Der Realismus nahm im frühen 19. Jahrhundert in den Tiefen der Romantik Gestalt an. Diese neue Wende war mit fortschreitender öffentlicher Stimmung und der Intensivierung der Bildung von Nationen, nationalen Kulturen, des Interesses an ethnischer Geschichte und Kultur, vor allem an nationaler Literatur, verbunden. Wir werden später über Romantik und Symbolik sprechen, irgendwie im Rahmen eines separaten Themas. Im Moment ist es wichtig und genug zu sagen, dass die Romantik die führende Rolle des Klassizismus und des Akademismus bei der Entwicklung der schönen Künste entlarvt und abgelehnt hat.
Zum ersten Mal Semester realismus Mitte des 19. Jahrhunderts wurde der französische Schriftsteller und Literaturkritiker J. Chanfleurie eingeführt. Realismus wurde als vollständige und genaue Darstellung der Umgebung verstanden wahres Leben, die unwissentlich die Laster und Probleme der bürgerlichen Realität der Ära enthüllten.
J. Chanfleurie
Realismus als ästhetisches Phänomen in der Kunstkultur war jedoch keine absolute Neuigkeit, ohne die Verwendung einer geeigneten Terminologie war er bereits in der Renaissance - "Renaissance-Realismus" und während der Aufklärung - "Aufklärungsrealismus" zu spüren. Aber im 19. Jahrhundert hatte es in verschiedenen Ländern seine eigenen Besonderheiten.
In Frankreich heißt Realismus kritischer Realismus war mit Pragmatismus und dem Vorherrschen materialistischer Ansichten verbunden, der dominierenden Rolle der Wissenschaft und der nationalen französischen Literatur bei der Definition der Aufgaben der Entwicklung der schönen Künste. Zu den größten Vertretern des französischen kritischen Realismus in der Literatur gehörten O. Balzac, V. Hugo und G. Flaubert, deren Werke im gebildeten Teil der russischen Gesellschaft bekannt waren und bereits teilweise übersetzt wurden.
Honore de Balzac
Victor Hugo Gustave Flaubert
Die Hauptvertreter des kritischen Realismus in der französischen Malerei waren Honore Daumier, Gustave Courbet, François Millet, Camille Corot und Theodore Rousseau.
Revolution von 1830 eröffnete eine neue Etappe in der Entwicklung der bildenden Kunst, der Karikatur, insbesondere brillanter, ausdrucksstarker Bilder O. Daumier (1818-1879) machten satirische Grafiken zu einer wahren Kunst.
Honore Daumier Porträt von O. Daumier im Genre der Karikatur
Daumiers grafische und bildliche Arbeiten sind nach Serien oder Zyklen gekennzeichnet: "Don Quijote" und "People of Justice" ("Richter und Anwälte"), aber die erste war eine revolutionäre Serie, die aus zwei Teilen bestand: 1830 und 1848. Die wichtigsten Werke in diesem Zyklus sind "Aufstand" und "Legislative Assembly".
Durch die Darstellung von nur wenigen Menschen auf einer Diagonale erweckte der Künstler den Eindruck einer großen Menschenmenge, die sich bewegte. Der Schwerpunkt liegt auf der Figur eines jungen Mannes in einem leichten Hemd, der sowohl der allgemeinen Bewegung untergeordnet ist als auch ihn führt und mit erhobener Hand den Weg zum Ziel zeigt.
Aufstand. 1830 g.
Auf einem Stich / einer Lithographie, der gesetzgebenden Versammlung oder dem gesetzgebenden Mutterleib von Ministern und Regierungsmitgliedern wurde der Künstler als hässliche und moralisch elende Gesellschaft dargestellt.
Legislative Gebärmutter
In der Serie "Richter und Anwälte" - zeigt der schreckliche Kontrast zwischen dem Aussehen, dem äußeren Erscheinungsbild eines Menschen und seinem Wesen. Daumiers Anwälte und Richter sind die Quintessenz von Falschheit, Heuchelei und Laster, die Personifikation nicht nur des bürgerlichen Gerichts, sondern eines Teils der Gesellschaft als Ganzes.
Verteidiger des Gerichts
Die Interpretation der Bilder der Helden des Don-Quijote-Zyklus - die den tragischen Widerspruch zwischen den beiden Seiten der menschlichen Seele zeigt - hat in der Weltkunst keine Analoga. Don Quijote, abgemagert, unglaublich groß, reitet durch die düstere Hügellandschaft auf dem monströs knochigen Rocinante, folgt ausnahmslos seinem Traum nach, er wird nicht von Hindernissen aufgehalten, nicht von den Segnungen des Lebens angezogen, er ist alle in Bewegung, auf der Suche. Hinter ihm ist sein Gegenteil - auf einem Esel, der ewig zurückbleibt, der feige Sancho Panza, der zu sagen scheint: genug Ideale, genug Kampf, es ist Zeit, endlich aufzuhören.
Don Quijote Sancho Panza und Don Quijote
Das zentrale Thema der Arbeit des Künstlers waren gewöhnliche Menschen: Arbeiter, kleine Angestellte, Handwerker, Wäscherinnen, die er malte und die nicht nur ihre schwierige Situation, sondern auch den Wert ihrer Arbeit und Persönlichkeit widerspiegelten. Sein Schlagwort „Du musst ein Mann deiner Zeit sein“ spiegelte die allgemeine Richtung des kritischen Realismus wider.
Nosha oder Wäscherin druckt Liebhaber
Wagen der 3. Klasse
Die Hauptfigur im kritischen französischen Realismus ist Gustave Courbet (1819-1877).
Gustave Courbet
Er war der erste westeuropäische Künstler, der den Realismus offen als seine kreative Methode proklamierte: die Darstellung der unansehnlichsten Aspekte des Lebens ohne Verschönerung, Idealisierung und Sentimentalität. Die Figuren in seinen Gemälden waren Vertreter aller Bevölkerungsschichten, einschließlich der niedrigsten - Arbeiter, Bettler, Prostituierte.
Die Hauptsache in Courbets Werk war seine Fähigkeit, bei der Darstellung bestimmter Personen deren Erscheinungsmerkmale von typischer Bedeutung zu verleihen, und einfache Genreszenen in Courbets Handlungen erwarben Merkmale von Monumentalität.
Windbreaker Steinbrecher
Begräbnis in Ornans
Selbst Porträts gibt der Künstler oft einen Genrecharakter, der das Modell in einem bestimmten Haushaltsumfeld darstellt. Ein solches Beispiel ist die Szene, in der der Vater und die Freunde des Künstlers in einem kleinen örtlichen Café eine Pause einlegen.
Nachmittag Ornane
Andere Beispiele für Courbets Porträts sind die Darstellung einer Person als Symbol einer bestimmten Richtung im künstlerischen Schaffen.
links ein Porträt von Hector Berlioz - dem Gründer der Programmsinfonie
rechts - ein Porträt von Charles Baudelaire, einem Klassiker der französischen Poesie (Flowers of Evil usw.) - dem Begründer der Dekadenz und Symbolik.
Das aufschlussreichste Gemälde von Courbet Atelier oder der Künstlerwerkstatt ist eine komplexe allegorische Komposition, in der hinter jedem realistischen, im Porträt erkennbaren Bild ein bestimmter Typ steht, der vom Künstler zum Symbol erhoben wird.
Atelier oder Künstlerwerkstatt
Gleichzeitig betonte der Künstler, dass dies eine neue Art von Allegorie ist, realistisch, die nichts mit romantischer Fantasie oder der tränenreichen Sentimentalität der Symbolik zu tun hat.
Für Courbet war die wichtigste Eigenschaft realistischer Kunst nicht die Sympathie für Benachteiligte und Unterdrückte, sondern die Darstellung ihrer Nützlichkeit als Mitglieder der Gesellschaft; kein Spiegelbild der inneren Welt, sondern ein soziales Merkmal von Modellen.
Courbet glaubte, dass das Wesen des Realismus die Verleugnung des Ideals ist, als solches sollte die Vernunft in allem, was eine Person betrifft, Vorrang haben. Nur eine solche Position, so glaubte der Künstler, führt zur Befreiung des Einzelnen und letztendlich zur Demokratie.
Ich komme aus einer Bauernfamilie F. Millet (1814-1875) machte das Leben und Werk eines Bauern zum Hauptthema seiner Gemälde und zeigte die ländliche Arbeit als einen natürlichen Zustand des Menschen, eine Form seines Seins.
Jean-Francois Millet
Der Künstler glaubte, dass sich in der Arbeit die Verbindung zwischen Mensch und Natur manifestiert, die ihn erzieht und veredelt.
Kartoffeln pflanzen Harvester
Mitte des 19. Jahrhunderts erschienen in Frankreich Maler, die hauptsächlich auf dem Gebiet der nationalen Landschaft arbeiteten. Die Hauptrolle in der realistischen Landschaft gehört dazu Camille Corot (1796-1875).
Camille Corot
In dem Bestreben, ein realistisches verallgemeinertes Bild der Natur zu schaffen, versuchte Corot, seine Gefühle und Stimmungen darin auszudrücken. Der Künstler betrachtete das Hauptwerkzeug als das ruhige, diffuse und subtilste Licht bewölkter Tage. Er arbeitete viel an der Lichtübertragung im Bild, suchte nach vielen verschiedenen Schattierungen derselben Farbe, den sogenannten Valern, und versuchte, seine Landschaften zu beeindrucken.
Windstoß
Blick auf Riva. Italienisches Tirol Tivoli, Gärten der Villa d Este, nahe Rom, Italien
Realismus, Symbolik. Die Präsentation wird die Arbeit der französischen Künstler Courbet, Daumier, Millet kennenlernen.
Realismus in der französischen Malerei
Der Klassizismusstil, der bereits Ende des 18. Jahrhunderts in der Kunst der Aufklärung vorherrschte, wurde durch einen neuen Stil ersetzt, der das Ergebnis der Umwälzungen war, die durch die bürgerliche Revolution in Frankreich verursacht wurden, und der Enttäuschung in ihren Ergebnissen. Die Romantik wurde zu diesem Stil. Ich habe der Kunst der Romantik mehrere Anmerkungen gewidmet. Heute werden wir darüber reden realismus, die sich in den Tiefen der romantischen Kunst zu formen begann. Der französische Literaturkritiker Jules François Chanfleurie, der zuerst den Begriff "Realismus" verwendete, kontrastierte ihn mit Symbolik und Romantik. Die realistische künstlerische Ausrichtung wurde jedoch nicht zum absoluten Antagonisten der Romantik, sondern zu ihrer Fortsetzung.
Der französische Realismus, der nach einer wahrheitsgemäßen Reflexion der Realität strebte, stellte sich natürlich als mit der revolutionären Bewegung verbunden heraus und erhielt den Namen "kritischer Realismus". Der Appell an die Moderne in all ihren Erscheinungsformen, die Reproduktion typischer Zeichen unter typischen Umständen unter Berufung auf die entscheidende Zuverlässigkeit des Bildes ist die Hauptanforderung des Realismus.
"Die Kunst des Malens kann nichts anderes sein als das Bild von Objekten, die der Künstler sichtbar und greifbar macht ... ein realistischer Künstler muss die Sitten, Ideen und das Bild seiner Zeit vermitteln."
Gustave Courbet
Es ist unwahrscheinlich, dass ich über die Arbeit und das Schicksal von Gustave Courbet berichten kann, der oft als Gründer bezeichnet wird realismus in der französischen Malerei, besser als die Schöpfer film "Liberty Courbet" aus der Serie "My Pushkin"
In seiner Präsentation "Realismus in der französischen Malerei" Ich habe auch versucht, die Werke wundervoller französischer Künstler zu präsentieren Francois Millet und Honore Daumier... Für diejenigen, die sich für dieses Thema interessieren, möchte ich einen Blick auf die Website empfehlen Gallerix.ru
Wie immer klein liste der Bücher wo Sie über französischen Realismus und französische realistische Künstler lesen können:
- Enzyklopädie für Kinder. T.7. Kunst. Zweiter Teil. - M .: Avanta +, 2000.
- Beckett V. Geschichte der Malerei. - M .: OOO Astrel Verlag: OOO AST Verlag, 2003.
- Dmitrieva N.A. Eine kurze Kunstgeschichte. Ausgabe III: Länder Westeuropa XIX Jahrhundert; Russland des 19. Jahrhunderts. - M.: Art, 1992
- Emohonova L.G. Weltkunstkultur: Lehrbuch. Ein Leitfaden für Studenten. Mittwoch ped. Studie. Institutionen. - M.: Verlagszentrum "Academy", 1998.
- Lvova E.P., Sarabyanov D.V., Borisova E.A., Fomina N.N., Berezin V.V., Kabkova E.P., Nekrasova L.M. Weltkunst. XIX Jahrhundert. Bildende Kunst, Musik, Theater. - SPb .: Peter, 2007.
- Samin D.K. Einhundert große Künstler. - M.: Veche, 2004.
- Freeman J. Kunstgeschichte. - M.: "Astrel Publishing House", 2003.
Realistische Richtung in Kunst und Literatur des 19. Jahrhunderts.
Im 19. Jahrhundert beginnt sich die Gesellschaft schnell zu entwickeln. Neue Technologien tauchen auf, Medizin, chemische Industrie, Energietechnik und Verkehr entwickeln sich. Die Bevölkerung beginnt allmählich von alten Dörfern in Städte zu ziehen und strebt nach Komfort und modernem Leben.
Die kulturelle Sphäre konnte nur auf all diese Veränderungen reagieren. Schließlich begannen Veränderungen in der Gesellschaft - sowohl in wirtschaftlicher als auch in sozialer Hinsicht - neue Stile und künstlerische Richtungen zu schaffen. So wird Romantik durch einen großen Stiltrend ersetzt - Realismus. Im Gegensatz zu seinem Vorgänger nahm dieser Stil die Reflexion des Lebens in der Form an, in der es sich befindet, ohne Verschönerung und Verzerrung. Dieses Streben war in der Kunst nicht neu - es findet sich in der Antike, in der mittelalterlichen Folklore und im Zeitalter der Aufklärung.
Der Realismus findet seit dem Ende des 17. Jahrhunderts seinen klareren Ausdruck. Das zunehmende Bewusstsein von Menschen, die es satt haben, mit nicht existierenden Idealen zu leben, führt zu einer objektiven Reflexion - Realismus, was auf Französisch "materiell" bedeutet. Einige Tendenzen des Realismus sind in den Gemälden von Michelangelo Caravagg und Rembrandt erkennbar. Der Realismus wird jedoch erst im 19. Jahrhundert zur integralen Struktur der Lebensanschauungen. In dieser Zeit erreicht es seine Reife und erweitert seine Grenzen auf das gesamte europäische Territorium und natürlich auf Russland.
Der Held der realistischen Richtung wird zu einer Person, die die Vernunft verkörpert und versucht, die negativen Manifestationen des umgebenden Lebens zu beurteilen. In literarischen Werken werden soziale Widersprüche untersucht und das Leben benachteiligter Menschen zunehmend dargestellt. Daniel Defoe gilt als Begründer des europäischen realistischen Romans. Im Zentrum seiner Arbeiten steht der gute Anfang eines Menschen. Aber die Umstände können ihn verändern, er unterliegt äußeren Faktoren.
In Frankreich wurde Frederic Stendhal der Gründer einer neuen Richtung. Er schwamm buchstäblich gegen den Strom. In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts herrschte in der Kunst Romantik. Die Hauptfigur war der "außergewöhnliche Held". Und plötzlich hat Stendhal ein ganz anderes Bild. Seine Helden leben ihr Leben nicht nur in Paris, sondern auch in den Provinzen. Der Autor hat dem Leser bewiesen, dass die Beschreibung des Alltags, wahre menschliche Erfahrungen ohne Übertreibung und Verschönerung auf die Ebene der Kunst gebracht werden kann. G. Flaubert ging noch weiter. Er offenbart bereits den psychologischen Charakter des Helden. Dies erforderte eine absolut genaue Beschreibung der kleinsten Details, eine Darstellung der Außenseite des Lebens für eine detailliertere Übertragung seines Wesens. Guy de Maupassant wurde sein Anhänger in diese Richtung.
Autoren wie Ivan Krylov, Alexander Griboyedov und Alexander Puschkin standen an den Ursprüngen der Entwicklung des Realismus in der Kunst des 19. Jahrhunderts in Russland. Die ersten hellsten Elemente des Realismus erschienen bereits 1809 in der Debütsammlung von Fabeln von I.A. Krylov. Die Hauptsache all seiner Fabeln ist eine konkrete Tatsache. Daraus wird ein Charakter gebildet, diese oder jene Verhaltenssituation wird geboren, die durch die Verwendung etablierter Vorstellungen über die Natur tierischer Charaktere noch verstärkt wird. Dank des gewählten Genres zeigte Krylov lebhafte Widersprüche im modernen Leben - das Aufeinandertreffen der Starken und Schwachen, der Reichen und der Armen, das Verspotten von Beamten und Adligen.
In Griboyedovs Werk manifestiert sich Realismus in der Verwendung typischer Charaktere, die sich unter typischen Umständen befinden - das Hauptprinzip dieses Trends. Dank dieser Technik ist seine Komödie "Woe from Wit" heute relevant. Die Charaktere, die er in seinen Werken verwendet hat, sind immer zu finden.
Realist Puschkin präsentiert ein etwas anderes künstlerisches Konzept. Seine Figuren suchen nach Mustern im Leben und stützen sich dabei auf pädagogische Theorien und universelle menschliche Werte. Geschichte und Religion spielen in seinen Werken eine wichtige Rolle. Dies bringt seine Werke den Menschen und ihrem Charakter näher. Eine noch schärfere und tiefere Nationalität manifestierte sich in den Werken von Lermontov und Gogol und später in den Werken von Vertretern der "Naturschule".
Wenn wir über Malerei sprechen, war das Hauptmotto der realistischen Künstler des 19. Jahrhunderts eine objektive Darstellung der Realität. So begannen französische Künstler Mitte des 30. Jahrhunderts unter der Leitung von Theodore Rousseau, ländliche Landschaften zu malen. Es stellte sich heraus, dass die gewöhnlichste Natur ohne Verzierung ein einzigartiges Material für die Schöpfung werden kann. Ob es ein düsterer Tag ist, ein dunkler Himmel vor einem Gewitter, ein müder Pflüger - all dies ist eine Art Porträt des wirklichen Lebens.
Gustave Courbet, ein französischer Maler der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts, sorgte mit seinen Gemälden in bürgerlichen Kreisen für Ärger. Immerhin porträtierte er ein wahres Leben, was er um sich herum sah. Dies können Genreszenen, Porträts und Stillleben sein. Zu seinen bekanntesten Werken zählen "The Burial at Ornans", "Fire", "Deer by the Water" und die skandalösen Leinwände "The Origin of the World" und "Sleepers".
In Russland war P.A. der Begründer des Realismus in der Kunst des 19. Jahrhunderts. Fedotov (Matchmaking des Majors). In seinen Werken greift er auf Satire zurück, prangert bösartige Moral an und sympathisiert mit den Armen. Sein Erbe umfasst viele Cartoons und Porträts.
In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts wurde das Thema „Volksleben“ von I.Ye. Repin. In seinen berühmten Gemälden "Refusal of Confession" und "Barge Haulers on the Wolga" wird die grausame Ausbeutung des Volkes und der Protest, der sich unter den Massen zusammenbraut, aufgedeckt.
In der Arbeit von Schriftstellern und Künstlern gab es im 20. Jahrhundert weiterhin realistische Trends. Unter dem Einfluss neuer Zeiten begannen sie jedoch, andere, modernere Merkmale zu erwerben.
Französischer Realismus.
Realismus 30-40er Jahre
Realismus ist eine wahre, objektive Reflexion der Realität. Der Realismus entstand in Frankreich und England unter den Bedingungen des Triumphs der bürgerlichen Ordnung. Die sozialen Gegensätze und Mängel des kapitalistischen Systems bestimmten die scharf kritische Haltung realistischer Schriftsteller gegenüber diesem. Οʜᴎ denunzierte Geldraub, offensichtliche soziale Ungleichheit, Selbstsucht, Heuchelei. In seiner ideologischen Zweckmäßigkeit wird es zum kritischen Realismus. Zusammen mit den Ideen des Humanismus und der sozialen Gerechtigkeit. In Frankreich schuf Oporet de Balzac in den 30er und 40er Jahren seine realistischsten Werke, die die 95-bändige "Human Comedy" schrieben. Victor Hugo - "Kathedrale Notre Dame", "Dreiundneunzigstes Jahr", "Genehmigt" usw.
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Gustave Flaubert - "Madame Bovary", "Erziehung der Sinne", "Salammbo" Prosper Merimo - Meister der Kurzgeschichten "Mateo Falcone", "Colomba", "Carmen", Autor von Theaterstücken, historischen Chroniken "Chronik der Zeiten Karls 10" usw.
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In den 30er - 40er Jahren in England. Charles Dickens ist ein herausragender Satiriker und Humorist. Die Werke von "Dombie and Son", "Hard Times" und "Great Expectations" sind der Höhepunkt des Realismus. William Makepeace Thackeray zeigte im Roman "Vanity Fair" im historischen Werk "The Story of Henry Esmond", einer Sammlung satirischer Essays "The Book of Snobs", bildlich die Laster der bürgerlichen Gesellschaft. Im letzten Drittel des 19. Jahrhunderts. Die Literatur der skandinavischen Länder gewinnt weltweit an Ansehen. Dies sind vor allem Werke norwegischer Schriftsteller: Heinrich Ibsen - die Dramen "Puppenhaus" ("Nora"), "Geister", "Volksfeind" forderten die Emanzipation des Menschen von der scheinheiligen bürgerlichen Moral. Bjernson-Dramen "Bankruptcy", "Over Our Power" und Gedichte. Knut Hamsun - psychologische Romane "Hunger", "Mysteries", "Pan", "Victoria", die einen Persönlichkeitsaufstand gegen die philistische Umwelt darstellen.
Revolution von 1789ᴦ., Eine Zeit akuten politischen Kampfes. In Frankreich ändern sich fünf politische Regime: 1.) Zeitraum 1795 - 1799 des Verzeichnisses, 2.) Zeitraum 1799 - 1804 des Konsulats Napoleons. 3) 1804 - 1814 - die Zeit des napoleonischen Reiches und der Kriege. 4) 1815 - 1830 - die Zeit der Wiederherstellung. 5) 1830 - 1848 - die Zeit der Julimonarchie, 6) die Revolution von 1848, die Stärkung der Bourgeoisie. Der Realismus in Frankreich nahm theoretisch Gestalt an und das Wort. Die Literatur ist in zwei Stufen unterteilt: die von Balzac und Flaubert. I) 30 –Jahr unter Realismus bedeutet die Reproduktion verschiedener Naturphänomene. 40er Jahre, Realismus - die Installation des Bildes des modernen Lebens, das nicht nur auf Vorstellungskraft, sondern auch auf direkter Beobachtung beruht. Merkmale: 1) Analyse des Lebens, 2) das Prinzip der Typisierung wird bestätigt; 3) das Prinzip der Zyklisierung; 4) Orientierung an der Wissenschaft; 5) Manifestation des Psychologismus. Das Hauptgenre ist der Roman. II) 50er Jahreals Wendepunkt im Konzept des Realismus, der mit der Malerei von Courbet verbunden war, formulierten er und Chanfleury ein neues Programm. Prosa, Aufrichtigkeit, Objektivität im Beobachteten.
BERANGE Pierre-Jean - Französischer Songwriter. Die ersten bedeutenden Werke von B. in dieser Art sind seine Broschüren Napoleon I: "König Iveto", "Politische Abhandlung". Aber die Blütezeit von B. satire fällt auf die Ära der Restaurierung. Die Rückkehr der Bourbonen an die Macht und mit ihnen der Auswanderer-Aristokraten, die in den Jahren der Revolution nichts gelernt und nichts vergessen haben, ruft in B. eine lange Reihe von Liedern hervor, Broschüren, in denen das gesamte soziale und politische System der Ära eine brillante satirische Reflexion findet. Ihre Fortsetzung sind Flugschriftenlieder, gegen die gerichtet ist Louis Philippe als Vertreter der Finanzbourgeoisie auf dem Thron. In diesen Liedern, to-rye B. selbst Pfeile genannt, die auf den Thron geschossen wurden, erscheint die Kirche, die Bürokratie, die Bourgeoisie, der Dichter als politische Tribüne durch Poesie, die die Interessen der arbeitenden Bourgeoisie verteidigt, die in der Ära von B. eine revolutionäre Rolle spielte, die später schließlich an das Proletariat überging. B. ist während seiner Regierungszeit im Gegensatz zu Napoleon und behauptet den Kult seiner Erinnerung während der Bourbonen und Louis Philippes. In den Liedern dieses Zyklus wird Napoleon als Vertreter der mit den Massen verbundenen revolutionären Macht idealisiert. Die Hauptmotive dieses Zyklus: Glaube an die Kraft der Ideen, Freiheit als eine Art abstraktes Gut und nicht als reales Ergebnis des Klassenkampfes, der im Zusammenhang mit Gewalt äußerst wichtig ist ("Idee", "Denken"). In einem der Lieder in diesem Zyklus nennt B. seine Lehrer: Owen, La Fontaine, Fourier... Wir haben also einen Anhänger des utopischen vormarxistischen Sozialismus vor uns. Die erste Gedichtsammlung beraubt ihn der Gnade seiner Vorgesetzten an der Universität, wo er dann diente. Die zweite Sammlung bringt B. eine Strafverfolgung, die mit einer dreimonatigen Haftstrafe endet, weil sie Moral, Kirche und Könige beleidigt hat. Die vierte Sammlung führte zu einer zweiten Haftstrafe für den Autor, diesmal für 9 Monate. Trotzdem strömte B.'s Teilnahme am politischen Leben im eigentlichen Sinne des Wortes (wenn nicht um die revolutionäre Aktion der Lieder zu berühren) zum Beispiel in eher moderaten Formen aus.
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in Form der Unterstützung der Liberalen in der Revolution von 1830. In den letzten Jahren zog sich B. aus dem öffentlichen Leben zurück, ließ sich in der Nähe von Paris nieder, wechselte in seiner Arbeit von politischen zu sozialen Motiven und entwickelte sie im Geiste des Populismus (Ryzha Zhanna, Vagrant, Zhak usw.). ...
BALZAC, ONORE(Balzac, Honoré de) (1799-1850), französischer Schriftsteller, der ein vollständiges Bild des gesellschaftlichen Lebens seiner Zeit nachbildete. Der Versuch, im Verlags- und Druckgeschäft (1826-1828) ein Vermögen zu machen, führte Balzac zu hohen Schulden. Zurück zum Schreiben veröffentlichte er 1829 den Roman Letzter Shuang... Es war das erste Buch, das unter seinem eigenen Namen veröffentlicht wurde, zusammen mit einem humorvollen Handbuch für Ehemänner. Physiologie der Ehe 1829) machte sie die Öffentlichkeit auf den neuen Autor aufmerksam. Zur gleichen Zeit begann das Hauptwerk seines Lebens: 1830 das erste Private Szenen , ein zweifelloses Meisterwerk Haus einer Katze, die Ball spielt 1831 der erste Philosophische Geschichten und Geschichten ... Balzac arbeitete mehrere Jahre in Teilzeit als freiberuflicher Journalist. Die Hauptkräfte von 1830 bis 1848 waren jedoch einem umfangreichen Zyklus von Romanen und Geschichten gewidmet, die der Welt als bekannt sind Menschliche Komödie.1834 kam Balzac die Idee, gemeinsame Helden aus dem Jahr 1829 mit zukünftigen Werken zu verbinden und sie zu einem Epos zu kombinieren, das später "The Human Comedy" genannt wurde. Balzac verkörperte die Idee universeller Interdependenzen in der Welt und konzipierte eine umfassende künstlerische Untersuchung der französischen Gesellschaft und des französischen Menschen. Der philosophische Rahmen dieses künstlerischen Gebäudes ist der Materialismus des 18. Jahrhunderts, moderne naturwissenschaftliche Theorien von Balzac, besonders geschmolzene Elemente mystischer Lehren. Die menschliche Komödie besteht aus drei Abschnitten. I. Moralstudien: 1) Szenen des Privatlebens; 2) Szenen des Provinzlebens; 3) Szenen des Pariser Lebens; 4) Szenen des politischen Lebens; 5) Szenen des Militärlebens; 6) Szenen des ländlichen Lebens. II. Philosophische Studien. III. Analytische Studien. Es sind sozusagen drei Kreise einer Spirale, die von Fakten zu Ursachen und Grundlagen aufsteigen (siehe das Vorwort zur menschlichen Komödie, Sobr.
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cit., Bd. 1, M., 1960). Die "Human Comedy" umfasst 90 Werke. Balzac ber war der erste große Schriftsteller, der dem materiellen Hintergrund und dem "Aussehen" seiner Figuren große Aufmerksamkeit schenkte. Vor ihm hatte niemand Geldraub und rücksichtslosen Karrierismus als die Hauptanreize im Leben dargestellt. Gobseck 1830), in Unbekanntes Meisterwerk (1831), Evgenia Grande, Briefe an einen Fremden über die Liebe zum polnischen Dekanter.
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In den 1830-1840er Jahren, insbesondere in den Werken von Balzac, manifestieren sich die charakteristischen Merkmale des Realismus. Realisten sehen ihre Hauptaufgabe in der künstlerischen Reproduktion der Realität, in der Kenntnis der Gesetze, die ihre Dialektik und Formenvielfalt bestimmen.
"Der Historiker selbst musste die französische Gesellschaft sein, ich konnte nur ihr Sekretär sein", betonte Balzac im Vorwort zu The Human Comedy und proklamierte das Prinzip der Objektivität bei der Darstellung der Realität als wichtigstes Prinzip realistischer Kunst. Gleichzeitig bemerkt der große Schriftsteller: "Die Aufgabe der Kunst ist es nicht, die Natur zu kopieren, sondern sie auszudrücken!" In der Tat als eine Kunst, die ein facettenreiches Bild der Realität vermittelt; Der Realismus beschränkt sich keineswegs auf die moralische Beschreibung und Beschreibung des Alltags. Zu seinen Aufgaben gehört auch die analytische Untersuchung der objektiven Lebensgesetze - historisch, sozial, ethisch, psychologisch - sowie eine kritische Bewertung des modernen Menschen und der Gesellschaft einerseits und die Identifizierung eines positiven Anfangs in der lebendigen Realität andererseits ...
Eines der Schlüsselpostulate des Realismus - die Behauptung der Prinzipien der realistischen Typisierung und ihres theoretischen Verständnisses - ist auch in erster Linie mit der französischen Literatur verbunden, mit der Arbeit von Balzac. Das von Balzac eingeführte Prinzip der Zyklisierung war auch in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts innovativ und für das Schicksal des Realismus im Allgemeinen von Bedeutung. Die menschliche Komödie ist die erste Erfahrung, eine Reihe von Romanen und Geschichten zu schaffen, die durch eine komplexe Kette von Ursachen und Wirkungen und das Schicksal von Charakteren verbunden sind und jedes Mal in einem neuen Stadium ihres Schicksals sowie ihrer moralischen und psychologischen Entwicklung auftreten. Die Zyklisierung reagierte auf den Wunsch des Realismus nach einer umfassenden, analytischen und systemischen künstlerischen Untersuchung der Realität.
Bereits in Balzacs Ästhetik zeigt sich eine Ausrichtung auf die Wissenschaft, vor allem auf die Biologie. Dieser Trend entwickelt sich in der Arbeit von Flaubert weiter, der versucht, die Prinzipien der wissenschaftlichen Forschung im modernen Roman anzuwenden. So manifestiert sich die für die positivistische Ästhetik charakteristische "wissenschaftliche" Haltung in der künstlerischen Praxis der Realisten, lange bevor sie zur führenden im Naturalismus wird. Aber sowohl Balzacs als auch Flauberts Streben nach "wissenschaftlichem" ist frei von der Tendenz der Naturforscher, Naturgesetze und ihre Rolle im Leben der Gesellschaft zu absolutieren.
Die starke und helle Seite des Realismus in Frankreich ist der Psychologismus, in dem die romantische Tradition tiefer und vielfältiger erscheint. Das Spektrum der kausalen Motivationen von Psychologie, Charakter und menschlichem Handeln, die letztendlich sein Schicksal bilden, in der Literatur des Realismus erweitert sich erheblich, wobei der historische und soziale Determinismus sowie das persönliche und individuelle Prinzip gleichermaßen betont werden. Dadurch wird die größte Zuverlässigkeit der psychologischen Analyse erreicht.
Das führende Genre des Realismus in Frankreich wie auch in anderen Ländern wird zum Roman in seiner Vielfalt: moralisch beschreibend, sozialpsychologisch, psychologisch, philosophisch, fantastisch, abenteuerlich, historisch.
Neue Themen spiegeln sich in der Arbeit der Realisten wider: die Entwicklung der modernen Gesellschaft, die Entstehung neuer Typen und Beziehungen, neue Moral und neue ästhetische Ansichten. Diese Themen sind in den Werken von Stendhal, Balzac und Mérimée enthalten. Die nationale Identität des französischen Realismus spiegelte sich in dem Wunsch dieser Schriftsteller wider, die Essenz der reichen sozialen Erfahrung zu verstehen, die die französische Gesellschaft in der turbulenten Zeit, die mit der Revolution von 1789 begann und zu Lebzeiten der Schriftsteller fortgesetzt wurde, gesammelt hatte.
Bewaffnet nicht nur mit ihrem Talent, sondern auch mit einem tiefen Wissen über die Realität, schufen die Realisten ein gigantisches Panorama des französischen Lebens und zeigten es in Bewegung. Die Werke von Stendhal, Balzac, Mérimée und Beranger zeugten davon, dass sich der französische Adel im Laufe des historischen Prozesses dem völligen Niedergang näherte. Die Realisten sahen auch die Regelmäßigkeit der Entstehung neuer Meister des Lebens - Vertreter der Bourgeoisie, die sie in den Bildern von Valno oder Gobsek brandmarkten.
Die Merkmale des entstehenden Realismus manifestieren sich sofort auf unterschiedliche Weise in den Werken verschiedener Schriftsteller. Trotz der Tatsache, dass die Problematik der Werke von Balzac und Stendhal in vielerlei Hinsicht ähnlich ist, unterscheiden sich die individuellen Merkmale ihrer kreativen Methode erheblich: Stendhal ist vor allem ein Meister des psychologischen Romans, der sich bemüht, die innere Welt des Einzelnen tief zu erforschen. Balzac schafft eine riesige Leinwand französischer Realität, eine ganze Welt, in der viele Figuren leben.
Sowohl Stendhal als auch Balzac haben Historismus. Durch ihre Arbeiten geht die Idee dahin, dass sich die Gesellschaft in einem Zustand ständigen Wandels befindet, und sie suchen nach den Gründen für diese Entwicklung. Der Historismus ist auch Merima inhärent. Für ihn ist das Leben in der Gesellschaft eine ständige Veränderung des Gleichgewichts der sozialen Kräfte, die den menschlichen Charakter beeinflusst. In einigen seiner Werke zeigt Merimee seine Zeitgenossen, die von der bürgerlichen Gesellschaft entstellt und korrumpiert wurden ("Double Error", "Etruscan Vase" usw.).
Alle oben genannten Merkmale des französischen Realismus zeigten sich bereits in den 1830er bis 40er Jahren, vor allem in den Werken von Balzac und Stendhal. Die grundlegende Neuheit des Realismus als künstlerische Methode wird von den damaligen Schriftstellern und Kritikern jedoch noch wenig verstanden. Stendhals theoretische Aufführungen (einschließlich Racine und Shakespeare, Walter Scott und The Princess of Cleves) entsprechen voll und ganz dem Kampf um die Romantik. Obwohl Balzac die grundlegende Neuheit der Methode der menschlichen Komödie spürt, gibt er ihr keine konkrete Definition. In seinen kritischen Arbeiten trennt er sich von Stendhal und Mérimée und erkennt gleichzeitig die Nähe, die ihn mit diesen Schriftstellern verbindet. In seiner "Study of Bale" (1840) versucht Balzac, die Phänomene der zeitgenössischen Literatur zu klassifizieren, verweist sich aber gleichzeitig (auf die "Eklektik") und Stendhal (auf die "Literatur der Ideen") auf unterschiedliche Strömungen. Für die "Schule der Ideen" betrachtete Balzac einen analytischen Anfang, der darauf abzielte, komplexe Kollisionen der inneren Welt als charakteristisch aufzudecken. Mit der "eklektischen Schule" meinte er Kunst und strebte eine breite epische Berichterstattung über die Realität und soziale Verallgemeinerungen an, die in der Vielzahl von Typen enthalten sind, die von Künstlern auf der Grundlage von Lebensbeobachtungen geschaffen wurden. Selbst ein so maßgeblicher Kritiker des 19. Jahrhunderts wie Sainte-Beuve verzichtet in seinem Artikel "Zehn Jahre später in der Literatur" (1840) auf den Begriff "Realismus", und in "The Human Comedy" sieht er nur eine Manifestation exzessiver und verwerflicher Wahrhaftigkeit, indem er seinen Autor mit "vergleicht". ein Arzt, der die beschämenden Krankheiten seiner Patienten unbescheiden preisgibt. " Der Kritiker behandelt Stendhals Werke mit der gleichen Oberflächlichkeit. Und erst mit dem Aufkommen von "Madame Bovary" (1857) erklärt Flaubert Saint-Beuve: "... ich scheine die Zeichen neuer Literatur zu erkennen, Merkmale, die offenbar für Vertreter neuer Generationen charakteristisch sind" ("Madame Bovary" von Gustave) Flaubert (1857).
All dies deutet darauf hin, dass die Bildung des theoretischen Konzepts einer neuen künstlerischen Methode in der ersten Phase ihrer Entwicklung weit hinter der Praxis zurückbleibt. Im Allgemeinen ist die erste Stufe des französischen Realismus die Schaffung einer neuen Methode, deren theoretische Begründung etwas später beginnen wird.
Die wachsende kritische Tendenz in der französischen Literatur verlief aufsteigend und verstärkte sich, als die anti-populäre Essenz der bürgerlichen Monarchie von Louis Philippe enthüllt wurde. Als Beweis dafür erschienen in der zweiten Hälfte der 30er Jahre Balzacs Lost Illusions, die dem Thema der Desillusionierung von der bürgerlichen Realität gewidmet waren.
In Frankreich erhielt die realistische Ästhetik eine ausgeprägtere theoretische Formulierung als in anderen Ländern, und das Wort "Realismus" selbst wurde zuerst als Ausdruck eines Komplexes künstlerischer Prinzipien verwendet, dessen Anhänger so etwas wie eine Schule schufen.
Wie bereits erwähnt, taucht der Begriff "Realismus" bereits in den 1820er Jahren auf den Seiten französischer Magazine auf, doch erst in den 1840er Jahren wird dieses Wort von der negativen bewertenden Bedeutung befreit. Tiefgreifende Änderungen in der Einstellung zum Konzept des "Realismus" werden etwas später, Mitte der 1950er Jahre, auftreten und mit den Aktivitäten von J. Chanfleurie und L. E. Duranty und ihren Mitarbeitern in Verbindung gebracht.
Es sei darauf hingewiesen, dass der Weg der frühen französischen Realisten alles andere als glatt war. Die bürgerliche Gesellschaft verfolgte und verfolgte diejenigen, die die Wahrheit darüber geschrieben hatten. Die Biografien von Beranger, Stendhal, Balzac sind reich an Fakten, die bezeugen, wie geschickt die bürgerlichen Regierungskreise die verschiedensten Mittel eingesetzt haben, um die Schriftsteller loszuwerden, die sie nicht mochten. Beranger wurde wegen seiner Arbeiten vor Gericht gestellt. Zu seinen Lebzeiten war Stendhal fast unbekannt, Balzac, im Ausland weithin bekannt, starb, ohne in Frankreich eine angemessene Anerkennung zu erhalten. Merimees Dienstkarriere war recht erfolgreich, aber er wurde auch erst nach seinem Tod als Schriftsteller bewertet.
Die 1830er und 40er Jahre waren eine wichtige Periode in der Geschichte Frankreichs und seiner Literatur. Am Ende dieser Periode, dh am Vorabend der Revolution von 1848, war bereits klar geworden, dass das Wesentlichste, das Neueste in der reichen literarischen Erfahrung der 30er und 40er Jahre mit dem realistischen Trend verbunden ist, dessen Vertreter die lebendigsten und wahrheitsgetreuesten Bilder des französischen Lebens schaffen konnten zwischen den beiden Revolutionen eine solide Grundlage für die Weiterentwicklung der nationalen französischen Literatur zu legen.
Die französische Kunstschule um die Wende vom 17. zum 18. Jahrhundert kann als die führende europäische Schule bezeichnet werden. In Frankreich entstanden zu dieser Zeit Kunststile wie Rokoko, Romantik, Klassizismus, Realismus, Impressionismus und Postimpressionismus.
Rokoko (Französisches Rokoko aus Rocaille - ein dekoratives Motiv in Form einer Muschel) - ein Stil der europäischen Kunst der 1. Hälfte des 18. Jahrhunderts. Das Rokoko ist geprägt von Hedonismus, einem Rückzug in die Welt des idyllischen Theaterstücks, einer Sucht nach pastoralen und sinnlich erotischen Themen. Der Charakter des Rokoko-Dekors erhielt nachdrücklich anmutige, raffiniert komplizierte Formen.François Boucher, Antoine Watteau und Jean Honore Fragonard arbeiteten im Rokoko-Stil.
Klassizismus - Stil in der europäischen Kunst des 17. - frühen 19. Jahrhunderts, dessen charakteristisches Merkmal die Berufung auf die Formen der antiken Kunst als idealen ästhetischen und ethischen Standard war.Jean Baptiste Greuze, Nicolas Poussin, Jean Baptiste Chardin, Jean Dominique Ingres und Jacques-Louis David arbeiteten im Stil des Klassizismus.
Romantik - der Stil der europäischen Kunst im 18.-19. Jahrhundert, dessen charakteristische Merkmale die Behauptung des inneren Wertes des geistigen und kreativen Lebens des Einzelnen, das Bild starker und oft rebellischer Leidenschaften und Charaktere waren.Francisco de Goya, Eugene Delacroix, Theodore Gericault und William Blake arbeiteten im Stil der Romantik.
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Edouard Manet. Frühstück in der Werkstatt. 1868 g. |
Die Geburt des Realismus in der Malerei wird am häufigsten mit der Arbeit des französischen Künstlers Gustave Courbet in Verbindung gebracht, der 1855 in Paris seine persönliche Ausstellung "Der Pavillon des Realismus" eröffnete, obwohl die Künstler der Barbizon-Schule Theodore Rousseau, Jean-Francois Millet und Jules Breton bereits vor ihm realistisch arbeiteten ... In den 1870er Jahren. Der Realismus wurde in zwei Hauptbereiche unterteilt - Naturalismus und Impressionismus.
Realistische Malerei ist auf der ganzen Welt verbreitet. Die Wanderer arbeiteten im 19. Jahrhundert im realistischen Stil einer akuten sozialen Orientierung in Russland.
Impressionismus (aus dem französischen Eindruck - Eindruck) - ein Stil in der Kunst des letzten Drittels des 19. - frühen 20. Jahrhunderts, dessen charakteristisches Merkmal der Wunsch war, die reale Welt auf natürliche Weise in ihrer Mobilität und Variabilität einzufangen, um ihre flüchtigen Eindrücke zu vermitteln. Der Impressionismus warf keine philosophischen Fragen auf, sondern konzentrierte sich auf die Fließfähigkeit des Augenblicks, die Stimmung und die Beleuchtung. Das Leben selbst wird zum Thema der Impressionisten, wie eine Schlange kleiner Feiertage, Partys, angenehmer Picknicks in der Natur in einer freundlichen Umgebung. Die Impressionisten waren eine der ersten, die unter freiem Himmel malten, ohne ihre Arbeit im Studio abzuschließen.Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Georges Seurat, Alfred Sisley und andere arbeiteten im Stil des Impressionismus.
Post-Impressionismus - ein Kunststil, der Ende des 19. Jahrhunderts entstand. Die Postimpressionisten bemühten sich, die Materialität der Welt frei und allgemein zu vermitteln, und griffen auf dekorative Stilisierung zurück.Der Postimpressionismus brachte Bereiche der Kunst wie Expressionismus, Symbolik und Moderne hervor.
Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cezanne und Toulouse-Lautrec arbeiteten im Stil des Postimpressionismus.
Schauen wir uns den Impressionismus und den Postimpressionismus am Beispiel der Arbeit einzelner Meister Frankreichs im 19. Jahrhundert genauer an.
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Edgar Degas. Selbstporträt. 1854-1855 |
Ausgehend von der strengen Komposition historischer Gemälde und Porträts kam Degas in den 1870er Jahren den Vertretern des Impressionismus nahe und wandte sich der Darstellung des modernen städtischen Lebens zu - Straßen, Cafés, Theateraufführungen.
In Degas 'Gemälden werden eine dynamische, oft asymmetrische Komposition, präzises flexibles Zeichnen, unerwartete Winkel und die Aktivität der Interaktion zwischen Figur und Raum sorgfältig durchdacht und verifiziert.
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E. Degas. Bad. 1885 g. |
Die bevorzugte Pastelltechnik ermöglichte es Edgar Degas, sein Talent als Zeichner voll zur Geltung zu bringen. Gesättigte Töne und "schimmernde" Pastellstriche halfen dem Künstler, diese besondere farbenfrohe Atmosphäre zu schaffen, diese schillernde Luftigkeit, die alle seine Werke auszeichnet.
In seinen reifen Jahren wendet sich Degas häufig dem Thema Ballett zu. Zerbrechliche und schwerelose Figuren von Ballerinas erscheinen vor dem Betrachter entweder in der Dämmerung des Tanzunterrichts oder im Licht der Scheinwerfer auf der Bühne oder in kurzen Momenten der Entspannung. Die scheinbare Zufälligkeit der Komposition und die unparteiische Position des Autors erwecken den Eindruck eines Spions im Leben eines anderen. Der Künstler zeigt uns die Welt der Anmut und Schönheit, ohne in übermäßige Sentimentalität zu verfallen.
Edgar Degas kann als subtiler Kolorist bezeichnet werden. Seine Pastelle sind überraschend harmonisch, manchmal zart und leicht, manchmal auf scharfen Farbkontrasten aufgebaut. Degas 'Art war bemerkenswert für seine Freiheit. Er trug Pastellfarben mit kräftigen, gebrochenen Strichen auf, wobei manchmal der Ton des Papiers durch das Pastell hindurch sichtbar wurde, oder fügte Striche mit Öl oder Aquarell hinzu. Farbe in Degas 'Gemälden entsteht durch eine schillernde Ausstrahlung, durch einen Strom von Regenbogenlinien, die die Form hervorbringen.
Degas 'spätere Arbeiten zeichnen sich durch die Intensität und den Farbreichtum aus, die durch künstliche Beleuchtung, vergrößerte, fast flache Formen und die Enge des Raums ergänzt werden, was ihnen einen angespannten dramatischen Charakter verleiht. Darin
periode Degas schrieb eines seiner besten Werke - "Blue Dancers". Der Künstler arbeitet hier mit großen Farbflecken, wobei der dekorativen Organisation der Oberfläche des Gemäldes Vorrang eingeräumt wird. In Bezug auf die Schönheit der Farbharmonie und der kompositorischen Lösung kann das Gemälde "Blue Dancers" als die beste Verkörperung des Themas des Balletts von Degas angesehen werden, der in diesem Gemälde den ultimativen Reichtum an Textur- und Farbkombinationen erreicht hat.
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P. O. Renoir. Selbstporträt. 1875 g. |
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P. O. Renoir. Planschbecken. 1869 g. |
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P. O. Renoir. Porträt der Schauspielerin Jeanne Samary. 1877 g. |
Es sollte beachtet werden, dass die Verwendung von Grün-, Gelb-, Ocker-, Rosa- und Rottönen zur Darstellung der Haut die damalige Öffentlichkeit schockierte, unvorbereitet für die Wahrnehmung der Tatsache, dass Schatten gefärbt und mit Licht gefüllt werden sollten.
In den 1880er Jahren beginnt die sogenannte "Ingres-Zeit" in der Arbeit von Renoir. Die meisten berühmte Arbeit diese Zeit - "Big Bathers". Um eine Komposition zu erstellen, begann Renoir zunächst, Skizzen und Skizzen zu verwenden, die Linien der Zeichnung wurden klar und eindeutig, die Farben verloren ihre vorherige Helligkeit und Sättigung, das Gemälde als Ganzes sah zurückhaltender und kälter aus.
In den frühen 1890er Jahren fanden neue Veränderungen in der Kunst von Renoir statt. Auf malerische Weise tritt ein Schillern der Farbe auf, weshalb diese Periode manchmal als "Perlglanz" bezeichnet wird, dann weicht diese Periode "Rot", das so genannt wird, weil es Rottöne und Rosatöne bevorzugt.
Eugene Henri Paul Gauguin (Lebensjahre 1848-1903) - Französischer Maler, Bildhauer und Grafiker. Zusammen mit Cezanne und Van Gogh war er der größte Vertreter des Postimpressionismus. Er begann im Erwachsenenalter zu malen, die frühe Phase der Kreativität ist mit Impressionismus verbunden. Die besten Werke von Gauguin wurden auf den Inseln Tahiti und Hiva-Oa in Ozeanien geschrieben, wo Gauguin die "bösartige Zivilisation" verließ. Die charakteristischen Merkmale von Gauguins Stil lassen sich auf die Schaffung statischer und kontrastierender Kompositionen in Farbe auf großen flachen Leinwänden zurückführen, die tief emotional und gleichzeitig dekorativ sind.In The Yellow Christ zeigte Gauguin die Kreuzigung vor dem Hintergrund einer typischen französischen ländlichen Landschaft, dem leidenden Jesus, umgeben von drei bretonischen Bäuerinnen. Die in der Luft verschüttete Befriedung, die ruhige, unterwürfige Haltung der Frauen, eine von sonniger gelber Farbe gesättigte Landschaft mit Bäumen in rotem Herbstlaub, ein Bauer, der in der Ferne mit seinen eigenen Angelegenheiten beschäftigt ist, können nur in Konflikt mit dem geraten, was am Kreuz geschieht. Die Umgebung steht in scharfem Kontrast zu Jesus, auf dessen Gesicht das Stadium des Leidens gezeigt wird, das an Apathie und Gleichgültigkeit gegenüber allem um ihn herum grenzt. Der Widerspruch zu der von Christus akzeptierten grenzenlosen Qual und der "Unsichtbarkeit" dieses Opfers durch die Menschen ist das Hauptthema dieser Arbeit von Gauguin.
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P. Gauguin. Bist du neidisch? 1892 g. |
am Ufer haben zwei Schwestern - sie haben gerade gebadet, und jetzt sind ihre Körper in ungezwungenen, üppigen Stellungen auf dem Sand ausgebreitet - über Liebe gesprochen. Eine Erinnerung führt zu Streit: „Wie? Bist du eifersüchtig!".
Gauguin malte die üppige Vollblutschönheit der tropischen Natur, natürliche Menschen, die von der Zivilisation unberührt sind, und porträtierte einen utopischen Traum von einem irdischen Paradies, von menschlichem Leben im Einklang mit der Natur. Gauguins polynesische Leinwände ähneln in Bezug auf dekorative Farbe, Ebenheit und Monumentalität der Komposition sowie Verallgemeinerung der stilisierten Zeichnung Tafeln.
P. Gauguin. Woher kommen wir? Wer sind wir? Wohin gehen wir? 1897-1898
Das Bild „Woher kommen wir? Wer sind wir? Wohin gehen wir?" Gauguin betrachtete den erhabenen Höhepunkt seiner Überlegungen. Nach der Idee des Künstlers sollte das Gemälde von rechts nach links gelesen werden: Drei Hauptgruppen von Figuren veranschaulichen die im Titel gestellten Fragen. Die Gruppe von Frauen mit einem Kind auf der rechten Seite des Bildes repräsentiert den Beginn des Lebens; Die mittlere Gruppe symbolisiert die tägliche Existenz der Reife. in der extrem linken Gruppe stellte Gauguin das menschliche Alter dar, die Annäherung an den Tod; Das blaue Idol im Hintergrund symbolisiert die andere Welt. Dieses Gemälde ist der Höhepunkt von Gauguins bahnbrechendem postimpressionistischen Stil; In seinem Stil wurden ein klarer Einsatz von Farben, dekorative Farben und kompositorische Lösungen, Flachheit und Monumentalität von Bildern mit emotionaler Ausdruckskraft kombiniert.
Gauguins Werk nahm viele Merkmale des Jugendstils vorweg, die in dieser Zeit entstanden, und beeinflusste die Bildung der Meister der Nabis-Gruppe und anderer Maler des frühen 20. Jahrhunderts.
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V. Van Gogh. Selbstporträt. 1889 g. |
1888 zog Van Gogh nach Arles, wo schließlich die Originalität seiner kreativen Art festgestellt wurde. Ein feuriges künstlerisches Temperament, ein schmerzhafter Impuls für Harmonie, Schönheit und Glück und gleichzeitig die Angst vor menschenfeindlichen Kräften verkörpern sich entweder in Landschaften mit sonnigen Farben des Südens ("Das Gelbe Haus", "Ernte. La Cro-Tal") oder in bedrohlichen Bilder, die an einen Albtraum erinnern ("Night Cafe Terrace"); Dynamik von Farbe und Abstrich
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V. Van Gogh. Nachtcafé Terrasse. 1888 g. |
Van Goghs anstrengende Arbeit in den letzten Jahren wurde von psychischen Erkrankungen begleitet, die ihn in ein Krankenhaus für psychisch Kranke in Arles führten, dann nach Saint-Remy (1889-1890) und nach Auvers-sur-Oise (1890), wo er Selbstmord beging. Das Werk der letzten zwei Lebensjahre des Künstlers ist geprägt von ekstatischer Besessenheit, extrem gesteigertem Ausdruck von Farbkombinationen, plötzlichen Stimmungsschwankungen - von rasender Verzweiflung und düsterem Visionär („Der Weg mit Zypressen und Sternen“) bis zu dem zitternden Gefühl von Erleuchtung und Frieden („Landschaft in Auvers nach dem Regen“). ...
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V. Van Gogh. Iris. 1889 g. |
V. Van Gogh. Weizenfeld mit Krähen. 1890 g.
"Weizenfeld mit Krähen" ist ein Gemälde von Van Gogh, das der Künstler im Juli 1890 gemalt hat und eines seiner berühmtesten Werke ist. Das Gemälde wurde angeblich am 10. Juli 1890, 19 Tage vor seinem Tod in Auvers-sur-Oise, fertiggestellt. Es gibt eine Version, in der Van Gogh Selbstmord begangen hat, als er dieses Bild gemalt hat (nachdem er mit Zeichenmaterialien an die frische Luft gegangen war, schoss er sich aus einer Pistole, die er gekauft hatte, um Vogelschwärme im Herzbereich abzuschrecken, und erreichte dann unabhängig das Krankenhaus, wo er an Verlust starb Blut).
Die Kunst Frankreichs, eines stark politisierten Landes, reagierte ausnahmslos auf Ereignisse, die die tiefen Grundlagen der Weltordnung betrafen. Daher das Land im 19. Jahrhundert. Überlebte den Untergang des Reiches, die Wiederherstellung der Bourbonen, zwei Revolutionen, die an vielen Kriegen teilnahmen, brauchten keine künstlerische Darstellung der Macht mehr. Die Leute wollten sehen und Meister, um Leinwände zu schaffen, die von Zeitgenossen bevölkert sind und unter realen Umständen handeln. Das Werk des großen Künstlers Honore Daumier (1808 - 1879) spiegelte die Ära des 19. Jahrhunderts wider, die von sozialen Umwälzungen gesättigt war. Die Grafiken von Daumier, einem Meister der politischen Karikatur, der die Monarchie, die soziale Ungerechtigkeit und den Militarismus anprangerte, wurden weithin bekannt und zu einer Art Chronik des Lebens und der Bräuche dieser Zeit. Daumiers künstlerisches Talent wurde in den 1840er Jahren offenbart. Der Künstler selbst wollte seine Bilder nicht ausstellen. Seine Leinwände wurden nur von wenigen nahen Menschen gesehen - Delacroix und Baudelaire, Corot und Daubigny, Balzac und Michelet. Sie waren die ersten, die Daumiers Bildtalent, das oft als "skulptural" bezeichnet wird, hoch schätzten. Um seine Kreationen zu perfektionieren, modellierte der Künstler häufig Figuren aus Ton, um charakteristische Merkmale zu verbessern oder natürliche Proportionen zu übertreiben. Dann nahm er einen Pinsel und schuf mit dieser "Natur" malerische Bilder. In Daumiers Gemälde werden normalerweise grotesk-satirische, lyrische, heroische, epische Linien unterschieden.
Seit dem Ende des 18. Jahrhunderts. Frankreich spielte eine wichtige Rolle im sozialen und politischen Leben Westeuropas. XIX Jahrhundert. gekennzeichnet durch eine breite demokratische Bewegung, die fast alle Schichten der französischen Gesellschaft umfasste. Auf die Revolution von 1830 folgte die Revolution von 1848. 1871 unternahm das Volk, das die Pariser Kommune proklamierte, den ersten Versuch in der Geschichte Frankreichs und ganz Westeuropas, die politische Macht im Staat zu übernehmen.
Die kritische Situation, die sich im Land entwickelt hat, konnte die Haltung der Menschen nur beeinflussen. In dieser Zeit sucht die fortschrittliche französische Intelligenz nach neuen Wegen in der Kunst und nach neuen Formen des künstlerischen Ausdrucks. Deshalb wurden in der französischen Malerei viel früher realistische Tendenzen aufgedeckt als in anderen westeuropäischen Ländern.
Die Revolution von 1830 erweckte in Frankreich demokratische Freiheiten zum Leben, die Grafiker unweigerlich ausnutzten. Scharfe politische Karikaturen gegen die herrschenden Kreise sowie die in der Gesellschaft vorherrschenden Laster füllten die Seiten der Magazine "Sharivari", "Caricature". Abbildungen für Zeitschriften wurden mit der Technik der Lithographie gemacht. Im Genre der Karikaturen arbeiteten Künstler wie A. Monier, N. Charlet, J. I. Granville sowie der bemerkenswerte französische Grafiker O. Daumier.
Eine wichtige Rolle in der französischen Kunst in der Zeit zwischen den Revolutionen von 1830 und 1848 spielte der realistische Trend in der Landschaftsmalerei - die sogenannte. Barbizon Schule. Dieser Begriff stammt vom Namen des kleinen malerischen Dorfes Barbizon in der Nähe von Paris, wo in den 1830-1840er Jahren. Viele französische Künstler kamen, um die Natur zu studieren. Unzufrieden mit den Traditionen der akademischen Kunst, ohne lebendige Konkretheit und nationale Identität, strebten sie nach Barbizon, wo sie bei sorgfältiger Prüfung aller Veränderungen in der Natur Bilder malten, die bescheidene Ecken der französischen Natur darstellen.
Obwohl sich die Werke der Meister der Barbizon-Schule durch ihre Wahrhaftigkeit und Objektivität auszeichnen, sind die Stimmung des Autors, seine Emotionen und Gefühle immer in ihnen zu spüren. Die Natur in den Landschaften der Barbizon scheint nicht majestätisch und distanziert zu sein, sie ist dem Menschen nahe und verständlich.
Oft malten Künstler denselben Ort (Wald, Fluss, Teich) zu verschiedenen Tageszeiten und unter verschiedenen Wetterbedingungen. Sie verarbeiteten Skizzen, die in der Werkstatt unter freiem Himmel angefertigt wurden, und schufen ein Bild, das ein wesentlicher Bestandteil der kompositorischen Konstruktion war. Sehr oft verschwand im fertigen Gemälde die Frische der den Skizzen innewohnenden Farben, weshalb die Leinwände vieler Barbizonianer durch eine dunkle Farbe gekennzeichnet waren.
Der größte Vertreter der Barbizon-Schule war Theodore Rousseau, der sich bereits als berühmter Landschaftsmaler von der akademischen Malerei zurückzog und nach Barbizon kam. Rousseau protestiert gegen die barbarische Entwaldung und verleiht der Natur menschliche Qualitäten. Er selbst sagte, er höre die Stimmen der Bäume und verstehe sie. Als ausgezeichneter Kenner des Waldes vermittelt der Künstler die Struktur, Art und Größe jedes Baumes sehr genau ("Forest of Fontainebleau", 1848-1850; "Oaks in Agremont", 1852). Gleichzeitig zeigen Rousseaus Arbeiten, dass der Künstler, dessen Stil unter dem Einfluss der akademischen Kunst und der Malerei der alten Meister entstanden war, das Problem der Vermittlung einer Licht-Luft-Umgebung nicht lösen konnte, egal wie sehr er sich bemühte. Daher sind Licht und Farbe in seinen Landschaften meistens bedingt.
Rousseaus Kunst hat junge französische Künstler stark beeinflusst. Vertreter der Akademie, die an der Auswahl der Gemälde für die Salons beteiligt waren, versuchten, Rousseau daran zu hindern, auf Ausstellungen zu arbeiten.
Berühmte Meister der Barbizon-Schule waren Jules Dupre, dessen Landschaften Merkmale romantischer Kunst enthalten (The Big Oak, 1844-1855; Landschaft mit Kühen, 1850), und Narcis Diaz, der den Wald von Fontainebleau mit nackten Figuren von Nymphen und alten Göttinnen (Venus) bewohnte mit Amor ", 1851).
Charles Daubigny, der seine Karriere mit Illustrationen begann, war ein Vertreter der jüngeren Generation der Barbizonianer, jedoch in den 1840er Jahren. der Landschaft gewidmet. Seine lyrischen Landschaften, die unscheinbaren Ecken der Natur gewidmet sind, sind voller Sonnenlicht und Luft. Sehr oft malte Daubigny nicht nur Skizzen aus der Natur, sondern auch fertige Gemälde. Er baute eine Bootswerkstatt, auf der er den Fluss entlang segelte und an den attraktivsten Orten anhielt.
Der größte französische Künstler des 19. Jahrhunderts steht den Barbizon nahe. K. Corot.
Jean Baptiste Camille Corot
Camille Corot - französischer Maler und Grafiker, Meister des Porträts und der Landschaft, ist einer der Gründer der französischen Landschaftsschule des 19. Jahrhunderts.
Er wurde 1796 in Paris geboren und studierte bei A. Mishallon und J. V. Bertin - akademischen Künstlern. Zunächst hielt er an dem allgemein anerkannten Standpunkt fest, dass hohe Kunst nur eine Landschaft mit einer historischen Handlung ist, die hauptsächlich aus der alten Geschichte oder Mythologie stammt. Nach seinem Besuch in Italien (1825) änderten sich seine Ansichten jedoch dramatisch und er begann, nach einer anderen Herangehensweise an die Realität zu suchen, die sich bereits in seinen frühen Arbeiten widerspiegelt (Ansicht des Forums, 1826; Ansicht des Kolosseums, 1826). Es ist anzumerken, dass Etüden von Corot, in denen er seine Einstellung zur Art der Beleuchtung und Farbabstufungen ändert und sie realistischer vermittelt, eine Art Impuls für die Entwicklung einer realistischen Landschaft sind.
Trotz des neuen Prinzips des Schreibens wird Corot Gemälde in den Salon schicken, die alle Kriterien der akademischen Malerei erfüllen. Zu dieser Zeit gibt es in der Arbeit von Corot eine Lücke zwischen Studium und Malerei, die seine Kunst während seines gesamten Lebens charakterisieren wird. So zeigen die in den Salon gesendeten Werke (einschließlich Hagar in der Wüste, 1845; Homer und die Hirtinnen, 1845), dass der Künstler sich nicht nur alten Themen zuwendet, sondern auch die Komposition der klassischen Landschaft bewahrt, was nicht der Fall ist weniger hindert den Betrachter nicht daran, die Merkmale der französischen Landschaft in dem abgebildeten Gebiet zu erkennen. Im Allgemeinen war ein solcher Widerspruch ganz im Geiste dieser Zeit.
Sehr oft, die Innovationen, zu denen Corot allmählich kommt, versteckt er sich nicht vor der Jury, so dass seine Bilder oft abgelehnt werden. Innovation ist besonders stark in den Sommerskizzen des Meisters zu spüren, in denen er versucht, verschiedene Naturzustände gleichzeitig zu vermitteln und die Landschaft mit Licht und Luft zu füllen. Anfänglich waren dies hauptsächlich Stadtansichten und Kompositionen mit Architekturdenkmälern Italiens, wohin er 1834 erneut ging. Beispielsweise werden in der Landschaft "Morgen in Venedig" (ca. 1834) Sonnenlicht, blauer Himmel und Lufttransparenz perfekt reproduziert. Gleichzeitig bricht die Kombination von Licht und Schatten keine architektonischen Formen, sondern simuliert sie im Gegenteil. Figuren von Menschen mit langen Schatten im Hintergrund geben der Landschaft ein Gefühl von fast realer Geräumigkeit.
Später wird der Maler zurückhaltender sein, er wird sich für eine bescheidenere Natur interessieren, aber er wird den verschiedenen Zuständen mehr Aufmerksamkeit schenken. Um den gewünschten Effekt zu erzielen, wird das Farbschema von Koro dünner und heller und richtet sich nach der Variation derselben Farbe. In dieser Hinsicht sind Werke wie "Der Glockenturm in Argenteuil" charakteristisch, bei denen das zarte Grün der umgebenden Natur und die Luftfeuchtigkeit sehr subtil sind, aber gleichzeitig mit großer Zuverlässigkeit den Charme des Frühlings "Carrying the Hay" vermitteln, in dem der freudige Nervenkitzel des Lebens spürbar ist.
Es ist bemerkenswert, dass Corot die Natur als einen Ort bewertet, an dem gewöhnliche Menschen leben und handeln. Ein weiteres Merkmal seiner Landschaft ist, dass er immer den emotionalen Zustand des Meisters widerspiegelt. Landschaftskompositionen sind daher lyrisch (der oben erwähnte "Glockenturm in Artangeuil") oder umgekehrt dramatisch (Studie "Windstoß", um 1865-1870).
Corots figürliche Kompositionen sind voller poetischer Gefühle. Wenn in frühen Werken eine Person etwas von der Welt um sie herum losgelöst zu sein scheint ("Reaper with a Sichel", 1838), dann arbeiten in späteren Arbeiten die Bilder von Menschen
sind untrennbar mit der Umgebung verbunden, in der sie sich befinden ("The Reaper's Family", um 1857). Neben Landschaften schuf Corot auch Porträts. Frauenbilder sind besonders gut, charmant mit ihrer Natürlichkeit und Lebendigkeit. Der Künstler malte nur Menschen, die ihm geistig nahe standen, daher sind seine Porträts von der aufrichtigen Sympathie des Autors für das Modell geprägt.
Corot war nicht nur ein talentierter Maler und Grafiker, sondern auch ein guter Lehrer für junge Künstler, ein zuverlässiger
Genosse. Bemerkenswert ist die Tatsache: Als O. Daumier nicht über die Mittel verfügte, um die Miete seines Hauses zu bezahlen, kaufte Corot dieses Haus und präsentierte es dann einem Freund.
Corot starb 1875 und hinterließ ein riesiges kreatives Erbe - etwa 3.000 Gemälde und grafische Arbeiten.
Honore Daumier
Honore Daumier, französischer Grafiker, Maler und Bildhauer, wurde 1808 in Marseille in die Familie eines Glaser geboren, der Gedichte schrieb. 1814, als Daumier sechs Jahre alt war, zog seine Familie nach Paris.
Der zukünftige Künstler begann seine Karriere als Angestellter und arbeitete dann als Verkäufer in einem Buchladen. Er war jedoch überhaupt nicht an dieser Arbeit interessiert, er zog es vor, durch die Straßen zu wandern und in seiner Freizeit Skizzen zu machen. Bald beginnt der junge Künstler, den Louvre zu besuchen, wo er antike Skulpturen und Werke alter Meister studiert, von denen Rubens und Rembrandt ihn stärker faszinieren. Daumier erkennt, dass er durch das Studium der Malerei allein nicht weit kommen kann und beginnt dann (seit 1822), Zeichenunterricht bei Lenoir (Administrator des Königlichen Museums) zu nehmen. Der gesamte Unterricht beschränkte sich jedoch auf das einfache Kopieren von Gipsabgüssen, was den Bedürfnissen des jungen Mannes überhaupt nicht entsprach. Dann verlässt Daumier die Werkstatt und geht nach Ramola, um Lithographie zu studieren. Gleichzeitig arbeitet er als Bote.
Die ersten Arbeiten, die Daumier auf dem Gebiet der Illustration machte, stammen aus den 1820er Jahren. Sie haben kaum überlebt, aber was uns überliefert ist, erlaubt es uns, von Daumier als Künstler im Gegensatz zu der offiziellen Macht der Bourbonen zu sprechen.
Es ist bekannt, dass der junge Künstler seit den ersten Tagen der Regierungszeit von Louis Philippe scharfe Karikaturen sowohl von sich selbst als auch von seinem Gefolge zeichnet und sich so einen Ruf als politischer Kämpfer erarbeitet. Infolgedessen wird Daumier vom Herausgeber der wöchentlichen "Karikatur" Charles Philippe bemerkt und lädt ihn zur Zusammenarbeit ein, der er zustimmt. Das erste Werk, das in der Karikatur vom 9. Februar 1832, The Petitioners of Places, veröffentlicht wurde, verspottet die Schergen von Louis Philippe. Nach ihr tauchten nacheinander Satyrn auf dem König auf.
Von den frühesten Lithographien von Daumier verdient Gargantua (15. Dezember 1831) besondere Aufmerksamkeit, wo der Künstler einen fetten Louis Philippe darstellt, der Gold verschlingt, das einem hungrigen und verarmten Volk entnommen wurde. Dieses Blatt, das im Fenster der Firma Aubert ausgestellt war, versammelte eine ganze Menge von Zuschauern, für die sich die Regierung an dem Meister rächte und ihn zu sechs Monaten Gefängnis und einer Geldstrafe von 500 Franken verurteilte.
Trotz der Tatsache, dass Daumiers frühe Werke immer noch kompositorisch überladen sind und weniger von der Ausdruckskraft des Bildes als vielmehr von der Erzählung beeinflusst werden, ist der Stil bereits in ihnen skizziert. Daumier selbst ist sich dessen sehr wohl bewusst und beginnt, sich mit dem Genre der Karikaturporträts zu beschäftigen, während er eine sehr eigenartige Methode anwendet: Zuerst formt er Porträtbüsten (in denen die charakteristischen Merkmale zur Groteske gebracht werden), die dann seine Natur bei der Arbeit an der Lithographie sein werden. Als Ergebnis erhielt er Zahlen, die extrem voluminös waren. Auf diese Weise entstand die Lithographie "Legislative Womb" (1834), die folgendes Bild zeigt: Direkt vor dem Betrachter auf den Bänken eines Amphitheaters befinden sich die Minister und Abgeordneten der Julimonarchie. Jedes Gesicht vermittelt eine Porträtähnlichkeit mit tödlicher Genauigkeit, wobei die ausdrucksstärkste Gruppe, in der Thiers Guizots Notiz hört, dargestellt wird. Der Meister enthüllt die physische und moralische Minderwertigkeit der herrschenden Elite und schafft Porträts. Licht spielt dabei eine besondere Rolle, es unterstreicht das Streben des Autors nach größter Ausdruckskraft. Daher werden alle Figuren unter scharfem Licht dargestellt (es ist bekannt, dass der Meister bei der Arbeit an dieser Komposition die Modellbüsten unter das helle Licht einer Lampe stellte).
Es ist nicht verwunderlich, dass Daumier mit solch hartnäckigen Arbeiten einen großen monumentalen Stil in der Lithographie gefunden hat (dies ist sehr stark in der Arbeit "Vorhang ziehen, Farce wird gespielt", 1834 zu spüren). Die Einflusskraft ist in den Werken ebenso hoch, die die Rolle der Arbeiter im Kampf gegen die Unterdrücker offenbaren: "Er ist nicht länger gefährlich für uns", "Nicht einmischen", "Transnonenstraße am 15. April 1834". Das letzte Blatt ist eine direkte Reaktion auf den Arbeiteraufstand. Fast alle Menschen, die tatsächlich in einem der Häuser in der Transnonenstraße leben (einschließlich Kinder und ältere Menschen), wurden getötet, weil einige der Arbeiter es wagten, einen Polizisten zu erschießen. Der Künstler hielt den tragischsten Moment fest. Die Lithographie zeigt ein schreckliches Bild: Auf dem Boden, neben einem leeren Bett, liegt die Leiche eines Arbeiters, der ein totes Kind unter sich zerquetscht; In einer dunklen Ecke ist eine ermordete Frau. Rechts ist der Kopf eines toten alten Mannes deutlich zu sehen. Das von Daumier präsentierte Bild ruft beim Betrachter ein doppeltes Gefühl hervor: ein Gefühl des Grauens über das, was er getan hat, und einen empörten Protest. Die Arbeit des Künstlers ist kein gleichgültiger Kommentar zu Ereignissen, sondern eine wütende Denunziation.
Das Drama wird durch den starken Kontrast von Licht und Schatten verstärkt. Gleichzeitig verdeutlichen die Details, obwohl sie in den Hintergrund treten, gleichzeitig die Situation, in der eine solche Gräueltat stattfand, und betonen, dass das Pogrom zu einer Zeit durchgeführt wurde, als die Menschen friedlich schliefen. Es ist charakteristisch, dass diese Arbeit bereits die Merkmale von Daumiers späteren Gemälden enthüllt, in denen auch ein einzelnes Ereignis verallgemeinert wird, wodurch die Komposition eine monumentale Ausdruckskraft in Kombination mit der "Zufälligkeit" des erfassten Lebensmoments erhält.
Solche Arbeiten beeinflussten weitgehend die Verabschiedung der "Septembergesetze" (die Ende 1834 in Kraft traten), die gegen die Presse gerichtet waren. Dies führte dazu, dass es unmöglich wurde, auf dem Gebiet der politischen Satire vollständig zu arbeiten. Daumier wechselt daher, wie viele andere Meister der politischen Karikatur, zu alltäglichen Themen, wo er brennende soziale Themen sucht und an die Oberfläche bringt. Zu dieser Zeit wurden in Frankreich ganze Sammlungen von Cartoons veröffentlicht, die das Leben und die Bräuche der damaligen Gesellschaft darstellen. Daumier schafft zusammen mit dem Künstler Travies eine Reihe von Lithografien mit dem Titel "French Types" (1835-1836). Wie Balzac in der Literatur enthüllt Daumier in der Malerei die Gesellschaft seiner Zeit, in der Geld regiert.
Minister Guizot proklamiert den Slogan "Werden Sie reich!" Daumier reagiert auf ihn, indem er das Bild von Robert Macair schafft - einem Betrüger und einem Gauner, die jetzt sterben und dann wieder auferstehen (Karikaturserie, 1836-1838). Auf anderen Seiten verweist er auf das Thema der bürgerlichen Philanthropie ("Modern Philanthropy", 1844-1846), die Venalität des französischen Hofes ("Figures of Justice", 1845-1849), die pompöse Selbstzufriedenheit der Stadtbewohner (das Blatt "Es ist immer noch sehr schmeichelhaft, Ihr Porträt auf der Ausstellung zu sehen , Teil der Serie "Salon of 1857"). Andere Serien von Lithographien wurden ebenfalls in anklagender Weise aufgeführt: "Der Tag des Junggesellen" (1839), "Ehe-Manieren" (1839-1842), "Die besten Tage des Lebens" (1843-1846), "Pastorale" (1845-1846).
Mit der Zeit verändert sich Daumiers Zeichnung etwas, der Strich wird ausdrucksvoller. Zeitgenossen zufolge benutzte der Meister nie neue angespitzte Stifte, sondern zeichnete lieber mit Fragmenten. Er glaubte, dass dies die Vielfalt und Lebendigkeit der Linien erreichte. Vielleicht bekommen seine Werke deshalb im Laufe der Zeit einen grafischen Charakter, der ihre frühere Plastizität verdrängt. Ich muss sagen, dass der neue Stil besser für grafische Zyklen geeignet war, in denen die Geschichte vorgestellt wurde und die Handlung selbst entweder im Innenraum oder in der Landschaft entwickelt wurde.
Daumier neigt jedoch immer noch eher zur politischen Satire, und sobald sich die Gelegenheit ergibt, greift er wieder seinen Lieblingsbeschäftigung auf und schafft Blätter voller Wut und Hass gegen die herrschende Elite. 1848 fand ein neuer revolutionärer Aufschwung statt, der jedoch unterdrückt wurde und die Bedrohung durch den Bonapartismus über der Republik schwebte. Als Reaktion auf diese Ereignisse erschafft Daumier Ratapual, einen gerissenen bonapartistischen Agenten und Verräter. Dieses Bild faszinierte den Meister so sehr, dass er es von der Lithographie auf die Skulptur übertrug, wo er mit einer kühnen Interpretation große Ausdruckskraft erzielen konnte.
Es überrascht nicht, dass Daumier Napoleon III genauso hasst wie Louis Philippe. Der Künstler tut sein Bestes, um seine denunzierenden Werke das Böse fühlen zu lassen, das von der privilegierten Klasse und natürlich vom Herrscher kommt. Nach dem Putsch am 2. Dezember 1852 wurde die politische Karikatur jedoch erneut verboten. Und erst Ende der 1860er Jahre, als die Regierung liberaler wurde, wandte sich Daumier zum dritten Mal diesem Genre zu. Auf einem Blatt konnte der Betrachter sehen, wie die Verfassung das Kleid der Freiheit verkürzt, und auf dem anderen - Thiers, der als Aufforderung dargestellt wird und jeden Politiker auffordert, was er sagen und was er tun soll. Der Künstler zeichnet viele antimilitaristische Satyrn ("Die Welt schluckt das Schwert" usw.).
Von 1870 bis 1872 schuf Daumier eine Reihe von Lithografien, in denen die kriminellen Handlungen der Täter der Katastrophen in Frankreich aufgedeckt wurden. Zum Beispiel macht er dem Betrachter in einem Blatt mit dem Titel „Es hat das umgebracht“ klar, dass die Wahl Napoleons III. Den Beginn vieler Probleme markierte. Bemerkenswert ist die Lithographie "Empire is Peace", die ein Feld mit Kreuzen und Grabsteinen zeigt. Die Inschrift auf dem ersten Grabstein lautet: "Todesfälle auf dem Boulevard von Montmartre am 2. Dezember 1851", auf dem letzten - "Todesfälle in der Limousine 1870". Dieses Blatt zeugt eloquent davon, dass das Reich Napoleons III. Den Franzosen nichts als den Tod gebracht hat. Alle Bilder in Lithografien sind symbolisch, aber die Symbole hier sind nicht nur reich an Ideen, sondern auch sehr überzeugend.
Bemerkenswert ist eine weitere berühmte Lithographie von Daumier aus dem Jahr 1871, in der der verstümmelte Stamm eines einst mächtigen Baumes vor dem Hintergrund eines beeindruckenden und bewölkten Himmels schwarz wird. Nur ein Zweig hat überlebt, aber dieser gibt nicht auf und widersteht dem Sturm weiterhin. Unter dem Blatt befindet sich eine charakteristische Signatur: "Armes Frankreich, der Stamm ist gebrochen, aber die Wurzeln sind immer noch stark." Auf diese symbolische Weise demonstrierte der Meister nicht nur die Ergebnisse der Tragödie, die er erlebt hatte, sondern brachte mit Hilfe von Schnitt- und Schattenkontrasten und dynamischen Linien ein lebendiges Bild hervor, das die Macht des Landes verkörpert. Diese Arbeit legt nahe, dass der Meister nicht das Vertrauen in die Stärke Frankreichs und die Fähigkeiten seines Volkes verloren hat, das seine Heimat so groß und mächtig wie zuvor machen kann.
Es sei darauf hingewiesen, dass Daumier nicht nur Lithographien schuf. Seit den 1830er Jahren. Er arbeitet auch in Malerei und Aquarell, aber seine frühen Gemälde (The Engraver, 1830-1834; Selbstporträt, 1830-1831) zeichnen sich durch das Fehlen einer entwickelten Art aus; manchmal ist es schwierig, sie von den Werken anderer Künstler zu unterscheiden. Später gibt es eine Verfeinerung des Stils, die Entwicklung bestimmter Themen. So zum Beispiel in den 1840er Jahren. Der Meister hat eine Reihe von Kompositionen unter dem Einzeltitel "Lawyers" geschrieben. In diesen Gemälden erscheinen die gleichen grotesken Bilder wie in Daumiers grafischen Arbeiten.
Seine Ölgemälde und Aquarelle sowie Lithografien sind von Sarkasmus durchdrungen. Daumier malt die Figuren von Anwälten mit Theatergesten, die mit der Öffentlichkeit sprechen ("The Defender", 1840er Jahre) oder selbstgefällig über ihre schmutzigen Machenschaften diskutieren, die außerhalb der Reichweite eines anderen Blicks liegen ("Drei Anwälte"). Bei der Arbeit auf Leinwand greift der Maler häufig auf Nahaufnahmen zurück, in denen die wichtigsten Objekte dargestellt und nur die Details des Innenraums umrissen werden. Mit besonderer Sorgfalt zeichnet er Gesichter, manchmal dumm und gleichgültig, manchmal gerissen und scheinheilig oder sogar verächtlich und selbstzufrieden. Der Autor zeigt schwarze Anwaltsroben vor einem goldenen Hintergrund und erzielt einen einzigartigen Effekt, indem er Hell und Dunkel kontrastiert.
Mit der Zeit verlässt die Satire Daumiers Gemälde. In den Kompositionen der späten 1840er Jahre. Den zentralen Platz nehmen die vergeistigten und heldenhaften Bilder von Menschen aus dem Volk ein, die mit Kraft, innerer Energie und Heldentum ausgestattet sind. Ein markantes Beispiel für solche Werke sind die Gemälde "Familie auf der Barrikade" (1848-1849) und "Aufstand" (um 1848).
Die erste Leinwand zeigt revolutionäre Ereignisse und Menschen, die daran teilnehmen. Die Helden sind so nah am Rahmen, dass nur ein Teil der Figuren sichtbar ist. Der Künstler versucht, die Aufmerksamkeit des Betrachters auf die vom Licht geformten Gesichter zu lenken. Die alte Frau und der Mann sind von Strenge und Konzentration geprägt, die junge Frau ist traurig und traurig, und der junge Mann ist im Gegenteil voller verzweifelter Entschlossenheit. Es ist bemerkenswert, dass die Köpfe der Figuren in verschiedenen Wendungen gezeigt werden, was den Eindruck erweckt, dass sich die Figuren bewegen, was die Spannung der Komposition weiter betont.
Die zweite Komposition ("Aufstand") ist das Bild einer rauschenden Menge, die von einem revolutionären Impuls umgeben ist.
Die Dynamik der Ereignisse wird nicht nur durch die Geste einer erhobenen Hand und vorwärts rasender Figuren vermittelt, sondern auch durch einen Lichtstreifen.
Etwa zur gleichen Zeit malte Daumier Bilder von Flüchtlingen und Auswanderern, aber diese Bilder sind in seiner Arbeit nicht oft zu finden. Er fand alle Motive für seine Bilder in alltagsleben: eine Wäscherin, die zum Wasser hinabsteigt; Lastkahnschlepper ziehen ein Boot; Arbeiter klettert auf das Dach. Es ist bemerkenswert, dass alle Werke getrennte Fragmente der Realität widerspiegeln und den Betrachter nicht durch Erzählungen, sondern durch bildliche Mittel beeinflussen, die ein ausdrucksstarkes, in einigen Fällen tragisches Bild schaffen.
In diesem Sinne wurde das Gemälde "Nosha" geschaffen, das mehrere Möglichkeiten bietet. Die Handlung der Arbeit ist einfach: Eine Frau geht langsam den Damm entlang; mit einer Hand schleppt sie einen riesigen Wäschekorb; In der Nähe klammert sich ein Kind an ihren Rock und webt in kleinen Schritten. Ein harter Wind weht den Helden ins Gesicht, was das Gehen erheblich erschwert, und die Last scheint schwerer zu sein. Daumiers übliches Alltagsmotiv erhält fast heroische Züge. Die Frau sieht von allen Sorgen losgelöst aus. Außerdem lässt der Meister alle Landschaftsdetails weg und skizziert nur beiläufig die Umrisse der Stadt auf der anderen Seite des Flusses. Die gedämpften und kalten Farbtöne, mit denen die Landschaft gemalt wurde, verstärken das Gefühl von Drama und Verzweiflung. Es ist bemerkenswert, dass die Interpretation des Frauenbildes nicht nur den klassischen Kanonen widerspricht, sondern auch den Idealen menschlicher Schönheit unter Romantikern; es wird mit großem Ausdruck und Realismus gegeben. Licht und Schatten spielen eine wichtige Rolle bei der Erstellung von Bildern: Dank der Beleuchtung in einem gleichmäßigen Streifen wirkt die Figur der Frau überraschend ausdrucksstark und plastisch; Die dunkle Silhouette des Kindes hebt sich von der hellen Brüstung ab. Der Schatten beider Figuren verschmilzt zu einem einzigen Punkt. Eine solche Szene, die Daumier in der Realität oft beobachtet hat, wird nicht im Genre, sondern in monumentalen Begriffen dargestellt, was durch das von ihm geschaffene kollektive Bild erleichtert wird.
Trotz der Verallgemeinerung bleibt in jedem Werk Daumiers eine außergewöhnliche Vitalität erhalten. Der Meister kann jede Geste erfassen, die für die Person charakteristisch ist, die er darstellt, eine Pose vermitteln usw. Die Leinwand "Prints Lover" hilft dabei, dies zu überprüfen.
Obwohl in den 1850-1860er Jahren. Daumier arbeitet sehr fruchtbar in der Malerei, aber das Problem der Freiluft, das viele Maler dieser Zeit beschäftigte, interessiert ihn überhaupt nicht. Selbst wenn er seine Figuren im Freien porträtiert, verwendet er kein diffuses Licht. Licht hat in seinen Gemälden eine andere Funktion: Es trägt eine emotionale Belastung, die dem Autor hilft, kompositorische Akzente zu setzen. Daumiers Lieblingseffekt ist die Kontur, bei der der Vordergrund vor einem hellen Hintergrund abgedunkelt wird (Before Bathing, ca. 1852; Curious at the Window, ca. 1860). In einigen Gemälden wendet sich der Maler jedoch einer anderen Technik zu, wenn sich die Halbdunkelheit des Hintergrunds in den Vordergrund zu lösen scheint und weiße, blaue und gelbe Farben mit größerer Intensität zu klingen beginnen. Ein ähnlicher Effekt ist bei Leinwänden wie Leaving School (ca. 1853-1855), Third Class Carriage (ca. 1862) zu beobachten.
Daumier malte nicht weniger als in der Grafik. Er stellte neue Bilder vor und interpretierte sie mit großer Ausdruckskraft. Keiner seiner Vorgänger schrieb so kühn und fließend. Für diese Qualität schätzten Daumiers fortschrittliche Zeitgenossen seine Gemälde sehr. Zu Lebzeiten des Künstlers war sein Gemälde jedoch wenig bekannt, und die posthume Ausstellung im Jahr 1901 wurde für viele zu einer echten Entdeckung.
Daumier starb 1879 in der Stadt Valmondois bei Paris in einem Haus, das Corot ihm gegeben hatte.
Die Revolution von 1848 führte zu einem außerordentlichen Aufschwung des öffentlichen Lebens Frankreichs, seiner Kultur und Kunst. Zu dieser Zeit arbeiteten zwei große Vertreter der realistischen Malerei im Land - J.-F. Millet und G. Courbet.
Jean Francois Millet
Jean François Millet, ein französischer Maler und Grafiker, wurde 1814 in der Stadt Gruchy bei Cherbourg in eine große Bauernfamilie mit einem kleinen Grundstück in der Normandie geboren. Der junge Millet war von Kindheit an von einer Atmosphäre harter Arbeit und Frömmigkeit umgeben. Der Junge war sehr schlau und sein Talent wurde vom örtlichen Priester bemerkt. Daher begann der Junge neben Schularbeiten unter Anleitung eines Kirchenministers, Latein zu lernen, und nach einer Weile wurden die Werke von Virgil zusammen mit der Bibel zu seiner Lieblingslesung, eine Sucht, die der Maler sein ganzes Leben lang erlebte.
Bis zum Alter von 18 Jahren lebte Millet im Dorf und verrichtete als ältester Sohn verschiedene bäuerliche Arbeiten, unter anderem im Zusammenhang mit der Bewirtschaftung des Landes. Da die Fähigkeit zur bildenden Kunst in Milla sehr früh erwachte, malte er alles, was ihn umgab: Felder, Gärten, Tiere. Das Meer erregte jedoch das größte Interesse an dem jungen Künstler. Es ist das Wasserelement, dem Millet seine ersten Skizzen widmet.
Millet zeichnete sich durch seine subtile Beobachtung aus, und von seinem Blick, der die Schönheit der Natur bemerkte, entkamen die Katastrophen, mit denen eine Person, mit der sie konfrontiert wurde, nicht entkam, nicht. Während seines ganzen Lebens hatte der Meister eine tragische Erinnerung, einen schrecklichen Sturm, der Dutzende von Schiffen zerschmetterte und versenkte, den er in seiner frühen Kindheit beobachtete.
Später ging der junge Maler nach Cherbourg, wo er zuerst bei Mushel und dann bei Langlois de Chevreville (einem Schüler und Anhänger von Gros) Malerei studierte. Auf Wunsch des letzteren erhielt er ein Stipendium der Gemeinde und setzte sein Studium in Paris fort. Millet verließ seine Heimat und hörte den Anweisungen seiner Großmutter zu, die ihm sagte: "François, schreibe niemals etwas Obszönes, auch wenn es auf Befehl des Königs selbst geschah."
In Paris angekommen, betrat der Künstler Delaroches Werkstatt. Dort studierte er von 1837 bis 1838. Gleichzeitig mit seinem Studium in Millets Werkstatt besuchte er den Louvre, wo er berühmte Leinwände studierte, von denen Michelangelos Werke ihn am meisten beeindruckten. Millet fand seinen Weg in der Kunst nicht sofort. Seine ersten zum Verkauf stehenden Werke wurden nach Art von A. Watteau und F. Boucher ausgeführt, Maniere Fleurie genannt, was „blumige Art“ bedeutet. Und obwohl sich diese Schreibweise durch äußere Schönheit und Anmut auszeichnet, macht sie tatsächlich einen falschen Eindruck. Erfolg hatte der Künstler in den frühen 1840er Jahren dank seiner Porträtarbeit (Selbstporträt, 1841; Mademoiselle Ono, 1841; Armand Ono, 1843; Deleuze, 1845).
Mitte der 1840er Jahre arbeitete Millet an der Erstellung einer Reihe von Seemannsporträts, in denen sein Stil vollständig von dem Manierismus und der Nachahmung befreit war, die für die frühen Werke des Künstlers charakteristisch waren ("Naval Officer", 1845 usw.). Der Meister malte mehrere Leinwände zu mythologischen und religiösen Themen (St. Jerome, 1849; Hagar, 1849).
1848 stand Millet den Künstlern N. Diaz und F. Jeanron nahe und stellte erstmals im Salon aus. Der Erste
Das Bild, das er präsentierte - "The Winner" zeigt das ländliche Leben. Seit dieser Zeit gibt der Meister die mythologischen Handlungen ein für alle Mal auf und beschließt, nur das zu schreiben, was ihm näher steht.
Um seinen Plan auszuführen, zogen er und seine Familie nach Barbizon. Hier ist der Künstler völlig eingetaucht
in die Welt des ländlichen Lebens und schafft Werke, die seiner Wahrnehmung der Welt entsprechen. Dies sind The Sower (1849), The Seated Peasant Woman (1849) und andere. In ihnen zeigt Millet mit großer Überzeugungskraft wahrheitsgemäß die Vertreter der Bauernklasse, wobei er sich hauptsächlich auf die Figur konzentriert, wodurch man manchmal den Eindruck bekommt, dass die Landschaft in seinen Gemälden funktioniert die Rolle des Hintergrunds.
In den Werken von Millet in den frühen 1850er Jahren. auch dominiert von den einsamen Gestalten der Bauern, die sich mit gewöhnlichen Angelegenheiten befassen. Mit der Erstellung seiner Leinwände bemühte sich der Künstler, das prosaischste Werk zu erheben. Er war überzeugt, dass "wahre Menschlichkeit" und "große Poesie" nur durch die Darstellung von Menschen der Arbeit vermittelt werden können. Die charakteristischen Merkmale dieser Arbeiten sind die Einfachheit der Gesten, die Leichtigkeit der Haltung, die volumetrische Plastizität der Figuren und die Langsamkeit der Bewegungen.
Anschauen berühmtes Gemälde Hirse "Die Näherin" (1853), der Betrachter sieht nur die notwendigsten Eigenschaften einer Schneiderin: Schere, Nadelkissen und Eisen. Es gibt nichts Überflüssiges auf der Leinwand, es gibt genau so viel Platz wie nötig - so macht der Meister das Bild bedeutungsvoll und sogar monumental. Trotz der scheinbar statischen Komposition ist das Bild einer Frau voller innerer Bewegung: Es scheint, dass ihre Hand, die die Nadel hält, immer mehr Stiche macht und ihre Brust sich rhythmisch hebt. Die Arbeiterin schaut sich ihr Produkt genau an, aber ihre Gedanken schweben irgendwo weit weg. Trotz der Gewöhnlichkeit und Intimität des Motivs ist das Bild von Feierlichkeit und Größe geprägt.
Das Gemälde "Rest der Schnitter", das der Meister im Salon von 1853 ausstellte, wurde im gleichen Sinne ausgeführt. Trotz einiger Verallgemeinerungen rhythmischer Figuren vermittelt die mit Licht gefüllte Komposition ein Gefühl der Integrität. Die Bilder der Bauern fügen sich harmonisch in das Gesamtbild der Natur ein.
Es ist charakteristisch, dass in vielen Werken von Millet die Natur dazu beiträgt, die Stimmung des Helden auszudrücken. In dem Gemälde "Sitzende Bäuerin" vermittelt der unwirtliche Wald perfekt die Traurigkeit eines Mädchens, das tief in ihre unruhigen Gedanken versunken ist.
Im Laufe der Zeit begann Millet, der Gemälde malte, in denen monumentale Bilder vor dem Hintergrund einer Landschaft gezeigt wurden, etwas andere Werke zu schaffen. Der Landschaftsraum in ihnen erweitert sich, die Landschaft, die immer noch als Hintergrund dient, beginnt eine bedeutendere semantische Rolle zu spielen. So sind in der Komposition "Die Erntemaschinen des Weizens" (1857) im Hintergrund Figuren von Bauern zu sehen, die Getreide sammeln.
Hirse verleiht der Malerei der Natur auf der kleinen Leinwand "Angelus" ("Ringing of Venus", 1858-1859) eine tiefere Bedeutung. Die Figuren eines Mannes und einer Frau, die mitten auf einem Feld zu den leisen Klängen einer Kirchenglocke beten, scheinen der ruhigen Abendlandschaft nicht entfremdet zu sein.
Als der Meister gefragt wurde, warum die meisten seiner Bilder von einer traurigen Stimmung geprägt sind, antwortete er:
„Das Leben hat mich nie auf die freudige Seite gebracht: Ich weiß nicht, wo sie ist, ich habe sie nie gesehen. Das Lustigste, was ich weiß, ist die Ruhe, die Stille, die man im Wald oder im Ackerland so herrlich genießt, ob sie für den Anbau geeignet sind oder nicht; stimme zu, dass dies immer zu Träumerei führt, traurig, wenn auch süß. " Diese Worte erklären vollständig das träumerische Leid seiner Bauern, so gut im Einklang mit dem Frieden und der Stille der Felder und Wälder.
Eine völlig entgegengesetzte Stimmung ist in Millets Programmkomposition "Der Mann mit der Hacke" zu beobachten, die im Salon von 1863 ausgestellt wurde. Dem Autor selbst war bewusst, dass sich dieses Werk von allem unterscheidet, was bereits geschrieben wurde. Nicht umsonst bemerkte Millet in einem seiner Briefe von 1962: "Der" Mann mit der Hacke "wird mir Kritik an vielen Menschen bringen, die sich nicht gerne mit Angelegenheiten beschäftigen, die nicht zu ihrem Kreis gehören, wenn sie gestört sind ...". In der Tat waren seine Worte prophetisch. Kritiker fällten ihr Urteil und bezeichneten den Künstler als einen Mann, der "gefährlicher als Courbet" sei. Und obwohl der Betrachter auf diesem Bild nur einen Bauern sieht, der sich auf eine Hacke stützt, genügt ein Blick: Er ist gerade mit einem schweren Schritt gegangen und hat mit seinem Instrument auf den Boden geschlagen. Ein arbeitsmüder Mann wird mit großer Ausdruckskraft herausgebracht: Sowohl im Gesicht als auch in der Figur kann man deutlich die Müdigkeit und Hoffnungslosigkeit seines Lebens erkennen - alles, was Hunderttausende französischer Bauern tatsächlich erlebt haben.
Unter Werken dieser Art (insbesondere in den späten 1860er - frühen 1870er Jahren) gibt es jedoch Werke, die von Optimismus durchdrungen sind. Dies sind Gemälde, in denen der Meister seine Aufmerksamkeit auf eine im Sonnenlicht getauchte Landschaft richtet. Dies sind die Gemälde Baden der Hirtengänse (1863), Baden der Pferde (1866) und Junge Hirtin (1872). Im letzten Millais vermittelt sehr subtil einen Sonnenstrahl, der durch das Laub der Bäume geht und spielerisch das Kleid und das Gesicht des Mädchens streichelt.
In der letzten Phase seiner kreativen Arbeit versucht der Künstler, die kurzen Momente des Lebens auf der Leinwand festzuhalten. Dieser Wunsch, den Moment festzuhalten, wurde durch den Wunsch verursacht, die Realität direkt zu reflektieren. Zum Beispiel ändert sich im Pastell "Herbst, die Abfahrt der Kraniche" (1865-1866) die Geste eines Hirtenmädchens, das den Flug einer Kranichherde beobachtet; und wenn Sie sich die Komposition "Gänse" ansehen, die im Salon von 1867 ausgestellt wurde, scheint sich das flackernde Licht in einem anderen Moment zu ändern. Dieses Prinzip fand später seinen Ausdruck in den Werken impressionistischer Künstler.
Es ist jedoch anzumerken, dass in den letzten Werken von Millet, insbesondere in seinen figürlichen Kompositionen, die Suche nach Monumentalität wieder zu spüren ist. Dies ist besonders deutlich auf der Leinwand „Rückkehr vom Feld. Abend “(1873), in dem sich eine Gruppe von Bauern und Tieren vor dem Hintergrund des Abendhimmels als verschmelzende verallgemeinerte Silhouette hervorhebt.
Von 1848 bis zu seinem Lebensende beschränkte sich Millet darauf, das Dorf und seine Bewohner darzustellen. Und obwohl er überhaupt nicht danach strebte, seinen Werken eine akute soziale Bedeutung zu geben, sondern nur um jeden Preis patriarchalische Traditionen bewahren wollte, wurde sein Werk als Quelle revolutionärer Ideen wahrgenommen.
Millet beendete sein Leben in Barbizon im Jahr 1875.
Gustave Courbet
Gustave Courbet, französischer Maler, Grafiker und Bildhauer, wurde 1819 in Südfrankreich in Ornans in eine wohlhabende Bauernfamilie geboren. Er nahm seinen ersten Malunterricht in seiner Heimatstadt, dann studierte er einige Zeit am College of Besançon und an der Zeichenschule in Flajoulo.
1839 ging Courbet mit großen Schwierigkeiten nach Paris, um seinen Vater von der Richtigkeit des gewählten Weges zu überzeugen. Dort besuchte er gleichzeitig den damals berühmten Suisse-Workshop, in dem er hart mit lebendiger Natur arbeitete, und den Louvre, kopierte die alten Meister und bewunderte ihre Werke. Der junge Künstler war besonders beeindruckt von der Arbeit der Spanier - D. Velazquez, J. Ribera und F. Zurbaran. Courbet besucht von Zeit zu Zeit seine Heimatorte und malt mit großer Freude Landschaften, wobei er Bände mit einer dicken Farbschicht modelliert. Darüber hinaus arbeitet er im Porträt-Genre (meistens ist er selbst Model) und schreibt Leinwände zu religiösen und literarischen Themen ("Lot with a Daughter", 1841).
Courbet kreiert Selbstporträts und romantisiert sein Aussehen etwas ("The Wounded", 1844; "Happy Lovers", 1844-1845; "Man with a Pipe", 1846). Es war das Selbstporträt, das er erstmals im Salon ausstellte (Selbstporträt mit einem schwarzen Hund, 1844). Poesie und sentimentale Verträumtheit sind geprägt von dem Gemälde "After Dinner at Ornans" (1849). Mit diesem Gemälde scheint der Künstler sein Recht zu verteidigen, darzustellen, was er gut weiß, was er in einer vertrauten Umgebung beobachtet hat: in der Küche, wo nach dem Abendessen der Künstler selbst, sein Vater, der Musiker Promaye und Marlay sitzen. Alle Charaktere werden genau so dargestellt, wie sie in der Realität aussahen. Gleichzeitig gelang es Courbet, die Allgemeingültigkeit der Stimmung zu vermitteln, die durch die Musik erzeugt wird, die die Figuren des Bildes hören. Darüber hinaus schuf der Künstler durch die Anordnung der Figuren auf einer großen Leinwand in großem Maßstab verallgemeinerte Bilder, die trotz der scheinbar gewöhnlichen alltäglichen Handlung Monumentalität und Bedeutung erlangten. Dieser Umstand schien der Öffentlichkeit des modernen Malers unerhört unverschämt.
Courbet hört hier jedoch nicht auf. In den im nächsten Salon (1850-1851) ausgestellten Werken geht seine Kühnheit noch weiter. In der Leinwand "Stone Crushers" (1849-1850) wurde die soziale Bedeutung vom Maler bewusst festgelegt. Mit gnadenloser Wahrhaftigkeit setzte er sich das Ziel, die bahnbrechende Arbeit und die hoffnungslose Armut der französischen Bauernschaft darzustellen. Nicht umsonst schrieb Courbet in seiner Erklärung des Gemäldes: „So beginnen sie und so enden sie. Um den Eindruck zu verbessern, fasst der Meister die präsentierten Bilder zusammen. Trotz einiger Konventionen bei der Lichtübertragung wird die Landschaft jedoch sehr wahrheitsgetreu wahrgenommen, wie die Figuren von Menschen. Neben "Stone Crushers" stellte der Maler im Salon die Gemälde "Funeral at Ornans" (1849) und "Peasants Returning from the Fair" (1854) aus. Alle diese Bilder waren so anders als die Werke anderer Teilnehmer der Ausstellung, dass sie die Zeitgenossen von Courbet verblüfften.
So ist "Funeral at Ornans" eine großformatige Leinwand, die im Design ungewöhnlich und im künstlerischen Können von Bedeutung ist. Alles darin scheint ungewöhnlich und ungewöhnlich: das Thema (die Beerdigung eines der Bewohner einer kleinen Stadt) und die Helden (kleinbürgerliche und wohlhabende Bauern, realistisch geschrieben). Courbets kreatives Prinzip, das in diesem Bild verkündet wurde - das Leben in seiner ganzen Hässlichkeit wahrheitsgemäß zu zeigen - blieb nicht unbemerkt. Kein Wunder, dass einige moderne Kritiker sie als "Verherrlichung des Hässlichen" bezeichneten, während andere im Gegenteil versuchten, die Autorin zu rechtfertigen, denn "es ist nicht die Schuld der Künstlerin, wenn materielle Interessen, das Leben einer Kleinstadt, die Kleinlichkeit der Provinz Spuren ihrer Krallen auf ihren Gesichtern hinterlassen, ihre Augen stumpf machen, die Stirn runzeln und bedeutungsloser Mundausdruck. Die Bourgeois sind wie folgt. M. Courbet schreibt den Bourgeois. "
Und obwohl die auf der Leinwand gezeigten Zeichen nicht mit besonderer Schönheit und Spiritualität gekennzeichnet sind, werden sie dennoch wahrheitsgemäß und aufrichtig gegeben. Der Meister hatte keine Angst vor Monotonie, seine Figuren sind statisch. Durch den Ausdruck ihrer Gesichter, die absichtlich auf den Betrachter gerichtet sind, kann man jedoch leicht erraten, wie sie sich auf das laufende Ereignis beziehen, ob es sie erregt. Es sei darauf hingewiesen, dass Courbet nicht sofort zu einer solchen Zusammensetzung gekommen ist. Ursprünglich sollte nicht jedes einzelne Gesicht gezeichnet werden - dies ist aus der Skizze ersichtlich. Aber später änderte sich die Idee und die Bilder nahmen deutlich Porträtmerkmale an. So erkennt man zum Beispiel unter den Massen die Gesichter des Vaters, der Mutter und der Schwester des Künstlers selbst, des Dichters Max Bushon, des alten Jacobin Plata und Cardo, des Musikers Promaye und vieler anderer Bewohner von Ornans.
Auf dem Bild wurden sozusagen zwei Stimmungen kombiniert: eine düstere Feierlichkeit, die dem Moment entspricht, und der Alltag. Die schwarze Farbe der Trauerkleidung ist majestätisch, der Gesichtsausdruck ist streng und die Haltung derer, die sie bis zu ihrer letzten Reise begleiten, ist bewegungslos. Die düstere Stimmung des Bestattungsritus wird durch die harten Felsvorsprünge unterstrichen. Selbst in dieser extrem erhabenen Stimmung ist die Prosa des Lebens miteinander verwoben, was durch die Gleichgültigkeit des Gesichts des Dienerjungen und der Angestellten betont wird, aber das Gesicht der Person, die das Kreuz trägt, scheint besonders gewöhnlich, sogar gleichgültig. Die Feierlichkeit des Augenblicks wird auch vom Hund verletzt, dessen Schwanz zwischen den Beinen im Vordergrund dargestellt ist.
All diese klarstellenden Details sind sehr wichtig und bedeutsam für einen Künstler, der versucht, seine Arbeit der offiziellen Kunst des Salons entgegenzusetzen. Dieser Wunsch kann in den weiteren Arbeiten von Courbet verfolgt werden. Zum Beispiel auf der Leinwand "Bathers" (1853), die einen Sturm der Empörung hervorrief, weil sich herausstellte, dass die darin gezeigten fetten Vertreter der französischen Bourgeoisie sich von den transparenten Nymphen aus den Gemälden der Salonmeister unterschieden, und ihre Nacktheit vom Künstler auf äußerst greifbare und voluminöse Weise präsentiert wurde. All dies wurde nicht nur nicht begrüßt, sondern verursachte im Gegenteil einen Sturm der Empörung, der den Künstler jedoch nicht aufhielt.
Mit der Zeit erkennt Courbet, dass er nach einer neuen künstlerischen Methode suchen muss. Er konnte sich nicht mehr mit dem zufrieden geben, was nicht mehr seinen Entwürfen entsprach. Bald kam Courbet zur tonalen Malerei und Modellierung von Volumen mit Licht. Er selbst sagt dazu so: "Ich mache in meinen Gemälden, was die Sonne in der Natur macht." Gleichzeitig schreibt der Künstler in den meisten Fällen auf einem dunklen Hintergrund: Zuerst setzt er dunkle Farben ein, wechselt allmählich zu hellen und bringt sie zum hellsten Glanz. Die Farbe wird mit einem Spachtel souverän und kräftig aufgetragen.
Courbet ist an kein Thema gebunden, er ist ständig auf der Suche. 1855 stellte der Maler die "Künstlerwerkstatt" aus, eine Art Erklärung. Er selbst nennt es "eine echte Allegorie, die die siebenjährige Periode seines künstlerischen Lebens definiert". Und obwohl dieses Bild nicht das beste Werk von Courbet ist, spricht sein Farbschema, das in silbergrauen Tönen gehalten wird, von der koloristischen Fähigkeit des Malers.
1855 arrangierte der Künstler eine persönliche Ausstellung, die nicht nur für die akademische Kunst, sondern für die gesamte bürgerliche Gesellschaft zu einer echten Herausforderung wurde. Das Vorwort des Autors zum Katalog dieser einzigartigen Ausstellung ist indikativ. Als er das Konzept des "Realismus" enthüllt, erklärt er direkt seine Ziele: "In der Lage zu sein, die Bräuche, Ideen und das Erscheinungsbild meiner Ära nach meiner Einschätzung zu vermitteln - mit einem Wort, lebendige Kunst zu schaffen - das war mein Ziel." Courbet erkannte alle Aspekte der Realität, ihre Vielfalt und versuchte, sie in seiner Arbeit mit maximaler Wahrhaftigkeit zu verkörpern. Ob es sich um ein Porträt, eine Landschaft oder ein Stillleben handelt, der Meister überall mit dem gleichen Temperament vermittelt die Materialität und Dichte der realen Welt.
In den 1860er Jahren wurden die Grenzen zwischen Porträt- und Genrekomposition in den Werken des Malers aufgehoben (in Zukunft wird dieser Trend für das Werk von E. Manet und anderen impressionistischen Malern charakteristisch sein). In dieser Hinsicht sind "Little Englishwomen an einem offenen Fenster an der Küste" (1865) und "Girl with Seagulls" (1865) die aussagekräftigsten Leinwände. Eine Besonderheit dieser Werke ist, dass sich der Maler weniger für die komplexen Erfahrungen der Figuren als vielmehr für die Schönheit interessiert, die der materiellen Welt innewohnt.
Es ist charakteristisch, dass sich der Künstler nach 1855 zunehmend der Landschaft zuwendet und die Luft- und Wasserelemente, das Grün, den Schnee, die Tiere und die Blumen mit großer Aufmerksamkeit beobachtet. Viele Landschaften dieser Zeit sind Jagdszenen gewidmet.
Der Raum und die Objekte, die in diesen Kompositionen präsentiert werden, fühlen sich immer realer an.
Courbet arbeitet auf diese Weise und legt großen Wert auf die Beleuchtung. In "Kozuli by the Stream" können wir also das folgende Bild beobachten: Obwohl Bäume weniger voluminös wahrgenommen werden und Tiere fast mit dem Landschaftshintergrund verschmelzen, fühlen sich Raum und Luft ziemlich real an. Dieses Merkmal wurde sofort von Kritikern bemerkt, die schrieben, dass Courbet eine neue Stufe der Kreativität betrat - "den Weg zu einem hellen Ton und Licht". Besonders hervorzuheben sind Seestücke ("Meer vor der Küste der Normandie", 1867; "Welle", 1870 usw.). Man kann verschiedene Landschaften nicht vergleichen
Beachten Sie nicht, wie sich der Farbumfang je nach Beleuchtung ändert. All dies deutet darauf hin, dass Courbet in der späten Phase seiner Arbeit nicht nur versucht, das Volumen und die Materialität der Welt einzufangen, sondern auch die umgebende Atmosphäre zu vermitteln.
Zum Abschluss des Gesprächs über Courbet kann man nur sagen, dass er, nachdem er sich den Landschaftsarbeiten zugewandt hatte, nicht aufgehört hat, an Leinwänden mit sozialen Themen zu arbeiten. Hier ist besonders "Rückkehr von der Konferenz" (1863) zu beachten - ein Gemälde, das eine Art Satire auf den Klerus war. Leider hat die Leinwand bis heute nicht überlebt.
Seit den 1860er Jahren. In den Kreisen der bürgerlichen Öffentlichkeit steigt das Interesse an der Arbeit des Künstlers. Wenn die Regierung jedoch beschließt, Courbet zu vergeben, lehnt er den Preis ab, da er nicht offiziell anerkannt werden möchte und keiner Schule angehört. In den Tagen der Pariser Kommune nahm Courbet aktiv an revolutionären Ereignissen teil, für die er später inhaftiert und aus dem Land vertrieben wurde. Während er hinter Gittern sitzt, schafft der Künstler viele Zeichnungen, die Szenen des Massakers an den Communards zeigen.
Nach seiner Verbannung aus Frankreich schreibt Courbet weiter. So schuf er beispielsweise in der Schweiz mehrere realistische Landschaften, von denen die "Hütte in den Bergen" (um 1874) besondere Bewunderung hervorruft. Trotz der Tatsache, dass sich die Landschaft durch ihre geringe Größe und die Spezifität des Motivs auszeichnet, hat sie einen monumentalen Charakter.
Courbet blieb bis zu seinem Lebensende dem Prinzip des Realismus treu, in dessen Geist er sein ganzes Leben lang gearbeitet hat. Der Maler starb 1877 weit entfernt von seiner Heimat in La Tour de Pels (Schweiz).
Der bedeutendste Platz in der Entwicklung des westeuropäischen Realismus ist die französische Kunst. Und das ist kein Zufall. Seit dem Ende des 18. Jahrhunderts spielte Frankreich eine führende Rolle im sozialen und politischen Leben Europas, und der Klassenkampf zwischen Adel, Bourgeoisie und Proletariat nahm darin klare klassische Formen an. Die Bourgeoisie versteckte sich hinter dem königlichen und kaiserlichen Mantel oder setzte ihre Macht in offener Form durch. "Industrie und Handel sind zu immensen Ausmaßen gewachsen", schrieb K. Marx über Frankreich in den 1950er und 1960er Jahren, "Börsenspekulationen feierten ihre kosmopolitischen Orgien; Die Armut der Massen stach neben der frechen Pracht des durch Betrug und Kriminalität erworbenen Luxus wider. "
Die demokratische und proletarische Bewegung Mitte des 19. Jahrhunderts nimmt in Frankreich einen weiten Umfang an. Der Revolution von 1830 folgt die Revolution von 1848; In der Politik tritt das Proletariat immer entschlossener hervor und führt die breite Masse des Volkes an. Im Juni 1848 erhob er sich offen gegen die Bourgeoisie und unternahm 1871, nachdem er die Pariser Kommune ausgerufen hatte, den ersten heldenhaften Versuch in der Geschichte, die politische Macht selbst in die Hand zu nehmen.
Die Verschärfung sozialer Widersprüche, grandiose Klassenkämpfe, neue soziale Probleme und Probleme der demokratischen Umstrukturierung der Gesellschaft konnten nicht umhin, fortschrittliche Köpfe zu erregen und sie zu zwingen, die Phänomene der Realität zu analysieren und nach neuen Wegen in der Kunst zu suchen. In Frankreich, das das klarste Bild der Entstehung und Entwicklung der Haupttrends des 19. Jahrhunderts vermittelt, ist der Aufstieg des Realismus früher zu beobachten als in anderen Ländern. Der realistische Trend ist am engsten mit dem sozialen und politischen Leben verbunden und stellt die größten Vertreter der Kunst des 19. Jahrhunderts vor.
Die Juli-Revolution von 1830 war ein bedeutender Meilenstein in der Entwicklung der französischen Kunst. Unter seinem Einfluss werden romantische Illusionen beseitigt, das Interesse an sozialen Themen wächst, ein unabhängiges theoretisches Programm des Realismus wird entwickelt. Die Hauptanforderungen für die neue Kunst wurden von Laviron und Galbaccio im "Salon von 1833" formuliert. Ihre Weiterentwicklung erhielten sie in den Schriften bedeutender Theoretiker und Verteidiger des Realismus: Tore-Burger, Chanfleri, Duranty, Castagnari und andere. Alle diese Kritiker - Vertreter der Generation von 1848 - hoben die Frage nach der pädagogischen Rolle der Kunst hervor. Kunst, so argumentierten sie, sollte zur Entwicklung der Gesellschaft auf dem Weg des Fortschritts beitragen, ein "Lehrer des Lebens" sein und dafür relevant, sozial reich und für die Menschen verständlich sein. Kunst soll den Menschen helfen, die Welt um sich herum zu kennen und ihre Widersprüche zu verstehen. Es kann dies tun, indem es jede Idealisierung und Verschönerung des Lebens beiseite wirft. Die Wahrhaftigkeit des Bildes wird als eine der notwendigen Voraussetzungen für Kreativität angeführt - der Künstler schreibt, was er weiß, was er vor sich sieht. Die Forderung nach Ablehnung allgemein anerkannter Modelle und nach der Behauptung der Wahrheit des Lebens in der Kunst half führenden Künstlern, neue Methoden und Mittel des künstlerischen Ausdrucks zu beherrschen, und eröffnete breite Perspektiven für kreative Aktivitäten. Gleichzeitig reduzierten einige Kritiker der Mitte des 19. Jahrhunderts das Konzept des Realismus manchmal auf die äußere Zuverlässigkeit des Bildes, die Illusion der Übertragung der sichtbaren Welt, was die Künstler natürlich desorientierte.
Philippe Jeanron. Unter den Vorläufern der großen realistischen Maler verdienen einige kleinere Meister Erwähnung. Da ihnen die Begabung ihrer Anhänger fehlt, bereiten sie die Bühne für sie. Dazu gehört Philippe Jeanron (1809-1877). Er war Teilnehmer an den Revolutionen von 1830 und 1848 und erschien oft in gedruckter Form, um realistische Prinzipien zu verteidigen. Bereits in seinem frühen Werk Children on the Barricade (1831, Museum at Canet) wandte sich Jeanron einer direkten Darstellung revolutionärer Ereignisse zu. In späteren Arbeiten gab er eine soziale Analyse der Realität ab und widersetzte sich Vertretern verschiedener Klassen der modernen Gesellschaft: dem Adel, der Bourgeoisie und dem Proletariat. Bei der Darstellung von Arbeitern betonte der Künstler ihre Armut und ihr Leiden, ohne dabei eine gewisse Sentimentalität zu vermeiden. Jeanron ist auch als Porträtmaler bekannt. Er hinterließ ausdrucksstarke Porträts der fortschrittlichen Menschen seiner Zeit - Vertreter der republikanischen Intelligenz.
Realismus in Frankreich und England (Literatur und Kunst im 19. Jahrhundert)
Bis zur Mitte des Jahrhunderts wird der Realismus zum dominierenden Trend in der europäischen Kultur.
Der Realismus entstand in Frankreich und England unter den Bedingungen etablierter kapitalistischer Beziehungen. Soziale Widersprüche und Mängel des kapitalistischen Systems bestimmten die scharf kritische Haltung realistischer Schriftsteller gegenüber diesem. Sie prangerten Geldraub, offensichtliche Ungleichheit, Selbstsucht und Heuchelei an. In seiner ideologischen Zweckmäßigkeit wird es zum kritischen Realismus. Gleichzeitig sind die Werke großer realistischer Schriftsteller von den Ideen des Humanismus und der sozialen Gerechtigkeit durchdrungen.
Literatur von Frankreich. Das Beispiel realistischer französischer Poesie im 19. Jahrhundert war der Dichter Pierre Jean de Beranger (1780-1857). Er trat während der napoleonischen Monarchie auf und verurteilte 1813 in dem Lied "König Iveto" Napoleons militärische Abenteuer und seine Steuerpolitik. Während der Restaurierung wurde er ein echter Kampfdichter. Seine leidenschaftlichen Lieder in dieser Zeit verspotten die reiche und wohlhabende Bourgeoisie. Berangers politisches Lied ist voller Demokratie, geprägt von lebhaftem nationalem Humor.
Ein brillanter Vertreter des kritischen Realismus war Stendhal (Eigener Henri Beyle, 1783-1842). Die Bewunderung des Schriftstellers wurde von Menschen mit einem aktiven, starken Charakter hervorgerufen. Er sah solche Helden unter den Figuren der Renaissance ("Italienische Chroniken"), unter Shakespeare, unter seinen Zeitgenossen.
Einer der größten Romane Stendhal- "Rot und Schwarz" (1830). Der Held des Romans ist Julien Sorel, ein leidenschaftlicher Bewunderer der napoleonischen Ära, ein Mann mit einer erhabenen und sensiblen Seele, der sich bemüht, ein träges soziales Umfeld zu erobern. Es gelingt ihm jedoch nicht, da die herrschenden Klassen ihn nicht akzeptierten - einen Plebejer von Geburt. In dem Roman Parma Abode verurteilt der Autor die reaktionäre Ära, die die Tragödie intelligenter, talentierter und tief empfundener Menschen vorbestimmt hat.
Der Höhepunkt, der höchste Punkt der Entwicklung des westeuropäischen Realismus - die Arbeit von Honore de Balzac (1799–1850). Wie von Balzac konzipiert, sollte sein Hauptwerk - das Epos "The Human Comedy" - aus 143 Büchern bestehen, die alle Aspekte des Lebens der französischen Gesellschaft widerspiegeln. Balzac gab all seine Kraft für dieses titanische Werk, er schuf 90 Romane und Kurzgeschichten.
In diesem Epos sind die Romane durch ein gemeinsames Konzept und viele Charaktere verbunden. Es enthält Romane wie "The Unknown Masterpiece", "Shagreen Skin", "Eugenia Grande", "Father Goriot", "Caesar Biroto", "Lost Illusions", "Cousin Betta" und viele andere. Das Epos ist ein realistisches Bild eines grandiosen Umfangs, das die Sitten und Widersprüche des öffentlichen Lebens in Frankreich widerspiegelt. Balzac verleiht seinen Helden Intelligenz, Talent und starken Charakter. Seine Werke sind zutiefst dramatisch, sie zeigen die Kraft des "Währungsprinzips", das alte patriarchalische und familiäre Bindungen auflöst und die Flamme egoistischer Leidenschaften entzündet.
Prosper war der Meister des Romans Merimee (1803-1870), ein herausragender realistischer Schriftsteller. Seine Kurzgeschichten sind lakonisch, streng, elegant. Es sind starke und helle Charaktere, ganze Naturen, die zu starken Gefühlen fähig sind - "Carmen" (diente als Grundlage für die gleichnamige Oper von Bizet), "Colomba", "Falk". Selbst in diesen Kurzgeschichten, in denen der Autor romantische Helden und romantische Situationen darstellt, wird die Handlung nicht in eine romantische Ebene übersetzt, sondern es wird eine realistische Motivation gegeben.
Schrieb Merimee und spielt. Eines der herausragenden Werke des Schriftstellers ist die Spielchronik "Jacqueria", die die Bauernbewegung des XIV. Jahrhunderts darstellt. Er schrieb den einzigen großen Roman "Die Chronik der Zeiten Karls IX.", Der über den Kampf der Katholiken und Protestanten und die Ereignisse der Nacht des heiligen Bartholomäus berichtet. Der Autor entlarvt fanatische Intoleranz.
Im Zusammenhang mit der Veränderung der politischen Position der Bourgeoisie nach der Revolution von 1848 und ihrer Weigerung, mit der Arbeiterklasse zusammenzuarbeiten, entsteht in der französischen Literatur eine neue Art von kritischem Realismus - Schriftsteller weigern sich, kraftvolle Bilder zu schaffen, und das Konzept des Typischen wird auf das am weitesten verbreitete, gewöhnliche reduziert. Kunst ist im Allgemeinen noch näher am Leben.
Der größte Vertreter der neuen Stufe des Realismus war Gustave Flaubert (1821–1880). Die Haltung des Schriftstellers zu den sozialen Schichten der Bevölkerung war widersprüchlich: Er hasste die Bourgeoisie sein ganzes Leben lang, behandelte die Massen mit Verachtung und hielt politische Aktivitäten für bedeutungslos. Deshalb fordert Flaubert den Künstler auf, "zum Elfenbeinturm zu gehen", um der Schönheit zu dienen. Trotz der Inkonsistenz dieser Position gab Flaubert eine bemerkenswerte kritische Darstellung der bürgerlichen Vulgarität, ohne sich vom sozialen Kampf fernzuhalten. Eines der herausragenden Werke Flaubert- der Roman "Madame Bovary". Im Zentrum des Romans steht das Bild einer Frau aus einer bürgerlichen Umgebung. Von der romantischen Literatur erzogen, stirbt sie in einer Kollision mit der bürgerlichen Realität. Der Roman "Erziehung der Sinne" zeigt die Sitten der Provinz und von Paris, die moralische Bedeutungslosigkeit der Bourgeoisie. In diesem Roman wird das Thema eines jungen Mannes entwickelt, der träge, träge und unfähig ist, aktiv zu werden. Die Romane "Salammbo", "Die Legende des heiligen Julian des Barmherzigen" und "Herodias" basieren auf historischen Handlungen, in denen die Situation ferner Epochen mit wissenschaftlicher Objektivität wiederhergestellt wird. Der Autor erreichte eine gewissenhafte Genauigkeit bei der Reproduktion realistischer Details, der Tiefe der psychologischen Analyse, die durch einen internen Monolog enthüllt wurde.
England:
Literatur von England. Der schottische Schriftsteller Walter Scott (1771-1832) stand Romantikern durch sein Interesse am Mittelalter nahe. Zu Beginn seiner Karriere beschäftigte er sich mit der Sammlung schottischer Folklore, schrieb romantische Gedichte. Realistische Prosa machte ihn weltweit bekannt.
Walter Skol ist der Schöpfer des historischen Romangenres, das romantische und realistische Tendenzen kombiniert. Der Tod des schottischen Familienclans wird vom Autor in den Romanen "Weverley", "Rob Roy" dargestellt. Die Romane "Ivanhoe", "Quentin Dorward" malen ein Bild des mittelalterlichen England und Frankreich. Die Romane "The Puritans" und "The Legend of Monrose" heben den Klassenkampf hervor, der sich im 17. und 18. Jahrhundert in England abspielte.
Das Werk von V. Scott zeichnet sich durch eine besondere Komposition von Romanen aus, die durch die Betonung der Beschreibung des Lebens, des Lebens und der Bräuche des Volkes selbst und nicht der Könige, Militärführer und Adligen vorgegeben ist. Gleichzeitig reproduziert der Schriftsteller das Privatleben und reproduziert ein Bild historischer Ereignisse.
Einer der großen Künstler der Weltliteratur - Charles Dickens (1812-1870) ist er der Begründer und Führer des kritischen Realismus in der englischen Literatur, ein herausragender Satiriker und Humorist. Sein frühes Werk The Pickwick Papers zeigt das noch immer patriarchalische England. Dickens lacht über die Gutherzigkeit, Leichtgläubigkeit und Naivität seines Helden und sympathisiert mit ihm. Er beschattet seine Desinteressiertheit, Ehrlichkeit und seinen Glauben an das Gute.
Der nächste Roman, Die Abenteuer von Oliver Twist, zeigt eine kapitalistische Stadt mit ihren Slums und dem Leben der Armen. Der Schriftsteller, der an den Triumph der Gerechtigkeit glaubt, lässt seinen Helden alle Hindernisse überwinden und persönliches Glück erlangen.
Das funktioniert jedoch Dickens sind voller tiefer Dramen. Der Schriftsteller gab eine ganze Galerie von Trägern des sozialen Übels, die Vertreter der bürgerlichen Klasse sind. Dies ist der Wucherer Ralph Nickleby, der grausame Lehrer Oakwiers, der Heuchler Pecksniff, der Misanthrop Scrooge, der Kapitalist Bounderby. Dickens 'größte Errungenschaft ist das Bild von Herrn Dombey (dem Roman "Dombey und Sohn") - einem Mann, dessen Gefühle gestorben sind und dessen Selbstzufriedenheit, Dummheit, Selbstsucht und Schwielen durch die Zugehörigkeit zur Welt der Eigentümer hervorgerufen werden.
Solche Eigenschaften von Dickens wie unausrottbarer Optimismus, heller und sehr nationaler Humor, nüchterne, realistische Lebenseinstellung - all dies macht ihn nach Shakespeare zum größten Volksautor Englands.
Dickens 'Zeitgenosse - William Thackeray (1811-1863) enthüllt im besten Roman "Vanity Fair" anschaulich und bildlich die Laster der bürgerlichen Gesellschaft. In dieser Gesellschaft spielt jeder seine beabsichtigte Rolle. Thackeray sieht keine Leckereien, er hat nur zwei Kategorien von Charakteren - Betrüger oder Betrogene. Aber der Schriftsteller strebt nach psychologischer Wahrheit, vermeidet die Groteske und Übertreibung, die Dickens innewohnt. Thackeray verachtet die bürgerlich-edle Elite der Gesellschaft, aber er ist dem Leben der unteren Klassen gleichgültig. Er ist ein Pessimist, ein Skeptiker.
Am Ende des 19. Jahrhunderts. Die realistische Richtung der englischen Literatur wurde hauptsächlich durch die Arbeit von drei weltberühmten Schriftstellern dargestellt: John Galsworthy (1867-1933), George Bernard Shaw (1856-1950), Herbert George Wells (1866-1946).
So gab D. Galsworthy in der Trilogie "The Forsyte Saga" und "Contemporary Comedy" ein episches Bild der Sitten des bürgerlichen England im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert. Aufdeckung der zerstörerischen Rolle des Besitzes im öffentlichen und privaten Leben. Er schrieb Dramen. Er beschäftigte sich mit Journalismus, wo er die Prinzipien des Realismus verteidigte. Die Trilogie zum Ende eines Kapitels zeigte jedoch konservative Tendenzen.
D. B. Shaw ist einer der Gründer und die ersten Mitglieder der sozialistischen "Fabian Society", der Schöpfer von Dramadiskussionen, die sich auf das Aufeinandertreffen feindlicher Ideologien konzentrieren, eine kompromisslose Lösung für sozio-ethische Probleme ("Witwerhäuser", "Mrs. Warrens Beruf", " Apfelkarren"). Shaws kreative Methode ist gekennzeichnet durch ein Paradoxon als Mittel zum Sturz von Dogmatismus und Vorurteilen (Androkles und der Löwe, Pygmalion) sowie durch traditionelle Aufführungen (historische Stücke Caesar und Cleopatra, St. John).
HD Wells ist ein Klassiker der Science-Fiction-Literatur. In den Romanen "The Time Machine", "The Nividimka Man" und "The War of the Worlds" stützte sich der Autor auf die neuesten wissenschaftlichen Konzepte. Der Autor verbindet die Probleme, die vor Menschen im Zusammenhang mit dem wissenschaftlichen und technologischen Fortschritt auftreten, mit sozialen und moralischen Prognosen der Entwicklung der Gesellschaft: "Die Geschichte der Menschheit wird zunehmend zu einem Wettbewerb zwischen Bildung und Katastrophe."
Musikalische Kunst. In ihm und mir und im 19. Jahrhundert. Unter den Bedingungen politischer Reaktionen erwies sich die Oper als das am weitesten verbreitete und demokratischste Genre der Theaterkunst. Der Höhepunkt des Realismus in der Musikoper des 19. Jahrhunderts - das Werk des großen italienischen Komponisten Giusete Verdi (1813-1901), das eng mit der italienischen Befreiungsbewegung verbunden ist ("Nabucco", "Lombardei im ersten Kreuzzug"). In Opern wie "Hernani", "Macbeth", "Schlacht von Legnano" werden Proteste gegen jede Gewalt und Unterdrückung zum Ausdruck gebracht. Die Aufführungen von Verdis Opern, die von den Ideen des Kampfes für die Befreiung und Vereinigung Italiens durchdrungen waren, wurden von stürmischen patriotischen Demonstrationen begleitet.
Meisterwerke des Opernrealismus sind Verdis Opern Aida, Othello und Falstaff. Dies sind musikalische Dramen mit einer kontinuierlichen Entwicklung der Handlung. Die Szenen sind frei konstruiert, mit einem flexiblen Übergang vom Rezitativ zum Monolog, vom Solo zum Ensemble. Ein wichtiger Platz wird dem Orchester eingeräumt. Verdi hat eine vollständige Verschmelzung von Musik mit dramatischer Action. Demokratie, tiefe Menschlichkeit von Verdis Kreativität brachten ihm große Popularität. Seine Opern sind ständig im Repertoire opernhäuser die Welt.
Italienische Opern erweckten neue Prinzipien der Gesangs- und Bühnenperformance zum Leben: die dramatische Ausdruckskraft des Gesangs, die schauspielerischen Fähigkeiten des Sängers, die historische Genauigkeit von Bühnenbildern und Kostümen. Die Sänger A. Patti, J. Pasta, I. Kolbran und andere, die Sänger M. Battistini, F. Galdi und andere waren bemerkenswerte Sänger, Vertreter von Belcanto mit Weltruhm.
Im gleichen Zeitraum erschien in der Oper eine neue Richtung - die richtige (nt. Verismo, von vero - wahr, wahr). Ihre Vertreter sind die Komponisten R. Leoncavallo (1857-1919), P. Mascagni (1863-1945), Um. Giordano (1867-1948), G. Puccini (1858-1924). Die Werke dieser Meister basieren auf wichtigen Handlungen; wahrheitsgemäße Darstellung der geistigen Welt gewöhnlicher Menschen; emotional ausdrucksstarke Musik, Fehlen einer hohen sozialen Idee. Es entwickelte sich auch ein bestimmter Aufführungsstil - übertriebener Ausdruck, sentimentale Angst, akutes Drama. Das Beste funktioniert diese Richtung - "Ländliche Ehre" Mascagni, "Pagliacci" Leoncavallo. Dank der psychologischen Tiefe überwindet die Arbeit von G. Puccini, der "Bohemia", "Tosca", "Chio-chio-san" schrieb, den Rahmen des Verismus.
In Frankreich entwickelte sich eine lyrische Oper, die sich von der großen Oper durch intimere Themen und Handlungen unterscheidet, die der klassischen Literatur entlehnt sind. Dies sind die Opern "Manon" und "Werther" von J. Massenet, "Faust" und "Romeo und Julia" von C. Gounod, "Hamlet" von A. Thomas und andere. Lyrische Opern wurden zu exotischen orientalischen Themen geschaffen. Dies sind "Lakme" von L. Delibes, "Pearl Seekers" und "Jamile" von J. Bizet, "Samson and Delilah" von C. Saint-Saens. In lyrischen Opern werden menschliche Erfahrungen wahrheitsgemäß und subtil verkörpert. Der Poetismus ist charakteristisch für die Darstellung des Alltags. Die musikalische Sprache dieser Opern ist demokratisch, nah an der städtischen Folklore.
Der Höhepunkt des Realismus in der Opernkunst Frankreichs wird als J. Bizets Oper Carmen anerkannt. Die Kreativität von Bizet zeichnet sich durch Schärfe der Formen und Klarheit der Darstellung aus. Die Helden der Oper sind gewöhnliche Menschen mit starken und widersprüchlichen Charakteren. Diese Oper verkörpert den spanischen Nationalmusikgeschmack. Es enthält einen angespannten Verlauf dramatischer Ereignisse, eine Vielzahl von Volksszenen. Dies ist eine der beliebtesten Opern der Welt. PI. Tschaikowsky erkannte es als "ein Meisterwerk im wahrsten Sinne des Wortes".
Mitte des 19. Jahrhunderts wurde die Geburtszeit eines neuen Musikgenres - der Operette - einer leichten Oper, die sowohl Tanz als auch Dialog (abgeleitet von der Comic-Oper) umfasst. Die Heimat der Operette ist Fr und ich, und die Gründer sind die Komponisten F. Herve und J. Offenbach.
In A v s t r und zu Beginn des 19. Jahrhunderts Zusammen mit Wien wurden Salzburg, Seisenstadt, Esterhaza und andere zu Musikzentren. Die Wiener Hofoper wurde 1869 eröffnet und dieses Theater wurde zum führenden Musiktheater des Landes. Sein Repertoire wurde von französischen und italienischen Opern dominiert. Im letzten Drittel des 19. Jahrhunderts. Die Venet Operette wurde entwickelt. Seine Gründer: F. Suppe (1819-1895), der "Beautiful Galatea", "Boccaccio" und eine seiner besten Operetten schrieb - "Donna Juanito"; I. Strauss (Sohn) (1825-1849) - seine besten Kreationen "The Gypsy Baron", "The Bat" und andere. Ein bedeutender Komponist dieses Genres - K. Mialeker (1842-1899) - Autor der Operetten "The Beggar Student", "Gasparon" "," Armer Jonathan ".
In der Arbeit dieser Komponisten sind Volksmelodien, Tanzrhythmen weit verbreitet, Operetten zeichnen sich durch Melodie aus.
Die Wiener Walzer ("Die Blaue Donau", "Geschichten aus dem Wiener Wald" usw.), dank denen er den Namen "König der Walzer" erhielt, brachten auch I. Strauss Weltruhm.
Trotz der Tatsache, dass für die Arbeit der englischen Komponisten des 19. Jahrhunderts. Insgesamt ist das Fehlen eines ausgeprägten nationalen Charakters charakteristisch, die Opernkultur in Angl und intensiv gewachsen. Das Covent Garden Theatre war das größte in England und wurde von der italienischen Royal Opera aufgeführt. 1856 wurde die Royal English Opera gegründet. Am Ende des 19. Jahrhunderts. Die Periode, die unter dem Namen der englischen musikalischen Renaissance in die Geschichte eingegangen ist, beginnt - das Interesse der Komponisten an nationalen Themen nimmt zu.
Kunst. In dieser Kunstform ist das Hauptmerkmal des Realismus das Verständnis des sozialen Charakters einer Person. In der Malerei ist Realismus jedoch enger mit bildlichen Mitteln verbunden, die die Illusion visueller Zuverlässigkeit erzeugen.
Der realistische Trend in der Malerei von Franziskus stärkte seine Position in der Mitte des 19. Jahrhunderts. nach der Revolution von 1848 In der Geschichte der französischen Kunst gab es nie einen Kampf zwischen zwei Lagern, zwei grundlegend entgegengesetzten künstlerische Kulturen war nicht so akut wie in dieser Zeit. Die besten Eigenschaften des französischen Volkes und seiner fortgeschrittenen Kunst wurden von Künstlern wie Millet, Courbet, Manet, Carpa verkörpert. Sie durften nicht zu den Ausstellungen, die in Zeitungen und Zeitschriften verfolgt wurden. Sie wurden von der Masse der Kunsthändler, den Favoriten Napoleons III. Und der gesamten reaktionären Bourgeoisie des Zweiten Reiches abgelehnt.
J. F. Mimet (1814-1875) zeigte in seinen epischen monumentalen und lebensfrohen Wahrheitsbildern die französische Bauernschaft, seine Arbeit, seine moralische Stärke ("Die Erntemaschinen des Weizens", "Angelus").
Hirse und Courbet wurden die Vorläufer des Impressionismus. Die Werke von Edouard Manet (1832-1883) sind Paris gewidmet. Er ist einer der brillanten Koloristen der Kunstwelt. In seinen Gemälden wird mit erstaunlicher Wachsamkeit und Frische die wahre Charakterisierung aller Arten von Parisern ("Frühstück im Studio", "Lesen", "Im Boot", "Dana") vermittelt, die das Erscheinungsbild des damaligen Frankreich in unsere Tage tragen. Obwohl Manet in seinen ersten Gemälden versuchte, die Bilder und Handlungen der alten Meister im Geiste der Moderne zu überdenken ("Frühstück auf dem Rasen", "Olympia"), begann er, Gemälde zu alltäglichen, historischen, revolutionären Themen zu schaffen. Die mächtigste Seite in der Geschichte des kritischen französischen Realismus ist sein letztes Gemälde, The Bar at the Folies-Bergeres, über die Einsamkeit der menschlichen Existenz. Im Vorgriff auf den Impressionismus wandte er sich der Lichtmalerei unter freiem Himmel ("Argenteuil") (Freilicht (französische Freiluft, wörtlich - Freiluft) - in der Malerei, der Reproduktion von Veränderungen der Luftumgebung durch Sonnenlicht und dem Zustand der Atmosphäre zu.
Die Blütezeit der Angl- und Y-Malerei liegt im 19. Jahrhundert. für das erste Drittel des Jahrhunderts. Es ist mit der Entwicklung der brillanten Landschaftsmalerei verbunden.
Einer der markantesten Künstler seiner Zeit war William Termou (1775-1851). Er reiste viel in Europa und seine Landschaften erhielten eine romantische Orientierung ("Shipwreck"). Mutig in koloristischen und luftigen Suchen, mit einer verzerrten Skala von Objekten, sind seine Gemälde sozusagen die Vorgänger des Impressionismus ("Regen, Dampf und Geschwindigkeit"). Er wurde auch als historischer Maler berühmt, der Landschaften mit mythologischen oder historischen Szenen schuf ("Der Garten der Hesperiden", "Dido Building Carthage" usw.).
F. Goyas Arbeit. Nach Velasquez 'Tod im Jahr 1660 war die spanische Kunst hundert Jahre lang stark rückläufig. Und erst Ende des 18. - Anfang des 19. Jahrhunderts. rückwärts Spanien brachte unerwartet einen brillanten Künstler hervor, der nicht nur einer der größten Maler und Grafiker Spaniens wurde, sondern auch einen tiefgreifenden Einfluss auf die gesamte europäische Kunst des 19. und 20. Jahrhunderts hatte - Francisco Goya (1746 - 1828). Er schuf eine Vielzahl schöner Fresken, Gemälde, Radierungen, Lithografien und Zeichnungen. (Ätzen (aus französischer Salpetersäure) ist eine Art von Gravur, bei der eine Zeichnung mit einer Gravurnadel in einer Schicht aus säurebeständigem Lack, die eine Metallplatte bedeckt, zerkratzt wird. Die zerkratzten Stellen werden mit Säure geätzt, und das resultierende Tiefenbild wird mit Farbe gefüllt und auf Papier gezogen.)
Theater. Im politisch fragmentierten Hermann und Theater konzentrierte sich das Leben auf Kleinstädte, in denen die Hoftheater das klassische Repertoire spielten.
Die Abschaffung der Hoftheatermonopole im Jahr 1869 führte zur Entstehung vieler kommerzieller Theater und zu einem Rückgang des künstlerischen Niveaus des Repertoires. Das Meininger Theater, das 1871 zum Stadttheater wurde, begann den Kampf um Aufführungen als einstufiges Werk. Die größten Schauspieler in Deutschland im mittleren und späten 19. Jahrhundert. waren B. Davison, A. Mashkovsky, E. Possart.
In den Stücken von G. Ibsen, G. Hauptmann leuchteten die großen Tragiker I. Caina und A. Zorma.
Um die Jahrhundertwende wurde Berlin zum Theaterzentrum Deutschlands. 1883 wurde das Deutsche Theater eröffnet, 1889 das Freie Theater, das das Drama von Ibsen, Hauptmann, E. Zola, L. Tolstoi förderte.
Zu Beginn des 19. Jahrhunderts. Das Theaterleben von A in st r war geprägt von einer großen kreativen Blüte der Theater der Vororte, die mit den Aktivitäten des Dramatikers F. Raimund und des Schauspielers I. N. Pestrai verbunden war. Nach der Revolution von 1848 verloren diese Theater jedoch ihren demokratischen Charakter, ihr Repertoire wurde von Unterhaltungsstücken dominiert.
In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Der führende Platz im Theaterleben Österreichs war das "Burg-Theater". Sein Anführer G. Laube genehmigte die Klassiker auf der Bühne. In der 70-8Q-e. Das Theater wurde von F. Dilgenstedt geleitet, der einen Zyklus von Shakespeares Tragödien inszenierte, Stücke von Ibsen, Gogol, Turgenev, L. Tolstoi.
Ballett. Der Geburtsort des modernen europäischen Balletts ist I t und l. Das italienische Ballett basierte auf den Traditionen der alten Pantomime und des Tanzes und der reichen Kultur des Volkstanzes. Um die Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert. Mit der Entwicklung des italienischen Balletts begann eine neue Phase, die mit der Zeit des Befreiungskampfes des italienischen Volkes zusammenfiel. Performances wurden nach dem Prinzip eines effektiven Balletts geschaffen, das mit Drama, Dynamik und Ausdruck gesättigt ist. Solche Ballette wurden von G. John und S. Vshit inszeniert, Tänzer-Pantomimisten spielten in ihnen.
Das Theater an der Scala galt als das größte Zentrum der Ballettkunst in Europa. 1813 wurde am Theater eine Ballettschule eingerichtet.
In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. In Italien wie auch in anderen Ländern Westeuropas war ein Rückgang der Ballettkunst zu verzeichnen. Zu dieser Zeit wurde ein virtuoser Aufführungsstil etabliert. Die Aufmerksamkeit richtet sich auf die Überwindung technischer Schwierigkeiten, und dramatische Ausdruckskraft tritt in den Hintergrund. In den 80er Jahren des 19. Jahrhunderts. Es wurden überwiegend bezaubernde Performances inszeniert, die sich durch ihre Umständlichkeit auszeichneten und in der Regel keinen ideologischen Inhalt hatten.
BODLER Charles - Französischer Dichter. Die poetische Tätigkeit von B. fiel mit dem Aufblühen romantischer und parnassianischer Tendenzen in der französischen Literatur zusammen. Nach dem Sturm der Französischen Revolution und dem Epos der Napoleonischen Kriege wurde in Frankreich ein bürgerlicher Orden gegründet, der nicht nur die Bestrebungen der breiten Masse erfüllte, sondern auch die Bestrebungen der Mittelschichten, des Kleinbürgertums, das die meisten Künstler im Allgemeinen und insbesondere Schriftsteller und Dichter hervorbrachte.
Es sollte auch angemerkt werden, dass in der Epoche von 1848, als ein starker revolutionärer Krampf die bürgerliche Welt erschütterte, Baudelaire aufzuwachen schien. Zu dieser Zeit gehören seine Werke - "Twilight", "Dawn" und "Rag-Pickers 'Revel". Demokratische und leicht revolutionäre Noten tauchten in Bs Gedichten auf, verschwanden jedoch bald in noch dunklerer Enttäuschung.
Sein Hauptwerk ist Flowers of Evil (Les fleurs du mal, 1857; es gibt russische Übersetzungen von Yakubovich-Melshin und Ellis; viele andere Dichter übersetzten es ebenfalls: Sologub, Vyacheslav Ivanov usw.). "Flowers of Evil" ist die Quintessenz jener Stimmungen, über die wir oben gesprochen haben. B., ein Zeitgenosse der Parnassianer, der eine außergewöhnliche filigrane poetische Form, Festigkeit der Struktur, Sparsamkeit in Worten, strengen Rhythmus und die Wahl der Bilder sowie eine tiefe Übereinstimmung der Ausdrücke mit ihnen forderte, gehorchte nicht nur all diesen Bedingungen, sondern erwies sich auf seine Weise als einer der größten Meister eines solchen Klassikers Vers. B. gehört zur Rasse der Bildhauerdichter. Er schnitzt oder schmiedet seine Gedichte. Seine Werke sind solide, jedes Wort steht definitiv an seiner Stelle. Das Können ist hier mutig.
Der Realismus als eigenständiger Trend wurzelte in den 1840er Jahren, die später in Form eines kritischen Realismus übergingen ( höchster Punkt Realismus - Enthüllung der Laster der Gesellschaft). Die Entwicklung des Realismus ging mit der Entwicklung der kapitalistischen Produktionsweise und folglich mit der Zunahme sozialer Widersprüche einher, die sich in der damaligen Kunst widerspiegelten.
Realismus in der Kunst des 19. Jahrhunderts verbindet sich mit Romantik
Enttäuschung über das Ergebnis von Revolutionen
Negative Einstellung zur bürgerlichen Realität
Appell an die geistige Welt eines Menschen
Der Kampf um Selbstbestätigung
Das Thema der Nationalität ist eng
Im Gegensatz zu Romantikern, die vor der Realität fliehen und Notsituationen, außergewöhnliche Persönlichkeiten, heldenhafte Situationen und stürmische Leidenschaften des Lebens berücksichtigen, dringt der Realismus jedoch tief in die Realität und in das öffentliche Leben ein.
Neue Ansätze realistischer Künstler des 19. Jahrhunderts in der Reflexion, was wirklich "hier und jetzt" passiert.Die Künstler waren überzeugt von der Möglichkeit, die objektiv existierende Welt mittels Kunst zu kennen. Sie wandten sich Szenen des bürgerlichen Lebens zu, beleuchteten das Leben der Bauern, das Arbeitsleben der städtischen Unterschicht.
Einer der ersten Realisten der französischen Malerei war Gustave Courbet, der sich mit dem Thema Arbeit befasste ("Stone Crushers"), schrieb soziale Leinwände, die auf realen Motiven basierten ("Funeral at Ornans"). Courbets "Proseismus" ist eine offene Herausforderung für die offizielle Kritik.
Francois Millet - Ein Bauerngenre ohne melodramatische und ethnografische Schattierungen, das jedoch durch die Übertragung von Posen, Gesten und Körperbewegungen die Natur des Arbeitsprozesses, die Stärke und Geschicklichkeit der Bauern offenbarte ("Bäuerinnen mit Reisig", "Ohren sammeln") - episch monumentale Leinwände voller Vitalität und Wahrheit ...
Honore Daumier ist ein Künstler des kritischen Realismus, der wie O. Balzac die "Human Comedy" der damaligen Zeit in Tausenden von Lithografien, Zeichnungen und Gemälden schuf - Karikaturen von König Louis-Philippe in den satirischen Magazinen "Caricature" und "Sharivari" ("Lower the Curtain"). ), sein Hauptgenre ist die Satire der Moral: die philistische Welt der Betrüger, Narren, Provinziale in der Hauptstadt ("Figuren der Gerechtigkeit"). "Wäscherin" ist kein Porträt, sondern ein kollektives Bild aller Pariser Wäscherinnen; ein Porträt, in dem der Autor seine ganze Liebe zu den Menschen zum Ausdruck brachte. Eine Reihe von Illustrationen für Don Quijote, in denen der Künstler nach dem Bild der Hauptfigur versuchte, seine eigene Position in der Gesellschaft, das Thema des menschlichen Leidens, widerzuspiegeln. Die soziale Schärfe seiner Handlungen ist ein Gegengewicht zur verbotenen Zensur.
Französische Nationallandschaft:
Jean Baptiste Camille Corot - poetische Spiritualität der Natur; Lieblingsmotiv - "nach dem Regen", dh veränderlicher Naturzustand; die silberne Tonalität seines Gemäldes "Koro's Grey Haze".
Barbizon Schule - das Hauptziel: das Bild der Originalität der nationalen Landschaft, die Übertragung der sich ändernden Naturzustände, die Ablehnung kompositorischer Kanone. Theodore Russo - "Landschaft mit einer Brücke" - eine Landschaft aus der Natur, besondere Aufmerksamkeit für die Form, alle Bäume sind individuell, bildliche Modellierung macht sie voluminös und fast skulptural, ihre Monumentalität wird durch einen niedrigen Horizont betont.
Jules Dupre - "Herbstlandschaft" - Die Wirkung der untergehenden Sonne betont den Kontrast der Farben der Herbstlandschaft nach dem Regen, wobei die in der Komposition dominierenden Bäume besonders feierlich sind.
Charles Daubigny - Flusslandschaften ("Ufer der Oise"), der Wunsch, die geringsten Veränderungen im Naturzustand einzufangen, eine subtile bildliche Übertragung von lichtumhüllenden Objekten.
Seit dem Ende des 18. Jahrhunderts. Frankreich spielte eine wichtige Rolle im sozialen und politischen Leben Westeuropas. XIX Jahrhundert. gekennzeichnet durch eine breite demokratische Bewegung, die fast alle Schichten der französischen Gesellschaft umfasste. Auf die Revolution von 1830 folgte die Revolution von 1848. 1871 unternahm das Volk, das die Pariser Kommune proklamierte, den ersten Versuch in der Geschichte Frankreichs und ganz Westeuropas, die politische Macht im Staat zu übernehmen.
Die kritische Situation, die sich im Land entwickelt hat, konnte die Haltung der Menschen nur beeinflussen. In dieser Zeit sucht die fortschrittliche französische Intelligenz nach neuen Wegen in der Kunst und nach neuen Formen des künstlerischen Ausdrucks. Deshalb wurden in der französischen Malerei viel früher realistische Tendenzen aufgedeckt als in anderen westeuropäischen Ländern.
Die Revolution von 1830 erweckte in Frankreich demokratische Freiheiten zum Leben, die Grafiker unweigerlich ausnutzten. Scharfe politische Karikaturen gegen die herrschenden Kreise sowie die in der Gesellschaft vorherrschenden Laster füllten die Seiten der Magazine "Sharivari", "Caricature". Abbildungen für Zeitschriften wurden mit der Technik der Lithographie gemacht. Künstler wie A. Monier, N. Charlet, J. I. Granville sowie der wunderbare französische Grafiker O. Domier arbeiteten im Genre der Karikaturen.
Eine wichtige Rolle in der französischen Kunst in der Zeit zwischen den Revolutionen von 1830 und 1848 spielte der realistische Trend in der Landschaftsmalerei - die sogenannte. Barbizon Schule. Dieser Begriff stammt vom Namen des kleinen malerischen Dorfes Barbizon in der Nähe von Paris, wo in den 1830er-1840er Jahren. Viele französische Künstler kamen, um die Natur zu studieren. Unzufrieden mit den Traditionen der akademischen Kunst, ohne lebendige Konkretheit und nationale Identität, strebten sie nach Barbizon, wo sie bei sorgfältiger Prüfung aller Veränderungen in der Natur Bilder malten, die bescheidene Ecken der französischen Natur darstellen.
Obwohl sich die Werke der Meister der Barbizon-Schule durch ihre Wahrhaftigkeit und Objektivität auszeichnen, sind die Stimmung des Autors, seine Emotionen und Gefühle immer in ihnen zu spüren. Die Natur in den Landschaften der Barbizon scheint nicht majestätisch und distanziert zu sein, sie ist dem Menschen nahe und verständlich.
Oft malten Künstler denselben Ort (Wald, Fluss, Teich) zu verschiedenen Tageszeiten und unter verschiedenen Wetterbedingungen. Sie verarbeiteten Skizzen, die in der Werkstatt unter freiem Himmel angefertigt wurden, und schufen ein Bild, das ein wesentlicher Bestandteil der kompositorischen Konstruktion war. Sehr oft verschwand im fertigen Gemälde die Frische der den Skizzen innewohnenden Farben, weshalb die Leinwände vieler Barbizonianer durch eine dunkle Farbe gekennzeichnet waren.
Der größte Vertreter der Barbizon-Schule war Theodore Rousseau, der sich bereits als berühmter Landschaftsmaler von der akademischen Malerei zurückzog und nach Barbizon kam. Rousseau protestiert gegen die barbarische Entwaldung und verleiht der Natur menschliche Qualitäten. Er selbst sagte, er höre die Stimmen der Bäume und verstehe sie. Als ausgezeichneter Kenner des Waldes vermittelt der Künstler die Struktur, Art und Größe jedes Baumes sehr genau ("Forest of Fontainebleau", 1848-1850; "Oaks in Agremont", 1852). Gleichzeitig zeigen Rousseaus Arbeiten, dass der Künstler, dessen Stil unter dem Einfluss der akademischen Kunst und der Malerei der alten Meister entstanden war, das Problem der Vermittlung einer Licht-Luft-Umgebung nicht lösen konnte, egal wie sehr er sich bemühte. Daher sind Licht und Farbe in seinen Landschaften meistens bedingt.
Rousseaus Kunst hat junge französische Künstler stark beeinflusst. Vertreter der Akademie, die an der Auswahl der Gemälde für die Salons beteiligt waren, versuchten, Rousseau daran zu hindern, auf Ausstellungen zu arbeiten.
Berühmte Meister der Barbizon-Schule waren Jules Dupre, dessen Landschaften Merkmale romantischer Kunst enthalten (The Big Oak, 1844-1855; Landschaft mit Kühen, 1850), und Narcis Diaz, der den Wald von Fontainebleau mit den nackten Figuren von Nymphen und alten Göttinnen (Venus) bewohnte mit Amor ", 1851).
Charles Daubigny, der seine Karriere mit Illustrationen begann, war ein Vertreter der jüngeren Generation der Barbizonianer, jedoch in den 1840er Jahren. der Landschaft gewidmet. Seine lyrischen Landschaften, die unscheinbaren Ecken der Natur gewidmet sind, sind voller Sonnenlicht und Luft. Sehr oft malte Daubigny nicht nur Skizzen aus der Natur, sondern auch fertige Gemälde. Er baute eine Bootswerkstatt, auf der er den Fluss entlang segelte und an den attraktivsten Orten anhielt.
Der größte französische Künstler des 19. Jahrhunderts stand den Barbizoniern nahe. K. Corot.
Die Revolution von 1848 führte zu einem außerordentlichen Aufschwung des öffentlichen Lebens Frankreichs, seiner Kultur und Kunst. Zu dieser Zeit arbeiteten zwei große Vertreter der realistischen Malerei im Land - J.-F. Millet und G. Courbet.
Der französische Realismus wird hauptsächlich mit den Namen Stendhal und Balzac in Verbindung gebracht, und dies ist historisch wahr. Wir dürfen jedoch nicht vergessen, dass sie talentierte Vorgänger hatten, in deren Werken die realistischen Prinzipien des Schreibens sehr deutlich aufgezeigt wurden. Wir sprechen über den Dichter Pierre-Jean Beranger, der weithin für seine Lieder bekannt ist, und den Prosaschreiber Paul-Louis Courier, den berühmten Pamphleten, der die französische Sprache mit den Worten von Stendhal "zu ihrer früheren Einfachheit" zurückbrachte. Berangers Lieder und Kurierbroschüren trugen zur Entwicklung einer realistischen Poetik bei. Das gleiche Ziel wurde von alltäglichen, moralischen und "physiologischen" Aufsätzen verfolgt, die zur Massenschule des französischen Realismus wurden.
In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts traten große Schriftsteller auf der literarischen Bühne Frankreichs auf, die ihr Weltruhm einbrachten: Frederic Stendhal (Pseudonym von Henri-Marie Beyle; 1783-1842), Honore de Balzac (richtiger Name Balsa; 1799-1850) und Prosper Mérimée (1803) -1870).
Stendhal (Romane "Armane", "Rot und Schwarz", "Parma Cloister", "Lucien Leuven", "Lamiel", die Geschichte "Memoiren eines Egoisten", die Kurzgeschichte "Vanina Vanini", die Bücher "Das Leben von Haydn, Mozart und Metastasio", " Die Geschichte der Malerei in Italien "," Rom, Neapel und Florenz "," Über die Liebe "," Das Leben von Rossini "," Racine und Shakespeare "und andere Werke) war der Schöpfer eines realistischen psychologischen Romans. Dies war sein Hauptverdienst, an dem die Weltliteraturbewegung nicht vorbeiging.
Stendhal war ein Demokrat, der nach den Ursachen von Phänomenen in der umgebenden Realität suchte. Er hatte ein außergewöhnliches Interesse am menschlichen Geist und seinen Verbindungen mit den Sinnen. Stendhal pflegte zu denken, dass im Zentrum aller menschlichen Handlungen ein persönliches, egoistisches Verlangen steht, das jedoch dem moralischen Gefühl untergeordnet werden muss. Er legte großen Wert auf den Willen und betrachtete ihn als eine der Hauptkräfte der Persönlichkeit.
In seinen Romanen legt Stendhal im Gegensatz zu anderen Realisten, insbesondere aus Balzac, einen stärkeren Schwerpunkt auf die innere Welt eines Menschen als auf die Gesellschaft und auf das äußere Umfeld des Helden. Ein Mensch zieht ihn weniger als soziales Produkt an, als vielmehr als das Leben seines Bewusstseins. Dennoch gibt Stendhal den sozio-historischen Determinismus nicht auf. Um Pietro, den Helden des Romans „Vanina Vanini“, mit einem romantischen Heiligenschein, motiviert Stendhal seine Leidenschaft mit der Nationalität (Italienisch), der besonderen Rolle der Religion in seinem Kopf (nach der Niederlage fühlt er sich als Patriot bestraft und greift auf die Hilfe der Religion zurück), dem sozialen Gefühl, befahl ihm, die Liebe einer Frau der Liebe zur Heimat vorzuziehen. Um die Prinzipien der Kreativität zu erläutern, nutzt Stendhal seine Erfahrung und zeichnet die Figuren, die er darstellte, aus den ihm vertrauten Personen: „Ich nehme eine der Personen, die ich kannte, und sage mir: Diese Person hat bestimmte Gewohnheiten erworben und geht jeden Morgen auf die Jagd nach Glück. und dann gebe ich ihm etwas mehr Intelligenz. " Stendhal glaubte, dass eine Person (und in vielerlei Hinsicht eine Gesellschaft) von Leidenschaften regiert wird. Das wichtigste von ihnen ist die Liebe, die zum Zentrum seines künstlerischen Interesses geworden ist.
Stendhal hebt vier Liebesleidenschaften hervor (On Love): "Passionsliebe", "Passionsambition", "Passionsattraktion", "körperliche Leidenschaft". Das Hauptaugenmerk liegt auf den ersten beiden, von denen "Passionsliebe" wahr und ewig ist und "Passionsambition" scheinheilig und aus dem 19. Jahrhundert geboren ist.
Stendhals Psychologismus basiert auf dem Kontrast von "Passionsliebe" und "Passionsambition" einerseits und auf dem Kontrast von Leidenschaft und Vernunft andererseits. Der Held von Stendhal bemerkt, wie Petschorin später in Lermontovs, dass es in einer Person zwei zu geben scheint: einer lebt und handelt, und der andere beobachtet ihn. Aus der Erfahrung der Kontemplation zieht der Schriftsteller eine wichtige Schlussfolgerung: "Die Seele hat nur Zustände, sie hat keine stabilen Eigenschaften." Der tiefste Weg, die innere Welt, das Leben der Seele, zu offenbaren, ist der innere Monolog, der für alle Hauptfiguren des Schriftstellers charakteristisch ist - Julien Sorel, Lucien Leuven, Fabrizio del Dongo usw.
Im geistigen Leben von Stendhal interessiert er sich für die Bewegung des Denkens, da Leidenschaften von einem rationalen Prinzip durchdrungen sind. Der Autor hört auf, bevor er mentale Zustände untersucht, und weist nur darauf hin. Die Handlungen der Helden werden jedoch immer von ihm in Verbindung mit Reaktionen auf sie dargestellt, und dies gibt eine Vorstellung von der endlosen Individualität der rationalen und sensorischen Erfahrung von Menschen.