"Russian Seasons" - turnéföreställningar för ryska balett- och operadansare (1908-29), organiserade av den berömda kulturpersonen och entreprenören utomlands (från 1908 i Paris, från 1912 i London, från 1915 i andra länder). Balett blev företagets huvudaktivitet. Operor arrangerades sällan och huvudsakligen fram till 1914.

Början på "Russian Seasons" lades tillbaka 1906, när Diaghilev tog med sig en utställning av ryska konstnärer till Paris. År 1907 ägde en serie konserter av rysk musik (historiska ryska konserter) rum på Grand Opera. Egentligen började "Russian Seasons" 1908 i Paris, då opera "Boris Godunov" framfördes här (regissör Sanin, dirigent Blumenfeld; scenografi av A. Golovin, A. Benois, K. Yuon, E. Lanceray; kostymer av I. Bilibin; solister Chaliapin, Kastorsky, Smirnov, Ermolenko-Yuzhina, etc.).

1909 överlämnades Rimsky-Korsakovs "Den pskovitiska kvinnan" för parisierna under namnet "den fruktansvärda" (bland solisterna Chaliapin, Lipkovskaya, Kastorsky). 1913 arrangerades "Khovanshchina" (regissör Sanin, dirigent Cooper, delen av Dositheus framfördes av Chaliapin). År 1914 var Grand Opera värd för världspremiären av Stravinskys Nightingale (regissör Sanin, dirigent Monteux). År 1922 arrangerades Stravinskys Mavra där.

År 1924 arrangerades tre operaer av Gounod på teatern i Monte Carlo (The Dove, The Reluctant Healer och Philemon and Baucis). Vi noterar också världspremiären (konsertföreställning) av Stravinskys oratorium Kung Oedipus (1927, Paris).

"Russian Seasons" spelade en enorm roll i främjandet av rysk konst utomlands och i utvecklingen av världskonstprocessen under 1900-talet.

E. Tsodokov

"Russian Seasons" utomlands, föreställningar av opera och balett, organiserad av S. P. Diaghilev. De fick stöd av de ryska konstnärliga intelligentsiens kretsar ("World of Art", Belyaevsky-musikcirkeln etc.). "Russian Seasons" började i Paris 1907 med historiska konserter med deltagande av N. A. Rimsky-Korsakov, S. V. Rachmaninov, A. K. Glazunov, F. I. Shalyapin. 1908-09 framfördes operorna Boris Godunov av Mussorgsky, Pskovs kvinna av Rimsky-Korsakov, prins Igor av Borodin med flera.

1909, för första gången, tillsammans med operauppträdanden, visades M. M. Fokins baletter (tidigare iscensatt av honom i St. Petersburg): Armida-paviljongen (art A. Benois), Polovtsian Dances (art. N. Roerich ); "Sylphides" ("Chopiniana") till Chopins musik, "Cleopatra" ("Egyptian Nights") av Arensky (art. L. S. Bakst) och divertissementet "Fest" till musiken från Glinka, Tchaikovsky, Glazunov, Mussorgsky.

Balettgruppen bestod av artister från St. Petersburg Mariinsky och Moscow Bolshoi-teatrarna. Solister - A. P. Pavlova, V. F. Nijinsky, T. P. Karsavina, E. V. Geltser, S. F. Fedorova, M. M. Mordkin, V. A. Karalli, M. P. Fromman och Dr Koreograf - Fokin.

Från 1910 gick Russian Seasons utan deltagande av operan. Under den andra säsongen (Paris, Berlin, Bryssel) visades nya produktioner av Fokine - "Carnival" (konstnär Bakst), "Scheherazade" till musik från Rimsky-Korsakov (samma artist, gardin baserad på skisser av V. A. Serov), " Firebird "(artister A. Ya. Golovin och Bakst) samt" Giselle "(redigerad av MI Petipa, artist Benoit) och" Orientalia "(koreografiska miniatyrer, inklusive fragment från" Cleopatra "," Polovtsian Dances ", Siffror till musiken från Arensky, Glazunov, etc.," Siamese Dance "till Sinding och" Kobold "till Grieg-musiken, iscensatt av Fokin för Nijinsky).

1911 beslutade Diaghilev att skapa en permanent grupp, som slutligen bildades 1913 och fick namnet "".

Ett fantastiskt jubileum av världsbetydelse: Idag dansas Nötknäpparen, regisserad av Yuri Grigorovich, på Bolsjojteatern för 500: e gången.

I Ryssland och Europa är "Nötknäpparen" den viktigaste festliga baletten på jul och nyår. Från klassiskt till avantgarde - författarens experiment med stil. En av de ljusaste är föreställningen, som hade premiär i Monte Carlo.

Du kommer bara att se detta i en dröm. En storskalig extravaganza på leksaksscenen. I bubbelpoolen av bisarra danser - dockor vaknar till liv och unga Marie, drömmer passionerat om att bli en ballerina. Med varje ny klänning - en ny roll. Marie försöker på delar av de bästa klassiska baletter som skapats av Monte Carlo-gruppen. En hel krans av bilder: Cinderella, Princess, Törnrosa.

"Genom denna flickas drömmar berättar vår koreograf Jean-Christophe Maillot sin historia och historien om vår balettgrupp. Han berättar om det viktigaste som hände under alla 20 år av dess existens: från tråkiga klasser i ladan till glansen av baletter som han har förkroppsligat på scenen. , Säger prima ballerina av baletten av Monte Carlo Bernis Coppieters.

Koreograf Jean-Christophe Maillot tar The Nutcracker till cirkusen. Och alla karaktärer är inblandade i en ljus festlig show med de svåraste akrobatiska siffrorna.

"Cirkusen för mig är en ideal teater där du kan uppleva alla känslor. Den har både fara och virtuos teknik och den lätthet som allt detta görs. Alla känslor är väldigt ljusa och verkliga. Och för mig finns det en del barndomens mysterium och känsla, säger Jean-Christophe Maillot, koreograf, chef för Monte Carlo-baletten.

Endast Tchaikovskys musik och flera karaktärer påminner om klassisk balett. Nötknäpparen, Marie, som han lär sig att dansa, och älvmor som gör deras dröm till verklighet. Excentrisk nötknäppare utan camisole och peruk. Den här hjälten är inte som alla andra. Med sin gnistrande ovanliga dans förvånar han uttråkade ballerinor.

"För mig har nötknäpparen en speciell filosofi. Han kämpar med sig själv, med sina egna brister och blir så småningom till en vacker varelse", säger sångaren för Monte Carlo-baletten Jeroen Verbruggen.

Koreograf Jean-Christophe Maillot presenterar denna magiska balett för prinsessan Caroline av Monaco på nyårsafton. Finsmakare av balettkonst från hela världen kommer till Monacos glittrande nyår för att se den kungliga gåvan.

"Det var prinsessan Carolina som för 20 år sedan bjöd in mig till chef för Monte Carlo-baletten. Hon uppfyllde min dröm om att samla en internationell grupp av lysande dansare. chef för truppen för baletten av Monte Carlo Jean-Christophe Mayo.

Carolina bestämde sig för att skapa en balettgrupp till minne av sin mamma, den tragiskt avlidne Hollywood-filmstjärnan Grace Kelly. Hon drömde om att förhärliga Monaco-baletten och återuppliva traditionerna för Diaghilevs ryska säsonger. En av baletthallarna är fortfarande uppkallad efter honom. Och på Teatro Garnier, byggd för honom av prinsen av Monaco, finns föreställningar som restaurerats av Jean-Christophe Maillot. Därför har han rätt att betrakta sig som arvtagare till ryska balettens traditioner.

"Min huvudsakliga inspirationskälla är människor med sina känslor, upplevelser. Så detta är mer en saga för vuxna. Det talar om de avgörande ögonblicken i vårt liv när det är nödvändigt att göra ett val som hela ödet beror på. Vid sådana stunder är det särskilt viktigt att tro att någon dröm är förverkligbar ", - är övertygad om koreografen, chef för truppen för baletten av Monte Carlo Jean-Christophe Mayo.

När morgonen närmar sig löses sagoteatern upp. Och även om det magiska äventyret bara visade sig vara en dröm, har alla en känsla av ett mirakel under lång tid.

Om det finns en plats där ryska gastronomiska årstider bör fortsätta sin historia är det Monaco och Cote d'Azur. Faktum är att den ryska kulturens inflytande känns i varje stad på den franska Rivieran. Glöm inte att Diaghilev i Monaco själv gjorde ett betydande bidrag till skapandet av Monte Carlo-baletten i början av 1900-talet, och det gastronomiska utbytet mellan de två länderna introducerade allmänheten till de bästa lokala rätterna.

År 2018 presenterar festivalen Winter Gastronomic Seasons återigen rikedomen i den ryska kulturen i alla dess former. Evenemanget kommer att äga rum från 30 januari till 4 februari på Café de Paris.

För åttonde gången är festivalen, som redan har samlat de bästa franska och ryska kockarna i Paris, Cannes och Moskva, ett tillfälle för gästerna att upptäcka exceptionella menyer.Den nya vintersäsongen kommer att innehålla många föreställningar, inklusive:

• Från 30 januari till 4 februari, varje kväll kommer det att vara en galamiddag klCafé de Paris med deltagande av solisterna från Moskva Music and Drama Gypsy Theatre "Romen" Matryona Yankovskaya och Pyotr Yurchenko, Romano Atmo Gypsy dance group och kockar från Ryssland (Andrey Kolodyazhny) och Monaco (Patrick Lafon). Början är kl 19.30.
  

• Den 1 februari, efter slutet av Anna Netrebkos konsert, kommer en galamiddag att äga rum på Casino Monte Carlo. Början är kl 22.00. 4-handig middag på OPERA-temat presenteras av Marcel Raven från Blue Bay och ryska kocken från Sochi Andrey Kolodyazhny (restauranger"Baran-Rapan" och "Moskvich").

”Denna festival är ett unikt tillfälle att upptäcka sofistikering av modern mat tack vare ett nytt möte med franska och ryska kockar. Detta är en riktig gastronomisk resa där originalitet, traditioner och smaker från våra två kulturer möts, säger Natalya Marzoeva, ordförande för festivalen Gastronomic Seasons.

Om kocken Andrei Kolodyazhniy

Andrei Kolodyazhnys matlagning är baserad på gastrobotany - den senaste europeiska trenden inom haute cuisine - som han på ryska kallar "köket med blommor och örter." Det manifesterar sig i varje detalj: från smakpaletten till utsökt design och originalpresentation.

”Min ambitiösa uppgift är att återvända till köket de växter som var oförtjänt glömda som gastro-kulturer. Idag använder till exempel få människor vassrot eller åkerhästsvans för mat, men det här är väldigt gott och hälsosamt. Högkvalitativa, naturliga, färska lokala ekologiska produkter, beredda med kärlek och själ - det här är grunden för mitt kök, säger Andrey.

Andrey Kolodyazhny

I köket i restaurangen "Baran-Rapan" används endast lokala produkter: färskt fårkött och skaldjur, örter (kardborre, mellanstjärna, fjällkoriander) och ätbara blommor (mor-och-styvmor, fårblommor, salta blommor, primula); innovation och tradition kombineras mästerligt.

I varje maträtt i turnéns fasta meny kommer Andrey att avslöja "köket av blommor och örter" och "drömmarnas kök på en tallrik", som han förkroppsligar i sitt arbete varje dag.

I det här inlägget skulle jag vilja berätta direkt om "Ryska säsonger av Diaghilev" själva och deras inflytande på världskonst, särskilt på 20-talets balettkonst.

Så, vad var årstiderna - det här är turnéföreställningar för ryska opera- och balettdansare utomlands. Allt började i Paris 1908, fortsatte sedan 1912 i Storbritannien (i London) och från 1915 i andra länder.

För att vara exakt, började "Ryska säsonger" tillbaka 1906 år när Diaghilev förde en utställning med ryska konstnärer till Paris. Hon hade otrolig framgång, så det bestämdes att utvidga horisonten och redan in 1907 En serie konserter av rysk musik (historiska ryska konserter) ägde rum på Grand Opera. Egentligen började "Russian Seasons" 1908 i Paris när Modest Mussorgskys opera Boris Godunov framfördes, operan Ruslan och Lyudmila av Mikhail Glinka, prins Igor av Alexander Borodin och andra. Paris hörde för första gången sjunga Chaliapin och musiken från Rimsky-Korsakov, Rachmaninov och Glazunov. Från detta ögonblick börjar historien om Diaghilevs berömda "Russian Seasons", som omedelbart gjorde allt ryska till det mest fashionabla och relevanta i världen.

Fjodor Chaliapin i operan "Prins Igor"

I 1909 de första gemensamma opera- och balettföreställningarna ägde rum i Paris. De efterföljande åren började han exportera främst balett, vilket var en stor framgång. Från detta ögonblick började perioden med balettperioder. Ändå var opera fortfarande: i 1913 opera "Khovanshchina" iscensattes (delen av Dositheus framfördes av Chaliapin), i 1914 Världspremiären av Stravinskys Nightingale hölls på Grand Opera.

De fantastiska framgångarna under de första säsongerna, vars program inkluderade balettarna Firebird, Petrushka och The Rite of Spring, fick den europeiska allmänheten att förstå att avancerad rysk konst är en fullständig och intressant del av världens konstnärliga process.

Vaslav Nijinsky i baletten "Petrushka"

Vaslav Nijinsky i baletten "Scheherazade", 1910

Premiärprogram för balett "Scheherazade"

Framgång för "ryska säsongen" i Paris 1909 året var verkligen triumferande. Mode för allt ryska kommer. Föreställningar på scenen på Châtelet Theatre blev inte bara en händelse i Paris intellektuella liv utan hade också ett starkt inflytande på västerländsk kultur i dess mest olika manifestationer. Franskmännen uppskattade nyheten med teater- och dekorationsmålning och koreografi, men de högsta berömmen fick de framstående färdigheterna hos de ledande dansarna i Mariinsky och Bolshoi-teatrarna: Anna Pavlova, Tamara Karsavina, Lyudmila Shollar, Vera Fokina, Vaclav Nijinsky, Mikhail Fokin, Adolf Mordkini och Mikhail Reste sig.

Anna Pavlova och Vaslav Nijinsky i baletten "Armidens paviljong", 1909

Anna Pavlova

Den franska författaren Jean Cocteau talade om föreställningarna så här:"En röd gardin stiger över festligheterna som har vänt Frankrike upp och ner och som har svept folkmassan i extas bakom Dionysos vagn".

I 1910 år bjöd Diaghilev Igor Stravinsky att skriva musik till baletten för scenkonstruktion inom ramen för "Russian Seasons", och de kommande tre åren blev kanske den mest "stjärniga" perioden i livet för både den första och den andra. Under denna tid skrev Stravinsky tre fantastiska baletter, som vart och ett gjorde Diaghilevs ryska årstider till en global kulturell sensation - Firebird (1910), Petrushka (1911) och The Rite of Spring (1911-1913).

Intressant fakta om baletten "Firebird": Firebird är den första baletten på ett ryskt tema i Sergei Diaghilevs företag. Scenregissören (koreografen) och utövaren av den huvudsakliga manliga rollen är Mikhail Fokin. Han insåg att Paris skulle "behandlas" med något urryssligt och tillkännagav detta namn tillbaka på affischen för första säsongen 1909. Men de lyckades inte iscensätta baletten. Den smarta impresaren tog upp manipuleringen - även om skylten förklarade "The Firebird", pas de deux av prinsessan Florine och Bluebird från baletten "Sleeping Beauty", okänd för parisarna, framfördes på scenen, dessutom i Leon Baksts nya orientaliska dräkter. Bara ett år senare uppträdde den riktiga "Firebird" i Paris - den första balettpoängen av Igor Stravinsky, som förhärligade namnet på den då spirande kompositören utanför Ryssland.

Kostymdesign för baletten "Firebird" av konstnärenLeon Bakst,1910

Mikhail Fokin klädde sig som den blåa fågeln, "Sleeping Beauty" balett

I samma 1910 inkluderade repertoaren de redan iscensatta baletterna Giselle och Carnival till musik av Schumann och sedan Scheherazade av Rimsky-Korsakov. Anna Pavlova skulle utföra de viktigaste delarna i baletterna Giselle och Firebird, men av ett antal skäl försämrades hennes förhållande med Diaghilev, och hon lämnade gruppen. Pavlova ersattes av Tamara Karsavina.

Tamara Karsavina och Mikhail Fokin i balett "Eldfågel"

Tamara Karsavina

Dansare.Balett av Igor Stravinsky "Helig vår" på Champs Elysees. 29 maj 1913

Playbill för pjäsen "Russian Seasons", skiss av Leon Bakst med Vaclav Nezhinsky

Och återigen en rungande framgång med den parisiska allmänheten! Denna framgång hade dock en nackdel: några av artisterna som blev kända tack vare Diaghilev-säsongerna lämnade gruppen för utländska teatrar. Och efter att Nijinsky avskedats från Mariinsky Theatre med en skandal, bestämde Diaghilev att rekrytera en permanent grupp. Många dansare från den kejserliga baletten gick med på att ingå permanenta kontrakt med honom, och de som bestämde sig för att stanna på Mariinsky - till exempel Karsavina och Kshesinskaya - gick med på att fortsätta samarbetet. Den stad där Diaghilevs företag var baserad, där repetitioner och förberedelser för framtida föreställningar ägde rum, var Monte Carlo.

Intressant fakta:Monte Carlo hade en speciell plats i hjärtat av Diaghilev. Det är här i 1911 "Rysk balett" förvandlades av honom till en permanent teatergrupp, här för första gången visade han några av sina mest betydelsefulla produktioner, och här tillbringade han alltid sina vintrar sedan 1922. Tack vare generösheten i Grimaldis härskande hus och kasinoets ära som möjliggjorde sådan generositet blev Mote Carlo Diaghilevs kreativa laboratorium på 1920-talet. Tidigare ballerinor från de kejserliga teatrarna, som hade lämnat Ryssland för alltid, delade sina skicklighetshemligheter med de stigande stjärnorna i utvandringen som Diaghilev bjöd in. I Monte Carlo, för sista gången, undergav han sig frestelsen i sitt livs dröm - att leva och ge allt för konst.

I 1911 år 5 nya balletter arrangerades: "Underwater Kingdom" (från operan "Sadko"), "Narcissus", "Peri", "The Phantom of the Rose", vilket är en utsökt pas de deux Karsavina och Nijinsky, och säsongens viktigaste nyhet är Stravinskys dramatiska balett Petrushka, där nöjesgeckarens ledande roll, som dör i finalen, tillhörde Nijinsky.

Vaslav Nijinsky som Petrushka

"Sadko", skiss för landskap av Boris Anisfeld, 1911

Men redan inne 1912 år Diaghilev började gradvis befria sig från sina ryska medarbetare som hade fört honom världsberömmelse. Den karismatiska ledaren Diaghilev tolererade inte motstånd. Människan är viktig för honom som bärare av en kreativ idé: efter att ha uttömt idén slutar Diaghilev vara intresserad av honom. Efter att ha förbrukat idéerna från Fokine och Benois började han skapa idéer från europeiska skapare för att upptäcka nya koreografer och dansare. Oenigheter i Diaghilevs team påverkade också föreställningarna: tyvärr orsakade säsongen 1912 inte mycket entusiasm bland den parisiska publiken.

Alla baletter under denna säsong arrangerades av Mikhail Fokine, förutom en - "Eftermiddag av en Faun" på förslag av Diaghilev arrangerades av hans favorit Nizhinsky - denna föreställning var debut i hans korta karriär som koreograf.

balett "Eftermiddag av en Faun"

Efter ett misslyckande i Paris visade Diaghilev sina produktioner (plus baletter från hans tidiga repertoar) i London, Berlin, Wien och Budapest, där publiken tog emot dem bättre. Sedan var det en turné i Sydamerika och återigen en rungande framgång! Det var under dessa turer som en konflikt inträffade mellan Diaghilev och Nijinsky, varefter Sergei Pavlovich vägrade en dansares tjänster, men under en längre tid fortsatte de att arbeta tillsammans, men sedan inträffade en sista paus.

I år Första världskriget Diaghilevs balettgrupp åkte på en rundtur i USA, eftersom intresset för konst i Europa vid denna tidpunkt avtog. Endast välgörenhetskonserter återstod, där de ändå deltog.

Svanprinsessans pigor i baletten "Ryska sagor", 1916

Naturskisser av Natalia Goncharova för en av de mest framstående Diaghilev-produktioner - Les Noces, 1917

Diaghilev-säsongernas fullständiga återkomst till deras tidigare positioner började i 1917 år. Återvänder till Europa bildade Diaghilev en ny grupp, och Leonid Myasin, en ung dansare från Bolshoi-teatern, tog en fast plats i gruppen som koreograf. Föreställningarna som han arrangerade var genomsyrade av en innovativ anda och mottogs väl i Paris och Rom.

Samma år bjöd Diaghilev Pablo Picasso att utforma baletten "Parade", några år senare gjorde samma Picasso scener och kostymer för baletten "Tricorne". En ny, sista period av de ryska balettsäsongerna börjar, när franska artister och kompositörer börjar råda i Diaghilevs lag.

Ballettparaden, iscensatt av Leonid Myasin 1917 till Eric Satie sarkastiska musik och i Picassos kubistiska design, markerade en ny trend av Diaghilev-gruppen - önskan att avmitologisera alla balettkomponenter: handlingen, scenen, skådespelarna (Paraden skildrade livet för en resande cirkus ) och placera ett annat fenomen i stället för myten - mode. Parisiskt vardagsmode, gemensamt europeiskt stilmode (i synnerhet kubism), globalt mode gratis (i större eller mindre utsträckning) dans.

Olga Khokhlova, Picasso, Maria Shabelskaya och Jean Cocteau i Paris i samband med premiären av baletten "Parade", 18 maj 1917

Skiss av Pablo Picasso för baletten "Parade", 1917

Scenografi och kostymdesign för baletten "Tricorne", Pablo Picasso, 1919

Lyubov Chernyshova som Cleopatra, 1918

Den förvärrade politiska situationen i Europa gjorde det omöjligt att komma till Frankrike, så Paris-säsongen in 1918 året var inte, men det fanns turnéer i Portugal, Sydamerika och sedan nästan ett år i Storbritannien. Åren 1918-1919 blev svåra för Diaghilev: oförmågan att arrangera baletter i Paris, den kreativa krisen, avgången från en av de ledande dansarnas grupp - Felix Fernandez - på grund av sjukdom (han blev galen). Men redan i slutet 1919 säsonger i Paris förnyades. Landskapet för en av årets baletter, Stravinskys "Nightingale", skapades av konstnären Henri Matisse för att ersätta Benois förlorade verk.

Perioden 1920-1922 kan kallas en kris, stillastående tid. Koreograf Leonid Myasin grälade med Sergei Pavlovich och lämnade gruppen. Av den anledningen släpptes endast 2 nya produktioner under den perioden - baletten "Jester" till musik av Sergei Prokofiev och danssviten "Quadro Flamenco" med dekorationer av Picasso.

Hösten 1921 tog Diaghilev The Sleeping Beauty till London och bjöd in ballerina Olga Spesivtseva att utföra den ledande rollen. Denna produktion mottogs väl av allmänheten, men samtidigt satte den Diaghilev en katastrofal ställning: vinsten från avgifterna kompenserade inte för kostnaderna. Diaghilev var på väg att förstöra, konstnärerna började sprida sig, och hans företag upphörde nästan att existera. Lyckligtvis kom en gammal vän till Diaghilev, Misya Sert, till undsättning. Hon var mycket vänlig med Coco Chanel, som var så inspirerad av fallet Diaghilev att hon donerade betydande medel för att återställa hans trupp. Vid den tiden hade Bronislava Nijinsky, den yngre systern till Vaslav Nijinsky, emigrerat från Kiev, som Diaghilev bestämde sig för att göra sin säsongs nya koreograf. Nijinska föreslog att förnya kompositionen av truppen med sina studenter i Kiev. Under samma period träffade Diaghilev Boris Kokhno, som blev hans personliga sekreterare och författare till biblioteket för nya baletter.

Våren 1923 arrangerade Bronislava Nijinska koreografin för en av Diaghilevs mest framstående produktioner, Stravinskys Les Noces.

Naturskisser av Natalia Goncharova för baletten "Les Noces"

I 1923 Fem nya dansare gick med i truppen på en gång, inklusive Diaghilevs framtida favorit - 18-åring Serge Lifar... Som Diaghilev sa om honom: "Lifar väntar på sin egen lämpliga timme för att bli en ny legend, den vackraste av balettlegender.".

Under de följande åren samarbetade åren med återupplivandet av den ryska balettgruppen, Picasso och Coco Chanel med Diaghilev, truppen turnerade mycket, presenterade inte bara balett utan också operaproduktioner, symfonikonserter och kammarkonserter. George Balanchine blev balettmästaren under denna period. Han emigrerade från Ryssland efter examen från teaterskolan på Mariinsky Theatre och, i samarbete med Diaghilev, berikade koreografin under sina årstider kraftigt.

George Balanchine (aka Georgy Balanchivadze)

Trots det verkande välståndet mötte Diaghilev igen ekonomiska svårigheter. Som ett resultat tog Diaghilev upp ett lån och tog över en depression och tog en ny säsong i Paris och London. Så talade om säsongen 1926 Serge Lifar: " Jag kommer inte ihåg en mer lysande, mer triumferande London-säsong under alla år av mitt liv i den ryska baletten i Diaghilev: vi bar bokstavligen i våra armar, kastades med blommor och gåvor, alla våra baletter - både nya och gamla - möttes med entusiasm och tacksamhet och orsakade en oändlig storm av applåder. ".

Snart började Diaghilev tappa intresset för balett och ägde mer och mer tid och energi åt en ny hobby - att samla böcker.

I 1928 året var säsongens mest framgångsrika produktion Balanchines produktion av Apollo Musaget till Stravinskys mästerverk, enligt Diaghilev, med Beauchamps dekorationer och Coco Chanels dräkter. Publiken gav Lifar, solisten i den här baletten, en långvarig ovation, och Diaghilev själv uppskattade också sin dans. Apollo Musaget visades 11 gånger i London, av 36 repertoarföreställningar.

Alexandra Danilova och Serge Lifar i baletten "Apollo Musaget", 1928

1929 året var det sista året av existensen av den ryska baletten i Diaghilev. På våren och försommaren turnerade truppen mycket i hela Europa. Sen, i slutet av juli och början av augusti, var det en kort turné i Venedig. Där försämrades Diaghilevs hälsa plötsligt: \u200b\u200bpå grund av en förvärring av diabetes fick han en stroke, från vilken han dog den 19 augusti 1929.

Efter Diaghilevs död bröt hans tropp upp. Balanchine åkte till USA, där han blev en reformator av amerikansk balett. Massine grundade tillsammans med överste de Basil den ryska baletten Monte Carlo-gruppen, som bevarade repertoaren av Diaghilevs ryska balett och på många sätt fortsatte sina traditioner. Lifar stannade kvar i Frankrike och blev chef för balettgruppen för Grand Opera, vilket gav ett enormt bidrag till utvecklingen av fransk balett.

Med en genial konstnärlig intuition att förutse allt nytt eller att upptäcka det som en ny glömd konst från tidigare epoker, kunde Diaghilev med fantastisk uthållighet förverkliga hans varje idé. Genom att sätta sitt namn, sin förmögenhet på spel, fängsla sina vänner, ryska köpmän och industrimän med sina idéer, lånade han pengar och investerade dem i nya projekt. För Sergei Diaghilev fanns det bara två idoler som han dyrkade hela sitt liv - Framgång och ära.

En extraordinär personlighet, ägaren av en unik gåva för att upptäcka talanger och överraska världen med nyhet, tog Sergei Diaghilev nya namn på framstående koreografer till konstvärlden - Fokine, Massine, Nijinsky, Balanchine; dansare och dansare - Nijinsky, Viltzak, Voitsekhovsky, Dolina, Lifar, Pavlova, Karsavina, Rubinstein, Spesivtseva, Nemchinova, Danilova. Han skapade och samlade en underbar grupp med begåvade 6-åriga musiker.

Många samtida, liksom forskare om Diaghilevs liv och arbete, är överens om att Sergei Pavlovichs huvudsakliga förtjänst var det faktum att han, efter att ha organiserat sina "ryska säsonger", faktiskt inledde processen att återuppliva balettkonst inte bara i Ryssland, utan i allt världen. Baletterna som skapades i hans företag är fortfarande stoltheten över de största balettstadierna i världen och är framgångsrika iscensatta i Moskva, St Petersburg, London, Paris och många andra städer.