Im 19. und 20. Jahrhundert erlebte Russland gewaltige Veränderungen. Dies machte sich besonders in der Poesie bemerkbar. Nach der Kreativität von Tschechow und Tolstoi war es wichtig, im Rahmen des Realismus zu schaffen, da der Höhepunkt der Meisterschaft bereits erreicht war. Deshalb begann die Zerstörung der ursprünglichen Hinterhalte und das turbulente Treiben von etwas Neuem: neuen Formen, neuen Roms, neuen Worten. Die Ära der Moderne hat begonnen.

In der Geschichte der russischen Poesie wird der Modernismus durch drei Hauptbewegungen repräsentiert: Symbolisten, Akmeisten und Futuristen.

Symbolisten transformierten Idealbilder und füllten ihre gesamten Reihen mit Symbolen und Gefühlen. Obwohl charakteristisch ist die Mischung aus Mystik und Realität, die Kreativität von M. Yu. Lermontov wurde nicht unbedingt als Grundlage genommen. Akmeisty führte die Traditionen der russischen klassischen Poesie des 19. Jahrhunderts fort und versuchte, das Licht aller verschiedenen Arten von Poesie widerzuspiegeln. Die Futuristen bemerkten dies jedoch stärker und führten geschickte Experimente mit der Form von Versen, mit Versen und Strophen durch.

Nach der Revolution kamen proletarische Lieder in Mode, deren Lieblingsthema die Veränderungen in der Ehe waren. Und der Krieg brachte eine ganze Galaxie talentierter Dichter hervor, darunter Namen wie O. Tvardovsky und K. Simonov.

Die Mitte des Jahrhunderts war vom Aufstieg der bardischen Kultur geprägt. In der Geschichte der russischen Poesie sind die Namen von B. Okudzhavi, V. Visotsky, Yu. Vizbor für immer eingeschrieben. Gleichzeitig werden sich die Traditionen des Brennholzes weiterentwickeln. Manche Leute singen wie Modernisten – Evg. Yevtushenko, B. Akhmadullina, R. Rizdvyany, andere im Niedergang begriffene Traditionen der Landschaftslyrik mit starken Einschränkungen der Philosophie – das sind M. Rubtsov, V. Smilyakov.

Singen Sie das „Sribny-Zeitalter“ der russischen Literatur

K. D. Balmont. Die Kreativität dieses talentierten Dichters geriet lange Zeit in Vergessenheit. Der extreme Sozialismus würde von Schriftstellern nicht verlangen, außerhalb des Rahmens des sozialistischen Realismus zu schaffen. Plötzlich tut Balmont, nachdem er sich die größte Menge an Schlachtung erspart hat, dasselbe, während er immer noch das Sägewerk kontrolliert. Kritiker nannten ihn ein „schläfriges Genie“, das all seine herausragenden Leistungen im Leben, seinen Eigenwillen und seine Großzügigkeit widerspiegelt.

Ausgewählte Eckpunkte:

ICH. A. Bunin- Der größte Sänger des 20. Jahrhunderts, der im Rahmen realistischer Mystik schaffen kann. Sein Schaffen umfasst die verschiedenen Seiten des russischen Lebens: Er singt vom russischen Dorf und den Grimassen der Bourgeoisie, von der Natur der Heimat und vom Bauernhof. Nachdem er sich in der Emigration niedergelassen hatte, näherte sich Bunin später eher der philosophischen Poesie an und verortete in seiner Lyrik die globale Ernährung der Welt.

Ausgewählte Eckpunkte:

A.A. Block- der größte Sänger des 20. Jahrhunderts, ein leuchtender Vertreter einer Bewegung wie der Symbolik. Der Reformator wurde gebacken und beraubte die Nachkommen zukünftiger Dichter einer neuen Einheit vollendeten Rhythmus – des Dolnik.

Ausgewählte Eckpunkte:

S.A. Jesenin- einer der farbenfrohsten und originellsten Dichter des 20. Jahrhunderts. Das Lieblingsthema seiner Texte war die russische Natur, und er sang vor sich hin und nannte ihn „den verbleibenden Spivak des russischen Dorfes“. Die Natur wurde für den Dichter zum Maßstab: Liebe, Leben, Glaube, Stärke, was auch immer es sein mag – alles wurde durch das Prisma der Natur geleitet.

Ausgewählte Eckpunkte:

V.V. Majakowski- Die Direktion hat die Literatur rasiert, singt, die, nachdem sie mich meiner Größe beraubt hat, Verderbtheit schafft. Mayakovskys Texte fanden großen Anklang bei den Dichtern kommender Generationen. Diese kühnen Experimente mit der Größe der Stichreihe, den Rändern, der Tonalität und den Formen wurden zum Symbol für Vertreter des russischen Jugendstils. Seine Verse werden erkannt und sein poetisches Vokabular wird in Neologismen erklärt. Als Schöpfer eines kraftvollen Stils hat er die Geschichte der russischen Poesie vorangetrieben.

Ausgewählte Eckpunkte:

V. Ya. Brjusow- Ein weiterer Vertreter der Symbolik in der russischen Poesie. Nachdem ich mich ausführlich mit dem Wort beschäftigt habe, ist jede Zeile wie eine mathematische Formel. Basierend auf der Revolution waren die meisten seiner Errungenschaften städtischer Natur.

Ausgewählte Eckpunkte:

N. A. Zabolotsky- ein Shanuvalnik der Schule der „Kosmisten“, wie die Natur geflogen ist und von Menschenhand neu geschaffen wurde. In seiner Lyrik steckt so viel Exzentrizität, Härte und Fantastik. Die Einschätzung seiner Kreativität war schon immer zweideutig. Einige sprachen von seiner Treue zum Impressionismus, während andere von der Fremdartigkeit von Dobis Gesang sprachen. Als ob das nicht der Fall wäre, bremst die Kreativität des Sängers immer noch die Indoktrination des Berichts durch echte Amateure der roten Schrift aus.

Ausgewählte Eckpunkte:

A.A. Achmatowa- Einer der ersten Vertreter der wirklich „weiblichen“ Poesie. Diesen Text kann man gut als „Hilfe für Männer über Frauen“ bezeichnen. Der einzige russische Dichter, der den Nobelpreis für Literatur erhielt.

Ausgewählte Eckpunkte:

M.I. Zwetajewa- Ein weiterer Anhänger der weiblichen lyrischen Schule. In vielerlei Hinsicht wurden die Traditionen von A. Akhmatova fortgeführt, aber gleichzeitig wurden sie erneut ihrer Originalität und ihres Aussehens beraubt. Viele der Verse von Zwetajewa sind zu bekannten Liedern geworden.

Ausgewählte Eckpunkte:

B. L. Pasternak- Vidomy singt und übersetzt, Gewinner des Nobelpreises für Literatur. Seine Lyrik beschäftigt sich mit aktuellen Themen: Sozialismus, Krieg, die Entwicklung von Menschen in unmittelbarer Ehe. Eines der Hauptverdienste Pasternaks besteht darin, dass er die Einzigartigkeit der georgischen Poesie hervorgehoben hat. Ihm zufolge ist das breite Interesse und die Liebe zur Kultur Georgiens ein großer Beitrag zum Schatz der Weltkultur.

Ausgewählte Eckpunkte:

BEI. Tvardivsky. Die Zweideutigkeit des Rückgangs der Kreativität dieses Dichters hängt mit der Tatsache zusammen, dass Tvardovsky zu dieser Zeit die „offizielle Person“ der Radian-Poesie war. Doch sein Schaffen entzieht sich dem starren Rahmen des „sozialistischen Realismus“. Er singt auch und verfasst einen ganzen Gedichtzyklus über den Krieg. Und diese Satire wurde zum Ausgangspunkt für die Entwicklung satirischer Poesie.

Ausgewählte Eckpunkte:

Seit Anfang der 90er Jahre erlebt die russische Poesie eine neue Entwicklungsrunde. Es gibt einen Wandel in den Idealen, die Ehe fühlt sich wieder alt an. Dies war neben der Lyrik auf das Aufkommen neuer literarischer Strömungen zurückzuführen: Postmodernismus, Konzeptualismus und Metarealismus.

Werfen wir einen Blick auf die Hauptmerkmale der russischen Poesie der anderen Hälfte des 20. Jahrhunderts.

Singen Sie für die ältere Generation

In den 1950er Jahren war die Kreativität von der Entwicklung der russischen Poesie geprägt. Die Kreativität der Dichter der älteren Generation war dem Verständnis der „moralischen Gerechtigkeit der Zeit“ (O. Berggolts) gewidmet. An ihrer Spitze M. Asiev, A. Akhmatova. B. Pasternak, O. Tvardovsky, M. Zabolotsky, V. Lugovsky, M. Svitlov und andere philosophische Schlüssel erforschten die Probleme sowohl der jüngsten Vergangenheit als auch der Gegenwart. Die Kirchen entwickelten aktiv Genres der bürgerlichen, philosophischen, meditativen und Liebesdichtung sowie verschiedene poetische Formen.

Die Höhepunkte der Poesie der 1950er und 1960er Jahre waren die philosophischen Texte und lyrischen Werke von A. Tvardovsky, „Pivnichny Elegies“ und „Requiem“ von A. Akhmatova, basierend auf dem Roman „Doktor Schiwago“ und dem poetischen Zyklus „When you'“ „Ich gehe spazieren“ von B. Pastern.

Die Kreativität der Dichter der älteren Generation lässt den Respekt vor der moralischen Sphäre des Alltagsmenschen im Zusammenhang mit der Geschichte, der Vergangenheit, der Gegenwart und dem Heute wieder aufleben.

Bis zum „Ewigen“ waren die Kreativität und der Gesang der Frontgeneration wild, sie bestimmten die Macht des Krieges und die Menschen im Krieg. Das Hauptmotiv ihrer Kreativität war natürlich das Thema Erinnerung. Für S. Gudzenko, B. Slutsky, S. Narovchatov, A. Mezhirov verlor der Große Vaterländische Krieg erneut seinen Kopf, da er nicht die einzige Welt der Moral war. Die Werke der im Krieg gefallenen Dichter wurden zum Lager des literarischen Prozesses - P. Kogan. M. Kulchitsky, N. Mayorova, N. Otradi, G. Suvorova und in.

Estradniki

In den 1950er Jahren erlebte die Literatur den Aufstieg einer neuen Generation von Dichtern, deren Jugend in der letzten Stunde des Krieges kam – E. Yevtushenko, R. Rizdvyany, O. Voznesensky, R. Kazakova ist der jüngste Höhepunkt der Orientierung an der rednerischen Tradition. Die Fortführung dieser Tradition spiegelte sich in der journalistischen Direktheit des Schaffens junger Dichter wider, die die für ihre Zeit relevante Ernährungsweise durcheinander brachten. Diese Dichter selbst wurden Varieté-Sänger genannt. Die Felsen des „Lebens“ waren von einem aktuellen poetischen Aufschwung geprägt: Die Verse wurden gelesen, niedergeschrieben und auswendig gelernt. Die Sänger wurden aus Sport-, Konzert- und Theatersälen in Moskau, Leningrad und anderen Orten des Landes gesammelt. Die „Estradniki“ selbst wurden lange Zeit „Sechziger“ genannt.

„Leise Texte“

Das Gegenteil der „pochenden“ Poesie der sechziger Jahre war in der anderen Hälfte der 1960er Jahre die Lyrik, die „ruhig“ die Oberhand gewann. Die Dichter ließen sich direkt vom Reichtum moralischer und ästhetischer Werte inspirieren. So wie sich die Poesie der sechziger Jahre an der Tradition Mayakovskys orientierte, löste sich die stille Lyrik von der Tradition der philosophischen und landschaftlichen Poesie von F. Tyutchev, A. Fet, S. Yesenin. Die Kreativität der Dichter M. Rubtsov, V. Sokolov, S. Kunyaev und anderer lässt sich auf die „stille Lyrik“ zurückführen. Ihre Poesie ermutigt dazu, die Komplexität des antiken Jahrhunderts zu verstehen und nach einer neuen Harmonie zu suchen. Hinter ihrem Pathos steht die Kreativität „stiller Lyriker“ dem realistischen Stil der „ländlichen Prosa“ nahe. Der „ländlichen Prosa“ nahe steht Yu. Kuznetsov, der in den 1960er Jahren zur Literatur aufstieg.

Das enorme Pathos der Dichter der sechziger Jahre und die subtile Lyrik der „stillen Lyriker“ wurden von der Kreativität des dagestanischen Dichters R. Gamzatov inspiriert, auf dessen Spitze ein seelenloses Lied geschrieben wurde. Gamzatovs „stille Lyrik“ erinnert an die stündliche, philosophische Direktheit seiner Poesie und deren Verrohung in nationale Folklorebilder.

Modernistische Poesie

Die Poesie von A. Tarkovsky, I. Brodsky, Dichter der Frontgeneration D. Samoilov und S. Lipkin, Dichter der sechziger Jahre B. Akhmadulina, A. Kushner, O. Chukhontsev, Rocker der 1970er-1980er Jahre V. Krivulina, O. Sedakova. Ihre Poesie hat einen starken Sinn für Historismus, der sich in expliziten und impliziten dialogischen Zitaten klassischer Werke ausdrückt, im Verständnis der Erinnerung als Grundlage der Moral, die Menschen und Kultur angesichts des Chaos schützt.

ICH. Brodsky

Der Wunsch, das Land im Jahr 1972 zu berauben, I. Brodsky wurde 1987 mit dem Nobelpreis für Literatur ausgezeichnet, und 1991 nahm er A. Akhmatov zu gegebener Zeit den Mantel und den Doktortitel von Oxford ab. Brodskys Talent zeigte sich deutlich in einer Vielzahl von Prosa-, Lyrik- und Lyrikgenres. Die Einzigartigkeit dieses Dichters liegt in der Tatsache, dass seine Poesie die reichen künstlerischen Traditionen sowohl der vietnamesischen als auch der ausländischen Poesie und Mythologie vor dem 20. Jahrhundert vereint.

Lied des Autors

Seit den 1950er Jahren hat sich das Genre des Autorenliedes weiterentwickelt und erfreut sich im Laufe der Zeit großer Beliebtheit. Kreativität von B. Okudzhavi. A. Galich, N. Matvevoi. V. Visotsky, Y. Vizbor und in. Es war eine der Formen der Unterwerfung des formal-erhabenen Dogmatismus, des Beamtentums offiziell-patriotischer Poesie und kleinerer Pop-Hits. Der Respekt dieser Dichter beruhte auf dem Leben einer einfachen, „kleinen“, „privaten“ Person. Die 1960er bis 1970er Jahre sind eine klassische Periode in der Entwicklung dieses Genres, dessen Schlüsselfiguren zu Recht als B. Okudzhava, A. Galich und V. Visotsky anerkannt werden.

Vorhut

Seit den 1960er Jahren wurden avantgardistische Experimente in der vietnamesischen Poesie erneuert. Die aktuelle Avantgarde vereint verschiedene Poesiegruppen: Lianozivska, SMOG und viele andere inoffizielle Poesieclubs. In der Regel waren die Möglichkeiten der Sänger, ihre Werke zu veröffentlichen, die ihrerseits dem Untergrund zugeordnet werden, unmittelbar eingeschränkt, was in den 1970er Jahren deutlich zunahm. Inspiriert von der Absurdität und Unmenschlichkeit der modernen Realität wurde der zeitgenössische Avantgardeismus auf das antiutopische Pathos reduziert, das die Avantgarde zu Beginn des 20. Jahrhunderts beherrschte. Dies sind die lichtemittierenden Eigenschaften der Mystik. Scheinbar künstlerische Wahrhaftigkeit, erzeugen die Lieder ein verzerrtes Bild der Welt, oft von Menschen. Eine charakteristische Technik in der Poesie der zeitgenössischen Avantgarde ist der Centon (ein Scheitelpunkt, der aus einer Reihe anderer Scheitelpunkte besteht), der es ermöglicht, Zitate aus der klassischen Literatur und verschiedene Klischees, offiziell Propaganda der Massenkultur, ironisch zu umgehen. Hier handelt es sich meiner Meinung nach um eine Mischung unterschiedlicher stilistischer Wortschatzebenen, die das Hoch im Tief und Ähnliches offenbaren.

Konzeptualismus

Der Konzeptualismus wurde zu einer der ersten Richtungen der zeitgenössischen Avantgarde, mit der die Kreativität von G. Sapgir, Nd. Nekrasova, D. Prigova, I. Kholina, L. Rubinsteina. In den 1980er Jahren entwickelte sich die konzeptuelle Poesie in den ironischen Versen von A. Yorjomenka, E. Bunimovich und die Kreativität von T. Kibirov und M. Sukhotin. Der Konzeptualismus entsteht als ästhetische Reaktion auf den Totalitarismus des Radyansky-Dobys, dessen ideologische und mystische Möglichkeiten heute direkt ausgeschöpft sind (mit politisch-ideologischen Klischees des Beamtentums des Radyansky-Dobys).

Die Entwicklung der visuellen Poesie ist mit den Spuren der Futuristen zu Beginn des 20. Jahrhunderts verbunden. In der anderen Hälfte des 20. Jahrhunderts begannen A. Voznesensky, G. Sapgir, M. Iskrenko und andere, dieser poetischen Tradition nachzuspüren. Die heutige Videopoesie ist ein internationales Phänomen, das mit den verborgenen Übeln der Kultur vor ihrer Befreiung vom ideologischen Druck verbunden ist.

Der Publizismus wurde verbessert

Die Mitte der 1980er Jahre war wie die Felsen der „Liga“ vom Aufstieg des fortschrittlichen Journalismus geprägt. Evtushenko, O. Voznesensky, R. Rizdvyany. Die Werke von V. Sokolov, B. Akhmadulina, V. Kornilov, O. Chukhontsev, Yu. Kuznetsov, A. Kushner und vielen anderen Dichtern widmeten sich dem Verständnis der tragischen Aspekte der Vergangenheit und ewigen menschlichen Problemen.

Spirituelle Poesie

Der Kern des tragischen 20. Jahrhunderts war die spirituelle Poesie, die auf einem scheinbar starken und kraftvollen Glauben an Gott basierte. An der Wende der 1980er - 1990er Jahre begann die Poesie des berühmten Wissenschaftlers S. Averintsev und des Dichters Yu. Kublanovsky aufzutauchen. ICH. Ratushinskaya, N. Gorbanevskaya. Treten Sie direkt ein und junge Leute singen: M. Rakhlina, A. Zorina, O. Nikolaeva, S. Kekova.

Wikoristan-Materialien: Literatur: Studie. für Studierende Mitte Prof. Navch. zakladiv/ed. G.A. Obernikhin. M: „Akademie“, 2010

Die russische Literatur des 20. Jahrhunderts ist von den erstaunlichen Veränderungen des literarischen Prozesses selbst betroffen.

Ursprünglich und einladend in seiner Helligkeit und Originalität nahm das „Mittelalter“ der russischen Literatur in drei verschiedenen Jahrzehnten Gestalt an – von 1890 bis 1910, und seine Vertreter, die sich daran erinnern, sind in unseren bedeutenden Errungenschaften wirklich einzigartig und unabhängig geworden.

Die Texte der frühen Literatur des 20. Jahrhunderts sind geprägt von revolutionären Motiven und tiefen poetischen Handlungsbedeutungen.

Aufgrund des Schicksals der historischen Ereignisse in Russland werden diese immer intensiver und intensiver, und es ist ganz natürlich, dass sie ihre Kreativität dem Einfluss dieser Veränderungen und spirituellen Einflüsse auf das, was im Alltag geschieht, widmen. Das Extrem ist in der Anteil der Menschen.

Kreative Neuerfindung der Poesie seit Beginn des 20. Jahrhunderts

Der schöpferischere Wandel der Tätigkeit wird am deutlichsten in der Poesie des beginnenden Jahrhunderts sichtbar. Auch zu Beginn dieses Wendejahrhunderts gibt es viele wichtige historische Ereignisse für das Leben der Russen – das Land erlebte drei Revolutionen, überlebte eine Reihe von Kriegen und erlebte eine ständige Konfrontation zwischen drei politischen Positionen.

Die romantischen Traditionen des „Goldenen Zeitalters“ der russischen Literatur konnten nicht mehr von der intensiven Aktivität zeugen, die die Dichter dieser Zeit sowie die Bürger Russlands erleben mussten.

Gleichzeitig werden zwischen realen und fantastischen Manifestationen von Dichtern über das Leben und die Gegenwart ausgelöscht, seelisches Leid und Qual entstehen mit beispielloser Kraft, die sich in Kreativität verwandelt – und mit Hilfe ihrer poetischen Manifeste singen die meisten von ihnen „Sie versuchen es.“ die reale Welt mit der Kraft kraftvoller Kreativität zu verändern.

ICH. Annensky definierte die Spannung und die durstig-kalte kreative Atmosphäre, die an die damaligen Texte erinnerte, und das unaufhaltsame Verlangen nach dem „kreativen Geist“, der es am dringendsten braucht, „Das ist wahr“ wirklich darzustellen und es gleichzeitig aufzuladen mit Schönheit und Leid.

Die berühmt gewordenen Worte – A. Blok, A. Akhmatova, M. Tsvetaeva, V. Mayakovsky, N. Gumilyov, B. Pasternak – haben in ihren Texten viele relevante und leidenschaftliche Motive dargelegt, die die kreative Blüte der russischen Poesie in darstellen Die Od-Verwüstung. Ständige Erschütterungen können nur als Phänomen bezeichnet werden. (Akhmatova und Tsvetaeva: die große Poesie Russlands und ihr Anteil)

Mit der Zeit wird das Bild des Lebens immer tragischer und komplexer, und es ist natürlich, dass die Dramen der menschlichen Anteile und der dunklen Teile der Menschheit ihr Spiegelbild in der komplexen und reichen Lyrik dieser Ära finden.

Poetisch direkt aus der Spätliteratur des 20. Jahrhunderts.

Die spätere Literatur des 20. Jahrhunderts zeichnet sich durch starken sozialen Realismus und ideologisierte Illustration aus, und die Symbolik und Futurität der Texte in reiner Form wird nach und nach offenbart.

Dies liegt vor allem an der politischen Situation in der Region und dem negativen Einfluss, den der freie kreative Geist unter dem Joch der Macht erkannte. Die jahrhundertelange lebendige Kraft der Lyrik, die alles, was sich ihr in den Weg stellt, mitreißt, zerfällt allmählich in Normatismus und subjektive Handlungsdarstellung.

Die Poesie wird nur deshalb stark politisiert, weil ihre politische Direktheit durch die Poesie von „Sribnogo Viku“ untergraben wird, die unfreiwillig kreativ ist und die Grenzen dessen, was geschrieben werden kann und was unterdrückt wird, klar abgrenzt.

Die schrittweise kreative und poetische Tendenz, die Handlung zu beschreiben, zieht sich durch die russische Literatur.

Das lyrische Bild der Sprache in der Poesie des 20. Jahrhunderts

Es ist wichtig, die Wege der neuen russischen Poesie zu verstehen, ohne sie zu verpassen und den Anteil der Rede darin zu verstehen: vom zusätzlichen, situativen Element – ​​zum ersten lyrischen Wert – und dann, am äußersten Ende, in einem der Tendenzen vor der Spaltung, Entmaterialisierung und dem Verschwinden hinter dem Baldachin des Wortklangs.

Es ist klar, dass das Bild der Sprache in der Literatur und auch in der Lyrik in einem Wort, durch ein Wort gegeben werden kann. Das bedeutet, dass, egal wie der Name der Rede lautet, das Bild an erster Stelle erscheint. Poesie ist reicher als Poesie, das Wort selbst ist kreativer. Sofern das Wort über die Sprache nicht über seine lexikalische Neuheit verfügt, werden seine stilistischen Merkmale (Poetismus, Prosaismus, Dialektismus, Vulgarismus usw.) ausgelöscht, wenn die Sprachbedeutungen nicht durch poetische Wurzeln unterdrückt werden („U jihas ziehen hinter Panchokhs her“ ...) – oder ich nenne – wie Pasternak: „... eine teeartige und hohle Knospe“ – die Knospe ist nicht mehr sichtbar) – dann scheint das Bild der Sprache tatsächlich als eigenständiger lyrischer Bestandteil durch das Wort hindurch. Lassen Sie mich den Vers aus Yesenins frühem „At the House“ mit einem einfachen Hintern erklären:

Riecht nach flauschigen Tyrannen,

Bіlya-Schwelle in dіzhtsi-Kwas,

Über den gemeißelten Öfen

Targani leckt den Groove.

Über dem Ventil hängt Ruß,

Der grobe Faden hat Blattläuse.

Und auf der Lava hinter dem Salzstreuer -

Luspinnya-Sirikh-Eier.

Dies ist ein typisches lyrisches Stillleben, mit einer „Stimmung“ (schöne Kindlichkeit!), mit Zeichen eines neuen Aufbruchs (viele Nahaufnahmen, in denen Gegenstände nicht nur detailliert dargestellt werden, sondern sich selbst lyrisch ähneln ). Es ist leicht zu erkennen, dass die Sprachqualität aller hier genannten Reden nicht sehr intensiv ist. Dialektische und speziell „seidene“ Wörter können die von ihnen Genannten leicht verstören. „Das Schälen von Waiseneiern“ ist reichhaltig, also bewegen Sie sich, Material, nizh zabiyaki, für die Zubereitung solcher Eier wurden diese Eier gründlich zerbrochen und „targan“ mit der Rede „gespalten“. Zagalom, diese Jakobsmuschel ist die einzig wahre neue Rede in Yesenins kleinem Aufsatz; Nachdem es ein stilistisch neutrales Wort durchlaufen hat, ist es erstaunlich als ein Objekt, das noch nie in der Poesie vorkam, abgesehen von der Poesie mit Alltags- und Folkloreeinflüssen.

Auch hier ist es sehr wichtig, das Bild des Subjekts abzugrenzen, aber zu unterscheiden – zwischen dem lyrischen einerseits und dem bildschaffenden Setting andererseits. Momente der Bildhaftigkeit, die Situation ist in der Lyrik-Mystik unvermeidlich, trotz der traditionellen Klassifizierung von „Variablen“, jedoch bezogen auf die Situation, mit der Spezifität von Ort und Zeit, zugleich Musik und nicht-figuratives Ornament. „Sie saß auf der Unterseite / Und sie sortierte einen Haufen Blätter durch“ – dies ist eine Episode aus Tyutchevs lyrischem Roman („Denisevs Zyklus“) und betont die thematische Betonung, Elemente des Bühnenbildes, wie gegeben : aus der Sicht, kaufe ein Blatt iv. Lassen Sie den Gegenstand lebendig sein lyrische Kraft Im Leben sind wir schuldig, in eine Reihe subjektiver Assoziationen oder symbolischer Typen hineingezogen zu werden. Wir sind verpflichtet, alle metaphorischen Ereignisse vollständig zu verstehen – sowohl als Realität als auch als das ideale Bild, das sie erklärt, als diejenigen, mit denen die Realität gleichwertig ist; ist dafür verantwortlich, beide „Hälften“ der Allegorie, den Stich, leicht zu grundieren.

Auch das „Licht der Reden“ wird im Allgemeinen zu einer spezifischen Quelle der Lyrik und kann zwischen ganzen Epochen und Stilen am Rande seiner Möglichkeiten liegen. Der Gesangssinn hat eine starke Vertonung von Derzhavin, die langweiligen Realitäten von Nekrasov und den flüchtig spärlichen Umriss von Fet: „Das Klavier ist offen…“ – Phänomene derselben Art. Wichtig hierbei ist, dass die Reden typisch und nicht symbolisch sind; Sie „arbeiten“ nach dem Prinzip der Metonymie (der Spezifität der Beschreibung des Ganzen, zum Beispiel der üblichen Lebensweise) und nicht nach dem Prinzip der Metapher (ein assoziativer Ort in einem Interaktionsbereich vor anderen oi) . „Sheksna’s sterlet“ Derzhavina und „The Cross and the Gudzik“ aus dem hässlichen Lied über Kalistratushka scheinen sich selbst nicht ebenbürtig zu sein: Dahinter liegen Schichten des Lebens, alltäglicher und spiritueller Natur, aber nicht in einer besonders lyrischen Form aufgefasst.

Darüber hinaus ist für die klassische Lyrik die Auswahl und Vielfalt der Reden sehr wichtig. Ich habe Respekt nicht nur vor diesem unwissend intelligenten Schnabel, dessen Reden, hierarchisch zurückhaltend, aus den unteren Bällen des Tages gewaltsam in die hohe Lyrik eindrangen, – umrandet mit ihrer komischen Aura („flämische“ Schulen strokate smіttya“) oder stilistisch als bezeichnet gelobt. Ich habe noch einen anderen Respekt: ​​Die Lyrik des 19. Jahrhunderts wurde nicht aufgezwungen und überschattet, sondern sie hatte im Lichte der Reden eine Art Occams Rasiermesser – so viel Objektivität, wie nötig ist, um die Lyrik im Leben zu verankern. Dieser Impuls ist gegeben Feuer - aber nicht mehr. Wenn man Feta ein offenes Klavier mit einem unerbittlichen Tisch anvertraut hätte, auf dem man eine Tasse Schokolade dämpfen könnte, oder einen Schminktisch, auf dem man etwas trinken könnte, wäre das schlichter Lärm. Es ist offensichtlich, dass, wenn sie sich klassischen meditativen Texten zuwenden, der richtige Ausgangspunkt für die Reflexion darin besteht, als einprägsames, alltägliches Objekt zu dienen, wie zum Beispiel: „Das Buch ist ausgetrocknet, trocken, / Vergessen durch das Buch, das ich heraushänge.“ ..“ (A. S. Puschkin); „An den silbernen Sporen / Ich staune in Gedanken ...“ (M. Yu. Lermontov). Dieser Fluss erscheint nur als Ufer, von dem aus er einen Kreis poetischer Realität bildet, um ihn abzufließen; All diese Präzisierungen und Betonungen wurden hier von anderen Reden als übertrieben angesehen.

Nun, bis vor kurzem drang das Licht der Reden durch sehr niedrige Filter in den Texter ein: Stilvorliebe, Typizität, Relevanz für eine bestimmte Situation (über das Licht der Natur, auch objektiv in meiner eigenen Familie, das glaube ich nicht In den letzten hundert Jahren kam es bereits zu Sättigungen des alten lyrischen Lebens, der Durchdringung von „Ich“ und „Nicht-Ich“: „Alles ist in mir und ich bin in allem“). Und Raptom – dank Reden – hat sich alles an der Poesie verändert. Die Filter platzten, und die Sprache der zivilisierten Welt drang in die Texte ein. Lyriker standen vor dem Problem, die Sprache nicht als Peripherie ihres Wesens zu beherrschen, sondern als ihr eigentliches Wesen, den Kern ihrer Vielfalt und Männlichkeit. Bei denen, bei denen das nicht der Fall ist, scheint es weniger wahrscheinlich, dass alle Richtungen der neuen Poesie anfangen, sich von der Symbolik inspirieren zu lassen. Es ist erwähnenswert, dass wir uns von der sozio-ideologischen Seite ihrer Superkirchen, Manifeste und Empfehlungen angezogen fühlen, aber wir glauben nicht, dass der Sinn und die Methode der Präsenz von Sprache in der Poesie allzu viel Nährwert haben. Im ersten Viertel des 20. Jahrhunderts wurde über das objektive Bild (und über die Objektivität des Wortes) ebenso heftig gestritten wie im ersten Viertel des 19. Jahrhunderts über Sprache und Stil. Bereits das Motto „Vom Realen zum Realen“ postuliert die Lyrik der Welt der Realitäten und will eine Brücke zur Welt der Realitäten schlagen. Postsymbolistische Strömungen kämpfen mit der Symbolik um Selbstzufriedenheit mit der Realität (Acmeismus), um die Ausweitung ihres Einsatzes, um auf die Straße zu gehen (der Futurismus ist tatsächlich den expressionistischen Spuren von Bryusov, Blok, Bely bereits voraus); Dann werden wir mit ihren Witzen über ein „organisches Bild“, den Konstruktivismus mit ihrer „lokalen Note“, ihre Überlegenheit der männlichen Konkretheit materieller Objekte zu intensiven „Erfahrungen“ „wegnehmen“ – wohin auch immer man es wirft, das lyrische Wort von die Feder Es existiert als etwas, das Objekte objektiviert und auf seine eigene Weise Objekte einschnürt.

Was uns vor uns liegt, sind natürlich nicht Theorien und Experimente, sondern die vollwertige poetische Praxis kreativer Künstler. Zwischen ihnen werden aus dem für uns wichtigen Blickwinkel mehr Gemeinsamkeiten und weniger Unterschiede auftauchen. Dem Rat Pasternaks folgend, soll Majakowski zu ihm gesagt haben: „Du liebst das Glitzern am Himmel, und ich liebe die elektrische Energie.“ Es ist nur ein einfacher Aphorismus, der Mayakovskys programmatischen Charakter und nicht Pasternaks Klugheit charakterisiert. Der Rest von uns liebt, wir lieben das Funkeln elektrischer Energie nicht weniger als Mayakovsky, wenn auch auf andere Weise: nicht als technische Errungenschaft, sondern als Zeichen der Haushaltsführung, der charmanten Fleißigkeit einer Frau. Rechts, nicht im Motiv, sondern in der lyrischsten Sprachannahme. Das bittere „Pulver“ konnte für Pasternak nicht sein, genauso wie es für Mayakovsky niedrig war, und der Brandstift konnte nicht sein Nimim Thema.

Wenn wir uns zunächst der Wahrheit ganz oben zuwenden, ist es selbstverständlich, Nahrung zu liefern, die Anzeichen dieser Ausweitung der Reden in die Poesie begannen, die nach der ersten russischen Revolution, im Zeitalter der „Moderne“ und bis zur Wende begann des 19. 17 hat die entscheidende Macht erreicht? Die naheliegendste Erklärung (wenn auch auf unklarere Weise, soweit es uns um die spontanen Wege der Mystik geht) findet sich im Sprachpathos der spätkapitalistischen Zivilisation, die auf den Markt anonymer neuer Produkte geworfen wurde. „Bequeme“ Reden, die darin kultivieren und konsumieren und sie als Symptome des Wachstums und der Ausbreitung der menschlichen Individualität verherrlichen und konsumieren. Ansteckung, wenn neue Reden, wie auf einem Fließband, das ständig zusammenbricht, zu uns ins Leben kommen und unweigerlich in die Mystik führen (so zum Beispiel die Manipulation einer Maschine mit kohlensäurehaltigem Wasser, als Objekt vor und in die metaphysische Welt gab, in den Worten von B. Akhmadulina, zumindest eine Pose und eine Spannung), – kurz gesagt, in unserer Zeit der Überbevorratung ist es wichtig, die ganze Anmaßung und alle psychologischen Auswirkungen dieses Ansturms zu erkennen, die einst die verfeinerten Schichten der spirituellen Kultur auf der Seite der neuen Sprachwelt erkannte. Um die Jahrhundertwende schrieb der deutsche Ökonom und Philosoph W. Sombart, ein Enthusiast des offensiven kapitalistischen Ethos, mit einem Tonfall urbaner Reinheit: „... eine Generation von Schriftstellern, Philosophen und Ästhetikern, arme Leute, Ale.“ reich im Herzen, reich an Gefühlen, aber schrecklich arm an Sensibilität?, getragen oder aus Mangel an Der Wert des Schatzes ist das Verständnis des materiellen Wohlergehens, die Verschönerung des äußeren Lebens. Erinnern Sie sich an Goethe, der bis zur großen weltlichen Ära lebte, der kein Fremder war und in keiner Ehe eine Vorliebe für Luxus und Pracht hatte, denken Sie daran, dass Goethe zu Hause lebt, dessen Hinzufügung zu unserem gegenwärtigen Genuss erbärmlich und böse erscheint ... Nav und die Künstler kannten den bezaubernden Zauber der Situation nicht. Aus den flammenden Reden verstanden die Stinker nichts vom Geheimnis des Lebens in Schönheit: Die Stinker waren Asketen und Puristen. Die Gerüche kleideten sich entweder wie Naziriten mit Kamelhaaren und fraßen Heuschrecken und wilden Honig und führten das Leben eines High-School-Lehrers oder Beamten.“ Nun, um es mit Sombarts Worten zu sagen: „Alles Leben erkennt Veränderungen an. Es wird wichtiger als literarisch, wichtiger als künstlerisch, wichtiger als abstrakt-idealistisch, sensibel. Der Genuss erwacht zur sichtbaren Welt dieser Welt, der garnierten Form der neuen Gegenstände zur Lebensfreude und zum Genuss... Vor allen ästhetischen Umgebungen stehen in dieser Zeit Geschäfte, die Parfüme und Betten verkaufen, Lebensmittelgeschäfte, Salons für Damenlocken, Friseursalons und Schienbein, Fotomeister und in. d. Das Geschäfts- und Handelsleben wird von Schönheit durchsickern.“ Dieser aggressive Schrei hat sich durch das ganze Leben verbreitet und kann nicht anders, als eine lyrische Reaktion hervorzurufen, auch bei anderen. Von Sombarts Passagen aus ist es leicht, von einem Ort in die Welt seiner futuristischen Gedichte des Nordländers zu gelangen, zu einigen der frühen akmeistischen „Lebensfreuden“. Um jedoch abgeworfen zu werden, ist dieses neue „Lebensdesign“ auf die Übernahme lyrischer Sensibilität und die Art und Weise zurückzuführen, wie sie verdaut wird, und zwar in Form flüchtiger Bilder „heimlicher Vulgarität“ oder wie ein Fass „Segen“ Diese Rede“, also drehen sie sich um, bis sie erwachsen werden – Das geschaffene, lebendige Licht, das ihnen als Obstgarten diente, oder sonst.

Es wäre jedoch naiv, die Liebe zur Lyrik mit der Sprache zu erklären, einschließlich der Einbeziehung in das Leben der Massenproduktion, Ihr großzügiger Spoku und Wad. Um die Ungenauigkeit dieser soziologischen Projektion hervorzuheben, muss man vermuten, dass die Vervielfachung der Reden in ihrer Zahl und Vielfalt das Lied der poetischen Welt hervorrufen könnte, dann störte die Vielfalt der Reden ami anitrohi tsyu perebudova nicht, sondern sie war eine Überraschung. „Burberry“, das am Ende des Lebens des Dichters erstarrt funkeln kann, ist ebenfalls eine neue Rede und hat sich bereits zu einem Symbol von poetischer Bedeutung entwickelt, niedriger als „Diamantspitzen oder eine Waffel mit Füllung“ in den frühen Versen desselben Autor - Osip Mandelstam. Wenn Reden auf eine neue Art und Weise auf die Ebene der Lyrik gehoben wurden, wurde klar, dass sie weder schön noch vulgär noch technisch großartig sein müssen – es reicht aus, wenn sie einfache, so bewegende, demokratische Reden sind um die Energie des richnogo vidchuttya zu verdichten. Eine Art „Vikrazok“ wird zu einem süßen lyrischen Drama, wie „Die Blume ist vertrocknet“, und in Pasternak (dessen Held über dieses „Virika“ klagt) kleidet sich genau das „Lagen von Kellern ohne Verschönerung und Hügeln ohne Kamine“. die lyrischste Freude.

Auf der rechten Seite gab es vielleicht noch eine radikale Neuorientierung des Respekts vom Ewigen zum Aktuellen, wie es die Kultur vor dem Ersten Weltkrieg erlebte. Zu jedem Zeitpunkt der Kulturgeschichte waren ewige Texte – Natur, Liebe, Tod, Seele, Gott – von der Welt der menschlichen Schöpfungen fasziniert und konnten in der Umgehung dieser Welt keinen Ausdruck mehr finden. Annenskys Tod wurde also durch Phenol verursacht, das verwendet wird, um einen toten Körper vor dem Verfall zu schützen. Dies ist der aktuelle Tod, die aktuelle Sehnsucht nach dem Tod, das ewige Thema, das heute vermisst wird: „... mit Levkoem und Phenol / Die Dame, die bereits im Sterben liegt.“ (Die Schärfe der Lyrik in solchen Reden wurde natürlich vom Roman inspiriert; jeder erinnert sich an den Nervenkitzel der letzten Szene von „Idiot“, de Rogozhin erklärt Mishkin, wie er Flaschen mit reifer, den Körper desinfizierender Nastasia Pilipivnya kaufte wurde länger gespeichert.)

Dies erfordert die Hinzufügung gebrochener Gedanken, „jeder Weisheit“ von der Naturphilosophie bis zur Kulturphilosophie. Erlauben Sie mir ein Wortspiel: von den Kreaturen bis zum Anfang. Die Poesie kann den philosophischen Interessen ihrer Zeit nicht völlig entzogen werden, steht aber dennoch im Einklang mit ihnen. Die „Lyriken der Natur“ wurden durch die „Lyriken der Kultur“ ersetzt, da die reiche Welt sich selbst nicht überzeugend bekämpfte und natürlich die Missstände der Welt sich gegenseitig durchdrangen und gleich waren. Darüber hinaus kann die Natur mit Rom verglichen werden und ihr Wesen kann mit historischen Konturen erklärt werden (frühes Mandelstam), aber die Kolonnade begann in den Wald vorzudringen und nicht zurück (frühes Pasternak). Und doch hat die „Lyrik der Kultur“ selbst den philosophischen Zustrom von Unterschieden zwischen Kultur und Zivilisation ausgelöscht – der Kultur, die die Natur organisch begleitet, und der Zivilisation, die ihr folgt. Zu Beginn des „Tenis“ des jungen Mandelstam spielt der Athlet ein Spiel mit einer Partnerin, „wie ein attischer Kämpfer, der vor der Tür seines Todes steht“. Der Schattenball fliegt, Bachimo, hoch, sehr hoch.

Der auffallende Unterschied zwischen der kosmologischen, naturphilosophischen und andererseits der kulturell-sprachlichen, kulturell-materiellen Herangehensweise an genau diesen Moment der Feindseligkeit kann durch solche beiden Sichtweisen verdeutlicht werden. Dabei handelt es sich jedoch nicht um Fiktion, sondern um Prosa, die in den späten 20er- und frühen 30er-Jahren geschrieben wurde, und um die Prosa zweier großer Dichter, die alle Merkmale ihrer ursprünglichen, primären poetischen Bildsprache bewahrt. Kurz gesagt, ich zitiere zwei liebe Virmenia – Bely und Mandelstam.

Andriy Bily: „Die Legende vom Leben erloschener Vulkane verändert ihren Platz in den Pfoten moderner Brontosaurier<…>am Rücken des Drachens, der oft als horniger Pfirsich zu sehen ist, am goldenen Fell, an der Granate des Rückenkamms, am Kopf, der hinter dem amethystfarbenen Schatten stand... Hinter Karaklis tauchte das Land in der Landschaft auf , es wird hell und windig<…>Dort fließen die Schatten, wie Statuen im Kanal einer stetigen Bergkette, ihre tropfenden Überläufe, die das Lichtbild der Kämme von Pambak bilden ...“

O. Mandelstam: Ich habe beschlossen, mich um den Dienst am Ararat zu kümmern. Hier gibt es einen ab- und aufsteigenden Strom von Wipfeln, wenn sich der Gestank in eine Flasche mit rosigem Tee ergießt und sich in kleinen Knollen im Neuen verteilt ... Das Dorf Ashtarak hing am Dzyurcha-Wasser wie an einem Holzrahmen. Die Kamyan-Katzen in Ihrem Garten sind ein wunderbares Geschenk für eine Koloratursopranistin.“

Die Beschwerden dieser Episoden wurden geschrieben, als die Superechka der Symbolik und des Akmeismus längst der Vergangenheit angehört, aber die Gestanks offenbaren, wie gesagt wurde, einen Rückfall der Jugend in die Haut der Dichter. Aus unserer Zeit heraus wundern wir uns jedoch, dass es aus der Ferne scheint, dass es beide Möglichkeiten gibt, damit umzugehen. Wir sehen ihn bereits als absolut unzuverlässig an – sowohl als Physik als auch als „Metaphysik“ – den goldenen, brokatfarbenen, amethystfarbenen Kosmos von Andriy Bely, umschlungen von den mythischen Körpern von Winddrachen, bestreut mit teuren Steinen, klickend mit Siegeln. nostische Embleme. Aber die Frische von Mandelstams (wie es in einem seiner Programmartikel heißt) „Schwedenschärfe menschlichen Ursprungs“ verflüchtigte sich und wurde frei. Es liegt eine bewusste Authentizität der Tatsache vor, dass der „Anfang“ niemals schuldig sein wird und wird: die Verwandlung der Düsternis auf den Gipfeln, den Dörfern – in die Katze aus dem Blumenladen (oder auch: die Unterstände der Einsiedler). - Datscha-Blätter; „Gräber, verstreut auf dem kshtalt kvi tnik“; Sevan-Klima – „die Goldwährung des Cognacs im geheimen Schrank der georgischen Sonne“) – platzt nicht mehr auf, sondern brodelt unerklärlicherweise: Es ist so einfach und profan , diese Welt lässt einen nicht an die alten Truhen und Penats denken, die Mandelstam heimgesucht haben, sondern – ich beschleunige das Bild der Strandzivilisation.“

Ein Blick auf die Natur und ein Blick auf die große Welt, als ob sie, grob gesagt, einem Lagerhaus ähnelt – einem Salon oder einem Komori, egal – Alltagsreden sind nicht weniger als ein akmeistisches Zeichen Mandelstams. Die gleiche verbale und alltägliche Vertrautheit mit der Natur findet sich bei verschiedenen Dichtern des postsymbolistischen 10. Jahrhunderts. Für Pasternak in Tsey, „Rosmoklim Kam'yanim Bublik / von den Venets Plivla“, I Yakshcho Mi Zaverno zum himmlisch-köstlichen Herrn Early Enoye, dann gibt es einen lebendig Verstorbenen, Yak Bilsh streut sanft nicht Miska. Vermischen Sie die Natur mit dem Licht künstlicher Reden, vergleichen Sie die eine mit der anderen, vergleichen Sie die andere in ihrer Nützlichkeit, schreiben Sie der Natur nicht nur die Schöpfung, sondern zu Hand Kreativität (wenn Gott selbst befiehlt zu erschaffen, nicht mit dem kreativen Wort „Lass ihn nicht sein“, sondern ganz am Ende der Zeile: „Der sich um nichts kümmert, / Der das Ahornblatt / Aus den Tagen begraben hat des Predigers / Ohne den Posten zu verlassen / Hinter dem Alabaster“) – das war die poetische Philosophie der Stunde. Es ist wirklich einfach, dem Motiv zu folgen Vikna in der Poesie von Annensky, Mandelstam, Pasternak. Es ist wie die Grenze zwischen dem Fensterraum des Himmels und der Bäume und dem Inneren des Raumes, und die Grenze trennt nicht, sondern ist real. Kleine Blumen am Himmel, wie auf der Emaille oder dem Bogen eines in einen Rahmen eingefügten Papiers (bei Annensky und Mandelstam), oder zum Beispiel ein Garten, der sich vom Fenster oder Schminktisch aus erstreckt, um sich in der Mitte niederzulassen Raumgeplapper von Reden und Verkündung ihrer Namen i (Pasternak), – Die Achse ist die Komposition solcher Stillleben mit Landschaftselementen. Es war möglich, in die entgegengesetzte Richtung zu gehen – wie es bei den Futuristen der Fall war: nicht die Vertrautheit mit der Natur, sondern die Romantisierung der Sprache, der Aufstieg im Rang. Der junge Mayakovsky folgte ihm im Licht seiner Schläfen und Fenster in die kosmische Ferne: „Ich habe sofort die Karte des Alltags verschmiert, / Nachdem ich die Farbi in die Fläschchen gespritzt hatte, / Ich habe den Brunnen auf der Schüssel erraten / Das Mähen des Ozean, / Auf der Platte aus glasiertem Fisch / Nachdem er den Text gelesen hat, ki neue Lippen... „Es scheint ein völliger Kontrast dazu zu sein, wenn er mit der Seide nach dem Brett vor sich hin singt und seine Hand auf das Brett legt Vase, bekehrt: „Die Tropfen haben die Schwere von Manschettenknöpfen“ (B. Pasternak). Der gegenteilige Trend ist derselbe: Die Natur als Generator lyrischer Themen verliert ihren Mangel an Raffinesse und Reinheit. Wie kann man hier das Bild einer harmonischen und lebendigen Naturproduktion erreichen, die im fließenden Wandel der Zivilisation kraftvoll ist? Eine solche Revision, ideologisch ohne Sinnlosigkeit, sündigt ästhetisch und stärkt diejenigen, die die eroberte neue Poesie nicht vermissen. Deshalb möchte ich hier eine fette Note setzen...

Auf der ersten Stufe der Entwicklung der Reden in der neuen Lyrik unterscheidet sie sich nicht wesentlich von der der Prosa: Es handelt sich um eine umfassende Beherrschung von Realitäten, die im lyrischen Bereich selbst unbekannt und unwichtig sind. In das besondere Licht des Dichters hineingezogen, wird diese Art der Rede spontan transformiert, vom Hintergrund abgezogen und nach und nach zu ihrer direkten Bedeutung hinzugefügt: Dennoch werden die Gestanks immer noch in einem kraftvoll ausgestatteten Mikrozentrum in den lyrischen Vers eingeführt Spiele jeglicher Art können nicht benannt oder vikorisiert werden. Blok hatte keine Angst vor neuen Reden. Eine neue erstaunliche Rede könnte ein neues Thema werden. Er war einer der ersten – vielleicht sogar der erste –, der ein Gedicht über die Fliege schrieb (es gibt zwei, aber hier kommt er schon früher): „O stählerner, unparteiischer Vogel, / Wie kannst du den Schöpfer verherrlichen?“ Oben zu fliegen ist ein Symbol einer unangenehmen technischen Zivilisation und ein dämonischer Sturz aus der Höhe – ein verrückter, nicht kreativer, aber lyrischer. Allerdings lässt sich hier sagen, dass es nur ein Teil des thematischen Bildes des Liedes ist, zwischen dem das innere Licht des Texters einen unnachgiebigen Dunst der Entfremdung bewahrt. Die Veränderung im lyrischen Teil des „Letak“ lässt sich anhand von Pasternaks späterer „Nacht“ veranschaulichen. „Im Nebel ertrunken, / Am Ende des Baches geworden, / Ein Kreuz auf dem Stoff geworden / Und ein Zeichen auf dem Weiß“; Dieses kleine Stück Nähnadel ist jedoch mit einem Spiegel vergleichbar und der Künstler wird mit einem schlaflosen Piloten verglichen, der natürlich seine Seele zu einem Ganzen vereint. Pasternaks Sommer hat alle Schichten des Lebens besucht – von der Hauswirtschaft bis zum Ruhm der Helligkeit und Kreativität – und hat unbeabsichtigt seine unpersönliche Bedeutung erhöht, auch für diejenigen, die wenig Schlaf mit direkter tödlicher Funktion haben. Sie können bestätigen, dass dies lyrisches Leben ist.

Es ist unpopulär – nicht wegen seiner Neuheit, sondern wegen seiner Unähnlichkeit zu übermäßiger Lyrik – und wegen des objektiven Lichts der „Neznayomka“ des Blocks. ICH. Annenskys äußerst eindringlicher Artikel „Über die alltägliche Lyrik“ macht die Besonderheit dieser Alltagswelt sofort deutlich: „Die Brezel, schon klassisch, Bowler, Kochets, die Scheibe ist schief... und wie alles nicht lecker ist – wie alles dumm einfach nur fantastische Persönlichkeiten sind.“ ... Barrieren und Frauen – nicht so schlimm, um zu prahlen. Und zu dieser Stunde ist es für Sie notwendig, die Gottheit in Ihrer Nähe zu erkennen.“ Aber auch hier sind alle diese Reden keine lyrischen Rätsel, sondern ein Mittelding, das in sich vereint ist und der Welt standhält. Die Situation und die inneren werden abgegrenzt, wachsen mit dem Leben der Seele und dem Bedürfnis nach Motivation zum Schlafen, so dass der Übergang fällt und die „Straußenfedern“ „ins Gehirn“ geschnappt werden. N. Gumilyov schrieb 1912 in einer Rezension neuer poetischer Bücher über Bloks Weg zur Objektivität: „In einem anderen Buch blickte Blok zum ersten Mal auf die übermäßige Helligkeit der Reden zurück und war, als er sich umsah, unglaublich glücklich ...“ Und weiter: „. .. Welt, durch Musik veredelt, menschlich schön und rein werdend – vom Grab Dantes bis zum verblühten Firanke über den kranken Geranien.“ Zur Zeit des ersten akmeistischen Enthusiasmus bemerkte Gumilyov häufig, dass „die Franken verblassten“. Ale Vin beeilte sich, ihnen eine der Reden vor der Welt zu halten, in dem Sinne, dass der Moment seinen mächtigen Bestrebungen nahe kam. Diese Firanks leben in ihrem eigenen Stil – einem Lied (damit der Gestank nicht durch Musik „geadelt“, sondern direkt von ihr diktiert wird) – und in seiner alltäglichen Erscheinung: als Beiwerk des „Stadtlebens“ für Bloks Rollenspiel Text; Sie sind überhaupt nicht die gleichen wie im anderen - ein Porträt „in einem so einfachen Rahmen“, ein wahrhaft lyrisches Thema, das keiner zusätzlichen Motivation bedarf, um aufrichtig zu werden, dann ist das Thema durch die klassische Poesie vollständig legitimiert. Ansonsten scheinen sich Bloks Texte noch nicht mit dem Fluss, sondern mit dem neuen Fluss in Einklang zu bringen, in jenen intimen Kämpfen, die bis zum heutigen Tag unweigerlich zum wahllosen Reis der Poesie werden werden. Das Wort „mehr“ sagt nicht aus, ob ich mit Blok Gegenseitigkeit schaffe. Allerdings könnte dieses „Noch nicht“ einer seiner Vorteile sein, wie in seinem reichen Leben auch der Rest des klassischen Dichters.

Der Vater der russischen lyrischen „Rede“ ist natürlich Inokenty Annensky. Die Welt des „Nicht-Ich“, in der das menschliche „Ich“ immer so gierig und erstaunt ist und versucht, es zu entwirren, zu zähmen, zu vermenschlichen, in die eigene spirituelle Geschichte einzubeziehen, dieses Licht der „Nicht-Ich“-Ideen Bei Annensky liegt das Licht der Reden. So wie in Tyutchev „Es gibt kein Stirnrunzeln, wie ein stoisches Tier, / Um aus der Haut des Busches zu staunen“, dann hat es bei Annensky keinen Sinn, aus der Haut der Polizei und des Regals, von der Rückseite des zu staunen Shaffi und von der Rückseite des Sofas. Natürlich malt Annensky die subtilsten lyrischen Landschaften, sowohl Schalen als auch offene Räume, aber es ist offensichtlich, dass der Nerv seiner Poesie hier nicht verloren geht. Die Augen des „Nicht-Ich“ („Obwohl in den Augen des Nicht-Ich“ / Du kannst nirgendwohin gehen) – das sind die Augen von nahegelegenen Objekten und nicht von kosmischen Elementen.

Der Titel des Artikels „Speech World“ von L. Ya. Ginzburg spricht vom Vorhandensein von „Proseismen“ am Anfang von Annenskys Versen (zum Beispiel „Welle“, „Spikes“ – in einer Drehorgel). Aber der Punkt ist vielleicht, dass alle Wörter bei Annensky bereits auf der gleichen Ebene von Prosa und Poesie stehen und dass ihre stilistische Einsicht, ihre Unbestimmtheit, die Reden, die sie bedeuten und mit denen man lebt, ganz oben stillschweigend einlassen. „Vint“ und „Taximotor“ bleiben beim Lesen durch Blok als seltene, unerwartete Wörter im Gedächtnis. Annensky gibt einen Eindruck von der Bedeutung des Objekts und nennt es ähnlich, ohne jeglichen Druck.

Annensky der Erste lernte, die Anwesenheit sich überschneidender „Muska“-Objekte zu spüren, so dass er sich gleichzeitig, gleichzeitig, gleichzeitig, gleichzeitig, gleichzeitig, gleichzeitig bewegen konnte, indem er die Zivilisation zerschmetterte , indem er das Innenleben seiner eigenen Menschen fördert. Zunächst sollte es etwas naiv gemeint sein – wie eine elementare Allegorie. „Solange die weiße Psyche / Die gleichen Tricks gewaschen wurden, / Die gleichen langweiligen Lakaien, / Derselbe Lärm und das gleiche Kind ... Der Rest Wein, die bloßen Bürsten, / Ich trank eine Zigarre, damit ich mich waschen konnte es weg ...“ Es ist nicht bunt Situation ganz unten, wo er „ein Jahr lang“ singend umherwandert, um dort Dunno einzuholen. Tse der beste Schachzug Der Traum, allegorisch auf die in der „Taverne des Lebens“ gesungenen Ideen, geschrieben nach Puschkins „Der Körper des Lebens“, das bereits von Annensky geschätzt wird. „Und im Schatten ist es vielleicht nicht heiß: / Dort, nachdem wir den Raum angehoben haben, / Im ungekochten Raum, / bauen Rahunki einen Trunar“, lesen wir zum Beispiel und lesen nach einem solchen Finale den Vers noch einmal , um die allegorische Auskleidung dieser offensichtlich Pobotu-Komposition besser zu verstehen. Hier wird den Reden des Volkes Leben aufgezwungen, doch bald wird es Annensky gelingen, es mit einem anderen Plan wiederzubeleben und zu beleben.

Annensky hat insbesondere eine Reihe von Versen, die Lermontovs sogenannten „alegorischen Landschaften“ ähneln (eine Parallele, die auch die Tatsache verdeutlicht, dass sie den Schnitt von der Natur zur Erfindung, von dem sie inspiriert wurde, von Tieren zu neuen Themen weiter veranschaulicht, Poesie). Lermontovs Lieder sind nicht so reichhaltig („Sweat“, „Vitrilo“, „Gloom“, „Ich fühlte die Dunkelheit des Goldes ...“), aber der Gestank wird durch Lermontovs Lieder noch verstärkt: Es gibt nur wenige besondere Mythen, eher lyrisch scheint es auf indirekte, sinnvolle Weise ausgedrückt werden, auf der langjährigen Grundlage des psychologischen Parallelismus. Eine ganze Reihe von Gemälden, die von ähnlicher Schönheit und Verwirrung durchdrungen sind, kann von Annensky analog als „allegorische Stillleben“ bezeichnet werden. Da es mit Lermontov kollidiert, ist es nur zwischen Annenskys Kreativität und auch mit Lermontov als spezifischem „Annensky-Element“, ähnlich dem Lermontov-Element, kollidiert. „Alte Drehorgel“, „Wecker“, „Stahlzikade“ – hier sind die Objekte in innerer seelischer Not, leben ihren Anteil aus, ihren Anteil und wollen, vielleicht aus eigener Kraft, ihr Leben in sie hineinblasen menschliche Erfahrungen, aus dem Neuen herauszukommen und wieder zurück, aber die Welt des „Nicht-Ich“ nimmt ihrer Vitalität und Herzlichkeit immer noch die Kraft. Wenn in der populärsten Strophe „Das war auf Wallen-Koski ...“ zu singen scheint: „Es gibt so einen Himmel, / Solch ein Tauschspiel, / Dass das Herzstück des Bildes der Puppe / Wir bedauern.“ unser eigenes Bild“, ist klar, was wir sagen werden Mein Ich stelle diejenigen dar, deren Herz so stark ist wie eine alte Puppe in den Hügeln. Leider ist diese Puppe, dieses kleine Stück Holz, das in den Wasserfall geworfen wird, wirklich schlecht, und als wäre es mit zerbrochenen Leben ausgestattet, wird es erneut der Wahrheit des Lebens und der Wahrheit des Unglücks für uns beraubt. Es ist also nicht Lermontov, der laut V. V. Rozanov, der laut V. V. Rozanovs Respekt Menschen Unheil anrichtet, den Schmerz der Trauer verspürte, als eine Schaufel in seine felsige Brust schnitt. In Annenskys „Bogen und Saiten“ kann man leicht glauben, dass „das Herz der Geige mehr schmerzte“ und dass die Gabe des Dichters ihr geschenkt wurde.

Annenskys kreative Arbeit im Zusammenhang mit dem Licht der Reden machte sich die Stunde tiefer Reflexion über seine aktuelle Poesie bewusst. Wir wissen, dass das Licht der Natur für einige alltägliche Menschen, die in der Geschichte und im Alltag leben, eine ewige und unveränderliche ästhetische Bedeutung hat, wie das Licht alltäglicher Elemente, Bilder in archetypischen Mythen. Was soll ich hinzufügen? Da solch ein alltäglicher Mensch ein poetisches Bild seines flüchtigen, flüchtigen, historisch informierten Lebens erfahren möchte, kann er am besten in die alltägliche Situation zurückkehren, aber es ist noch nichts dazu gekommen, durch die Nacherzählung des mythologisch stabilen Sinns geweiht zu werden und dies zu tun symbolisiert durch Mitts mentale Situationen. „Dort, im offenen Raum, der sich ewig und ruhig über die ganze Breite erstreckt, bald ein dunkler Tag, bald nichts, wo Dryaden und Satyrn sind und die Ströme von Nymphen, Leben und Tod, Blitz und Hurrikan längst überwuchert sind Metaphern der Freude und der Wut, der Sehnsucht und des Kampfes – es gibt nichts, woran man arbeiten könnte, für die immer erschaffenden Symbole … Sie werden unweigerlich erkennen, dass die Poesie der Weite, die, wenn die Welt für immer untergeht, unmöglich ist, hinzufügen kann zu etwas Neuem.“ Auch Annenskys „Symbolik in der Poesie ist ein Kind des Ortes.“ Es wird in der Welt kultiviert und wächst, während das Leben selbst immer künstlicher und fast fiktiver wird. Symbole werden dort geboren, wo es noch keine Mythen, aber auch keinen Glauben mehr gibt ... Der Gestank wird sich bald nicht nur mit dem alarmierenden Austausch grüner Tücher vertraut machen, sondern auch mit der schrecklichen Bürokratie irgendeiner Pariser Leichenhalle und bringt Wachs zu denen, die für ihr Überleben bezahlen, und ins Museum.“

Annensky selbst verlor seinen Mantel an die Leichenhalle, das grüne Tuch und das Panoptikum anderer Leute. Das Wunder meines vibirischen Respekts besteht darin, dass er die Tür für Lyrik in Objekten öffnet, die den intersektionalen Hintergrund des menschlichen Lebens schaffen. mentale Resonatoren. Dies scheint im Kontext der Entwicklung der psychologischen Prosa offenbar nicht so glamourös zu sein: Dostojewski, Tolstoi (zum Beispiel Annas Blick vor dem Selbstmord, der sich um unnötige Gegenstände und Details sorgt), insbesondere Tschechow; Kommen Sie später herein, – Proust, Virginia Woolf. Es bestand die Notwendigkeit, auf den Wegen der Poesie in einige Grenzen und Zäune zu fallen, damit eine solche Achse der Zagalnozzumila Zcheleniya außerhalb des Flusses zu liegen scheint: die Dicke der Kranken, die den Vizerunki auf den Spalieren gegenübersteht , und der Vizerunok selbst, der nicht fest entfernt wurde, - er ging von der Spitze weg, bevor er sich durch die Möglichkeiten der Lyrik zu leichtem Kummer erweiterte.

Entlang blasser, geiler Ovale,

Die Wunde ist in Nebel gehüllt,

Wir haben uns wie nie zuvor in einen Blumenstrauß gehüllt

Stahlfarben kviti.

………………………….

In der Monotonie ihrer Mattigkeit,

Sie verstehen ihr süßes Haschisch.

Sie sehen, auf dem Glanz von Centifolia

Die Streicheleinheiten sind respektvoll.

І Bund Raute Mivolo

Zwischen den Phasen der Melancholie.

(Ungefähr das Gleiche – „Die Enge des Pendels“: „Und ich lüge, verzaubert. / Darum bin ich schuldig, / Was ist auf dem weißen Zifferblatt / Eine reiche Rose voller Flecken.“) In Annenskys Werk Die lyrische Rede erlebt eine Blüte, einen Moment der Eifersucht: Die Rede als Ganzes wird in die Rechte eines allegorischen Lebens eingeführt, verliert aber dennoch nicht ihre Integrität, Selbstidentität, zerfällt nicht in Bündel von Eindrücken und wird nicht ersetzt durch ein Wort über das Sprechen.

Nachdem Mandelstam diesen Punkt der Gleichberechtigung überschritten hatte, begann er auf seine eigene Weise vom Subjekt zu den Autoritäten abzurutschen, die als etwas Neues angesehen wurden, oder zu einem anderen verbalen Schatten. (Ich werde mich an die Worte des Sängers erinnern: „Betonen Sie nicht zu viel Sprache, Konkretheit, Materialität in der Poesie... Warum ist es so schwer, den Finger herauszustrecken? Und warum sollten wir das Wort mit dem Wort identifizieren, mit dem Objekt, das es bezeichnet? „Das Wort bedeutet nicht Subjekt, sondern wählt wirklich, als ob für das Leben, diese andere objektive Bedeutung, die Sprache, den süßen Körper. Und um die Sprache herum fließt das Wort frei, wie die Seele eines Verlassenen, oder unvergessen, Körper.“ Mandelstams Herangehensweise an die Sprache.

Etwa zur gleichen Zeit begannen Pasternak, Yesenin und Mandelstam, benachbarte, meist einfache Objekte in einer metaphorischen Reihe zu „destillieren“. Tsikavo ist thematisch ähnlich. Mandelstam: „... der Herr geht für hundert Monate hinaus... der düstere Schnitter, der aus der Welt der Atemlosigkeit herabsteigt... und gelbes Stroh auf den Fuß des Baumes wirft.“ Pasternak: „Nur Vögel zwitschern, / Der blaue Himmel zwitschert, / Die alltägliche Zitrone knirscht / Ich tausche einen Strohhalm.“ Yesenin: „Sonnenstrahlen am Wasser des Tals …“; „Warte einen Monat, nachdem du etwas verpasst hast.“ Dies reicht aus, um zu verstehen, dass eine solche Bildschöpfung eine universelle Stufe der postsymbolistischen Lyrik war und nicht sozusagen zu einem Monopol des Imagismus wurde. Aber genau von diesem Punkt – der metaphorischen Objektivität – gehen die Sprachlinien der drei genannten Dichter auseinander. Yesenin entwickelt seine Sprachmetaphern aus der archaischen und ethnografischen Logik des Mythos. Wie es geschah, können Sie über ihn in „Die Schlüssel Mariens“ und im Buch von O. Marchenko lesen, wo der sichtbare und objektive Hintergrund von Yesenins Schaffen mit besonderem Respekt hervorgehoben wird. Bei Pasternak spielen Texturen und sinnliche Ähnlichkeiten in der metaphorischen Unterkriegswelt eine wichtige Rolle. Im Kern ist die Sprachmetapher des frühen Pasternak äußerst einfach, und während die lyrische Handlung voranschreitet, bricht sie auf unheimliche Weise in einem Lager hitziger Individualitäten zusammen und wird durch Tonschrift verdeckt. „Wie eine Kohlenpfanne mit Bronzeasche, ein verschlafener Garten, in dem es vor Käfern wimmelt“; „... der Himmel ist von den Straßen gefallen und wird nicht aufgehoben“ (nach der Tafel – die Klumpen des zerbrochenen Himmels im ungetrockneten Kalyuzhki, wie abgefallene Blätter) – hier, direkt vor uns, öffnen sich die freudigen Augen. Ihre Entwicklung wurde natürlich durch die Stärken eines „suprasentiven“ Charakters unterstützt: der Glaube an den hohen Wert von Objekten der Kleinwelt und auch an die Vitalität und den stürmischen Zerfall aller materiellen Existenz („Bevor Reden deine Maske von dir reißt, / Sie verschwenden Macht, ruinieren Ehre, / Wenn es keinen Grund zum Singen gibt, / Wenn es für das Böse einen Grund gibt. Die Körnigkeit seines objektiven Bildes wird jedoch für immer erhalten bleiben elementarer poetischer Sensualismus. Wenn Pasternak jedoch zum Schläfrigen und Abstrakten anschwillt, verliert die Methode der sensiblen Ähnlichkeit ihre Gültigkeit. „Es ist eine Sünde zu denken – man ist nicht auf dem neuesten Stand.“ / Zurück gelassen. / Durch meinen Austritt aus der Polizei ist mein Leben vorbei / Ich habe die Luft ausgetrunken.“ Abo – über Poesie; über den „Walnussschwamm in Saugnäpfen“: „Ich würde ihn auf dein nasses Brett / aus grüner Gartenlava legen. / Züchte deine eigenen Büsche und Süßigkeiten, / Genieße die Dunkelheit und Hitze, / Und nachts werde ich dir Poesie geben / Für die Gesundheit des gierigen Papiers.“ Hier materialisiert sich von Anfang an hinter der einfachen Logik einfacher Metaphern das Immaterielle: das Leben, das sich in der selbst auferlegten Tasche verbirgt, wie ein Buch, das der Polizei vorgelegt wird; Die Originalität der Poesie sammelt den Feind. Und dann ist da noch die mentale Objektivität, die eigenen schönsten und bemerkenswertesten Eigenschaften in der sprachmetaphorischen Reihe zu kennen. So faltbar und fließend diese Ähnlichkeiten auch sein mögen, sie basieren auf der Einfachheit wissenschaftlicher Ähnlichkeit, die eine mögliche Abkürzung zur „ungefühlten Einfachheit“ des verstorbenen Pasternak darstellt.

Nicht so bei Mandelstam. Auf seine Weise lag ihm die Selbstidentität der Reden am Herzen, sozusagen ihre schlichte Präsenz in der Welt, die objektive Granularität der Welt. Wie wir uns erinnern, hat Vin Angst vor dem körperlosen „Gesang von Aonid“ und ist leer. Und nicht in den 10er-Jahren, sondern auch in den 20er-Jahren wiederholte er immer wieder: „Sind die abgeschlagenen Spitzen dort ewiger Genuss / Und der Geruch einer Orangenschale.“ Seine Reden sind jedoch in eine metaphorische Reihe zu viel komplexeren Strukturen wie denen von Pasternak gestellt, und man erkennt dort viele radikale Veränderungen. Ich hätte gerne diese denkwürdigen Zeilen aus „Trist“:

Nun, im weißen Raum ist es ruhig, wie in einem aufgeräumten,

Es riecht nach Vater, Farboa und frischem Wein aus dem Keller.

Das Spinnrad steht in der Nähe dieses Raumes, als einziges zuverlässiges Objekt zwischen den Schatten – den Gerüchen der Sprache. Aber es gibt einfach keine Ordnung, es gibt Stille, die nichts ähnelt und ihr nicht wegen ihrer Ähnlichkeit ähnelt, sondern weil in der lyrischen Handlung die Spitze – nein, podloziє – Penelope ist unbenannt. Vaughn drehte jedoch nicht – sie webte, aber in Mandelstam „stickte“ sie („... der Kokhan hat eine ganze Truppe am griechischen Stand, / Nicht Olena – insha – wie lange ist es her, dass sie gestickt hat?“). Ale-Strand (vor Rede, Objekt, was Penelopes traditioneller Begleiter „Fürsprecher“, dessen Spitze – die schöne Olenya) wanderte eindeutig von dieser griechischen Hütte auf die Krim. Darüber hinaus handelt es sich hierbei nicht um ein rationalistisches „lokales Mittel“, das von Konstruktivisten jahrelang gepflegt wurde (vorausgesetzt, dass das Material für Metaphern und Referenzen aus demselben Mittelweg stammt, der das Hauptthema darstellt). Adje „Das Spinnrad“ ist immer noch mit „Stille“ verbunden, nicht nur durch einen unsichtbaren Faden, der zum griechischen Epos führt; Schon der Klang des Strangs verleiht, wie man sehen kann, Ruhe und Gelassenheit (Stichwort Puschkin: „Oder du schläfst unter der Bewegung deiner Spindel“). Dies ist keine Ähnlichkeit, sondern der subtilste, am weitesten entfernte Ausdruck („Poetik der Assoziation“ – so meint L. Ya. Ginzburg Mandelstams figurativen Modus). Der Raum in Mandelstams angeordneten Reihen ist mit Gegenständen und Füllungen gefüllt, aber tatsächlich gibt es Gerüche und Schatten darin. Und zu dem „Spinnrocken“, der hier geschrieben steht, weiß man nicht, was man sagen soll: ch tse rich, das ist im Idealfall metaphorisch, genau wie das Wort über die Sprache, der Weckruf des assoziativen Bedeutungsfeldes. Hier RICH I Belazes, das Wort über nicht zum Kern gehörende Totozhni, Yak im Mandelstamiyski Ayidi, im Königreich der Toten, Kudy herabsteigen die Yogo-Psyche: „Nazusti nitovp tіnya ... hto trima dzerkalo, hto ein Glas eines Geistes.“ Aje Soul ist eine Frau. So gehört es zu Dribniki.“ Ale ist natürlich alles dasselbe wie der „Drebnichok“, die Worte über sie, „der blattlose Wald klarsichtiger Stimmen“.

Sowohl Pasternak als auch Mandelstam führten mit einer bisher unbekannten Leichtigkeit die niederen Bereiche der Sinnlichkeit in die Poesie ein – Genuss, Duft (vor dem, was nur dem poetisch traditionellen Bereich der Düfte vorbehalten war) und Dotik, „konvexe Freude in pіznavannya“ (nach Mandelstams). Lyrik, oskarzhennya: „Wie schwer ist es, die Finger zu drücken?“). Diese scheinen aus dem Gesamtbild der Sprache, der unteren Sicht und des subjektiven, unteren Hörens entfernt zu sein. Sie spielen eine große Rolle bei der Aufspaltung der Sprache in ihre Bedeutung, wenn die Sprache selbst – „Nicht-Ich“ – spontan aufhört zu existieren und ihre Spur und Umrisse im Geist hinterlässt. Ale Yakshcho Pasternak auf seinen eigenen Anruf nach Prag, um den Fürsprecher zu sehen -to -prostrnosti, dann Mandelstama Vidchutni Jacks der Reden, um in den Seiten der Cichs der Reden des Bagato -Ziffers des Miphologisierten signifikant zu bleiben. Ungewöhnlich für Mandelstams assoziative Symbolik ist, dass der Respekt seiner Nachkommen nicht durch Stein, sondern durch Holz, Stroh und Salz, durch Steinigkeit selbst, Holzigkeit, Trockenheit, Salzigkeit usw. erweckt wird.

Mandelstam schafft eine reizvolle Mischung verbaler Bedeutungen, in der die Spezifität und Besonderheit des Subjekts nicht übertrieben wird und eine Art Subjektmacht intensiviert werden soll:

Ich erinnerte mich nur an die Kastanienzweige der Wespe,

Mit Bitterkeit gewürzt, nicht mit Gänsehaut-Säure.

Sie beseitigen die bernsteinfarbene Trockenheit auf den Lippen.

Rette meine Sprache für die Zukunft für den Geschmack von Unglück und Dima,

Für das Harz des zirkulären Terpens, für die Zusammenfassung Milch...

Diese Ungegenständlichkeit, bis zum Rand erfüllt mit der Energie der ausgeschütteten Rede, ist „suggestiv“ und bezaubert auf subtilste Weise. Da ist wieder ein Krümel – und es entsteht ein Loch; Die Objektivität der Welt wird eine Kernspaltung bleiben, die sich zur Schaffung poetischer Chiffren auflöst. In der aktuellen Lyrik herrscht Unsicherheit, ebenso wie die Errungenschaften der großen Poesie der ersten drei Jahrzehnte des 20. Jahrhunderts, die ihnen Rezessionen beschert haben. Wenn wir uns der jüngeren poetischen Generation zuwenden, dann spiegelt sich selbst oft an der Spitze talentierter Menschen (und sogar die Talente selbst leiden unter der Krise der Kunstkrankheit, der Mittelmäßigkeit – mehr als der Immunität) wider, dass es eine unersetzliche Menge an Kunst gibt Assoziative Reihen, die das Subjekt nicht nach Grenzen und Feinheiten fragmentieren, die Verzerrung dieser Feinheiten in keiner Intelligenz. Die Achse besteht aus zwei Strophen aus einem langen Vers, der zum Leben des Dichters gehört – bezluzdny und tsikavy:

Wie sie das Wachstum derer messen, die in den Krieg ziehen,

Wie man auf einer Route parallel hin und her geht,

Also dieser lange Look, poliert bis zum Ende,

Unterstützt das Licht hinter dem Prinzip der Halterung.

…………………………………………………….

Fördert Licht. Shchob-Gebiet

Auf der Vase befand sich ein System.

Ein leeres Kino und der Boden eines Lebensmittelladens

Und ein kleines Metronom, vergessen zwischen den Wänden.

Der Autor legt großen Wert auf die Textur und hat einen liebgewonnenen Gedanken im Kopf. Aber man hat das Gefühl, dass hier alles alles sein kann (eine Hand ist ein Metronom, ein Blick ist ein Rahmen und eine Klammer) – nicht auf der Plattform weltweiter Kontroversen und Macht, und dann ist alles auf semantischen Würfeln angeordnet der Prägnanz.

Nun, und die Fragmente des Extrems „Verlust der Mitte“, das sich selbst erklärt hat, werden unweigerlich zu einem anderen führen (manchmal konvergieren sie auf die gleiche Weise), dann ist es nicht verwunderlich, dass in der Lyrik die Neuankömmlinge dort sind war eine direkte Tendenz. Aus diesem Grund liest man „hinter den Gesetzen der Prosa“, wenn man es im rein sachlichen Sinne oder als „impressionistisches“ Detail auffasst: eine Pose mit spiritueller Symbolik und ohne jede Spur ihres Namens, so dass sie, wenn man sie ruft, es tun wird Sei ein Ton, jeden Tag gibt es einen Streit.

Bei der Analyse einer solchen „Stichorose“ der Leningrader A. Purina, M. Kononov und vieler ihrer Kollegen wollte ich an anderer Stelle Respekt für ihre Leidenschaft für zu viele Themen zeigen und es besteht keine Notwendigkeit, Erfolg zu haben und zu versuchen, „transzendent“ zu werden “, um zu präsentieren: „Und lassen Sie die Theorie nicht singen und denken Sie, dass im Gegensatz zu den alten Bewertungskoordinaten in der Trennung des Realen vom Idealen eine Neuheit, eine Frische in ihrem Lebensgefühl liegt.“ In der Praxis ist es notwendig, die Masse zu entfernen, um die unnötige Belastung zu erhöhen bzw. zu erhöhen, und sie im Voraus für zusätzliche Nahrungsergänzungsmittel von Drittanbietern zu fördern. Es scheint mir, dass es einer schlauen Erklärung bedarf, warum diese Verse ein so reichhaltiges kulturelles, mystisches, würde ich sagen, Umfeld haben. Kulturschätze sind mittlerweile zu Verteidigern absoluter Werte geworden; Kultur wird zu einer Gottheit, und zu denken, dass die Gleichsetzung eines modernen Alltagsgegenstandes mit einem Museumsgegenstand bedeutet, diesem Gegenstand einen Platz von unvergleichlichem Wert zu verleihen, was die wichtigste Funktion ist. Dies ist eine tägliche Form, den Platz der Großen zu weihen. Ein Sinn für Sinnlichkeit und Heiligkeit ist hier natürlich offensichtlich.

Es genügt, das Buch einer Person, Oleksiy Purin, zu verbrennen, um brennende Körper auf die „kretische Bronze“, auf das „Gemälde von Van Dyck in Dresden“ mit einem Bündel Armeezeichnungen, Tschechonins Grafiken zu reiben – die Bäume einzuweichen Frost, Sparta - in Sus-Veranstaltungen mit der Sportstadt, Pergamon Vіvtar - an der Lazne, wo die geizigen Körper so etwas wie einen Fries bilden. Die Bedürfnisse der Sublimation, der „erschöpfte“ Feind werden aus dem Fallout-Store befriedigt ...“

Es scheint mir, dass die Zeit für den Rotationsrover gekommen ist. Der Typus der „verbesserten“ objektiven Welt („Bild tritt ins Bild“ und „Objekt und Objekt“) in Innokenty Annenskys Buch; Ich komme zurück auf die Rede, die ein poetisches Erscheinungsbild hat, von Menschen erwärmt und gelebt wird und das Geheimnis ihres eigenen, unkomplizierten Rests verbirgt. Das Gleiche gilt für Blok, damit hinter der kunstvollen Prosaik des erkennbaren Stilllebens nicht die Sensibilität eines anderen, höheren Lebensplans verloren geht.

Puschkins Tradition in der russischen Poesie der anderen Hälfte des 19. Jahrhunderts 1. Puschkin als Held der russischen Literatur. Verse über Puschkin von seinen Gefährten: Delvig, Kuchelbecker, Yazikov, Glinka. Puschkin – der „ideale“ russische Sänger singt von seinen Nachfolgedichtern: Maykova, Pleshcheeva,

Aus dem Buch Theorie der Literatur Autor Khalizev Valentin Evgenovich

Über die erstaunlichen Reden des Jahrhunderts von Thomas Dish. Toller kleiner Toaster. Almanach „SOS“ Es war einmal, als die Strugatsky-Brüder eine großartige Science-Fiction-Geschichte „Der Planet ist geordnet“ veröffentlichten (später wurde es zum Lagerhaus für den nicht allzu fernen Strugatsky-Roman

Aus dem Buch Geschichte der russischen Literatur des 19. Jahrhunderts. Teil 1. Felsen aus den Jahren 1795–1830 Autor Skibin Sergej Michailowitsch

2 Künstlerisches Bild. Zurück zu den Methoden (Techniken), mit Hilfe der Literatur und anderer Arten von Mystik, die Kreativität anregen und ihre Mission verfolgen, wird die Philosophie seit langem durch den Begriff „Bild“ (Ing. – gr. eidos) – vyglyad, Ansicht) verteidigt. . U

Aus dem Buch Das Ende des Lebens, damit ich es nicht verliere: Zibrannya vorіv Autor Glinka Glib Oleksandrowitsch

Aus dem Buch Schöpfer, Subjekt, Frau [Strategien des Frauenblattes in der russischen Symbolik] von Ekonen Kirsti

Aus den Büchern Alien Spring Autor Bulich Vira Sergievna

Das lyrische Thema in der Weite (Garten, Himmel, Budinok, Wald) Das gesunde, weibliche, dekadent-modernistische und solipsistische lyrische Thema von Vilkinas Sonetten ist in den Weiten lokalisiert, die zusätzliche ästhetische und philosophische Konnotationen enthalten können. Ständig wiederholt

Aus dem Buch An der Wende von zwei Jahrhunderten [Sammlung zu Ehren des 60. Jahrhunderts A.V. Lawrow] Autor Bagno Wsewolod Jewgenowitsch

Das lyrische Thema in der Stunde In diesem Abschnitt betrachte ich die Konstruktion der kreativen Subjektivität von Frauen in den Sonetten „Mein Garten“ von L. Volkina als einen der Bereiche in der Interpretation der Geschichte des weiblichen Schreibens durch die Stunde. Volkina erstellt eine Genealogie des Frauenblattes mit Anspielungen darauf

Aus dem Buch „Valgali-Weißwein...“ [Deutsches Thema in der Poesie von O. Mandelstam] Autor Kirschbaum Heinrich

Reden sind kurz, hart und agil – und ich werde kein Handwerker dieser hausgemachten Reden sein, ich bin eine ewige Hexe! Verbringen Sie den ganzen Tag in Hektik und Faszination. Vergessen Sie bereits den Untergang der Sonne, um sich am Horizont zu sonnen. Die Achse zwischen den Bäumen schwingt den Stern. Brechen Sie nicht die Reden der Opern. Es wird immer noch ein heimlicher Gestank in der Luft sein

Aus dem Buch Synthese des Ganzen [Auf dem Weg zu neuer Poetik] Autor Fatieva Natalia Oleksandrivna

„Gedanken“ als gemeinsames Merkmal der russischen Poesie vom 19. bis zum Beginn des 20. Jahrhunderts. Der Artikel enthält Abschnitte oder Zyklen mit dem Titel „Gedanken“ in Sammlungen oder Büchern von Meisterwerken verschiedener russischer Dichter. Vom Anfang des 19. Jahrhunderts bis zum Beginn des 20. Jahrhunderts. Unser Artikel basiert auf einem Test

Aus dem Buch І Stunde und Ort [Historische und philologische Sammlung von bis zu neunundsechzig von Oleksandr Lvovich Ospovat] Autor Autorenteam

2.2.5. Neubewertung des Lutherbildes im Konzept der befriedeten Poesie („Notizen zur Poesie“ / „Vulgata“) Mandelstams Gedanken über den Anteil der russischen Literatur werden in „Notizen zur Poesie“ fortgesetzt, deren Hauptfiguren Pasternak und sind Khlebnikov: „Wenn ich „Meine Schwester – Leben“ lese

Aus dem Buch Roll Call of Kamen [Philologische Studien] Autor Ranchin Andrij Michailowitsch

3.6. Das Wort „zufrieden“ ist das Wort „zufrieden“ (Basierend auf der Poesie des 20. Jahrhunderts) Es ist nicht verwunderlich, dass das Wort „zufrieden“ in seiner wörtlichen Bedeutung „ein Gefühl der Freude aus empfangenen Eindrücken, Sorgen, Gedanken“ ist [Tlumachny Slovnik 2007: 102 0] Die russische Poesie beginnt sich zu füllen

Aus den Büchern des arabischen Gesangs und der Volksdichtung Autor Frolova Olga Borisivna

3.8. Kommentar eines Linguisten zu den Artikeln des „Glossar der russischen Poesie des 20. Jahrhunderts“ Ich widme meinen Leser V. P. Grigor'ev dem „Glossar der russischen Poesie des 20. Jahrhunderts“, dessen Idee V. P. Grigor gehört 'evu, für die Vordetektivarbeit und zum Verpacken von Artikeln

3 Bücher des Autors

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„Im Bereich Backen“: ein Blick von der Spitze von I.A. Brodsky „Über den Tod Schukows“ in der russischen Poesie des 18. – ersten Drittels des 19. Jahrhunderts 1974 zum Felsen von I.A. Brodsky schrieb den Vers „Über den Tod Schukows“ – seinen Nachfolger von „Sneguryu“ – dem Staatsinpitaph von A.V.

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Die Namen des lyrischen Helden lassen sich in mehrere Untergruppen einteilen: 1) Die meisten Namen des lyrischen Helden entstehen in Verbindung mit der Bedeutung von „Liebe“ oder fügen zusätzliche Bedeutungen hinzu

HAUPTMOTIVE DER LYRICS VON S. A. ESENIN

Der Beginn des 20. Jahrhunderts war in der russischen Literatur durch die Entstehung einer ganzen Galaxie unterschiedlicher Strömungen, Trends und poetischer Schulen gekennzeichnet. Die häufigsten Strömungen, die in der Literaturgeschichte eine bedeutende Spur verloren haben, sind Symbolismus (V. Bryusov, K. Balmont, A. Biliy), Akmeismus (A. Akhmatova, N. Gumilyov, O. Mandelstam), Futurismus (I. Severyanin, V. Mayakovsky, D. Burliuk), Imagismus (Kusikov, Shershenevich, Mariengof). Die Kreativität dieser Dichter wird zu Recht als Lyrik von Sribny Viku bezeichnet, einer weiteren bedeutenden Periode in der Entwicklung der russischen Poesie. Unter den zahlreichsten Autoren in der Geschichte der damaligen Mystik singen jedoch andere, die keiner Gesangsschule angehörten, spontan und fröhlich, allen voran Sergij Jesenin, dessen Kreativität es wert ist, sich von den Strengen abzuheben und vielfältige Welt der Poesie zu Beginn eines Jahrhunderts.

Der Bruchteil des Poteta, der Unsinn des Roth, die Schlange, der Weg, ist die Lebensweise in den kreativen Pirisovs zum Osmislennosti Gazumvili, der Bugg desselben ist das Motiv von Liriki єensin. Er verbrachte seine Kindheit und Jugend in der Nähe des Dorfes Kostyantinovo, an der Birke des Flusses Oka, in seiner ländlichen Heimat; Das Hauptthema von Yesenins frühen Texten wird natürlich zu einer Beschreibung der Natur, alter Gemälde, Landschaften voller Wärme, geliebter Menschen aus der Kindheit, bekannter Menschen und geliebter Menschen. Bei so vielen Erscheinungsformen der Natur singt er besonders, um aus ihnen einen lebendigen, intelligenten Kolben zu ziehen, und schreibt den Bäumen die Yakheit der Kreaturen zu:

Dort gibt es Kohlbeete
Die Versammlung wird mit rotem Wasser bewässert,
Sie klatschen kleine Matsi
Grüner Vim'ya Mokche.

Eine solche Bildsprache, Lebendigkeit von Metaphern und Ausdrücken wird für Yesenins späteres Schaffen charakteristisch sein, aber in seiner frühen Lyrik hat sie einen frischen, fröhlichen, innovativen Charakter, der den Versen eine besondere Virulenz und Lebendigkeit verleiht. Die natürliche Natur ist für den Dichter immer etwas Verborgenes und Intensives, die Beschreibung der einfachsten und alltäglichen Szenen seines Lebens wird charmant, märchenhaft, verführerisch („Birke“, „Pulver“). Es ist so zerstörerisch, denn bevor die Landschaften zu brennen begannen, geht Yesenin einem bestimmten Element des Alltagslebens auf den Grund, wie einem Baumblatt, das zum Fenster schaut, einem selbstgemachten Gegenstand oder einer Kreatur: Yesenins Grausamkeit ist sich selbst gewidmet Kreaturen („Korivka“, „Fuchs“, „ Sukin“) sin“). Das Leben des Dichters ist für die Jugend hell und freudig; In den frühen Versen gibt es ein Kohannya-Thema („Auf dem See die rote Farbe der Morgendämmerung weben...“), das mit der gleichen Vitalität und Frische wahrgenommen wird. Kohanna ist für Yesenin in dieser Zeit eine Art romantisches, tendenziöses Lager der Seele, seine Kohanna ist kein Mädchen, sondern eine Bachenya, ein Symbol: Der lyrische Held beschreibt hauptsächlich nicht sie, sondern seine eigenen Gefühle und Erfahrungen, und zwar in a jugendlich romantisch und destruktiv:

Hier ist ein Bündel deiner Haferhaare
Ich habe neulich von dir geträumt.

Es ist charakteristisch, dass Natur und Natur in Yesenins früher Lyrik miteinander verbunden und untrennbar sind. All die verschiedenen Motive zur Beschreibung der Natur (Landschaftsskizzen, Gedichte über Kreaturen, Alltagsszenen) entwickeln sich zu einer globalen, wichtigen Bedeutung des gesamten Themas von Yesenins Texten – dem Thema des Vaterlandes; Eines der ersten Lieder, die sie verstand, war der Vers „Go, my Dear Rus'!“ Er singt, um die Liebe des Vaterlandes anzuerkennen und sie tatsächlich über den Himmel, über das himmlische Leben zu stellen:

Yakscho ruft der heiligen Armee zu:
„Wirf Rus weg, lebe im Paradies!“
Ich werde sagen: „Das Paradies ist nicht nötig,
Gib mir meine Batkivshchyna.“

Die Oberseite weist religiöse und christliche Motive auf, die insbesondere mit Kirchenutensilien in Verbindung gebracht werden. („Hati – im Gewand des Bildes“, „Der Geruch von Äpfeln und Honig in den Kirchen deines lieben Erlösers.“) Nur Christian Rus singt, dieses Motiv zeichnet die Entwicklungen im Vers von „Das Behauen der Straße“ nach schlief ein“ (1916):

І für Notrufe
Mimovoli kreuzt die Hand.

Auf dessen Oberteil singt Zastosovs charakteristische Farbmalerei:

Rus' - Himbeerfeld
Und das Blau, das in den Fluss fiel ...

Als er die Umgebung des Dorfes beschreibt, fordert Yesenin eine vikoryblaue, schwarze und grüne Farbe (er singt und sagt: „...Russland! Tau und Stärke und Blau...“).

Umzug nach Moskau, skandalöses Leben, Descho-Grenzverhalten, Unverschämtheit bedeutete Uneinigkeit, Dualität von Yesenin: Einerseits die schockierendsten Texte („Ich gehe voran, ohne zu kämmen...“), andererseits Gerüchte über das örtliche Dorf, das Leben in Nyomu Yak über die hellste Zeit. Das Thema der Batkiwschtschina entwickelt sich weiter in den Versen „Mutterblatt“, „Rus von Radjanska“, „Rus, hier kommt“ und „Rückkehr zur Batkiwschtschina“. Die revolutionären Veränderungen, die auf dem Land stattfanden, enden oft mit Tragödien; Auch wenn die Stunden des unwiderruflichen, unwiderruflichen und strahlenden, turbofreien Lebens vergangen sind; Yesenin spürt den Verlust der Beziehungen zur Grenzregion, wo nun „die Hetze des armen Dem’yan besungen wird“:

Die Sprache von Spivgromadyan ist mir fremd geworden,

Die Menschen akzeptieren Jesenin nicht als Dichter, und selbst Jesenin bezeichnet sich selbst als „den verbliebenen Dichter des Dorfes“. Der Autor unterstreicht die Tragödie mit direkten Vergleichen, die den Idealwandel verstärken:

Wöchentliche Dörfer
Die Volosten versammelten sich, als ob sie zur Kirche gelangen würden ...

(„Rus Radyanska“)

Ich gehe zur SchwesterrasseDas dickbäuchige „Kapital“ ist wie die Bibel schief...

(„Rückkehr nach Batkivshchyna“)

Das Motiv des poetischen Schaffens erscheint, seine Bedeutung, und es ruft den gleichen tragischen Klang hervor:

Meine Poesie wird hier nicht benötigt.
Nun ja, vielleicht werde ich selbst hier nicht gebraucht.

Das Thema des Liedes und der Poesie ist hier eng mit dem Thema Vaterland verbunden: Yesenin sieht seine Kreativität als mögliches Mittel der spirituellen Verbindung mit den Menschen. Die Veränderungen im Dorf veränderten sowohl sie als auch die Menschen und machten sie anders als das heimische, nahegelegene Land des Dichters, aber die Legende über die Jugend und über Russland dieser Schicksale ist in Yesenins Erinnerung verloren, hell und rein. In „Persische Motive“ schreibt Yesenin im Gedicht „Du bist mein Shagan, Shagan ...“:

Weil ich nachts unterwegs bin, warum?
Was für ein majestätischer Monat gibt es hundertfach,
Yak bi ne buv garniy Shiraz,
Ale ist für die Rjasaner Rozdoll nicht besser.

Das Thema Batkivshchyna ist wieder mit dem Thema Kohannya verbunden, das sich fast parallel entwickelt. Die Texte der Moskauer Zeit und die weiteren Schicksale im Leben des Dichters beschreiben hauptsächlich eine unglückliche Liebe, die zur Trennung bestimmt ist. („Ich erinnere mich, Kohana, ich erinnere mich ...“, „Blatt zur Frau.“) Ein rücksichtsloses, skandalöses Leben lässt sich nicht mit umfassender Liebe vereinen; Eine Reihe von Yesenin-Führern schreiben über das Sprichwort über die verrückte Lebensweise in der Familie:

Zuerst bin ich wegen Khannya eingeschlafen,
Zuerst denke ich darüber nach, einen Skandal zu machen.

(„Das Feuer des schwarzen Lichts wurde herumgeworfen ...“)

Ich verliere überhaupt nicht mein Herz,Und zur Stimme der Prahlerei
Ich kann ohne Angst sagen,
Also verabschiede ich mich vom Rowdytum.

(„Verbiete dir vipita inshim ...“)

Allerdings scheint die Hooligan-Tapferkeit stark zu sein, da das Motiv der Trennung auftaucht („Sin of a Bitch“, „Leaf to the Woman“). Sowohl der lyrische Held als auch sein Kohan leiden unter der Trennung, aber ihr Leben wird offenbar vom Sturm des Lebens, dem „Schicksal“, auseinandergerissen. Und doch kann man in solchen Höhen eine schmerzhafte, zerstörerische Zärtlichkeit erkennen; zu Beginn von „Kachalov’s Dogs“ singt er laut (und dreht sich zu einem Hund um):

Kommen Sie her, ich gebe Ihnen meine Garantie.
Und ohne mich ist ihr Blick erstaunt,
Du leckst sanft meine Hand für mich
Für alles, was Wein ist oder nicht.

Die restlichen Verse des Sängers sind erneut tragisch, sie erklingen als Motiv eines ungeteilten, unglücklichen, ungeteilten Khans.

Kohanna ist eines der wesentlichen Elemente des menschlichen Glücks, und das vernünftige menschliche Wesen des Glücks verändert sich mit dem Alter, genau wie das Verständnis von Liebe. In seinen frühen Versen beschreibt Yesenin den Zustand der menschlichen Seele und wie man ein Familienhaus, eine Familie, eine Frau und eine Mutter großzieht:

Axis, ich bin so glücklich
Mit weißen Fenstern zum Garten!
Laut der Wette schenkt mir der Schwan Herzen
Der stille Sonnenuntergang schwebt.

(geb. 1918)

...meine stille Freude – Jeder liebt, mach dir um nichts Sorgen.

(Todi zh.)

Doch jedes Jahr singt er, um zu einem tiefen, philosophischen Verständnis des Wesens des Glücks und des Sinns des menschlichen Lebens zu gelangen. Die Lyrik hat philosophische Motive. Die Gipfel der übrigen Felsen spiegeln Yesenins Gedanken über das Leben wider (wahrscheinlich singt er, nachdem er sein Ende gespürt hat): Er bereut die vergangenen Stunden nicht, akzeptiert mit philosophischer Ruhe und Weisheit die Tatsache, dass „Alles Und wir, alle.“ Wir auf dieser Welt sind vergänglich.“ Yesenins wichtigste Meisterwerke sind die Verse „Habe den goldenen Kerl gesehen …“ und „Ich tue nichts, ich weine nicht, ich weine nicht ...“ Ihr Sinn und ihre Hauptideen sind ähnlich:

Vidmoviv-Typ golden
Birke, meine fröhliche...

Berauscht vom Gold des Rausches,
Ich werde nicht mehr jung sein.

Ähnlichkeit manifestiert sich in Bildern; Er singt und spürt, dass die Jugend unwiderruflich vergangen ist, die Reise vorbei ist und jeder Mensch diese Welt verlässt, so wie er in eine neue gekommen ist. Yesenin vermittelt dieses harmonische, ruhige und friedliche Leben durch Bilder der Natur, die noch dazu symbolisch sind: „Kerl“ – das ist das Leben des Helden, sein Anteil; Jugend wird immer mit Blumen und Blumen in Verbindung gebracht („Seelen sind Blumen“), Alter mit Erbsenbüschen und alles Leben wird durch das Bild des Ausgleichs vermittelt:

Nemov I frühes Frühlingsecho
Auf einem roten Pferd galoppiert.

Und der letzte, prämortale Höhepunkt des Dichters lässt sich auf die philosophische Lyrik zurückführen, kommt er zumindest zu dem Schluss, dass er dem kurzen, oder besser gesagt wilden, kreativen Weg ein Ende setzt:

Wessen Leben und Tod nichts Neues sind,
Lasst uns natürlich nicht neu leben.

(„Vor dem Tag, mein Freund, vor dem Tag“)

Um ehrlich zu sein, ist Jesenin, der nur eine kurze Zeit gelebt hat, sogar mehr als den hellsten Teil seines Lebens, viel tragischer; Es war wichtig, einige der Gedichte, die nach der Revolution entstanden, zu testen, aber vor uns lag ein dringendes Problem der Wahl, die eine sehr schwierige Quelle des Reichtums zu sein schien. Und Jesenin, der sich selbst als „der verbleibende Dichter des Dorfes“ bezeichnete, war äußerst schwierig, weiterhin für die Geister der Zensur, des Zwanges und des Misstrauens zu sorgen. Aber in so kurzer Zeit singt der Sänger so reichhaltig, um es zu verstehen, zu begreifen und in poetischer Form auszudrücken, dass der literarische Niedergang, ohne ihn, facettenreich ist, der mit sich das Fehlen von Motiven, Bildern, Themen verbindet, und nun, es wird kein Denkmal für das Talent des russischen Landdichters, „des verbliebenen Dichters des Dorfes“, Sergiy Oleksandrovich Yesenin, geben.

Lyrischer Held von S. A. ESENINA

Das zweite Jahrzehnt, das S. Yesenin schuf, war eine der komplexesten und unvergesslichsten Epochen in der russischen Geschichte. Die turbulenten Ereignisse, die sich in der Region abspielten, beeinflussten das Leben jedes Einzelnen und besonders stark das Leben von Genies mit Beweglichkeit. Gleichzeitig veränderte sich Yesenins strahlender Blick zu einer zusätzlichen Schärfe. In der Lyrik des Dichters hatte alles seine eigene Wendung, und das Bild des lyrischen Helden floss entlang des gewundenen Pfades der Evolution.

Der junge Yesenin predigte christliche Moral, aber Christus ist für niemanden Gott, sondern für uns der ideale Mensch. Jesus kann, wie die vielen Heiligen, von denen beobachtet werden, die zusammen mit den „Kalikas“ und „Gottesanbeterinnen“ auf den Straßen des heiligen Seljansk-Russlandes gehen, das oben im Dichter dargestellt ist. Der lyrische Held des frühen Yesenin ist äußerst harmonisch. Vіn mandrivnik, „Zakhidny Bogomolets“ („Geh du, Rus', mein Eingeborener...“), scho u „Skufiye mit einem bescheidenen Chents“ („Ich gehe nach Skufya mit einem bescheidenen Chents...“). Dieses Heiligtum befindet sich auf russischem Land: „Ich bete im Morgengrauen, ich nehme im Morgengrauen die Kommunion“ („Ich bin ein Hirte; meine Gemächer ...“); dessen Tempel von der russischen Natur geschaffen wurde: „Hinter dem Abschiedsstand stehen Birken, um die Blätter zu beräuchern“ („Ich bin der Rest des Dorfes, der singt ...“); Eines meiner Hauptgefühle ist Liebe vor Vaterlandismus:

Wenn du mich nicht liebst, glaube mir nicht
Ich bekomme den Dreh nicht raus.

(„Die Hühnchen und Hörner schliefen ein...“)

Bereits in der Kirche schreibt Yesenin:

Ich bin auf diese Erde gekommen,
Bitte verlass sie.

(„Das Ende des Aufruhrs! Ich verliere mein Herz ...“)

Im Bewusstsein der Zerbrechlichkeit alles Seienden manifestiert sich auch die Harmonie des lyrischen Helden, der völlig mit dem natürlichen Kreislauf des Lebens versöhnt ist.

Und 1915 brach das Bild eines Sünders und Kämpfers gegen Gott in diese ruhige Welt ein:

Mach dich nicht über mich lustig.
Kein Schrei nach Liebe und Leben ...
Ich gehe diesen Weg
Ich werde meinen Kopf hinlegen

(„Unser Glaube ist nicht ausgelöscht …“)

Dieses Thema entwickelt sich in der frühen Lyrik („Rozbiynik“, 1917) und im gesamten Werk Jesenins.

Die einzige Periode des offenen Kampfes des lyrischen Helden mit Gott fiel in die Stunde der Revolution von 1917. Im Jahr 1918 schrieb Yesenin einen Zyklus von zehn Kurzgedichten. In ihrem berühmtesten Werk, „Inonia“, nennt sich der lyrische Held selbst einen Propheten und beschreibt „ein anderes Land“, „wo die lebendige Gottheit der Lebenden lebt“. Hier singen wir den Schrei des Christentums: „Leib, Christi Leib, Viples Mund.“ Wenig später wendet sich Yesenin und gleichzeitig sein lyrischer Held der traditionellen ländlichen Philosophie zu, die in den Augen des Dichters die Idee der Verbindung des Menschen mit dem Kosmos ist. Der Monat nimmt das Schicksal des Helden:

1. Monatsjubiläum der Bäume
Um mein zwölftes Jahr zu keuchen.

(„Ich bin der Einzige, der das Dorf singt ...“)

Wessen Idee ist es, dass die ländliche Kultur stillschweigend stirbt und Russland ein Tempel der Gynäkologie ist? Der lyrische Held erkennt die Unvermeidlichkeit dessen, was im Vaterland geschieht. Solch ein natürlicher und natürlicher Weg von der Jugend zum „Erwachsenen“. Oben „Ich tue nichts Böses, ich weine nicht, ich weine nicht ...“ entsteht ein Gedanke über die Härte des Lebens: „...Alles gehört mir, wie wir aus so vielen Äpfeln pflücken, „ein lyrischer Held der Versöhnung mit der natürlichen Ordnung und der Dankbarkeit für diejenigen, „die die Gelegenheit hatten, zu gedeihen und dann zu sterben“. Die große emotionale Spannung dieses Gipfels wird durch die Verwendung von vikoristischen Tieren („Herz“, „wandernder Geist“), lexikalischen Wiederholungen („Рідше, Рідше“, „всі мі, всі м“) und Umkehrungen („Rausch mit dem“) erreicht Gold der Haufen...“, Nahrung („Mein Leben? Warum hast du von mir geträumt?“), nicht wiederholbare qvіtopis (Weiß, Gold, Horn). Die unbefriedigenden Bilder des Verses machten ihn zu einem der bekanntesten in Yesenins Werk.

Die Bitterkeit aus dem Wissensdrang von Rus Selyanskaya führt den Sänger zur tragischen Erkenntnis seines eigenen Selbstwertgefühls, der Notwendigkeit eines neuen Lebens. Der lyrische Held zeigt seine zarte, seelenerfüllende Seele unter der Maske der Unverschämtheit. Die schönste Dualität des Helden, beleuchtet bis in die Tiefe der Zeile des Dichters, mit zusätzlichem Licht, wurde im Zyklus „Moskauer Taverne“ dargestellt. In „A Hooligan’s Confession“ lässt sich hinter der vorgetäuschten Tapferkeit („Ich laufe ungepflegt umher, mit dem Kopf wie eine Gaslampe auf den Schultern.“) die Treue zu den wahren Werten („Ich liebe den Vaterlandismus. I Ich liebe schon den Vaterlandismus!“) der von Rick geschaffenen Figur.

Der einzige Weg zur Harmonie ist ein reines Khanna (der Zyklus „Das Khanna des Hooligans“: „Zuerst schlafe ich über das Khanna ein, zuerst wage ich es, Skandale zu machen“) und Gerüchte über das örtliche Dorf und die Welt des mütterlichen Steinbutts dagegen das sündige Leben unseres isti („Mutterblatt“). Manchmal stehen Kreaturen dem lyrischen Helden für alle Menschen am nächsten:

Ich erwarte keine Freundschaft unter Menschen.
Dünner Hund hier am Hals
Ich bin bereit, mein Kinderbett aufzugeben.

(„Ich werde mich selbst betrügen...“)

Derselbe Gedanke ist am Anfang von „Kachalov’s Dog“ zu hören, wo er singt und seine dunklen Gedanken Jim selbst anvertraut, und nicht seinem Herrn und den Gästen.

Ich versuche aktiv, die Lichtkrise zu überwinden, der Autor arbeitet an der Entstehung des Zyklus „Persische Motive“. Der lyrische Held wird nie den Seelenfrieden der Liebe der schönen Perserin erfahren. Ich bin jederzeit versucht, meine Identität in Versen wie „Du hast gesagt, dass Saadi …“ zu vergessen, zu denen auch „lieber Shagan“ gehört. Doch die meisten Werke sind von Nostalgie inspiriert. In „My Shagana, Shagana! …“ kann der Autor nicht umhin, „an die Prahlerei des Lebens während des Monats“ und an „Raubüberfälle in Rjasan“ zu denken. Es stimmt, dass Shagana selbst nicht in der Lage ist, das schöne Mädchen zu verdunkeln.

Nach einer Stunde Wanderung endet die kurze Zeit wasserführender Harmonie. Aufgrund der Unabhängigkeit und des eigenen Bedürfnisses nach dem neuen Russland kehrt es um. In „Russia Radyanskaya“ singt der lyrische Held: „...In meinem Land bin ich ein stummer Ausländer.“ Nur die Natur ist mir nahe, und während sie singt, akzeptiert sie die Neuerung nicht: „Die Ahornfalten“, wenn die Rote Armee geboren wird. Auch hier offenbart sich die Dualität des lyrischen Helden, der bereit ist, „mein ganzes Leben und meine ganze Seele“ für die Freiheit der Kreativität aufzugeben („...ich werde meine süße Lyrik nicht aufgeben“). Dies ist eine Fortsetzung eines neuen Ausdrucks des Kampfes mit dem anderen Selbst, der mit dem Sieg des lyrischen Helden über die dunkle Seite der Seele im Gedicht „The Black People“ von 1925 endete.

Vor diesem Sieg versuchte Yesenin, ein neues Wertesystem zu akzeptieren. Zu Beginn von „Listen to the Woman“ wird er „Lob und Ruhm für Kermanich“ sagen, vielleicht in Anspielung auf Lenin. In dem Werk „Seltene Monate sind unaufhörlich …“ spricht der lyrische Held „durch Felsen und Stahl“ „das Schwert ... auf der rechten Seite“. Vin versucht, den Kampf der Lokomotive um das Pferd aus „Sorokoust“ zu verarbeiten, aber er beginnt zu respektieren: „Vielleicht ist das neue Leben nicht gut für mich ...“ Nareshti, am Ende von „Die Schmiede schläft.“ Der einfache Weg ...“ Der Autor spricht deutlich mit den Lippen eines lyrischen Helden, so dass er das Lied von „einem goldenen Haus, das aus den Decks gehämmert wurde“ verliert.

Die enge Jesenin-Welt des Dorfes Jischow. Und er singt immer öfter und denkt dabei an den Tod. Besonders deutlich klingen diese Gedanken im Vers „Having discover the golden guy…“. Sein Autor war bereit, sich aus dem Leben zurückzuziehen, nachdem er die Unwiderruflichkeit der gelebten Schicksale erkannt hatte. Dargestellt wird der lyrische Held, der seinen Lebensweg durchläuft, in dessen Leben es einen Berg und Kraniche gibt und dessen junge Seele mit einer „buskovka kvitka“ zusammen ist. Auch hier kommt das Motiv der Verbindung zwischen Mensch und Raum ins Spiel:

Über jeden, der isst, sage ich Hanf
Mit einem weiten Monat über der Sperrrate.

Die Tragödie des Todes wird durch die Behauptung geglättet, dass das Leben nicht mit dem Tod enden wird:

Erbsenbürsten nicht verbrennen,
Das Gras wird angesichts des Lebens nicht verloren gehen.

Ein besonderer Meilenstein in der Entwicklung des lyrischen Helden Yesenin war die Entstehung des Gedichts „Anna Snegina“ (1925).

Sergius ist zugleich Haupt- und lyrischer Held, Autor und Zeuge. Aber es gibt viele Einschätzungen darüber, was erwartet, erlebt wird, und Reaktionen auf diese und andere Bedingungen könnten beim Dichter selbst liegen. Diese Geschichte ist noch optimistischer: Yesenin kennt diejenigen, die Menschen beim Aufstehen helfen. Nehmen Sie eine Lehre aus all diesen Problemen – ein reines Gefühl jugendlicher Liebe, das sich durch Ihr ganzes Leben zieht.

In Yesenins Werk ist immer noch ein gewisser Optimismus vorhanden. Der lyrische Held glaubt, dass das Leben der Seele nicht mit dem Tod des Körpers endet:

Aufgrund der Trennung
Der Strauß küsst sich vorn,

Einem Freund eine Abschiedsnachricht geschrieben zu haben ...

„LIEBE BIS ZUM ECHTEN RAND“ VON LYRITSIA S. A. Yesenin

Ale das Größte

Liebe bis zum Rand

Ich wurde gequält

Gequält und verbrannt.

S. Yesenin

Das Thema des Vaterlandes in der russischen Literatur ist eines der beliebtesten Themen russischer Schriftsteller und Dichter. Es gibt keinen Schöpfer, den ich kenne, der bei seinen Kreationen nicht auf die gleichen Dinge verzichten würde. Einige von ihnen berührten sie nur kurz, während andere alle ihre Kreationen dem Vaterlandismus widmeten, Liebe und Sensibilität in sie steckten und vermittelten, dass der Vaterlandismus wichtig ist und dass der wichtigste Teil ihres Lebens die Kreativität ist. i. Das Ziel, das Heimatland zu erreichen, brach in einem turbulenten Strom von Emotionen aus ihm hervor, ein Teil der Bestattung des russischen Landes und die immaterielle Liebe zum Vaterland.

„Das Thema Vaterland Russland ist das Hauptthema aller meiner Verse ...“ – dachte Jesenin oft. Die leidenschaftlichste Liebe vor Russland, vor diesem kleinen Stück irdischen Landes, das geboren wurde, war die Kraft, die ihn dazu inspirierte, neue Dinge zu erschaffen.

Verurteilen vor Entlarven
Machen Sie sich keine Sorgen um die einzelnen Personen.
Schön aufzustehen...

So lässt sich mit den Worten des Sängers selbst sein Blick auf die Grausamkeit gegenüber Russland aus „schöner Distanz“ charakterisieren. Die Entstehung des Zyklus „Persische Motive“, Yesenin, einige in Persien, vermittelt ein wunderbares Bild des Vaterlandes. Während wir durch das fruchtbare Land wandern, dürfen wir das nicht vergessen

Der Monat dort ist hundertmal majestätisch,
Yak bi ne buv garniy Shiraz,
Er stiehlt nicht für Ryazan-Rosdolls,
Weil ich spät abends unterwegs bin, was?

Vine trennt sich gleichzeitig von den tragischen Wendungen Russlands und wendet sich oft wie ein geliebter Mensch an sie, auf der Suche nach einer Antwort auf die bittere Inkonsistenz des Essens.

Ah, Vaterlandismus!
Wie schlau ich geworden bin.
Ein trockenes Rouge fliegt auf Ihre sonnenverbrannten Wangen.
In meinem eigenen Land bin ich so etwas wie ein Ausländer.

So akzeptiert er den revolutionären Geist, so kann er vom neuen Russland profitieren. An den Felsen der Revolution werde ich auf die Oktoberrevolution achten, aber ich werde alles auf meine eigene Weise betrachten, „mit einer bäuerlichen Wendung“. Mit den Worten der Dorfbewohner erklärt Yesenin seine Position vor den Aktionen der neuen Herrscher Russlands:

Gestern wurden die Ikonen von der Polizei rausgeschmissen,
In der Kirche nahm der Kommissar das Kreuz entgegen...

Ale, Jesenin hat Mitleid mit dem „Russland, das kommt“, und will sich nicht für das „Russland der Zukunft“ einsetzen:

Schließlich bin ich glücklich.
U sonmi bur
Wieder beschuldigte ich die Feindseligkeit.
Vihor nahm meinen Anteil
Der goldene Stoff hat Farbe.

Bei aller Liebe zum patriarchalischen Russland stellt Yesenina seine Rückständigkeit und Erbärmlichkeit dar, die in den Herzen Anklang findet:

Polova Russland! Beenden
Die Pflüge über die Felder ziehen!
Je schlimmer Ihre Schmerzen sind, desto schmerzhafter sind sie
Ich pflanze Birken und Pappeln.

Selbst wenn Russland nicht von vielen Feinden gequält worden wäre, wäre seine Schönheit immer noch von der beständigen Schönheit seiner wundersamen Natur beraubt worden. Die bezaubernde Einfachheit von Yesenins Gemälden kann die Leser nur begeistern. Schon in einem blauen Nebel. Schneerose, dünnes Zitronenmondlicht“ können Sie in das Russland des Dichters rollen. Ein Lederblatt, ein Ledergrashalm lebt und atmet auf den Gipfeln von Yesenin, und dahinter liegt die Wildnis des Heimatlandes. Yesenin bewohnt die Natur und sein Ahornbaum sieht aus wie ein Mensch:

Ich betrat wie ein betrunkener Wächter die Straße
Nachdem ich in der Nähe von Kuchuguri ertrunken war, war mein Bein gefroren.

Hinter der Einfachheit der Bilder, die entstehen, verbirgt sich große Meisterschaft, und allein das Wort „Meister“ vermittelt dem Leser ein Gefühl tiefer Liebe und Hingabe an das Heimatland.

„Ale Rus“ ist ohne Respekt und Verständnis für den schwierigen Charakter des russischen Volkes undenkbar. Sergiy Yesenin, der ein tiefes Gefühl der Liebe vor dem Vaterland verspürte, konnte nicht anders, als sich vor seinem Volk zu beugen, dessen Stärke, Fähigkeit und Boshaftigkeit ein Volk mit solcher Weisheit ist, sowohl Hunger als auch Verwüstung zu überleben.

Ah, meine Felder, kilometerlange Furchen,
Du bist gut in deinen Problemen!
Ich liebe dich
Aus der Prägung unserer Mütter.
Ich werde kleine Pfoten auf die Birkenrinde fallen lassen,
Friede sei mit dir, Harke, Sense und Pflug!

Es ist unmöglich, klar zu formulieren, warum Batkivshchyna geliebt wird. Lermontov sprach auch über seine wundersame Liebe zu Russland und über die Unzulänglichkeit des Geistes:

Ich liebe Vitchizna, auch bekannt als die wundersame Kohanny ...

Der Mond könnte in hundert Jahren Yesenin hören:

Ale, ich liebe dich, das Vaterland ist wunderbar!
Aber wofür, ich kann es nicht herausfinden.

„Die Gefühle des Vaterlandes liegen hauptsächlich in meiner Kreativität“ (S. Yesenin)

Yesenin charakterisierte seine Texte wie folgt: „Meine Texte leben nur von großer Liebe, Liebe vor dem Vaterlandismus.“ Ich habe das Gefühl, dass der Vaterlandismus eine Täuschung meiner Kreativität ist.“

Die Reihe der Spitzen von Yesenin wurde von glühender Liebe zum Vaterlandismus angenommen, und Vaterlandismus für das Neue ist in der russischen Natur und in den Dörfern unbekannt. In dieser ganzen Verschmelzung von Vaterlandismus, der russischen Landschaft, dem Dorf und dem besonderen Anteil des Dichters liegt die Einzigartigkeit der Texte von Z. Yesenin.

In vorrevolutionären Versen besingen die Sänger ihr böses Vaterlandtum, dieses „verlorene Land“. Oben: „Die gehauenen Straßen sind eingeschlafen ...“, „Geh weg, Rus, mein Heimatland“, singt jeder, der den „engen See“ seines Vaterlandes gerne „freudt und schmerzt“. „Wenn ich dich nicht liebe, kann ich nicht lernen, wie man lernt!“ - Vigukuye Vіn, brutal gegenüber Russland. Lyubov sang vor dem Vaterlandismus und brachte so eindringliche Zeilen hervor:

Yakscho ruft der heiligen Armee zu:
„Wirf Rus weg, lebe im Paradies!“
Ich werde sagen: „Das Paradies ist nicht nötig,
Gib mir meinen Vaterlandismus.“

Jesenins große sozialistische Revolution in Schowtnew ist freudig, aber mit singenden Zweifeln und Zögern verbunden; wie er selbst sagte: „Trotze allem auf deine Art mit dem Dorftrick.“

Da er die marxistisch-leninistische Theorie nicht kannte, sah Jesenin den Sozialismus als eine Art Menschenparadies, das den Schöpfungen seiner Lieben, den Bösen und Elenden, den Analphabeten und den unterdrückten Bauern in Russland, unbekannt war. Wenn jedoch eine Revolution ausbricht, dann schenke jeder Person eine „neue Hütte, einen Crête aus Zypressenfurnier“, gib jeder Person eine „goldene Schöpfkelle mit Brei“ für den ersten Obsttag.

Und im Land quälten die Interventionen des Vaterlandes, ohne die Flammen des gewaltigen Krieges zu löschen, Verwüstung und Hungersnot forderten ihren Tribut. Er singt durch die zerstörten Dörfer, die unbebauten Felder, die schwarzen Rissnetze auf der verbrannten, trockenen Erde, und sein Herz verkrampft sich vor Schmerz.

Und dann galt es, die Wunden zu heilen, die alten Ordnungen des Landlebens zu reparieren und die Dorfbewohner auf ein „schnelles Pferd“ zu setzen. Bachachi ist alles gleich, Yesenin verärgert mit Bitterkeit:

Russland! Liebes Kernland!
Die Seele schrumpft vor Schmerz!

Nachdem Jesenin sein Herz vor Enttäuschung auf die Probe gestellt hat, beginnt er, das „anmutige Pferd“ zu verfluchen – der Ort seines Fleißes, der den Tod des süßen Herzens des Sängers des Dorfes erträgt, beginnt um den Alten zu trauern, den Rus‘ ist weg.

Die besorgten Gedanken des Sängers, der glaubte, die Revolution hätte seinem lieben Dorf Unheil gebracht, fanden im Dorf Sorokoust ihre Antwort.

Es wird für Yesenin schmerzhaft sein, sich von der Vergangenheit zu lösen. Es ist schwer zu verstehen, welche neuen Dinge in das Leben der Region eingetreten sind. Wer hatte dieses wichtige spirituelle Drama, darüber, wie er schrieb, er singt am Anfang von „Rus, who iscoming“.

Das alte Dorf erlebte seine letzten Tage. Yesenin erkannte das und begann sich sofort zu fragen, ob sie gleichzeitig ihre Amtszeit und ihren Wein ausleben würde.

Die Auslandsreise brachte den Sänger dazu, sein Land mit neuen Augen zu bewundern und alles, was es zu bieten hat, neu zu bewerten. Seiner Meinung nach ist „das kommunistische Leben noch schwieriger geworden“.

Als Jesenin 1924 nach Kostjantinowo zurückkehrte und sich hinter der Absperrung umdrehte, bemerkte er, welche Veränderungen dort stattgefunden hatten. Schreiben Sie darüber im Vers „Rus Radyanska“.

Er singt, wendet sich dem Rand seiner Kindheit zu und erkennt sie zwangsweise wieder. Es schien ihm, als käme der Tod ins Dorf, als würde das Leben enden, aber dort würde alles ganz anders sein: Die Männer diskutierten über ihr „Leben“. Es stellt sich heraus, dass das Leben noch nicht vorbei ist, es hat sich in eine andere Richtung gedreht, die jetzt aufgeholt werden muss. Statt zu vieler atemloser Kämpfe, statt mühsamem und mühsamem Schlaf werden neue Motive bevölkert. Und ich möchte singen, dessen Platz im Leben ich nicht kenne, und ich bin sogar verbittert über diesen Gedanken. Er nimmt dieses Leben an und verherrlicht das Neue.

Singen Sie natürlich so, dass die Lieder des neuen Dorfes nicht gesungen werden. Er nimmt Bilder von denen wahr, die mancherorts sonst keine Fremden sind, aber auch Bilder von sich selbst. Er selbst ist schuldig, weil er keine neuen Lieder gesungen hat, er selbst ist schuldig, weil er niemanden im Dorf für sich genommen hat.

Der Grund dafür ist die Größe von Yesenin, dass er über einen besonderen Anteil hinaussteigen konnte, ohne die Aussicht auf Entwicklung zu verschwenden.

Er singt, dass das Leben bei neuen Menschen anders ist und segnet ihn dennoch, ungeachtet seines besonderen Schicksals.

Die Oberseite wird in hellen Reihen enden, die bis zur Jungpflanze, bis zur zukünftigen Erde, gedüngt werden.

Yesenin erklärt seinen neuen Blick auf den Titel „The Month is Never Quiet“ noch treffender. Es ist nicht mehr Rus, der kommt, sondern Rus, der etwas über die Radians erfahren will.

Heutzutage sind „Hütten“, „Lieder der Taiga“, „Herdfeuer“ nicht mehr meilenweit von mir entfernt, denn alles hängt mit unserem Russland zusammen, mit „der Armut der Felder“. Wenn Sie möchten, dass Russland „einsteigt“, überträgt es bereits das Blut des Heimatlandes.

Yesenin, der sein Lied über Russland gesungen hatte, konnte sich ein Leben und Schaffen ohne sein Volk nicht vorstellen.

Die selbstlose Liebe ihres Mannes vor dem Vaterlandismus half Yesenin, ihren Weg bis zur großen Wahrheit des Jahrhunderts zu finden.

DAS THEMA VÄTERLAND IN DER KREATIVITÄT VON S. A. ESENIN (I-Version)

In Yesenins Gedichten fühlt es sich eher wie in der Heimat an. Er singt und schreibt, dass er sein ganzes Leben lang einen großen Bauern in sich trug. Das ist Liebe vor Batkivshchyna. Und ehrlich gesagt, das Lederoberteil, die Lederreihe von Yesenins Lyrik ist vor dem Großen Vaterländischen Krieg mit warmer blauer Liebe gefüllt.

Yesenin wurde in den Tiefen des Landes geboren und verbreitete sich in den immateriellen russischen Weiten, zwischen Feldern und Wiesen. Daher ist das Thema Vaterland im Schaffen des Dichters untrennbar mit dem Thema Natur verbunden.

Virsh „Kirschblüten mit Schnee“ Yesenin schrieb fünfzehn Felsen. Ale, wie subtil singt das Innenleben der Natur, mit welchen zeremoniellen Hymnen ist das Frühlingsland ausgestattet! Der Autor riecht, wie wilde Vogelkirschen nicht nach Pellets, sondern nach Schnee riechen, wie „trocknendes Nahtgras“, er spürt, wie sie nach „harziger Kiefer“ riechen; Ich höre die „Vögel“ singen.

Am Ende des Liedes „Der Rand des Wackelns, mein Herz wird verschwinden ...“ verstehen wir, dass er voller Wut auf die Natur singt: „Ich möchte durch das Grün deiner Hundertbäuchigen ruiniert werden.“ Der Sänger hat alles Wunderbare: die Reseda, das Breigewand, die klingelnden Weiden und den Sumpf und das Lied „Gar am himmlischen Joch“. Es ist wunderschön zu fotografieren und es ist herzzerreißend. Alles wird geschärft und alles wird akzeptiert, singt aus der russischen Natur, um im Einklang mit zu viel Licht wütend zu sein.

In seinen Werken vergeistigt Yesenin die Natur, ärgert sich über sie, gewöhnt sich an ihre Welt und spricht mit ihr. Es ist nicht weniger so, dass sie sich wie Menschen fühlt, aber menschliche Dramen sind oft gleichbedeutend mit den Erfahrungen von Kreaturen. Das Thema „unsere kleinen Brüder“ war schon immer ein Thema in Yesenins Werk. Ich habe Geschöpfe dargestellt, gestreichelte und krumme, häusliche und kranke. Er singt das Lied einer alten Kuh, die von einer Färse träumt („Cow“), er spürt den Schmerz eines geworfenen Hundes („Song about a Dog“) und er singt von einem verwundeten Fuchs („Fox“) ).

Ein charakteristisches Merkmal von Yesenins Poesie dieser Zeit ist, dass sie ihrem Wesen nach das Patriarchal und die Religion Russlands verherrlicht. An der Spitze von „Komm schon, Rus, mein Heimatland“ stehen Hütten, niedrige Viertel und Kirchen vor dem Blick des Dichters. Mit diesen poetischen Bildern verband Yesenin das Leben des russischen Dorfes. Ich freue mich über das leicht mädchenhafte Lachen, das wie Ohrringe klingelt und den fröhlichen Panzer auf seinen Schleifen sehe. Deshalb lautet der Ruf der heiligen Armee: „Lass dich bei Rus, lebe im Paradies!“ - er singt vielleicht so:

Ich werde sagen: „Das Paradies ist nicht nötig,
Gib mir meinen Vaterlandismus.“

Ähnliche Motive sind im Vers „Die Häufer sind eingeschlafen“ zu hören. Es scheint, als seien die „warme Verwirrung“ und die „kalte Trauer“ genauso schön wie die Landschaft des russischen Dorfes.

Auf der einen Seite, auf der gegenüberliegenden Straßenseite, befinden sich Kapellen und Gedenkkämme, auf der anderen Seite läutet der poetische und „Gebetsbaum“.

Der große Meilenstein im Verständnis von Yesenin durch die Menschen im Vaterland war 1917. Der Dichter scheint sich seiner Dualität, seiner Vorliebe für das alte patriarchalische Russland bewusster zu sein. Wir kennen solche Gefühle in den Versen „Rus', What Is Coming“, „Leaf to the Mother“, „Hooligan“ und „I Am the Rest of the Village Singing“. In der Schöpfung, die „Ein Blatt einer Frau“ singt, fühlt man sich „in einem sturmgefeuerten Hintern“. Er leidet, weil er nicht versteht, „wohin uns unser Los führt“. Oben: „Die Schmiede schläft. Rivnina Road...“ singt und spricht vertrauliche Worte. Wenn jemand „glücklich, wild und leidend“ in Russland gut lebt, dann behält Jesenin, der sein neues Leben verliert, die Macht des „Ich“.

Und jetzt, wenn die Achse neues Licht ist
Und mein Leben ist zu Ende,
Trotzdem bin ich im Singen verloren
Golddeck.

Wir geben alte Rituale und Traditionen weiter. Die Weihnachtszeit verändert sich zu „dem gruseligen Gast“. Zu Beginn von „Sorokoust“, „Rückkehr zum Vaterlandismus“ und „Radyanskaya Rus“ singt er und versucht, den Radyansky-Lebensstil zu übernehmen und zu verstehen, „für wen Rus von der Kommune zerstört wurde“.

Auch das neue Licht einer anderen Generation ist noch nicht warm. Yesenin fühlt sich wie ein düsterer Pilger. Diese Worte klingen gedämpft und verwirrt.

Ah, Vaterlandismus! Wie schlau ich geworden bin.
Eine trockene Röte begann auf meine Wangen zu fallen,
Die Sprache von Spivgromadyan ist mir fremd geworden,
In meinem eigenen Land bin ich so etwas wie ein Ausländer.

Yesenin betont die mütterliche Zuneigung im Bild des Vaterlandes. Die Verse „Blatt zur Mutter“, „Blatt zur Mutter“, „Vedpovid“ sind in Form einer Botschaft geschrieben, in der Yesenin seine Seele der engsten Person öffnet – seiner Mutter. Das Bild des Vaterlandes singt von den Frühlingsfluten des Flusses und nennt den Frühling „die große Revolution“. Puschkins Vers singt, ohne sich darum zu kümmern, wie das Oberteil von irgendjemandem klingt: „Hier kommst du, es ist Zeit für das Fest!“

Und es ist an der Zeit, dass Yesenin endlich sein Leben lebt. Er verherrlicht Radian Rus in den literarischen Epos „Die Balad der Sechsundzwanzig“ und „Anna Snegina“. Der Autor wurde in der neuen Republik Vitchiznya geboren und wurde zu einem führenden Sohn der „großen Staaten der UdSSR“. Und selbst in „persischen Motiven“ wird Jesenin der Geschmack der Rjasaner Rosdolls vorenthalten und präsentiert sie dem „Safranland“.

Auf diese Weise zieht sich das Thema von Batkivshchyna durch das gesamte Schaffen des Dichters. Ungeachtet aller Zweifel und Enttäuschungen im Radjanskaja-Russland verlor Jesenins Herz sein Vaterland und seine Schönheit.

Svedomosti singt und wird für immer mit dem Klang der russischen Weiten in Erinnerung bleiben.

DAS THEMA VÄTERLAND IN DER KREATIVITÄT VON S. A. ESENIN (II. Fassung)

Ich liebe Vaterland wirklich...

(„Geständnis eines Hooligans“)

„Ein Genie ist immer ein Volksgenie“, sagte Oleksandr Blok. Vielleicht lassen sich diese Worte auf eine Art Schrift zurückführen, die üblicherweise als leichter Klassiker bezeichnet wird. Und hier werden wir über die „Zugänglichkeit“ von Werken für die unterschiedlichsten Leser und Themen sprechen, die den Menschen buchstäblich Sorgen bereiten. Der Block hat bereits genau die Tiefe erfasst, die zwischen der Begabung und dem besonderen Sinn der Batkivshchyna liegt. Kozhen versteht auf andere Weise seine Verbindung zum Volk und auch zum Vaterland, weil diese beiden Konzepte untrennbar miteinander verbunden sind. Die Menschen sind wirklich großartig, fähig, sich über den Alltag zu „erheben“ und „von oben“ zu schauen, sie müssen diesen Zusammenhang besonders erkennen, ihre Zugehörigkeit zur Galaxie des wahren Blues des Landes ihres Vaters verstehen. In diesem Fall kommt es nicht auf den konkreten Stundenzeitraum und die Gesangsregion an – selbst die Begriffe „Mensch“ und „Genie“ sind ewig.

Wenn man über das Thema Vaterland in der russischen Literatur spricht, kommt man nicht umhin, an Sergej Jesenin und seine Rolle in der Poesie zu Beginn des 20. Jahrhunderts zu denken. Die Ära ging zu Ende, man nannte sie klassisch, und dann begann sich die Kreativität neuer Autoren zu entwickeln, die auch zu Klassikern wurden.

Die größten Werke von Yesenin (1913-1914) sind Landschaftsgemälde, die durch ihre Schönheit bewundern, wie etwa Batkivshchina – in den kleinen Winkel der Welt gebracht, wo sie geboren wurden und die Welt singt. Yesenin möchte mit der lebendigen Natur arbeiten, um die Schönheit der Extrawelt, deren Existenz ich lebe, anschaulicher darzustellen. Die ganze Zeit über leben sie ihr Leben: „Die Kohlbeete werden mit rotem Wasser bewässert“, „die Birken stehen wie große Kerzen.“ Es ist, als ob am Anfang des Gedichts „Für einen guten Morgen“ „Tropfen in helles Perlmutt gekleidet“ wären.

Die Trennung von Batkivshchyna vom Nachbardorf ist typisch für Yesenins spätere Texte. Das Dorf wird als eine Art Mikrokosmos betrachtet. Am Anfang von „Hey, Rus', my Dear …“ und „The gehauenen Straßen schlafen ...“ beginnt das Thema der Heiligkeit des russischen Landes latent zu klingen:

І auf der Vapna mit einem klingelnden Geräusch
Mimovoli kreuzt die Hand.

(„Die Hühnchen und Hörner schliefen ein...“)

Wie ein Pilger, der zu Besuch istIch staune über deine Felder.

("Geh du, Rus', mein Eingeborener ...")

Christliche Motive sind nicht zufällig – es geht ihnen um den höchsten Wert. Prote singt, malt eine Landschaft, die an einen durchdringenden Stich erinnert und an das Bild von „Beerdigungskreuzen“ und das Thema „kalte Trauer“ erinnert. Sprechen wir gemeinsam mit Tsim Yesenin über die vergängliche Liebe vor der Batkiwschtschina, die Liebe vor Freude und Schmerz. So ein Kohannya, wie melodisch die Haut eines echten Russen sich anfühlt, wir können nicht ohne den „Seeschlepper“, ohne einen Tropfen Bitterkeit schlafen... „Ich werde nicht die ganze Lanzette aufgeben“, sagt Yesenin Über dieses unbekannte Ziehen, das einen dazu bringt, zur Kohannya zu gehen und dafür zu bezahlen, fühlt es sich wirklich tief und ewig an. „Lantsyuga“ ähnelt einem lyrischen Helden und ist in ihrer Schwere malzig.

Dieses Thema kann durch Yesenins Kreativität am logischsten im „Rus“-Zyklus fortgesetzt werden. Hier erscheint den Menschen ein Bild, das gleichzeitig von Natur aus für den Gesang in Form des Begriffs „Rus“ unvorstellbar ist. Yesenin führt Bilder von Volksbräuchen ein („Und wie man die Jungs mit einem Umhang bellt, Die Mädchen tanzen mit weißen Augen heraus“) sowie Folklorebilder: Hier gibt es „böse Geister des Waldes“ und Chakluny.

Der dritte Teil des Zyklus hat soziale Motive, beginnt jedoch große Sympathie für diese Autoren zu entwickeln. Yesenin beschreibt das „Jahr der Unruhe“: Milizen werden gebildet, der friedliche Fluss des Lebens wird zerstört. Die Landschaft strotzt vor kosmischer Weite.

Die Idee wird beschrieben – Rekrutierung in Dörfern – über die Grenzen des Alltags hinauszugehen und sich in eine weltweite Katastrophe zu verwandeln:

Nachdem ich mich geschminkt habe, ist der Kelch des Himmels gespalten...
Die Lampen des Himmels begannen zu tanzen.

Symbolisch und Helden des Zyklus – „Friedliche Orks“. Die Lebensgrundlage des russischen Volkes ist laut Rosumina Jesenin die friedliche Bauernarbeit, „Rechen, Pflüge und Sensen“. Nicht umsonst ist „die Geschichte des Vaterlandes gut“, deshalb träumen die Soldaten nach der Schlacht von „einem fröhlichen Pokis über den Austausch“. Yesenin wird versuchen, den nationalen Charakter aufzuspüren, die verborgenen Tiefen der russischen Seele zu verstehen und die Logik der Entwicklung dieses mysteriösen Landes zu begreifen. Die bloße Wahrnehmung einer tiefen spirituellen Verbindung mit dem Volk veranlasste Yesenin, in die historische Vergangenheit Russlands zurückzukehren. Eines seiner ersten großen Werke war „Martha Posadnitsa“ und „Lied über Evpatiya Kolovrat“ und später „Pugachov“. Die Charaktere, über die wir singen, sind Helden, deren Namen im Gedächtnis der Menschen, Epen und sogar zweisprachige Helden erhalten bleiben. Der Hauptgegensatz aller Werke Jesenins mit historischen Themen ist „Wille – Gefangenschaft“. Die Freiheit des russischen Volkes war schon immer von größtem Wert, da es keine Angst davor hat, mit dem Antichristen selbst in den Kampf zu ziehen. Novgorodskaya Vilnost ist das Ideal eines Dichters, das ihn bald dazu bringen wird, die revolutionäre Idee zu loben.

Als Jesenin über den Untergang des Vaterlandes nachdachte, wollte sie versuchen, einen Blick auf ihre Zukunft zu werfen. Yogo mrіi, peredchutty, bazhanna fanden ihren Weg an die Spitze des Felsens von 1917. Jesenin scheint Schowtnewas Revolution „auf seine Art, mit einer bäuerlichen Wendung“ akzeptiert zu haben. „Bright Mayday“ wurde als die Ankunft eines „Dorfbewohnerparadieses“ wahrgenommen, das heißt einer Ehe, die auf der friedlichen Ausübung der Dorfbewohner, eifriger Gleichheit und Gerechtigkeit beruhte. Yesenin nannte diese utopische „Macht des Wohlstands“ Inoneia. Die Revolution sollte als Wiedergeburt der Allwelt gesehen werden, als Protest gegen alles Alte, was überlebt hat:

Lang lebe die Revolution.
Auf Erden und im Himmel!..
Yakshcho tse Sonne,
Führe ein Gespräch mit ihnen,
Mi yogo sієyu rattyu
Wir werden unsere Hosen hochziehen.

(„Himmlischer Schlagzeuger“)

Der lyrische Held der Spitze des Revolutionszyklus steht auf der Seite der Kämpfer, die den Weg in ein strahlendes Paradies ebnen. Nachdem er sich vom alten Gott inspirieren ließ, nimmt er seinen Platz ein und erschafft seine Macht über die Welt:

Neues Jubiläum
Ich werde Spuren auf dem Boden vergraben ...
Heute bin ich mit meiner Hand
Bereit, die ganze Welt zu verändern.

("Ironie")

Die Helden von „Heavenly Drummer“, die Schöpfer eines neuen Paradieses, haben keine Angst davor, an heiliger Stätte zu sterben. Die Himmel werden zugänglich, und hinter ihnen marschiert die „kluge Armee, die freundliche Armee“ so furchtlos und schnell, wie der himmlische Trommler. Es entstehen Blues-Bilder: „Sina-Ikone“, „Bell of Bells“.

Yesenin versteht, dass es für die Schaffung eines „ländlichen Paradieses“ notwendig ist, viel Batkivshchina zu opfern – seine Lebensweise, die ihm am Herzen liegt; Schuldige Lieder in der Vergangenheit „in den Gewändern des Bildes“ und „auf den Bögen eines fröhlichen Panzers“. Er ist bereit, dieses Opfer zu bringen, um den „Wiesenjordanland“ zu finden, an den neuen Gott zu glauben, „ohne das Kreuz der Fliegen“, und damit die Apostel Andreas und Bogomatir auf die Erde herabsteigen können.

Es ist schwer, der Zündschnur einer rücksichtslosen, sogar fanatischen Infusion revolutionärer Ideen zu entgehen. „...Der Sozialismus, über den ich nachgedacht habe, ist überhaupt nicht derselbe“, sagt Jesenin. Sein neues Verständnis findet er am Anfang von „The Leaf to the Woman“, das Russland qualitativ mit dem Schiff gleichsetzt. Dieses Gedicht steht im Einklang mit dem früheren Gedicht „Sorokoust“, und der lyrische Held wird an den Punkt völliger Enttäuschung kommen und platzen: ..

Trompete, trompete das unheilvolle Horn
Wie können wir helfen, wie können wir jetzt helfen?

Auch ohne jugendliche Romantik aus der Position eines reifen Menschen staunt Yesenin über das, was passiert, und malt echte Bilder vom Leben der Menschen. Das Gedicht „Anna Snegina“ zeigt, wie der „Kampf um Inonia“ für das russische Dorf endete. Diejenigen, die an die Macht kamen, waren die Ogloblini-Brüder Pron und Labutya: „Sie müssten eine Knechtschaft nach der anderen haben ...“ Der Marsch des himmlischen Trommlers brüllt in einer abgelegenen Ecke:

Mittlerweile gibt es Tausende davon
Ich hasse es, nach Belieben zu erschaffen.
Russland ist verschwunden, ist verschwunden...
Der einjährige Rus ist gestorben...

Leider ist dies das Vaterland, und der lyrische Held wurde nicht vor ihr geboren, so dass dies nicht passieren würde. Die verbleibende Periode von Yesenins Schaffen (die 20er Jahre) kann als „Rückkehr zur Batkiwschtschyna“ bezeichnet werden, beginnend mit Ende 1924.

Der lyrische Held dieser Schicksale entsteht aus der Aufdeckung des Tragischen. Wenn man nach einem langen Schicksal des Werfens und Scherzens zum Haus seines Vaters zurückkehrt, stellt man mit Bitterkeit fest, dass „zwei nicht den gleichen Fluss hinuntergehen können“. Alles hat sich verändert: Die Jugend ist verschwunden und mit ihr die Träume von Heldentaten und Ruhm; Die alte, uralte Lebensweise wurde zerstört ... Es war einmal, als die große Batkiwschtschyna ihren Höhepunkt erreichte. Das Leben ist ein stürmisches Meer, aber jetzt befindet sich eine andere Generation auf dem Gipfel des Berges („Hier ist das Leben von Schwestern, Schwestern, und nicht meins“). Der lyrische Held erscheint als Fremder in der Heimat, als „ein Pilger zum finsteren Gott von einer fernen Seite“. Das Einzige, was verloren gegangen ist, ist „Liebe Lira“ und das Übermaß, jenseits der Reichweite der Stunde der Liebe vor dem Vaterland. Möge dieses „Land der Waisen“ nicht mehr dasselbe sein wie zuvor („Dzvinitsa ohne Kreuz“, „Hauptstadt“ statt der Bibel), und in Russland hat Radyansky wenig von dem verloren, was bisher war: „Vaters Lagidismus“. “. Der lyrische Held ist untrennbar mit der Batkivshchyna verbunden, und eine Stunde, keine Prüfung, keine „Dichte des Sturms und der Turbulenzen“ könnte die „Lantsyugs“ auseinanderreißen, wie Jesenin gleich zu Beginn seines Weges schrieb.

Er singt, als er die überzufriedene Seele des russischen Volkes zu fotografieren scheint, die von Leidenschaft und einem einfachen Traum vom Frieden erfüllt ist. Diese Fokussierung auf das Phänomen führt zur Wahl kontrastierender Beinamen, des ursprünglichen Wortes „Batkivshchyna“: Es gibt „lagidna“ und „gewalttätig“ zugleich.

Jesenin schreibt mit Schmerz über den krummen Weg Russlands, über die Hoffnungslosigkeit, in die die Revolution das Land gebracht hat. Er sucht nach den direkten Schuldigen der russischen Tragödie:

Schade, dass wir auseinander wachsen wollten
Und niemand versteht den Wein

Er singt und betet wie mit großer Kraft und staunt über das Wunder:

Zakhist mich, Vologa Nizhna,
Möge mein blauer, blauer Wurm ...

Zeitgemäße Richtlinien und Ideen erscheinen und folgen, gehen aber immer für immer verloren. Yesenin sagte darüber in einem seiner späteren Werke „Rus Radyanska“:

Ale todi,
Wenn für den ganzen Planeten.
Übergeben Sie den Aufseher der Stämme, .
Kennen Sie den Unsinn bis zur Verwirrung,
Ich stehe kurz vor der Impfung
Singe mit allem
Nur ein Stück Land
Ich nenne es kurz „Rus“.

NATUR UND VATTERLAND IN DER KREATIVITÄT VON S. A. YESENIN

Yesenins Poesie... Wunderbares, schönes, einzigartiges Licht! Ein Licht so nah und sinnvoll für alle. Yesenin – der wahre Sänger Russlands; singt, nachdem er aus den Tiefen des Lebens der Menschen zu den Höhen seiner Meisterschaft aufgestiegen ist. Das Land seines Vaters – das Rjasaner Land – profitierte davon und lernte, diejenigen zu lieben und zu verstehen, die der Vater von uns allen sind. Hier, im Rjasaner Land, entdeckte Sergej Jesenin zum ersten Mal die ganze Schönheit der russischen Natur, die er auf seinem Höhepunkt erlebte. Von den ersten Tagen ihres Lebens an singt sie, nachdem sie das Licht der Volkslieder und Zeugnisse gespürt hat:

Ich wurde mit Liedern in der Nähe eines Grasteppichs geboren.
Die Morgendämmerung und der Frühling riefen mich zur Freude.

Das spirituelle Bild in Yesenins Gedichten offenbarte deutlich die Wünsche der Menschen – ihre „unruhige, klingende Stärke“, Weite, Wärme, spirituelle Unzufriedenheit, tiefe Menschlichkeit. Das ganze Leben von Yesenin ist eng mit den Menschen verbunden. Es ist möglich, dass die Haupthelden all seiner Errungenschaften einfache Menschen sind, und man spürt eine Enge, die mit dem Schicksal der Bindungen zwischen dem Dichter und dem Volk – Yesenin und den russischen Dorfbewohnern – nicht nachlässt.

Sergiy Yesenin wurde in eine ländliche Familie hineingeboren. „In meiner Kindheit bin ich in der wilden Atmosphäre des Volkslebens aufgewachsen“, singt er. Bereits unter den Teilnehmern begann Yesenin mit großer Gesangskraft zu singen. Diejenigen, die sich an die sanften, ruhigen Volkslieder erinnern möchten. Und das Plätschern der Bäume und der glückliche Monat und das Rascheln der Skyline und das ungreifbare Blau des Himmels und die wolkige Oberfläche der Seen – die ganze Schönheit des Heimatlandes war vom Schicksal des Gipfels durchdrungen , die gleiche Liebe zum russischen Land und zum Volk:

Über Rus – das Himbeerfeld und das Blau, das in den Fluss fiel – ich liebe deinen See bis zur Freude und zum Schmerz... „Meine Texte leben von einer großen Liebe“, sagte Yesenin, „Liebe bis zur Grenze Vaterlandismus.“ Ich habe das Gefühl, dass der Vaterlandismus eine Täuschung meiner Kreativität ist.“ An der Spitze von Jesenin geht es darum, wie man Russland „strahlen lässt“, wie das stille Bekenntnis der Liebe vor ihr singt und wie der Glaube in den Menschen, in großer Gerechtigkeit, in der großen Zukunft eines lieben Volkes zum Ausdruck kommt. Die Hautreihe der Spitze singt und spielt mit dem Gefühl grenzenloser Liebe vor der Batkivshchina:

Ich wurde ein Bayduzhiy und wurde eine Hütte.
Und das Herdfeuer liegt mir nicht am Herzen,
Bringen Sie die Apfelbäume zum Frühling und Frühling
Meine Seele ist jetzt anders...
Ich bin im trockenen Lichtmonat
Durch Kam'yane und Staleve
Ich bin von der anderen Seite auf meiner Seite.

Mit einer anderen Meisterschaft enthüllt Yesenin Bilder der heimischen Natur. Was für eine reiche Farbpalette, was für ein präzises, manchmal unbefriedigendes Niveau, als ob man die Einheit des Gesangs der Natur spürt! In seinen Gedichten spürt man hinter den Worten von O. Tolstoi „das melodische Geschenk der slowenischen Seele, friedlich, ruhig, heimlich inspiriert von den Stimmen der Natur“. Singt gierig, staunt über die Bilder des Lichts, das sich im Frühling verändert, und stellt es sich oft vor, mit Beklommenheit schaut er sofort nach der Sonne und blickt lange auf das Funkeln des Farby Rank und die Abenddämmerung, auf den Himmel, in den Gewittern mit ihrer Düsternis, auf dem alten Fuchs, auf den Feldern, die ihre Blumen so grün zeigen. Mit tiefen Träumen schreibt Yesenin über Kreaturen – „unsere kleineren Brüder“. In M. Gorkis Vermutungen über einen der Zustriche mit Yesenin und seinem Vers „Lied über einen Hund“ waren folgende Worte zu hören: „...und nach dem Waschen der restlichen Reihen:

Die Augen des Hundes verdrehten sich
Goldene Sterne im Schnee

Die Tränen blitzten vor seinen Augen.“

Nach diesen Errungenschaften kam mir der Gedanke, dass S. Yesenin weniger ein Mensch als vielmehr ein Organ der Schöpfungen der Natur ist, auch für die Poesie, um die unerschöpfliche „Traurigkeit der Felder, die Liebe zu jedem Lebewesen auf der Welt“ auszudrücken Barmherzigkeit, die unser Volk mehr als alles andere verdient.“

Die Natur in Yesenin ist ein Landschaftshintergrund, der nicht überholt wird: Sie ist lebendig, aktiv und reagiert leidenschaftlich auf das Schicksal der Menschen und der Geschichte. Vona ist die Lieblingsheldin des Dichters. Die ganze Stunde lang sehnte sich Jesenin nach sich selbst. Die Schönheit der ähnlichen Natur und der süße Wind singen; Und im Kaukasus hört man nicht auf, über den Vaterlandismus nachzudenken:

Yak bi ne buv garniy Shiraz,
Vіn stiehlt nicht für Ryazan-Rosdolls.

Yesenin geht, ohne umzukehren, mit seinem Vaterland, mit seinem Volk den gleichen Weg. Er singt und vermittelt die großen Veränderungen im russischen Leben:

Komm, komm zu uns, du rotes Pferd!
Habe die Wellen auf den Boden gespannt ...
Wir haben Spaß für Sie – mit Bogen.
Polarna colo-na zbruyu.
Oh, bring unseren Sack Erde
Für das, was es wert ist.

In seiner Autobiografie schreibt Jesenin: „Die Felsen der Revolution standen im Allgemeinen auf der Seite der Toten, akzeptierten aber alles auf ihre eigene Weise, mit einem bäuerlichen Trick.“ Nachdem ich die Revolution mit unglaublichen Bestattungen angenommen habe:

Lang lebe die Revolution
Auf Erden und im Himmel!

Yesenins Poesie enthüllt neue Ideen, inspiriert von der revolutionären Realität. Die Spitzen von Yesenin übertrafen in der frühen Phase der Bildung von Waldrändern alles. Das überschäumende revolutionäre Pathos zu Beginn der 20er Jahre, als das Leben eine neue Wirtschaftspolitik umsetzte, wurde von der pessimistischen Stimmung abgelöst, die im Zyklus „Moskauer Taverne“ deutlich wurde. Er singt: „Ich kann meinen Platz im Leben nicht herausfinden“, er spürt Ruin und Tod und leidet unter den Beweisen der mentalen Dualität:

Russland! Liebes Kernland!

Die Seele schrumpft vor Schmerz.
Wie viele Steine ​​spüren das Feld nicht
Lieder singen, Hund bellt.
Wie viele Schicksale haben unser ruhiges Leben
Ich habe friedliche Worte verschwendet.
Während Sie schlafen, sammelt es sich in Grübchen an
Viriti pasovishcha ta doli.

Wie viel kann man in dem tragischen Lied des Sängers über die innere Zwietracht spüren, die „den Rand des Landes bis an den Rand des Randes“ zerreißt, die Angst um die Zukunft Russlands. Das Essen steht schmerzerfüllt vor ihm: „Wohin führt uns das Schicksal?“ Es war nicht einfach, in der Welt zu leben, und es war klar, dass er spirituell von der Revolution inspiriert war, die seine utopischen Pläne darstellte. Yesenin denkt und leidet über das geweihte Dorf:

Nur ich singe wie der Psalmvorleser
Halleluja über dem Heimatland.

Im Laufe der Stunden spürt Yesenin, dass immer häufiger Reihen geistiger Unruhe und Angst auftauchen:

Ich bin der Einzige, der im Dorf singt,
Bescheiden in den Liedern des Plankenplatzes.
Hinter dem Abschied stehe ich jeden Tag
Birkenblätter verbrennen.

Jesenins große Demut wird am dramatischsten, wenn er an die Zukunft des Dorfes denkt. Später kommt die Vorliebe des Dichters für das Dorf deutlicher zum Vorschein. Die Gipfel von Yesenin spüren ein Gefühl der Dringlichkeit hinter ihrer Natur, als ob sie die Zivilisation verlieren würden. Das unvergessliche Yesenin „Rotmähnenpferd“: Lieber, lieber, lustiger Narr.

Nun, wohin sollen wir gehen, wo sollen wir heiraten?
Nezhe weiß nicht, dass es lebende Pferde gibt
Hat der Steel-Film überwunden?

In Yesenin erhält die Lage des Ortes und des Dorfes einen besonders aufgeladenen Charakter. Nach seiner Auslandsreise gilt Jesenin als Kritiker des bürgerlichen Treibens. Es singt den bitteren Einfluss der kapitalistischen Struktur auf die Seele und das Herz der Menschen und nimmt das geistige Elend der bürgerlichen Zivilisation scharf wahr. Die Auslandsreise beeinträchtigte jedoch Yesenins Kreativität. Ich erinnere mich noch einmal an die „engen endlosen Ebenen“, die ich aus meiner Jugend kannte, aber jetzt, zum Schutze, kann ich das „rufende Lied der Räder“ nicht mehr zum Schweigen bringen:

Ich bin ein Bayduzhiy zu einer Hütte geworden,
Und das Herdfeuer liegt mir nicht am Herzen,
Bringen Sie die Apfelbäume zum Frühling und Frühling
Ich habe mich in böse Felder verliebt.

Bilder aus der Vergangenheit zeugen von meinem leidenschaftlichen Wunsch nach der Renovierung meines Heimatdorfes:

Polova Russland! Beenden
Die Pflüge über die Felder ziehen!
Je schlimmer Ihre Schmerzen sind, desto schmerzhafter sind sie
Ich pflanze Birken und Pappeln.
Ich weiß nicht, was mit mir passieren wird.
Vielleicht läuft mein neues Leben nicht gut,
Ale und trotzdem will ich Stahl
Bachiti armes, böses Rus.

Spüren Sie diese Wahrheit, die Ihr Herz und Ihre Seele verbrennen wird, besonders teuer für uns auf den Höhen von Yesenin, der nicht für die Größe des Liedes verantwortlich ist?

S. Yesenin kannte das ländliche Leben Russlands genau und erkannte, dass er ein wirklich beliebter Sänger wurde.

Egal, worüber Yesenin schrieb: über die Revolution, über die ländliche Lebensweise – er dreht sich immer noch um diese väterlichen Dinge. Für alle gilt der Vaterlandismus als leuchtend, und darüber zu schreiben ist der Sinn dieses Lebens:

Ich liebe den Vaterlandismus
Ich liebe Vaterland wirklich!

„Vaterland“ ist das Lied sowohl turbulent als auch beruhigend. In seinen lyrischen Werken kann man die grenzenlose Hingabe an die Batkivshchyna hören und sich vor ihr verneigen:

Ale y todi.
Wenn der ganze Planet
Passieren Sie den Aufseher der Stämme.
Kenne den Unsinn und die Verwirrung,
Ich stehe kurz vor der Impfung
Singe mit allem
Nur ein Stück Land
Ich nenne es kurz „Rus“.

Aus Yesenins Höhen taucht das Bild eines Dichter-Mystikers auf, der eng mit seinem Land verbunden ist. Er war einst ein Mitglied und ein Riese seines Vaterlandes. Auf freundliche Weise begrüßte er diejenigen, die „ihr Leben im Kampf verbrachten, die eine großartige Idee gestohlen haben“, und schrieb mit tiefem Schmerz „über die Tage, die umsonst verschwendet wurden“:

Ja, ich gebe dir einen Moment
Nicht diejenigen, die gegeben haben.
Was mir der Hitze zuliebe gegeben wurde.

Yesenin ist ein klares individuelles Merkmal. Nach den Worten von R. Rizdvyany sehen wir „diese seltene menschliche Kraft, die mit dem fast unvorstellbaren und unbedeutenden Wort „Charme“ bezeichnet wird... „Jeder Spivozmovnik, der in Yesenin etwas Eigenes, Wichtigeres und Geliebteres gefunden hat, e , – und in dessen Versteck sich ein so mächtiger Zustrom von Yogo Virshiv befindet.“

Wie viele Menschen haben ihre Seele für den wundersamen Reichtum von Yesenins Poesie erwärmt und wie viele haben die Klänge seiner Texte genossen. Und wie oft war der Gestank für Yesenin-Lyudin unwichtig. Möglicherweise ist das ein Unglück für Sie. „Wir haben den großen russischen Dichter verloren…“ – schrieb M. Gorki und attackierte die tragische Stimme.

S. A. Yesenin – DAS WAHRE VOLK SINGT

Ich hebe mein Essen für dich auf.

S. Yesenin

Am rechten Ufer der Oka liegt das Dorf Kostyantinovo, in dem der berühmte russische Dichter S. Yesenin aufwuchs. Der Blick offenbart eine ungreifbare Weite überschwemmter Bögen, die um die Wasserfälle herum stampfen, die glatte Oberfläche von Wiesenseen, Niederwälder, die in der Ferne fließen.

Yesenin wuchs inmitten der Natur auf, was ihn lehrte, „alles auf dieser Welt zu lieben, was die Seele in den Körper gießt“, daher ist das Thema seiner ersten lyrischen Verse das Thema der einheimischen Natur. Die ganze Schönheit des Heimatlandes: die satten Morgendämmerungen, das Plätschern der Bäume, der goldene Mond, das nicht greifbare Blau des Himmels und die wolkige Oberfläche der Seen – alles wurde in diesen Versen dargestellt, vergleichbar mit der Liebe des Landes Russisches Land. :

Rus' - Himbeerfeld
Und das Blau, das in den Fluss fiel, -
Ich liebe dich bis zur Freude und zum Schmerz
Dein See ist dicht...

Wir sind unendlich nah an der Straße und dem „grünen Mähen, dem weißen“ der Jesenin-Birke – dem Lieblingsbild des Dichters, diesem alten Ahornbaum, der das „blaue Russland“ symbolisiert:

Ich webe einen Kranz für dich allein.
Ich keuche Schwefel mit Schwefel.
Oh Rus, friedlicher kleiner Ort.
Ich liebe dich, ich glaube an dich.

Die dargestellte Natur von Yesenin Vikorist weist zahlreiche Beweise für Volksdichtung, Frömmigkeit, Gleichnis, Metapher und Isolation auf. Der Vogelkirschbaum „schläft am weißen Kap“, die Weiden – weinen, die Pappeln – flüstern, „die verschlafene Erde kicherte mit der Sonne.“ Yesenins Natur ist reich und reich. Die Lieblingsfarben des Dichters sind Blau und Schwarz. Die Gerüche des Himmels sind aufgrund der Weite Russlands stark und rufen ein Gefühl von Zärtlichkeit und Liebe hervor.

Die Natur ist noch am Leben, sie reagiert der Geschichte zufolge heftig auf das Schicksal der Menschen. Die Stimmung der Natur stimmt seit jeher mit der Stimmung der Menschen überein:

Vidmoviv-Typ golden
Berezovim mit fröhlicher Zunge,
Und die Kraniche fliegen wild,
Reden Sie nicht schlecht über andere.

Yesenin stieg aus den Tiefen des Lebens der Menschen zu den Höhen der Poesie auf. „Mein Vater ist ein Bauer, und ich bin ein Bauernsohn“, singt der Schriftsteller. Sergey Yesenin war eng mit dem Fleisch des ländlichen Russland verbunden, das heißt mit dem „blakitischen Russland“, wie er von seinen Führern erfuhr:

Geh, Rus, mein Heimatland.
Khati – im Gewand des Bildes...
Mach dir keine Sorgen über das Ende
Nur das Blau ist feuchter als die Augen.

Und in kurzen Momenten der Freude und in langen Phasen der Trauer und Verwirrung singen die Menschen. Versh „Rus“ ist ein bedeutender Meilenstein in der gesamten Kreativität von Yesenin vor dem Jahr. Jemand singt, um über die schwierigen Erfahrungen zu sprechen, die Russland durchgemacht hat. Das Volk braucht keinen Krieg, denn ohne ihn wird es viel Leid geben – der Hauptgedanke von Jesenins „Rus“. Der Krieg war eine schwere Zeit für die Dorfbewohner. Eine harte, zweifelhafte und wahrheitsgetreue Darstellung des Liedes über die Batkiwschtschyna aufgrund der Kriegswirren:

Das Dorf versank auf den Schlachtfeldern,
Die Hütten betraten den Wald.
Nur an den Büschen und Vertiefungen sichtbar,

Wie ein blauer Himmel rundherum.
Die Dörfer wurden zerstört, die Hütten verwaist.
Von Zeit zu Zeit erreichten Soldatensignale das Dorf: .
Sie glaubten an diese Kritzeleien,
Mit schwerer Last davongetragen,
Und sie weinten vor Glück und Freude,
Wie trockenes Land unter dem ersten Brett.

Es ist wichtig, den anderen Vers zu kennen, in dem mit solcher Kraft das Lied der Liebe vor der Batkivshchina offenbart wird:

Oh, die Rus meines Vaterlandes ist zurückgeblieben,
Ich hebe mein Essen für dich auf.
Deine Freude ist nur von kurzer Dauer.
Mit einem tiefen Lied im Frühling auf der Wiese.

Golovne ist in Yesenins Gedichten eine Dienerin des Vaterlandes. Diese Worte sind längst erschreckend geworden:

Yakscho ruft der heiligen Armee zu:
„Wirf Rus weg, lebe im Paradies!“
Ich werde sagen: „Das Paradies ist nicht nötig.“
Gib mir meinen Vaterlandismus.“

Die Liebe vor der Batkivshchyna kann ohne Liebe vor der Mutter enden. Ein großer Einfluss auf den Dichter war seine kleine Mutter, ausgestattet mit Weisheit, wunderbarer Schönheit und einer wundersamen Gabe des Gesangs. Tetyana Feodorovna beherrscht russische Volkslieder selten. Sergiy Yesenin und seine Schwestern, ständige Begleiter der Lieder ihrer Mutter, gelangten unweigerlich selbst zum „Liedwort“.

Yesenin bewahrte seine Liebe zu seiner Mutter und trug sie sein ganzes Leben lang. Eine wichtige Frau hat sich in ihre Mutter verliebt, als wäre sie ihre engste Freundin:

Ich bin nach wie vor derselbe Herr,
Davon träume ich nur.
Um die Spannung der Rebellion zu überwinden
Drehen Sie sich an unserem niedrigen Stand um.

In Yesenins Werken spürt man die Einheit des Menschen mit der Natur, mit allen Lebewesen auf der Erde. In einem seiner Gespräche mit Jesenin sagte A. M. Gorki: „... es war das erste Mal in der russischen Literatur, dass so geschickt und mit so großer Liebe über Kreaturen geschrieben wurde.“ „Also, ich liebe wirklich jedes Tier“, sagte Yesenin.

Die Stunde Jesenins ist die Stunde drastischer Revolutionen in der Geschichte Russlands. Vom patriarchalischen Feldrussland zum durch die Revolution verwandelten Russland, dem Radjanskaja-Russland – ein solcher historischer Weg, den gleichzeitig sein Vaterland und sein Volk zurückgelegt haben. Alles, was in Russland zur Zeit Schowtens geschah, war beispiellos und einzigartig. Mit der Freude und den glühenden Gefühlen der Yesenin-Revolution standen wir auf ihrer Seite. Die Revolution gab Yesenin die Gelegenheit, seine Verbindungen zum Volk, zur Batkiwschtschyna, zu überdenken, und gab ihm ein neues spannendes Thema. Golovne in den neuen Werken von Yesenin – das Bewusstsein der eigenen Stärke und Freiheit, die sowohl die Dichter als auch das ländliche Russland nach Schowten brachten. Víguk:

Lang lebe die Revolution
Auf Erden und im Himmel!

Die revolutionäre Realität der Menschen eines neuen künstlerischen Stils. Von diesen Tagen bis zu diesem Höhepunkt entwichen kohlensäurehaltige, intensive Rhythmen dem turbulenten Leben:

Der Himmel ist wie eine Glocke.
Monat - Sprache, .
Meine Mutter ist Vaterland.
Ich bin ein Bolschewik.

Das Leben des revolutionären Russlands wurde immer angespannter: Ohne die Flammen des gewaltigen Krieges zu löschen, quälte die Intervention das Land, Verwüstung und Hungersnot trafen ihre Wut auf der rechten Seite. Genau diese Zeit der Klassenkämpfe und Jesenins „Dorftrick“ manifestierten sich am deutlichsten. Über dem „Restlied des Dorfes“ erklingt ein tiefer Ton über das unwiderruflich alte Dorf, das historisch zur Zerstörung verurteilt war.

Die Reise über die Grenze hinweg half Jesenin, die Notwendigkeit der Industrialisierung zu verstehen und zu erkennen, dass Russland zu Europa aufschließen muss. Nachdem Sie sich an Batkivshchyna gewandt haben, schreiben Sie:

Ich weiß nicht, was mit mir passieren wird.
Vielleicht im neuen – ich bin nicht gut darin,
Aber ich will immer noch Stahl.
Bachiti armes, böses Rus.

Als ob das Ergebnis der Änderung Ihrer Ansichten die Krone des „Rus der Radians“ wäre, werden Sie von Liebe und Stolz für das Vaterland der Radians, das Volk der Radians, erfüllt sein:

Ale y todi
Wenn der ganze Planet
Passiere den Aufseher der Stämme,
Kenne den Unsinn und die Verwirrung,
Ich stehe kurz vor der Impfung
Singe mit allem
Nur ein Stück Land
Ich nenne es kurz „Rus“.

Das facettenreiche Bild der Batkivshchyna in den Werken von S. Yesenin ist historisch spezifisch und hat eine große gesellschaftliche Wirkung. Hier ist ein kritischer Blick auf die Vergangenheit Russlands und den Glauben daran heute und morgen.

Yesenins Poesie liegt allen Völkern unseres Planeten am Herzen. Vaughn ist unsterblich. Die Kraft und Helligkeit dieser Welt, zu sich selbst zu sprechen. Ihre Eckpunkte können nicht alt werden. In ihren Adern fließt für immer das junge Blut ewig lebendiger Poesie.