Farbsystems gekennzeichnet ist - Merkmale, die für die alte Wologda-Tradition charakteristisch sind. Löwen, Vögel und Greifen, die in Zeichnungen auf Bastkästen zu finden waren, malten einzelne Details des Inneren der Bauernhütte. Wandtafeln sind mit der Malerei auf Holz verbunden, da Künstler das Genre der Bilder spürbar anziehen und die Konturgrafiken ihre Ausdruckskraft lakonisch darstellen.

Wenn man die populären Drucke von Vologda mit Gesichtsmanuskripten vergleicht, kann man eine Reihe gemeinsamer Stilmerkmale in der Arbeit von Künstlern identifizieren. Demnach kann eine bestimmte Gruppe von Gesichtssammlungen des 19. Jahrhunderts der Vologda-Manuskriptschule zugeordnet werden, die bis vor kurzem von Forschern nicht als eigenständiges Zentrum ausgewiesen wurde. Typische Zeichentechniken, sowohl in Miniaturen als auch in Bildern, umfassen Methoden zum Abtönen des Hintergrunds mit einer transparenten Farbschicht, zum Streichen des Bodens und der Hügel in einem gleichmäßigen hellbraunen Ton mit Krümmungen entlang aller Linien mit einem breiten Streifen einer dunkleren Farbe sowie Bilder von Fußböden in Innenräumen in Form von rechteckigen Platten oder langen Brettern mit dem obligatorischen Umriss der Kontur in einer dunkleren Farbe, hervorgehoben mit hellgrauen Tönen von Haaren und Bärten bei Männern in Kompositionen mit mehreren Handlungen. Schließlich werden beliebte Drucke und Miniaturen durch die Verwendung derselben und anscheinend bevorzugten Farbkombinationen von Künstlern in Beziehung gesetzt, bei denen Gelb-, Brauntöne und leuchtendes Rot-Orange vorherrschen.

Bei aller künstlerischen Nähe der einen und anderen Vielfalt von Vologda-Bilddenkmälern werden wir in ihnen keine Themen finden, die direkt ausgeliehen oder von Manuskripten auf Bilder übertragen würden und umgekehrt.

Alle Vologda-Blätter zeichnen sich durch eine erweiterte Erzählung aus. Dies sind Illustrationen für Gleichnisse, Legenden aus dem "Großen Spiegel", für Artikel aus dem Prolog, Patericon. Die bereits diskutierte satirische Zeichnung "Oh ho ho, schwerer russischer Mann ...", die thematisch selten ist, ist ebenfalls eines der Denkmäler von Wologda.

Die Vologda-Künstler versuchten eindeutig, den Zeichnungen nicht so sehr eine lehrreiche und erbauliche Bedeutung zu geben, sondern sie unterhaltsam zu machen, sie in Form einer faszinierenden Geschichte zu kleiden. In der Regel sind alle Kompositionen mehrfigurig und voller Action. Es ist interessant, dass in einigen Bildern, die die Legenden und Gleichnisse über die Versuchung der Gerechten, über die Bestrafung nach dem Tod für Sünden veranschaulichen, die Monster, die eine Person verfolgen, nicht erschreckend, sondern freundlich dargestellt werden. Wölfe, Drachen mit feurigem Maul, Löwen, Schlangen, obwohl sie die Höhle des heiligen Antonius umgeben oder zum Beispiel einen "bösen Mann" in einen brennenden See treiben, sehen nicht wie die Produkte höllischer Kräfte aus, sondern haben eine Art Spielzeugcharakter. Diese unfreiwillige Transformation beruht höchstwahrscheinlich auf der tiefen Verbindung der Meister mit den jahrhundertealten Traditionen der Volkskunst, die sich seit jeher durch Freundlichkeit und eine freudige Wahrnehmung der Welt auszeichnet.

Eine weitere Manifestation der narrativen, unterhaltsamen Natur der Vologda-Werke ist die Fülle des in der Komposition enthaltenen Textes. Außerdem ist der Textteil hier völlig anders als auf den Bildern der Pomor-Schule. Die Hauptsache in den Vologda-Blättern ist nicht die dekorative Schönheit der Schrift und der Initialen, sondern die informative Ladung. Auf dem Bild „Da der Teufel für uns vergebens ist“ (Kat. 69) ist die Handlung des Gleichnisses aus „Der große Spiegel“ in einer langen Inschrift unter dem Bild dargestellt. In der Komposition sind auch Texterklärungen enthalten: Der Dialog der Charaktere wird, wie es in populären Drucken üblich ist, auf rein grafische Weise vermittelt - die Aussagen von jedem sind auf langen Streifen geschrieben, die am Mund befestigt sind. Die beiden Teile der Figur entsprechen zwei Schlüsselmomenten der Erzählung, deren Bedeutung darin besteht, dass der Dämon den Bauern anprangert, der die Rübe im Garten des alten Mannes stiehlt, lügt und versucht, seine Schuld auf ihn, einen unschuldigen Dämon, zu verlagern.

Die meisten Werke des örtlichen Zentrums, wie die Wasserzeichen des Papiers und alle von den Forschern gesammelten Informationen belegen, stammen aus dem späten 19. bis frühen 20. Jahrhundert. Frühere Exemplare sind nicht erhalten oder existierten höchstwahrscheinlich überhaupt nicht. Es ist durchaus möglich, dass das Wologda-Zentrum für bemalte Wandplatten erst Ende des 19. Jahrhunderts im Zusammenhang mit der Entwicklung der örtlichen handschriftlichen Schule Gestalt annahm. Eine spürbare Wiederbelebung der Kunst des Malens auf Holz, die sich in der Schaffung von Kompositionen zum Ausdruck brachte, die fantastische Tiere in den Innenräumen von Bauernhütten darstellen, trug ebenfalls zur Blüte der Kunst des gemalten populären Drucks bei.

das Uslic Center ist wie andere eng mit der lokalen Buchtradition verbunden. Bis vor kurzem hatten die Forscher keine eindeutige Meinung über die Besonderheiten des Stils von Guslitsky-Manuskripten. Derzeit gibt es einige Artikel, in denen die Autoren ihre charakteristischen Merkmale identifizieren. Beachten wir diejenigen, die der Art und Weise der Dekoration von Wandplatten eigen sind. Die Handschrift der besten Guslitsker Manuskripte zeichnet sich durch Verhältnismäßigkeit, Schönheit und eine gewisse Verlängerung der Buchstaben aus. Es unterscheidet sich vom Pomor-Halb-Ustav durch eine leicht wahrnehmbare Neigung der Buchstaben und ihre größere Dicke.

Guslitsky Zentrum

Illustrationen für die Lehre von Johannes Chrysostomus über das Kreuzzeichen

Mitte des 19. Jahrhunderts

Illustrationen für die Lehre von Johannes Chrysostomus über das Kreuzzeichen. Mitte des 19. Jahrhunderts. Unbekannter Künstler

Tinte, Tempera, Gold. 58x48,7

Die Initialen wurden elegant und farbenfroh ausgeführt, unterscheiden sich aber auch von den Pommerschen. Sie haben keine langen Zierzweige - Triebe, die sich manchmal über das gesamte Feld des Papiers ausbreiten, sondern nur einen üppigen Stiel - eine Schmerlenblume, die sich neben und auf Höhe der Initiale befindet. Der innere Teil der Buchstaben, immer voluminös und breit, war mit goldenen oder farbigen Locken verziert. Die Beine großer Initialen sind oft mit abwechselnden bunten Zierstreifen verziert.

Das charakteristischste Merkmal des Guslitsk-Ornaments ist die Farbschattierung, die von Künstlern häufig verwendet wurde, um Volumen zu modellieren oder dekorative Elemente zu malen. Die Schattierung erfolgte in der gleichen Farbe wie der Hauptton der Färbung. Es wurde entweder auf den weißen Hintergrund des Papiers gelegt, als würde es die Hauptfarbe umrahmen, oder über den Hauptton mit einer dunkleren Farbe. Die Kopfbedeckungen und Initialen der Denkmäler der Guslitsk-Schule verwendeten oft hellblaue und hellblaue Farben. Solche leuchtend blauen Farben, kombiniert mit reichlich Vergoldung, finden sich in keiner der handschriftlichen Schulen des 18. bis 19. Jahrhunderts.

Das Historische Museum enthält 13 Bilder im Guslitsk-Stil. Der Vergleich dieser Zeichnungen mit Pomor-Bildern (in Analogie zum allgemein anerkannten Vergleich der Ornamentik von Pomor- und Guslitsky-Manuskripten) ermöglicht ein tieferes Gefühl für ihre Originalität. Oft werden sowohl der Text als auch der visuelle Teil zu gleichen Anteilen kombiniert - Gedichte, Gesänge, Illustrationen für literarische Werke. Ein Vergleich zeigt, dass die Guslitsky-Meister Pomor-Bilder gut kannten. Die künstlerische Lösung der Guslitsky-Bilder ist jedoch völlig unabhängig. Dies betrifft das Layout des Textes, die Kombination von Schriftgrößen mit der Größe der Großbuchstaben, Initialen und die Originalität der dekorativen Rahmen der Blätter im Allgemeinen. Hier besteht wie im Gegenteil der Wunsch, Vygovs populäre Drucke in nichts zu wiederholen. Es gibt keinen einzigen Fall, in dem ein ovaler Rahmen aus Blumen oder Früchten verwendet wird. Es gibt keine Blumentöpfe und Körbe, die für das Einrahmen von Texten auf Pomor-Blättern typisch sind. Die Namen der Blätter sind nicht in Ligatur geschrieben, sondern in großem Semi-Ustav in hellem Zinnober. Besonders hervorzuheben sind die Initialen, die manchmal fast ein Drittel des Blattes einnehmen. Es ist zu spüren, dass die Dekoration der Initialen das Hauptanliegen der Künstler war - sie sind so vielfältig und wunderschön gefärbt, mit phantasievoll lockigen Blüten und Blättern verziert und glänzen mit einem goldenen Muster. Sie ziehen in erster Linie die Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich und sind die wichtigsten dekorativen Elemente der meisten Kompositionen.

Die Ergebnisse der individuellen Fähigkeiten der Dekorateure der Bilder können anhand der beiden Zeichnungen zum Thema der Lehre von Johannes Chrysostomus über das richtige Kreuzzeichen beurteilt werden (Kat. 75, 76). Es scheint, dass die Handlung dieselbe ist, die Kennzeichen sind ähnlich, aber die Blätter sind aufgrund des unterschiedlichen Verständnisses von Farbe und Ornamentik völlig unterschiedlich.

In Guslitsky-Bildern befinden sich die Handlungsepisoden in separaten Kennzeichen, die in den Ecken oder in horizontalen Streifen im oberen und unteren Teil des Blattes platziert sind. Die Einrahmung der zentralen Komposition mit Briefmarken erinnert an die Traditionen der Ikonenmalerei. Die Verbindung, mit der in Guslitsk gearbeitet wird, macht sich in der Modellierung der Kleidung der Figuren, in der Darstellung architektonischer Strukturen und in der Zeichnung von Bäumen mit einer in mehreren Ebenen angeordneten bedingten Pilzkrone bemerkbar.

Guslitsky-Meister von Wandbildern arbeiteten wie alle anderen mit flüssiger Tempera, aber ihre Farben sind dichter und gesättigter.

In den Handlungen wird das gleiche Muster beobachtet wie in den künstlerischen Merkmalen der Arbeit der Meister dieser Schule: Sie liehen sich die allgemeinen Techniken und Tendenzen der Werke anderer Zentren aus und versuchten, ihre eigenen, von anderen verschiedenen Varianten zu schaffen. Unter den bemalten Wandtafeln finden sich Szenen an anderen Orten, an denen Bilder produziert werden: "Spirituelle Apotheke" (Kat. 81) oder "Fleißig, verderblicher Mann ..." (Kat. 83), aber ihre künstlerische Lösung ist eigenartig. Es gibt auch ganz originelle Bilder: ein Blatt, das die apokryphe Legende über die Bestrafung Kains für den Mord an seinem Bruder illustriert (Kat. 78), Illustrationen für den "Grabstein", der Episoden von Joseph und Nikodemus zeigt, die nach Pilatus kommen, und die Entfernung des Leibes Christi vom Kreuz (Kat. 84). ...

Das Zeitintervall für die Erstellung von Guslitsky-Wandbildern ist nicht sehr groß. Die meisten von ihnen sind auf die zweite Hälfte zurückzuführen - das Ende des 19. Jahrhunderts. Das Wasserzeichen eines Blattes gibt das Datum 1828 an, was wahrscheinlich das früheste Beispiel ist.

das häufigste lokale Zentrum, das mit der Entstehung und Verbreitung des gemalten populären Drucks verbunden ist, ist Moskau. Das Konzept einer Schule kann nicht auf die in Moskau gemachten Bilder angewendet werden. Die Gruppe dieser Blätter ist künstlerisch und stilistisch so unterschiedlich, dass es unmöglich ist, über eine einzelne Schule zu sprechen. Unter den Moskauer Bildern gibt es an anderen Stellen keine Originalmuster, bei denen die Blätter zu Kleinserien zusammengefasst sind, wie zum Beispiel der Künstler, der die Legenden des biblischen Buches "Esther" illustriert hat. Er platzierte die Hauptepisoden der biblischen Geschichte in zwei Bildern, die sowohl in ihrer Bedeutung als auch in dem Text im unteren Teil nacheinander folgten (Kat. 90, 91). Vor dem Betrachter erzählt die Geschichte von Esthers Wahl der Frau für den persischen König Artaxerxes, von ihrer Loyalität und Bescheidenheit, vom Verrat des Höflings Haman und der Furchtlosigkeit Mordechais, von der Bestrafung Hamans usw. Die Gestaltung der architektonischen Oberflächen in den Kompositionen ergibt eine bizarre Verflechtung der alten russischen Traditionen und der Kunst der neuen Zeit.

In Anbetracht der uns bekannten Stilistiken und künstlerischen Methoden der lokalen Zentren gezeichneter Bilder kann festgestellt werden, dass jedes von ihnen, obwohl es seine eigenen Besonderheiten besaß, in einem einzigen allgemeinen Kanal der Volkskunst entwickelt wurde. Sie existierten nicht isoliert, sondern waren sich ständig der Errungenschaften benachbarter und sogar entfernter Schulen bewusst, akzeptierten oder lehnten einige von ihnen ab, liehen sich Themen aus oder suchten nach originellen Themen, ihren eigenen Ausdrucksweisen.

die Schnittschiene ist eine besondere Seite in der Geschichte der Volkskunst. Er wurde Mitte des 18. Jahrhunderts geboren und verwendete die Form eines gedruckten populären Drucks, der zu dieser Zeit ein weit verbreitetes Thema hatte und in großen Auflagen produziert wurde. Es besteht kein Zweifel an der sekundären Natur des gezeichneten populären Drucks in Bezug auf die gravierten Bilder. Die Künstler verwendeten einige lehrreiche, spirituelle und moralische Themen von gravierten Bildern. Nachahmung und Ausleihe betreffen jedoch hauptsächlich die inhaltliche Seite.

In Bezug auf künstlerische Methoden und Stilistiken zeigte der gezeichnete populäre Druck von Anfang an Originalität, begann sich eigenständig zu entwickeln. Unter Berufung auf die Hochkultur der altrussischen Malerei und insbesondere auf die Tradition der Manuskriptbücher, die in der altgläubigen Bevölkerung sorgfältig bewahrt wurde, schmolzen die Künstler die fertige Form der gedruckten Bilder in eine andere Qualität. Es war die Synthese alter russischer Traditionen und populärer Drucke, die zur Entstehung von Werken einer neuen künstlerischen Form führte. Die altrussische Komponente im gezeichneten populären Druck scheint fast die stärkste zu sein. Sie spürt keine Stilisierung oder mechanische Ausleihe. Die innovationsfeindlichen Künstler der Altgläubigen stützten sich auf vertraute, geschätzte Bilder aus der Antike und bauten ihre Werke auf dem Prinzip des visuellen illustrativen Ausdrucks abstrakter Ideen und Konzepte auf. Erwärmt durch die Inspiration der Bevölkerung, schloss sich die alte russische Tradition auch zu einem späteren Zeitpunkt in einer konventionellen Welt nicht. In ihren Werken verkörperte sie die helle Welt der Menschheit für das Publikum und sprach mit ihnen in der erhabenen Sprache der Kunst.

Die gezeichnete Schiene hat Spiritualität und visuelle Kultur aus der Ikonenkunst aufgenommen. Aus der Buchminiatur ging eine organische Kombination von Text- und Bildteilen, Methoden zum Schreiben und Dekorieren von Initialen, Gründlichkeit des Zeichnens und Färbens von Figuren und Objekten hervor.

Gleichzeitig basierten die gezeichneten Blätter auf demselben Bildsystem wie die populären Drucke. Es beruhte darauf, die Ebene als zweidimensionalen Raum zu verstehen und die Hauptfiguren durch Vergrößerung, frontale Platzierung von Figuren, dekorative Füllung des Hintergrunds in einer gemusterten und dekorativen Art der Konstruktion eines Ganzen hervorzuheben. Die gezeichnete Schiene fügt sich vollständig in ein ganzheitliches ästhetisches System ein, das auf den Prinzipien der künstlerischen Primitivität basiert. Künstler des gezeichneten Lubok sowie Meister anderer Arten der Volkskunst zeichnen sich durch ihre Ablehnung der naturalistischen Plausibilität, den Wunsch aus, nicht die äußere Form von Objekten auszudrücken, sondern ihr inneres wesentliches Prinzip, die Naivität und die idyllische Art des figurativen Denkens.

Die Kunst des gezeichneten Lubok nimmt in ihrer Zwischenposition zwischen Stadt- und Bauernkunst einen besonderen Platz im System der Volkskunst ein. Die bemalte Schiene entwickelt sich unter bäuerlichen Künstlern oder in Gesellschaften der Altgläubigen, in denen die überwiegende Mehrheit der Bevölkerung auch bäuerlichen Ursprungs war, und ist der städtischen Handwerkskunst des Posad am nächsten. Als Kunst mit Staffelei-Charakter, in gewissem Maße als Kunst der Illustration, und ohne die im Alltag notwendigen Dinge zu dekorieren, wie es die überwiegende Mehrheit der bäuerlichen Kunst war, ist der gezeichnete populäre Druck mehr von urbaner, professioneller Kunst abhängig. Daher sein Wunsch nach "malerisch", dem spürbaren Einfluss von Barock- und Rocaille-Techniken auf kompositorische Konstruktionen.

Die bäuerliche Umgebung fügte dem künstlerischen Charakter des gezeichneten populären Drucks eine weitere Schicht hinzu - Folkloretradition, folkloristische poetische Bilder, die immer im kollektiven Bewusstsein der Menschen gelebt haben. Eine besondere Liebe zum Motiv des Baumes des Lebens, des Baumes der Weisheit mit nützlichen Ratschlägen und Anweisungen, für einen blühenden und fruchttragenden Baum - ein Symbol für die Schönheit der Natur - kommt von den Künstlern des gezeichneten populären Drucks aus der alten Folkloreaufführung, der ständig in den Objekten der angewandten Kunst verkörpert ist. Die Motive großer Blüten, Knospen mit der Kraft des Wachstums und der darin eingeschlossenen Blüte spiegeln die volkspoetische Haltung wider. Genuss der Schönheit der Welt, freudige Wahrnehmung der Welt, Optimismus, Verallgemeinerung der Folklore - das sind die Merkmale, die der gezeichnete populäre Druck der Bauernkunst aufnimmt. Dies zeigt sich in der gesamten Bild- und Farbstruktur der gemalten Wandbilder.

Die Geschichte der bemalten Schiene reicht etwas mehr als 100 Jahre zurück. Das Verschwinden der Kunst handgezeichneter Bilder zu Beginn des 20. Jahrhunderts erklärt sich aus den allgemeinen Gründen, die die Veränderung aller populären Drucke beeinflussten.

Die Chromolithographie und Oleographie, die sich in großen Massenausgaben verbreiteten, konzentrierten sich auf Verlage wie I. D. Sytin, T. M. Soloviev, I. A. Morozov und andere und veränderten das Erscheinungsbild des populären Drucks der Stadt vollständig und verwandelten ihn in hübsche Bilder „für die Menschen“ ". Im späten 19. - frühen 20. Jahrhundert entwickelte die Moskauer Altgläubige Druckerei von G.K. Gorbunov eine aktive Verlagstätigkeit, in der eine große Anzahl populärer Drucke religiöser Inhalte gedruckt wurden. Die handgezeichnete Schiene wurde wahrscheinlich nur durch diese Dominanz billiger Bilder ersetzt. Nicht direkt mit dem Alltagsleben verbunden, mit der Herstellung von Geschirr, Spinnrädern, Spielzeug, dem bäuerlichen Handwerk auf dem Gebiet des gemalten Volksdrucks, das Kennern und Förderern der Künste fast völlig unbekannt war und daher keine Unterstützung fand, wie es bei einigen anderen Arten der Volkskunst der Fall war, verschwand spurlos.

Die Gründe für die Veralterung der Kunst der populären Drucke in der Praxis des frühen 20. Jahrhunderts sind sowohl privat als auch allgemein. Die stetige Entwicklung von Formen menschlicher Gemeinschaft, Veränderungen in Psychologie und Lebensstil im Zusammenhang mit dem Urbanisierungsprozess, die Verschärfung von Widersprüchen in der sozialen und sozialen Entwicklung und viele andere Faktoren führten um die Wende des 19. und 20. Jahrhunderts zur Transformation des gesamten Systems der Volkskultur und zum unvermeidlichen Verlust einiger traditioneller Arten von Volkskunst.

Die Bekanntschaft mit gemalten populären Drucken soll die Lücke füllen, die im Studium der Volkskunst des 18.-19. Jahrhunderts besteht. Die heute so aktuelle Frage nach den Wegen der Weiterentwicklung des Volkskunsthandwerks erfordert neue gründliche Forschungen, die Suche nach echten Volkstraditionen und deren Einführung in die künstlerische Praxis. Das Studium wenig bekannter Denkmäler der Volkskunst kann bei der Lösung dieser Probleme helfen.