In der Antike in Indien und in anderen Ländern war Kunsthandwerk kein eigenständiges Kunstgebiet. Skulpturales und künstlerisches Schaffen, Malerei und Architektur galten als Handwerk. Die Arbeiten waren in der Regel anonym.

Die am weitesten verbreitete Art der dekorativen und angewandten Kunst sollte als Kunst künstlerisch gestalteter Dinge betrachtet werden, dh Kunstprodukte - Alltagsgegenstände und Werkzeuge, heilige rituelle Accessoires und Waffen. Diese Kunst existiert seit der Antike.

Die Form einfacher Werkzeuge war in der Regel harmonisch und künstlerisch, und die Bilder darauf hatten einen thematischen oder rein dekorativen Charakter. Die Dekoration hat immer den alltäglichen Zweck und die Form des Objekts berücksichtigt.

Künstlerische Produkte Indiens in verschiedenen Teilen des Landes sind nicht identisch und unterscheiden sich in Spezifität und lokaler Originalität. Es ist interessant, dass zum Beispiel in Sri Lanka noch mehr als in Indien selbst die Traditionen der indischen Kunst der Antike, die Zeit der Verbreitung und des Aufblühens des Buddhismus, erhalten geblieben sind. Bis zum XI Jahrhundert. Der Buddhismus verschwand fast in Indien, überlebte jedoch in Sri Lanka und übertrug die alte indo-singhalesische Tradition in Kunstdenkmälern. Diese Tradition trug im Mittelalter zur Unterscheidung des singhalesischen Handwerks vom Tamil bei, das nicht mehr mit dem Buddhismus, sondern mit dem Hinduismus verbunden war. Abgesehen davon brachten die künstlerischen Fähigkeiten und Geschmäcker der Singhalesen, ihre ästhetische Wahrnehmung, Originalität in die lokale Kunstproduktion, in die monumentale Malerei und Skulptur.

Der Großteil der Kunstgegenstände, die uns erhalten geblieben sind, stammt aus dem 18. Jahrhundert. Das Kunsthandwerk Sri Lankas war eng mit dem südindischen verwandt. Erfahrene tamilische Handwerker aus Südindien wurden jahrhundertelang und sogar im 18. Jahrhundert nach Sri Lanka importiert. Sie konkurrierten mit singhalesischen Handwerkern. Bei Besuchen von Webern aus großen Städten im Süden Indiens webten Mitglieder lokaler Handwerkerorganisationen (sreni), die auf Singhalesisch "salagamayo" genannt wurden, feine Muslins mit Goldfäden für die Gewänder des singhalesischen Adels. Die tamilischen Könige von Sri Lanka förderten besonders ihre eigene Mode von Kleidung und Schmuck. Bis zur englischen Besetzung von Kandy im Jahr 1815 blieben Form und Dekoration des Kunsthandwerks viele Jahrhunderte lang unverändert gegenüber früheren Jahrhunderten. Die Kolonialzeit in Indien war für Kunst und Handwerk katastrophal. Die staatliche Organisation der Handwerker wurde von den britischen Kolonialisten zerstört, die traditionelle Kunstproduktion verfiel. Die Entwicklung der kapitalistischen Beziehungen und der Import ausländischer Industriegüter untergruben schließlich das Volkskunsthandwerk. Der Niedergang des nationalen Kunsthandwerks bedeutete tatsächlich das Verschwinden der einzigen Kunstform, die ihnen im Allgemeinen aus dem Alltag der Menschen zur Verfügung stand. Einige Arten der künstlerischen Produktion überlebten in Indien jedoch bis zu seiner Unabhängigkeit, als eine neue Periode in der Entwicklung der nationalen Kunst begann.

In der Mongolei haben sich auch andere Ornamente mit symbolischer Bedeutung verbreitet. Dazu gehören Ornamente aus Ochiren - Blitzzeichen - ein Symbol für unbesiegbare Macht, Schutz vor dem Bösen; Das Ornament aus drei Kreisen, die sogenannten drei Juwelen, symbolisierte die Einheit von Seele, Körper und Wort. badam tsetseg - ein blühender weißer lotus - verkörperte die reinheit der seele und die gedanken einer person.

Die dekorativen und angewandten Künste der Mongolei im Verlauf der historischen Entwicklung sowie einzigartige Besonderheiten haben auch eine Reihe von Elementen der Kulturen früherer Epochen benachbarter Völker aufgenommen. Viele dekorative und angewandte Kunstwerke sind mit alten Kulten und Überzeugungen der Mongolen verbunden. Zum Beispiel wurden Gegenstände für schamanische Rituale mit Bildern von Sonne, Mond und Sternen geschmückt. Die Sonne wurde in Form eines Kreises mit von ihr ausgehenden Strahlen dargestellt, die außen von einem anderen Kreis umgeben waren, der den Mond symbolisierte.

Ongons - Idole waren auch Denkmäler alter Kulte. Sie wurden als Aufbewahrungsorte der Seelen der Toten angesehen, die lebende Mitglieder der einen oder anderen Art bevormunden oder schädigen. Ongons wurden verschiedene Gestalten gegeben: Mensch, Tier, Vogel. Manchmal wurden sie in Form von Bäumen, Mond, Sternen usw. hergestellt. Anschließend drangen symbolische Bilder von Schutzgeistern in Volksornamente ein. Die schriftlichen Quellen enthalten interessante Informationen über die Ongons, die in der Antike von den Mongolen verehrt wurden. Zum Beispiel schreibt Plano Carpini: „... sie (die Mongolen. - N. Ts.) Haben eine Art Filzidole, die nach dem Bild eines Menschen geschaffen wurden, und sie setzen sie auf beide Seiten der Tür des Hauptquartiers ... sie erkennen sie als Wächter Herden, die ihnen eine Fülle von Milch und Nachkommen von Vieh geben ... Und wenn sie diese Idole machen wollen, dann versammeln sich alle älteren Hausfrauen, die in diesen Raten sind, versammeln sie mit Ehrfurcht, und wenn sie dies tun, töten sie die Schafe, essen sie und verbrennen sie am Feuer ihrer Knochen. "

Unter den Ongons mit menschlichen Masken wurden Frauen und Männer unterschieden. Frauen bestanden aus Kupfer und Männer aus Eisen. Menschliche Typen wurden von Angesicht zu Angesicht dargestellt, mit flachem Körper, gefroren, ohne den geringsten Versuch, Bewegung zu vermitteln. Manchmal zeichneten sie auf derselben Platte unverbundene, isolierte Figuren, von denen jede ihre eigene besondere Bedeutung hatte. Symbole waren in ihnen weit verbreitet. Helle Farben symbolisierten Frieden, gut, während dunkle - böse, Laster. Es gab auch Idole - Förderer der Industrie. Zum Beispiel wurden im unteren Teil des Ongon der Schmiede Schmiedewerkzeuge dargestellt.

Die Geheimnisse und Besonderheiten der Ausführung von Objekten schamanischer Rituale und Ongons wurden von Generation zu Generation nahezu unverändert weitergegeben.

Mit der Ankunft und Verbreitung des Lamaismus in der Mongolei war eine große Anzahl dekorativer und angewandter Kunstwerke erforderlich, um Klöster und Tempel zu schmücken.

In großen Klöstern wurden Werkstätten eingerichtet, in denen Handwerker verschiedener Berufe arbeiteten. Nach offiziellen Berichten aus dem Jahr 1926 arbeiteten zu Beginn dieses Jahrhunderts mehr als 1200 Volkshandwerker in der Mongolei, darunter 255 Juweliere, 297 Schmiede, 590 Schnitzer und 85 gelernte Näherinnen. Im Staatsarchiv der Mongolischen Volksrepublik gibt es ein interessantes Dokument, das besagt, dass nur einer der souveränen Fürsten des Landes 245 qualifizierte Handwerker der dekorativen und angewandten Kunst beschäftigte: Verfolger für Silber, Messing und Kupfer, Gießereiarbeiter, Tischler, Weber und Sticker.

In der dekorativen und angewandten Kunst der Mongolen gab es keine fest etablierten Kanonmuster wie in der bildenden Kunst. Daher hatte jeder Meister eine relativ große kreative Freiheit und konnte seine künstlerische Individualität zeigen. Zum Beispiel waren alle Grundelemente der Jurte, beginnend mit dem Toon - der obere Ring der Jurte, Rahmenwände, Dachpfosten, Filzüberzug, Tür, innerer Vorhang, Filz für den Boden - das Werk von Volkshandwerkern. Alte Geschichten und Epen enthalten oft Verherrlichungen der Schönheit der Jurte. So wird zum Beispiel die Jurte des Helden Ezen beschrieben:

"Auf der Südseite der Jurte sind ein Pfau und ein Fasan über die Tür geschnitzt; auf der Schwelle - ein fliegender Drachen und ein Roller; etwas höher, weiter in der Mitte, sind die geschnitzten Figuren des Garudi-Vogels; auf der Gitterwand der Jurte - kämpfende männliche Widder; auf den Uni-Polen - vom Flug berauscht Vögel, auf dem oberen Ring-Tono - die majestätische Gestalt von Garudi; auf dem Kreis sind sichtbare Möwen. Nur vier Birken stehen; auf ihnen sind ein Löwe und ein Tiger geschnitzt, die sich in einem heftigen Kampf auseinandersetzen. "

In dem Aufsatz des 17. Jahrhunderts - der Biographie von Zai-Pandit vom Oirat Namkhajamtso (1599-1662) - wird die Jurte sehr detailliert beschrieben: "Die Jurte eines der Fürsten hatte einen silbernen Tono mit einem Eisenbügel, polierte Einpolen in verschiedenen Farben, die Khans - Faltgitterwände , Falttüren mit versilberter Eisenverkleidung, eine äußere Hülle aus kasachischem rotem und grünem Stoff, eingefasst mit mehrfarbigen Seidenstoffen. "

Die Herstellung von Jurtenstrukturen, deren Dekoration mit den Traditionen der künstlerischen Holzbearbeitung verbunden ist.

Die Mongolen haben lange Zeit viele Haushaltsgegenstände aus Holz hergestellt: Karren, Truhen, Schränke, Geschirr, Sättel, Musikinstrumente und Schach - Khorol, die in jeder Jurte enthalten waren, Spielzeug, Holzschnittbretter zum Drucken von Büchern und Ikonen, Skulpturen und vieles mehr.

Für diese Zwecke wurde nur trockenes Holz verwendet. Daher wurde besonderes Augenmerk auf die richtige Trocknung gelegt. Es gab verschiedene Holzarten - elektrisch leitend, die als Material zum Schnitzen dienten, und zur Schallübertragung, aus der Musikinstrumente hergestellt wurden. Erfahrene Tischler und Schnitzer bestimmten normalerweise die Qualität und den Zweck von Holz im Wald. Dann wurde die Rinde von dem vom Meister ausgewählten Baum entfernt, um ihn lange trocknen zu lassen, wonach der Baum gefällt wurde. Dann wurde der Kern entfernt und der Zylinder für eine Weile in Wasser getaucht, um das Harz zu entfernen. Kleine Holzstücke wurden in Wasser gekocht. Es sind viele Methoden zum Trocknen von Holz bekannt.

Rituelle Figuren - Ongons (Amulette). Kupfer. XVI Jahrhundert Privatsammlung

Tröge, Mörtel zum Zerkleinern von Ziegeltee wurden aus einem einzigen Stück Hartholz durch Ausstechen hergestellt. Rührwerke für Kumis, Schöpflöffel, Schalen, Fleischtröge und Destillationsgefäße wurden ebenfalls aus massivem Holz ausgehöhlt, und in diesem Fall wurde hauptsächlich Birken- und Espenholz verwendet, das keinen Geruch absorbierte und sich durch seine Dichte auszeichnete. Im Sommer wurde der Stamm eines wachsenden Baumes von einer Seite abgeschnitten und so halb kahl gelassen. Im Herbst trocknete der Baum aus und bog sich zur Seite, wo noch lebendes Holz und Saft lauerten. Auf diese Weise wurde die gekrümmte Form erhalten, die erforderlich ist, um beispielsweise den oberen Ring eines Jurten-Tonos herzustellen. Für das künstlerische Schnitzen wurden Birke, Zeder, Sanddorn, Hartriegel, Saxaul, Tamariske, Wacholderwurzeln, Esche und einige andere Holzarten verwendet. Aus importiertem gebrauchtem Sandelholz und Mahagoni. Musikinstrumente bestanden aus Holz, hauptsächlich Streicher. Zum Beispiel gab es sechs verschiedene Arten von Gusli-Yatga: einsaitig, zwei-, drei-, fünf-, sieben- und neunsaitig. Der Deku Yatgi wurde aus Holz geschnitzt, das Klang gut überträgt, und der untere Teil aus einem ganzen Stück Tunga-Holz. Deko wurde mit Blumenmustern verziert. Das epische Gedicht "Jangar" bietet eine sehr poetische Beschreibung der Yatga und ihres Klangs:

Wenn der Souverän beginnt

Einundneunzig Saiten

Gusleysilberne aussortieren,

Wenn die Hansha anfängt zu spielen,

- Es scheint: im Schilf

Swan fliegt einen runden Tanz

Der Schwanenrundtanz singt

In den Ohren singen

Enten fliegen entlang der Seen

Enten klingeln an den Seen entlang

Auf zwölf wundervolle Arten

Verschiedene, schillernde Bünde.

Die Herstellung von Musikinstrumenten erforderte natürlich hohe berufliche Fähigkeiten und Erfahrung. In der Folge wurde aufgrund der weit verbreiteten Verbreitung des Buddhismus ein erheblicher Teil der alten Musikinstrumente für religiöse Zwecke verwendet, während der andere Teil vergessen wurde.

Schnupftabakdose. Metallschnitzerei. XIX Jahrhundert. Privatsammlung

Die beliebtesten Instrumente unter den Menschen waren verschiedene Streichinstrumente: Khuurs und Morin-Khuurs, deren Hals mit einem geformten Kopf eines Pferdes verziert ist. Volkshandwerker machten und dekorierten Morin-Khuurs mit großer Liebe und Erfindung. Jedes Instrument hatte seine eigene Stimme.

Mongolische Handwerker schnitzten Bretter aus Holz zum Drucken von Büchern und Ikonen, Formen zur Zubereitung des nationalen Essens - Biscuits-Boov.

Zuerst erstellten die Schnitzer eine Skizze des zukünftigen Dings und der dazugehörigen Verzierung, dann wurde diese Skizze auf den Rohling übertragen und mit dem Schnitzen fortgefahren, wobei schrittweise die Hintergrundbereiche ausgewählt wurden. Mongolische Meister schufen geschnitzte Tafeln aus Holz, ganze skulpturale Kompositionen. Zum Beispiel werden auf den Reliefs des Meisters aus Urga Shirchin weidende Pferde, Kamele und Berge in der Ferne gekonnt geschnitzt - alles, was vom ersten bis zum letzten Tag des mongolischen Viehzüchters geliebt und umgeben wurde.

Zahlreiche Schachfiguren wurden aus Holz geschnitzt und manchmal ganze Szenen aus Wrestling, Reiten, Bogenschießen.

Aus Holz wurden Skulpturen geschaffen, um buddhistische Tempel zu schmücken. Aber ihre vielfältigen Farben reduzierten manchmal den ästhetischen und künstlerischen Wert dieser Skulpturen.

In den Museen des Mongolen Volksrepublik Es gibt viele wunderbare Werke von Holzschnitzern. Unter ihnen sind die Werke des Dzabkhan-Schnitzers Suren - "Yaman-Taka" und "Jamsaran", die Werke des Meisters Shirchin - "The Red Genius" und "Sandam".

Meister aus der Domäne von Duregch-wan: Lumbum-Agramba, Gaadan, Orkhondoy, Sambu, Lamjav und andere haben für ihre Werke einen guten Ruf erlangt.

Schnitzer arbeiteten auch in anderen Materialien - Knochen, Stein, Bernstein. Zum Beispiel wurden für die Kostüme des Urga tsam Schmuckstücke aus Kamelknochen hergestellt, die durch Kochen in Wasser von Fett gereinigt wurden, wonach sie schneeweiß wurden.

In der Vergangenheit gab es eine weitere bemerkenswerte Form der nationalen Kunst, die ich erwähnen möchte. Dies ist die Kreation spezieller Meister von Dzulch - Skulpturen und verschiedenen Arten von volumetrischen Ornamenten aus Ziegenfett, die sorgfältig niedergeschlagen wurden, bis die Adern verschwanden, und dann in kaltem Wasser zerkleinert und verdichtet wurden. Es wurden farbige Farben hinzugefügt. Die so erhaltene Masse blieb auch bei extremer Hitze unverändert. Es wurde verwendet, um Altardekorationen für buddhistische Tempel herzustellen - Blumen, Tierfiguren, Opfergaben an Gottheiten.

Eine andere besondere Art der mongolischen dekorativen und angewandten Kunst war zumber - die Schaffung eines Reliefbildes aus einer speziellen plastischen Komposition. Diese Zusammensetzung wurde aus zerkleinertem Porzellan oder Marmor erhalten, gemischt mit Kristallzucker und Leim. Die Zusammensetzung, dick wie Sauerrahm, wurde in verschiedenen Farben bemalt und durch spezielle Stifte mit Löchern auf grundierten Karton oder Holz gepresst. Auf diese Weise entstanden komplexe Kompositionen, die an feine Schnitzereien erinnern. Nach dem Aushärten wurde die extrudierte Masse sehr stark. Der Hintergrund solcher Reliefs war normalerweise rot oder rot gestrichen blaue Farbeund das geprägte Reliefbild wurde vergoldet. Diese Technik wird für den Ritualtisch verwendet, der jetzt in der Sammlung des Museums der Schönen Künste in Ulan Bator aufbewahrt wird.

Kessel und Stand-Tagan. Metall, schnitzen, jagen. XIX Jahrhundert.

Kleidung, Hüte, Schuhe, Haushaltsgegenstände aus weichen Materialien wurden notwendigerweise mit künstlerischen Nähten, Stickereien oder Applikationen verziert. Diese Art von Kunsthandwerk war unter allen Nomadenvölkern weit verbreitet, ebenso wie die Herstellung von Teppichen.

Ein Beispiel für die Widerstandsfähigkeit alter Traditionen und Techniken ist die weit verbreitete Verwendung von Shirdig-Teppichen in der Mongolei. Eine der frühesten Proben eines solchen Teppichs wurde bei Ausgrabungen der Noin-Ula-Grabhügel gefunden, aber bis jetzt sind solche Teppiche in den Jurten der Kasachen, Kirgisen und Mongolen zu finden. Dies sind Fußmatten, Bodenbeläge und Beläge für Jurten.

Die Technik ihrer Herstellung ist wie folgt: Aus dem Filz, der in den Farben Rot, Braun-Schwarz und Grün lackiert ist, die Details der Verzierung ausschneiden, annähen oder auf den Hauptfilzhintergrund legen und rollen. Diese einzigartige Anwendungstechnik ist von der Antike bis heute erhalten geblieben.

Applique Art ist authentisch nationale Arten Volkskunst. Die Materialien für die Applikationen sind unterschiedlich. Unter den Westmongolen war beispielsweise die Mosaikapplikation auf der Haut weit verbreitet, was in der Antike in der Bevölkerung Zentralasiens weithin bekannt war.

Abgesehen von Applikationen sind verschiedene Arten des künstlerischen Nähens für die Mongolei sehr charakteristisch.

Dieses Nähen wurde verwendet, um Kleidung, Schuhe, Hüte, Kult- und Haushaltsgegenstände zu dekorieren. Erfahrene Handwerkerinnen schufen ganze gestickte Gemälde-Ikonen, die den malerischen nicht unterlegen waren.

Jede Art von Naht hatte ihren eigenen Zweck und Namen. Zum Beispiel ist die zuu orooh Naht (den Faden um die Nadel wickeln) eine typische mongolische Nähtechnik. Die von den Mongolen geliebten Ziermotive wurden mit ihnen auf kleine Gegenstände gestickt: Tabakbeutel, Hüllen für Tassen und Schnupftabakdosen, auf Kopfbedeckungsbändern. Die Shaglaas-Naht wurde beim Nähen der Oberteile von Hüten und Filzstrümpfen verwendet. Die Naht wurde mit NURUU (Fischrücken) gelöscht, um die Stoffkante zu umhüllen.

Milchkiste. Holz, Kupfer. Ende des 19. Jahrhunderts MII

In den nördlichen Regionen von Arahangai, im östlichen Teil des ehemaligen Tsetsenkhan-Aimags, in der Nähe des Chono-Gol-Flusses, lebten Meister, die die Geheimnisse des besonders haltbaren Nähens von Tuuchmal-Shirmel kannten, mit denen die Sohlen von Darmstiefeln und Wrestlerkleidung genäht wurden. Als Fäden für diese Naht wurden Hanffäden und zusammengedrehte Tiersehnen verwendet.

Sattel. Leder, Metall. Ende des 19. Jahrhunderts

Es ist schwierig, nicht nur alle besonderen Arten dekorativer und angewandter Kunst zu beschreiben, sondern auch zu erwähnen, die seit jeher unter dem mongolischen Volk existieren. Abschließend werde ich auf einige weitere eingehen. Bisher wurde die Tradition der Herstellung verschiedener Gegenstände aus Tierhäuten und vor allem von Gefäßen und Flaschen beibehalten. Sie sind sehr leicht, langlebig und unter nomadischen Bedingungen unverzichtbar. Lederflaschen werden auf folgende Weise hergestellt: Rohlinge für zukünftige Flaschen werden aus nassem Leder herausgeschnitten und genäht, nasser Pferdemist wird in den Hals des Kolbens gestopft, dann wird ein Ornament auf die Oberfläche des Gefäßes aufgebracht, entlang dessen Kontur sie mit einem heißen Eisen gezogen werden, wodurch ein konvexes starkes Muster erhalten wird. Dann wird der Kolben mehrere Tage über dem Feuer gehalten, der darin enthaltene Mist trocknet aus und kann entfernt werden.

Köcher für Pfeile. Leder, Metall. XVII Jahrhundert Gsm

Starke Gürtel, Gürtel, Details der Pferdedekoration, Gutala-Stiefel, verschiedene Taschen, Kettenhemd und Schilde wurden aus Leder gefertigt und alle mit Stickereien und Applikationen verziert.

Flasche. Leder. 18. Jahrhundert. Privatsammlung

Eine andere interessante Art der dekorativen und angewandten Kunst der Mongolen ist das Namkh - Weben komplexer Muster aus farbigen Fäden an einem Holzkreuz. Mit seiner Hilfe wurden Fäden in fünf Farben - blau, weiß, rot, gelb, schwarz - verwendet, um verschiedene Webornamente geometrischer und zoomorpher Natur herzustellen.

Steigbügel. Eisenguss. XX Jahrhundert HCM.

Seit der Bronzezeit wurde die Tradition des Gießens nicht unterbrochen, und bis zum Ende des letzten Jahrhunderts war das künstlerische Gießen aus Bronze, Messing und Kupfer in allen Ecken des mongolischen Landes weit verbreitet. Die Mongolen respektierten das Schmiedehandwerk, das in der Antike entstand, und seine Traditionen wurden von Generation zu Generation weitergegeben. G. Ye. Grumm-Grzhimailo betonte in seinen Notizen zu Beginn dieses Jahrhunderts den führenden Ort der Schmiedekunst unter den vielen Arten von Handwerk und die universelle Ehre, die es unter den Menschen genoss. Zum Beispiel beim Betreten

ein Würdenträger in der Schmiede, ein Schmied, der mit seinem Geschäft beschäftigt war, konnte nicht aufstehen und ihn nicht zuerst begrüßen, da angenommen wurde, dass Schmiedekunst höher als Würdenträger war und daher großen Respekt genoss.

Grumm-Grzhimailo beschrieb, wie er das Gießen von Schachfiguren in der Westmongolei sah. Zuerst wurde das Modell aus Holz geschnitzt und mit Ton bedeckt, dann wurde es gebrannt, um eine Form zu bilden, in die es dann gegossen wurde.

Ritualgegenstände. Stahlguss. XIX Jahrhundert. Gsm

Es gibt noch einen weiteren interessanten Beweis. Die Legende erzählt, dass vor vielen Jahrhunderten ein Stamm namens Mongolen im Krieg mit den Türken besiegt wurde. Zwei überlebten - ein Mann und eine Frau - Nukuz und Kiyan, die auf der Suche nach Nahrung und Schutz das unzugängliche Berggebiet betraten, das von Felsen und Wäldern umgeben war - Ergune-Kun (Steep Range). Viele Jahre später wurden ihre Nachkommen in dieser Gegend eng und auf der Suche nach einem Ausweg fanden sie einen eisernen Berg, der den Ausgang blockierte. Der ganze Stamm begann Brennholz und Kohle zu beschaffen, dann wurden sie am Fuße des Berges gestapelt und verbrannt. Außerdem wurden siebzig Pferde und Stiere geschlachtet, aus ihren Häuten wurde ein riesiges Fell gemacht, mit dessen Hilfe sie einen Eisenberg schmolzen und einen Durchgang darin schufen. Durch sie verließen die Mongolen die Schlucht in die Steppe.

Rashid ad-din berichtet, dass die Verwandten von Dschingis Khan in der letzten Nacht des alten Jahres den Brauch hatten, den Balg aufzublasen und ein wenig Eisen glühend zu schmelzen und mit einem Hammer auf einem Amboss zu schmieden. Diese Legende entstand vielleicht aus der semantischen Interpretation des Namens Temujin Chinggis - des Schmieds Chinggis. In dieser Kombination wurde die Definition von Temujin mit der alten Volksidee der Macht eines Schmieds in Verbindung gebracht, der Eisen unterliegt.

Rauchpfeifenset. Metall, Schnitzen. XIX Jahrhundert. Privatsammlung

Das Schmiedehandwerk entwickelte sich im 19. Jahrhundert überall in der Mongolei. Schmiede waren Juweliere und Schlosser, sie stellten Schlösser, Steigbügel, Rad- und Karrenfelgen, Buchsen, Tagans, Herdzangen, Messer und andere Produkte her.

Seit der Antike ist es üblich, Plaketten herzustellen, die hochglanzpoliert wurden. Muster wurden auf Eisenplatten und Abzeichen geprägt, Designs wurden mit dünnen Linien graviert und Silberfiligran wurde hergestellt. Sie wurden verwendet, um Kettenhemden, Köcher und Wochenzeitungen zu dekorieren. Khoshun vom Dalai-choynkhor-van Sain-noyon-khan aimag war in ganz Khalkha für seine Metallprodukte berühmt.

Ritualmesser - purbu. XIX Jahrhundert. Arkhangai Museum of Local Lore

Die Technik des Metallschnitzens bestand darin, dass das Ornament zuerst auf der Oberfläche eingraviert wurde und dann das Metall des Hintergrunds mit einem Cutter entfernt wurde. Es stellte sich heraus, dass Spitze aus Metall geschnitzt war. Die künstlerische Metallschnitzerei mongolischer Handwerker verdient Bewunderung; Ihre Produkte können mit den besten Schnitzereien auf Elfenbein und Sandelholz von indischen Künstlern konkurrieren. In der Sammlung des Autors befindet sich eine Feuersteinschachtel, die entlang der gebogenen Kante mit einem zweischichtigen Reliefornament verziert ist. Die Lücken im Hintergrund sind mit Gravuren gefüllt. An einigen Stellen wird Goldinlay aufgetragen.

In der Eremitage der UdSSR, im Staatlichen Zentralmuseum von Ulan Bator, im Lokalgeschichtlichen Museum des Khuvsgul Aimag der Mongolischen Volksrepublik und in anderen Sammlungen werden Gürtelsets zusammen mit einem Feuerstein aufbewahrt, die die Feinheit der Schnitzerei unterstreichen.

Das Gerät für eine Pfeife aus der Sammlung des Autors gehört aufgrund der Art der Schnitzerei auch einem Handwerker aus dem Sain-noyon-khan-Aimag. Neben Feuerstein, verschiedenen Kisten, Pfeifen und Zubehör wurden auch Schnupftabakdosen aus Eisen geschnitten. Eine eiserne Schnupftabakdose mit einer solchen Schnitzerei befindet sich in der Sammlung des ungarischen Ingenieurs Jozsef Gelet (Budapest, Ungarn). Sein Körper ist mit filigranen Blumenornamenten verziert, die in der Technik der Metallschnitzerei mit zusätzlicher Gravur hergestellt wurden.

Teekannen - Dombo. Kupfer, Silber, jagen. XIX Jahrhundert. MII

Ein Beispiel für die große Handwerkskunst der Vergangenheit ist das Eisenbechergehäuse aus der Sammlung des Autors. Von der Hand eines Meisters wurde es in eine durchbrochene Spitze verwandelt, die aus den kleinsten Elementen der Blumenverzierung besteht. In der Sammlung des Autors befindet sich ein eisernes Etui für eine Tasse mit flachem Klappdeckel eines unbekannten Künstlers aus Khoshun Dalai-choinhor-wan. Es hat einen Durchmesser von 16,5 cm und eine Höhe von 6 cm. Zwölf Drachen sind vor dem Hintergrund einer phantasievollen Pflanzenverzierung von Deckel, Körper und Boden des Bechers abgebildet. Das Gehäuse ist außen vergoldet. Ein ebenso zartes Ornament wird mit einem geschnitzten Etui für einen Pinsel geschmückt, der wie ein hohles Rohr aussieht. Vergoldete Silberkerbe auf der Oberfläche. Häufige Schnitte zwischen den Ornamenten vermitteln den Eindruck von transparenter Spitze.

Opfereimer. Silber 19. Jahrhundert MII

Im Staatlichen Zentralmuseum in Ulaanbaatar befindet sich ein Sattel eines unbekannten Meisters, dessen Bögen und Decken ebenfalls Ornamente in Form von Drachen geprägt haben. Offensichtlich handelte es sich bei den genannten Gegenständen um einen einzigen Satz, der derselben Person gehörte, aber anschließend verstreut wurde. Übrigens sollte daran erinnert werden, dass die Meister der osttibetischen Provinz Derga, die für ihre Metallprodukte berühmt sind, in einer ähnlichen Technik arbeiteten. In Zukunft müssen unsere Forscher herausfinden, wo diese eigenartige Metallschnitztechnik zum ersten Mal auftrat.

Teekanne. Eisen. XVII Jahrhundert Gsm

Früher griffen Handwerker am häufigsten auf Kupfer und Eisen zurück, später wurde die Verwendung von Silber und Gold häufiger. Die Techniken wurden auch komplizierter: Sie verwendeten immer mehr Prägen, Schnitzen, Gießen und Filigran. Wenn die Meister des 18. bis frühen 19. Jahrhunderts eine flache Gravur von Ornamenten herstellten, begannen sie später, nachdem sie die Möglichkeiten dieser Technik erkannt hatten, tief zu gravieren.

Erentey, Räuchergefäß. Silber, jagend. Ende des 19. Jahrhunderts MII

Vergaß die Namen vieler Meister. Es ist jedoch bekannt, dass am Ende des letzten Jahrhunderts ein großer Meister, Kenner und Förderer der Kunst lebte und arbeitete - der alte Nyony Gonchigjav. Eine Gruppe qualifizierter Handwerker arbeitete unter ihm. Die Ältesten unter ihnen waren die Meister Irentai, Dondog, Chavgants, Tse-vegjamba, Genden, Tumenbaldzhir, Duldarii und einige andere.

Riemensatz. Eisen, Silber. XIX Jahrhundert. MII

In der Sammlung des Volkskünstlers der Mongolischen Volksrepublik U. Yadamsuren befindet sich ein silbernes Gefäß-Zavyaa, das der Legende nach von einem der genannten Meister hergestellt wurde - Dondog, der 1905 etwa 70 Jahre alt war.

Gemessen an der Ähnlichkeit der künstlerischen Dekoration des silbernen Weihrauchbrenners aus dem Museum der Schönen Künste in Ulan Bator mit dem Gefäß aus der Sammlung von U. Yadamsuren waren sie offenbar in einer Reihe von Kultgegenständen enthalten, die vom selben Meister geopfert wurden. Auf ihren Beinen, Armen und Wänden sind die Köpfe von Drachen und fantastischen Monstern - Makar - mit großartiger Kunst geschnitzt.

Scheidenanhänger. Silber, jagend. XIX Jahrhundert. Gsm

Es gibt eine Legende, dass die Statue der Gottheit Yamantaka, die sich früher im Weißen Tempel des Bogdo Gegen befand, von demselben Meister Dondog angefertigt wurde. Diejenigen, die diese Statue sahen, waren erstaunt über das außerordentlich hohe Können ihrer feinen künstlerischen Verarbeitung und Spiegelpolitur. Diese 40 cm hohe Skulptur zeigte den mehrköpfigen, mehrarmigen Yamantaka, eine schreckliche Gottheit. Vielleicht wird in Volkserzählungen von solchen Skulpturen gesprochen, sie sind "... leichter als Silber, leuchten wie Eis und sind mit zahlreichen Edelsteinen besetzt ...".

Es gibt eine Legende, dass, als die Statue einem der Anwesenden zum ersten Mal gezeigt wurde, Yamantakas Kopf eine länglichere Form hatte, als er hätte sein sollen. Dann schnitt der Meister unmittelbar vor den Anwesenden den Kopf der Statue ab und ersetzte ihn durch einen anderen - runder, leicht abgeflacht, was dem Geschmack der Urgins entsprach. In der Tat erinnerten sich Dr. B. Rinchin und andere, die die Gelegenheit hatten, diese Skulptur zu sehen, daran, dass ein abgetrennter länglicher Kopf, der mit großer Geschicklichkeit hergestellt wurde, daneben ausgestellt war.

Schmuckkunst war in der ganzen Mongolei weithin bekannt, aber die Meister aus Dari-Ganga, Urga, zentralen Khoshuns und dem Khoshun Dalai-Choinhor-Van waren besonders berühmt.

Khalkha verheiratete Frau Sie trugen sehr komplexe Kopfbedeckungen, die mit vielen Ornamenten bedeckt waren und hauptsächlich aus feinsten Gold- und Silberfäden bestanden. Diese Methode war wie folgt: Ein Stück Silber oder Gold wurde geschmolzen und durch eine spezielle Platte mit Löchern mit kleinem Durchmesser geführt. Aus diesen Löchern trat ein Metall aus, das sich zu einem dünnen Draht verwandelte. Der fertige Faden wurde auf eine geriffelte Spule gewickelt und gab dem Metallfaden durch leichtes Klopfen mit einem Holzhammer eine raue Oberfläche. Als der Faden fertig war, schnitten sie die gewünschte Länge des Stücks ab, legten das Muster aus und befestigten es an bestimmten Stellen. Danach wurde ein Fragment eines Ornaments oder ein ganzes dekoratives Motiv auf die zu dekorierende Oberfläche gelötet.

Box zum Drucken. Silber, Vergoldung, Jagd. Anfang des 20. Jahrhunderts Gsm

Die Khalkha-Frauenmütze war neben filigran auch mit Korallen und Edelsteinen verziert. Ornamente für die Frisuren von Darigang- und Uzumchin-Frauen wurden nicht so kostbar gemacht und auf so mühsame Weise dekoriert. Meistens waren sie mit Gravuren und Koralleneinlagen bedeckt.

Drucken. Silber, Casting. Anfang des 20. Jahrhunderts Gsm

Eine besondere Art der künstlerischen Metallverarbeitung war die Herstellung von Siegeln. Meistens bestanden sie aus Silber. Der massive, quadratische Körper des Siegels hatte einen anmutigen Griff. Manchmal wurde es in Form eines Tigers oder eines Drachen hergestellt, was die Stärke und Erfüllung aller Wünsche verkörpert.

Text drucken. Silber. Anfang des 20. Jahrhunderts Gsm

Unter den Juwelieren des letzten Jahrhunderts, Goldschmiede und Silberschmiede, waren die Meister aus Urgi Luvsantseren die bekanntesten; berühmt für filigrane Arbeiten auf Kupfer Shagdarsuren; Bayanuldziy vom Ubsunur Aimag; Arslankhabdar, Ugdiy und sein Sohn Gundzen aus Bayan-Delger; Dzaphan beherrscht Donon, Bag und seinen Sohn Yadamjav; die Khentei-Meister Tojil, Galsan; Juweliermeister aus Dariganga - Shar-Darhan, Duinkhor, Genden, Jamba und andere.

Seit der Bronzezeit wurde die Tradition des Gießens nicht unterbrochen, und bis zum Ende des letzten Jahrhunderts war das künstlerische Gießen aus Bronze, Messing, Kupfer und Legierungen in allen Ecken des mongolischen Landes weit verbreitet. Es wurden rituelle Musikinstrumente und andere Kultgegenstände gegossen. Zur gleichen Zeit wurde eine Metalllegierung namens Tsad oder Tsas verwendet, die Kupfer, Zink, Silber und Blei von guter Qualität enthielt. Besonderes Augenmerk wurde auf den Klang der Instrumente gelegt. Zum Gießen einer Glocke wurde beispielsweise zunächst eine irdene Form hergestellt, die außen mit einer speziellen Zusammensetzung aus raffiniertem Ziegenfett und Bambusruß beschichtet war. Die Dicke der Wachsschicht bestimmte die Wandstärke der zukünftigen Glocke. Ein Ornament wurde auf die Oberfläche des Wachses aufgebracht. Die Wachsschicht wurde dann mit einer mit Papier vermischten Tonschicht bedeckt, wobei nur ein kleines Loch für das Wachs übrig blieb. Dann wurden die Formen gebrannt, das Wachs kam heraus, ein Hohlraum blieb zurück, wo eine flüssige Metalllegierung durch das Loch eingeführt wurde. Nachdem sich das Metall verfestigt hatte, wurde die Tonform gebrochen. Auf diese Weise wurden Glocken, Räuchergefäße und Weihrauchbrenner gegossen.

Die gegossene Glocke wurde erneut erhitzt und wie beim Härten von Eisen sofort in kaltes Wasser getaucht. Nach gründlichem Mahlen erhitzten und kühlten sie sich erneut an kalter Luft und brachten sie zum Flussufer. Dies war der Beginn der komplexen, mühsamen Arbeit, die Glocken zu stimmen, deren Klang weitgehend von der Erfahrung und dem Können des Meisters abhing. Es gab eine strenge Abfolge und Regelmäßigkeit zwischen Heizen, Kühlen, Härten und dem zukünftigen Klang der Glocke. Jeder Handwerker hatte sein eigenes Geheimnis des Castings und Tunings. Bis heute können Amateure und Kenner die Urheber der einen oder anderen Glocke an Dekor und Klang erkennen. Alle sechshundert Glocken, die der berühmte Meister aus Urga Dagva-dorj zu Beginn des 20. Jahrhunderts gegossen hatte, unterschieden sich sowohl in der äußeren Dekoration als auch im Klang voneinander. Ich begrabe die Besetzung und die richtig gestimmte Glocke - der Danshig erzeugt einen überraschend klaren und melodischen Klang, der einige Minuten lang zu hören ist. Diese Eigenschaft war besonders charakteristisch für die Glocken, die im Bargin Aimag hergestellt wurden und in der gesamten Mongolei wegen ihrer Reinheit des Klangs, der Raffinesse der Form und des Dekors hoch geschätzt wurden.

In Urgs in spätes XIX - Zu Beginn des 20. Jahrhunderts arbeiteten viele qualifizierte Metallarbeiter - Khortyn Shovkh, Dzhunai-Agramba, Chojamtso, Luv-Sandordj, Tsend, Luvsan und andere.

Beim Gießen komplexer Stücke großer Größe wurde das sogenannte Destillationsgussverfahren angewendet, dessen Technik, wie die Legende sagt, von Zana-badzar selbst entwickelt wurde. Im letzten Jahrhundert wurde eine Anweisung erstellt, in der die Grundregeln der Technologie dieses Gussteils beschrieben wurden. Sie bestanden aus Folgendem: Sie machten eine Tonform aus dem zukünftigen Produkt, verbrannten es, nach dem Abkühlen vergruben sie es im Boden oder in einer Grube mit trockenem Sand, aus der ein Destillationsrohr mit einem Kessel darüber und zwei Rohren zum Entfernen von Luft und Gasen herauskam; Bronze wurde in einem Kessel geschmolzen. Es floss das Destillationsrohr hinunter in eine Tonform und füllte es. Der renommierte Meister des Destillationsgusses war Gaadan von Khoshun Duregch-wan. Er machte Formen aus einer Mischung aus Ton und Asche. Sie konnten mehrmals zum Gießen verwendet werden, während die übliche Form nach dem ersten Gießen zerstört wurde.

Die Verzierung ist die dekorative Grundlage für alle Arten von Volkskunst. Ein wahrer Künstler war derjenige, der die künstlerische Vision und das Können geschickter Hände glücklich miteinander verband.

Alles um eine Person herum, angefangen mit Sonne, Mond, Feuer, Wasser, Pflanzen, Tieren, wurde in der Verzierung reproduziert. So wie Musik, die das Leben widerspiegelt, einen Menschen inspiriert, ist auch das Ornament, das eine eigenartige Sprache zur Reproduktion des Lebens hat, der Schlüssel zum Verständnis der spirituellen Kultur vergangener Generationen.

Das mongolische Ornament hat eine fast tausendjährige Entwicklung durchlaufen. Die Vergöttlichung von Sonne und Mond, das Auftauchen von Sonnenkulten verursachte das Erscheinen eines Ornaments in Form eines oder mehrerer Kreise mit divergierenden Strahlen, die einem Rad ähnelten.

Ein hornartiges Muster (immer ugaldz), als würde es die mächtigen Kurven der Hörner wilder Widder wiederholen, hat sich unter den Mongolen seit der Antike verbreitet. Anschließend wurde dieses Ornament modifiziert und kompliziert. Bei diesem Ornament ist es üblich, die Kanten des Objekts einzurahmen oder an der prominentesten Stelle in der Mitte zu platzieren. Rechteckige Ornamente - uldziy, khatan suikh - bilden in Kombination mit ever ugaldz neue Ornamente.

Ineinander verschlungene Musterlocken, die sich in Triebe und Blätter fabelhafter Pflanzen verwandeln, füllen die Oberflächen von Objekten.

Es ist unmöglich, alle in der mongolischen Kunst gefundenen Ornamente aufzulisten. Am häufigsten finden Sie jedoch Folgendes: Alkhan khee - ein Muster, das dem antiken griechischen Mäander ähnelt; hae - ein gleichseitiges Kreuz mit gekrümmten Kanten - ein Symbol der Sonne; uldziy - Geflecht - ein Symbol der Unendlichkeit; khaany buguyvch - das sogenannte khan's armband und khatan suikh - die ohrringe der prinzessin. Unter den zoomorphen Ornamenten sind am häufigsten folgende zu finden: Hörner eines Widders, eines Schmetterlings, eines Drachen.

So wie im Laufe der Jahrhunderte die Folklore und Literatur der Mongolen mit Anleihen aus alten indischen, arabischen, chinesischen und tibetischen Literaturen angereichert wurde, so gelangten viele Zier- und Handlungsmotive der Kunst dieser Länder organisch in die Kunst und Kultur des mongolischen Volkes.

Ornament wurde nicht als eigenständige Art von Kreativität angesehen, sondern diente ausschließlich der Gestaltung und Dekoration von Werken der dekorativen und angewandten Kunst. Zusätzlich zu der visuellen emotionalen Wirkung hatte es eine tiefe symbolische Bedeutung. So wurde zum Beispiel uldziy an der Tür mongolischer Jurten, die Vorderseite von Truhen und Gefäßen, als Wohlwollen wahrgenommen, was die Fortsetzung des von Vorfahren geerbten Glücks bedeutet. Das Muster von vier Gerstenkörnern - sureg tamga - verkörperte Fülle und Wohlstand. Es könnte als Wunsch verstanden werden, so viele Kinder und so viele Rinder zu haben, wie es Getreide auf der Welt gibt.

Andere Ornamente voller symbolischer Bedeutung verbreiteten sich ebenfalls in der Mongolei. Dazu gehören Ornamente aus Ochiren - Zeichen des Blitzes - ein Symbol für unbesiegbare Macht, Schutz vor dem Bösen; Das Ornament aus drei Kreisen, die sogenannten drei Juwelen, symbolisierte die Einheit von Seele, Körper und Wort. badam tsetseg - ein blühender weißer lotus - verkörperte die reinheit der seele und die gedanken einer person. Der Künstler, der dieses oder jenes Ding mit einem Ornament verzierte, berücksichtigte, wem es gehören würde: einer Frau oder einem Mann. Männliche Haushaltsgegenstände, angefangen mit Feuerstein und Waffen, wurden mit zoomorphen Ornamenten oder Tierfiguren verziert, was Stärke und Intelligenz bedeutete, die nach allgemeiner Überzeugung ihren Besitzer schützten.

Wenn ein ganz bestimmter symbolischer Inhalt in die eine oder andere Verzierung eingefügt wurde, wurde die Anordnung der Verzierung auf dem Objekt streng reguliert. Zum Beispiel war das Muster oben und oben auf den Filzstrümpfen nicht das gleiche wie das Muster auf der Kappe.

Schachfiguren. Holz. XIX - frühes XX Jahrhundert Privatsammlung

In der Antike wurde das Farbsystem der mongolischen Ornamentik durch die Farbe der Mineralfarbstoffe bestimmt. Dies waren hauptsächlich blaue, rote und schwarze Farben. Anschließend wurden vielfältigere und lebendigere Farben verwendet. Dies erhöhte die emotionale Wirkung des Ornaments auf den Betrachter.

Lassen Sie uns abschließend noch einmal darauf hinweisen, dass Ornament die Seele der Volkskunst ist, ohne sie ist es schwierig, sich die Existenz aller großen und kleinen Bereiche des künstlerischen Handwerks vorzustellen.

Zeitgenössisches Kunsthandwerk in der Mongolei ...

Referenz

Über den Autor: Nyam-Osoryn Tsultem (1923-2001) - Volkskünstler der Mongolischen Volksrepublik, Kunstkritiker, Vorsitzender der Union der mongolischen Künstler (1955-1990). Tsultem wurde 1923 im Ara-Khangai Aimag der Mongolischen Volksrepublik geboren. 1930 wurde er zum Studium der Ikonenmalerei in eines der Ulan Bator-Klöster geschickt. Ab 1940 arbeitete er am Staatstheater als Assistent des Künstlers und studierte abends im Atelier von Belsky und Bushnev. 1944 wurde er zum ersten Künstler am "Mongolkino" ernannt, wo er an dem Film "Steppenritter" (Mong. Tsogt taizh) arbeitete. In den Jahren 1945-1951 studierte er am Moskauer Institut. Surikov in der Werkstatt von S.V. Gerasimov. Er wurde zum Stellvertreter des Great State Khural gewählt und war seit 1974 Kandidat des Zentralkomitees des MPRP, Preisträger des Staatspreises des MPR - Volkskünstler des MPR. Von 1955 bis 1990 leitete er die Union der mongolischen Künstler. Bis 1984 hatte Tsultem über 400 Werke geschaffen. Das Hauptgenre, in dem Tsultem arbeitete, war Landschaft: Isle in the Steppe (1955); "The Road" (1974), "Autumn" (1972) usw. Neben der Landschaftsmalerei beschäftigte sich Tsultem mit Porträts (Porträts von M. Manibadar, U. Yadamsuren, Dashdeleg, Tsogzolmy, Ts. Tsegmid, Ichinhorlo; "Gurtovschitsa" (1968), "Yu. Tsedenbal unter Viehzüchtern" (1975)). Neben künstlerischer Kreativität schuf Tsultem mehrere kunsthistorische Album-Monographien ("Die Kunst der Mongolei von der Antike bis zur Gegenwart" (Moskau, 1982), "Architektur der Mongolei", "Skulptur der Mongolei", "Zanabazar", "Zeitgenössische mongolische Kunst" und "Angewandt" dekorative Kunst der Mongolei "). Tsultems Söhne Mankhzhin und Enkhzhin traten in die Fußstapfen ihres Vaters und wurden ebenfalls Künstler.

Die Malerei von Madhubani ("Honigwald") stammt aus dem kleinen Dorf Maithili in Indien.
Madhubani-Gemälde zeichnen sich typischerweise durch kräftige Farben, traditionelle geometrische Ornamente, fantastische Figuren mit großen ausdrucksstarken Augen und farbenfrohe Natur aus. Diese Bilder zeigen Geschichten aus der Mythologie, und die Lieblingspersönlichkeit ist der Herr.
Der Ursprung und die Malerei von Madhubani oder Maithili können nicht zurückverfolgt werden. Mithila gilt als das Königreich von König Janaka, dem Vater von Sita. Die Kunst, die zur Zeit des Ramayana in Mithila vorherrschte, könnte im Laufe der Jahrhunderte in die Kunst des Maithili verwandelt worden sein. Die jahrhundertealte Wandmalerei in Bihar hat maßgeblich zur Entwicklung dieser Kunstform beigetragen.

Miniaturmalerei

Wie der Name schon sagt, bezieht sich die Miniaturmalerei auf Werke von geringer Größe, die jedoch reich an Details und Ausdruck sind. Indische Miniaturmalerei gibt es in einer Vielzahl von Kategorien, darunter eine Fülle von Mogul-Miniaturmalereien, die Szenen des Hoflebens und zeitgenössische Persönlichkeiten, Ereignisse und Handlungen aus der Mogulzeit darstellen.
Das Hauptmerkmal der Miniaturmalerei sind komplizierte Zeichnungen mit einem dünnen Pinsel und hellen Farben aus Halbedelsteinen, Muscheln, Gold und Silber.
Indische Miniaturen, die während der Zeit des Mogulreichs (XVI-XIX Jahrhunderte) entwickelt wurden, folgten den besten Traditionen persischer Miniaturen. Obwohl sich an den Höfen der großen Moguln eine Miniaturmalerei entwickelte, wurde der Stil von den Hindus (Rajputen) und später von den Sikhs übernommen. Die Mogul-Miniatur blühte während der Regierungszeit von Akbar, Jahangir und Shah Jahan. Es gibt einige Gemälde, die bis heute erhalten sind.

Die Gond-Malerei ist eine der Stammeskunstformen, die ihren Ursprung in Zentralindien hat. Diese Kunst wurde von den Hügeln, Bächen und Wäldern inspiriert, in denen die Gondianer lebten.
und soziale Bräuche werden von den Künstlern von Gond als eine Reihe von Punkten und Strichen dargestellt, aus denen Formen kompliziert gefaltet werden.
Gonds Gemälde wurden an den Wänden, Decken und Böden in Dorfhäusern zu Ehren von Bräuchen und Feiertagen aufgeführt. Die Gondeln glauben auch, dass ihre Bilder viel Glück bringen.
Die Bilder sind eine Kombination aus Erdtönen und lebendigen Farbtönen, die das Leben auf der Leinwand widerspiegeln.
Die Art und Weise, wie Gond malt, lässt sich auf die alte Tätowierungskunst zurückführen, die unter den Gondianern üblich ist.
Die Bilder spiegelten Folklore und Stammesgeschichten wider, die von wandernden Dichtern und Sängern gesungen wurden. Das Reflektieren der Geschichte in der Kunst ist in Indien eine gängige Praxis.

Der südliche Staat ist berühmt für sein Tanjore-Gemälde. Als Kunstform, die in den vergangenen Jahren in Tanjore florierte, ist dieser Malstil bis heute beliebt und weithin anerkannt. Die Bilder bestehen aus Einsätzen aus Halbedelsteinen, Glas und Gold. Sie sehen sehr hübsch aus und verleihen dem Ort, den sie dekorieren, Pracht.
Die Helden dieser Gemälde sind hauptsächlich Götter mit großen runden Gesichtern und Mustern. Diese Kunstform blühte vom 16. bis zum 18. Jahrhundert in Tanjore während der Dynastie, stand unter der Schirmherrschaft der Fürsten Nayak, Naidu und galt als heilig.
Die Popularität dieser Kunst fiel mit einer Zeit zusammen, als majestätische Tempel von verschiedenen Herrschern erbaut wurden und sich das Thema des Bildes daher um das Thema der Gottheit drehte.
Dieser Malstil hat seinen Namen von der Produktionsmethode: "Kalam" bedeutet "Stift" und "Kari" bedeutet "Arbeit". Die Künstler verwendeten exquisite Bambusgriffe, die in Pflanzenfarben getaucht waren.
Die Designs bestehen aus feinen Linien und komplizierten Mustern.
Dieser Malstil wurde in Kalahasti bei und Masulipatnam bei Hyderabad entwickelt.

Kalamkari Kunst

Kalamkari entstand in der Nähe von Tempeln und hat daher ein mythologisches Thema. Einige von Kalamkaris Gemälden spiegeln Spuren persischen Einflusses in Motiven und Mustern wider. Die Kalamkari-Malerei blühte während der Regierungszeit der Marathas und entwickelte sich zu einem Stil namens Karuppur. Es wurde auf Goldbrokatstoffe für königliche Familien angewendet.

Anjali Nayyar, Indian Gazette

In der Antike sowohl in Sri Lanka als auch in Indien war Kunsthandwerk kein eigenständiges Kunstgebiet. Skulpturales und künstlerisches Schaffen, Malerei und Architektur galten als Handwerk. Die Arbeiten waren in der Regel anonym.

Die am weitesten verbreitete Art der dekorativen und angewandten Kunst sollte als Kunst künstlerisch gestalteter Dinge betrachtet werden, dh Kunstprodukte - Gegenstände des Alltags und Werkzeuge, heilige rituelle Accessoires und Waffen. Diese Kunst existiert seit der Antike.

Die Form einfacher Werkzeuge war in der Regel harmonisch und künstlerisch, und die Bilder darauf hatten einen thematischen oder rein dekorativen Charakter. Die Dekoration hat immer den alltäglichen Zweck und die Form des Objekts berücksichtigt.

Dekorative und angewandte Kunst wurden häufig verwendet, um architektonische Details zu dekorieren, wo das Schnitzen besonders häufig war.

Die Materialien, aus denen die Kunstprodukte hergestellt wurden, sind äußerst vielfältig, fast alles, was die Natur gibt, wurde verwendet: Holz, Blätter und Kräuter, Pflanzenfasern, Nussschalen; ein einfacher, Halbedelstein und Edelstein; Ton, Metalle, einschließlich Edelmetalle; Knochen, Horn, Schildkröte, Muschel usw. Von diesen sind die wichtigsten: Holz, Stein, Metall, Elfenbein und Faser.

Sri Lankas Kunstprodukte ähneln den indischen, aber sie sind natürlich nicht identisch, unterscheiden sich in ihrer Spezifität und lokalen Originalität. Es ist interessant, dass in Sri Lanka noch mehr als in Indien selbst die Traditionen der indischen Kunst der Antike, die Zeit der Verbreitung und des Aufblühens des Buddhismus, erhalten geblieben sind. Bis zum XI Jahrhundert. Der Buddhismus verschwand fast in Indien, überlebte jedoch in Sri Lanka und übertrug die alte indo-singhalesische Tradition in Kunstdenkmälern. Diese Tradition trug im Mittelalter zur Unterscheidung des singhalesischen Handwerks vom Tamil bei, das nicht mehr mit dem Buddhismus, sondern mit dem Hinduismus verbunden war. Darüber hinaus brachten die künstlerischen Fähigkeiten und Geschmäcker der Singhalesen, ihre ästhetische Wahrnehmung, Originalität in die lokale künstlerische Produktion, in die monumentale Malerei und Skulptur.

Der Großteil der Kunstprodukte, die uns erhalten geblieben sind, stammt aus dem 18. Jahrhundert.

Das Kunsthandwerk Sri Lankas war eng mit dem südindischen verwandt. Erfahrene tamilische Handwerker aus Südindien wurden jahrhundertelang und sogar im 18. Jahrhundert nach Sri Lanka importiert. Sie konkurrierten mit singhalesischen Handwerkern. Bei Besuchen von Webern aus großen Städten in Südindien webten Mitglieder lokaler Handwerkerorganisationen (sreni), die auf Singhalesisch "salagamayo" genannt wurden, feine Muslins mit Goldfäden für die Gewänder des singhalesischen Adels. Die tamilischen Könige von Sri Lanka förderten besonders ihre eigene Mode von Kleidung und Schmuck.

Bis zur englischen Besetzung von Kandy im Jahr 1815 blieben Form und Dekoration des Kunsthandwerks viele Jahrhunderte lang unverändert gegenüber früheren Jahrhunderten. Die Kolonialzeit in Sri Lanka war für Kunst und Handwerk katastrophal. Die staatliche Organisation der Handwerker wurde von den britischen Kolonialisten zerstört, die traditionelle Kunstproduktion verfiel. Die Entwicklung der kapitalistischen Beziehungen und der Import ausländischer Industriegüter untergruben schließlich das Volkskunsthandwerk. Der Niedergang des nationalen Kunsthandwerks bedeutete tatsächlich das Verschwinden der einzigen Kunstform, die ihnen im Allgemeinen aus dem Alltag der Menschen zur Verfügung stand. Einige Arten der künstlerischen Produktion überlebten jedoch in Sri Lanka, als es die Unabhängigkeit erlangte, als eine neue Periode in der Entwicklung der nationalen Kunst begann.

Elfenbeinprodukte

Sowohl in Sri Lanka als auch in Indien waren Knochenschnitzer für ihre Kunst berühmt. Elfenbein ist aufgrund seiner Festigkeit und feinkörnigen, gleichmäßigen Textur ein ausgezeichnetes Material für feine Schnitzereien. Besonders ansprechend wirkt es durch seine feine, anmutige Schichtung und den zarten Farbton.

79-80. Elfenbeinkiste und Becher.

Lokale Chroniken erzählen von der hohen Kunst der alten singhalesischen Elfenbeinschnitzer. In Chulawams (37.100) wird ein interessantes Zeugnis aufbewahrt, dass König Jetthatissa (4. Jahrhundert) für seine Elfenbeinschnitzereien berühmt war und sogar anderen seine wunderbare Kunst beibrachte. Alte Chronisten berichteten, dass der König Elfenbein zu einer Bodhisattva-Figur und Teilen seines königlichen Throns machte.

In Sri Lanka wurden Statuetten, Paneele, geschnitzte Türrahmen (zum Beispiel aus Ridivihara mit Tänzern und Tieren), Schatullen (Abb. 79), Buchbindungen, Damenschmuck, Kämme, Messergriffe usw. aus Elefantenstoßzähnen hergestellt.

Die Tradition der Kunst des Elfenbeinschnitzens hielt an. Die erhaltenen Beispiele der Arbeit des 18. - frühen 19. Jahrhunderts zeugen eindeutig von der Etrm.

Die Grate waren sehr anmutig und wunderschön - Panava, zweiseitig und einseitig. Auf einem von ihnen, der beispielsweise in einem Museum in Kandy aufbewahrt wird, wurde im Mittelteil ein Relief mit vielen Formen und durchbrochenen Schnitzereien geschaffen. In der Mitte sitzt eine Göttin auf einem Thron und hält Äste in den Händen. Auf beiden Seiten von ihr sind zwei Tänzer. Ein einfacher Rahmen mit einem geometrischen Muster setzt ein komplexes Bild in Szene.

78. Fundamente der Türen der Tempeltüren.

Auf dem anderen doppelseitigen Grat ist der Raum in einem eleganten durchbrochenen Rahmen in drei vertikale Teile unterteilt: In der Mitte befindet sich eine Figur einer Mutter, die mit einem Säugling im Arm sitzt, rechts die Figur einer stehenden Frau mit einem Kind, links ein Liebespaar. Die Roben sind mit schwarzen und roten Streifen bemalt (Colombo Museum).

Der Vergleich beider Grate zeigt, mit welchem \u200b\u200bkünstlerischen Flair der Meister die Form des Rahmens je nach Zentralfaden ändert: Der erste Grat hat ein komplexes Muster im Inneren, mit vielen kleinen Details, was eine Vereinfachung des Rahmens erforderlich macht; Auf dem zweiten Grat ermöglichten Figuren ohne detaillierte Details einen komplexen Rahmen, der aufgrund seines Musters nicht mit den internen Bildern konkurriert. Der dekorative Geschmack und die Erfahrung, die auf einer langen Tradition beruhen, erweisen sich als einwandfrei.

Von großem künstlerischen Wert ist die gekonnt und fein ausgeführte Figur der Schutzgottheit auf dem Teller aus dem Türrahmen des Tempels (Sammlung von A.-K. Cumaraswamy) (Abb. 78).

In einem niedrigen Relief ist eine Göttin vorgeschnitzt, die einen Pflanzentrieb und eine Blume in ihren gebogenen Händen hält.

Die Finger sind ungewöhnlich anmutige, dünne Kleidungsfalten, die genau zur Figur passen. Wissenschaftler haben diese Scheibe auf das 18. Jahrhundert datiert, aber man kann denken, dass sie mit der Zeit viel älter ist.

Interessant sind Schatullen und Schachteln mit dünnen Reliefschnitzereien. Die geschnitzten Griffe von Messern verschiedener Formen sind sehr effektiv - manchmal in Form von „Liyya Pata“ (Pflanzenmotiven), manchmal in Form eines Monsterkopfes mit offenem Mund - und vieler anderer Produkte aus Knochen (Abb. 80).

Künstlerische Holzverarbeitung

Die Holzschnitzerei war eng mit der Architektur verbunden, die in der Kandy-Zeit hauptsächlich aus Holz bestand. Die Arbeit lokaler Tischler, die verschiedene Produkte für das Haushaltsleben notwendig machten, zeichnete sich durch ihre Originalität aus. Sie stellten gekonnt Möbel, Werkzeuge, geschnitzte Kisten usw. her.

81. Spielbrett. Holz. XIX Jahrhundert.

Zum Beispiel sind wunderschön verzierte Bretter für das Spiel - "olinda-colombu" - ein echtes Kunstwerk. Sie befinden sich auf niedrigen Füßen und haben sieben kreisförmige Vertiefungen entlang jeder Längskante.

Dies ist ein lokales nationales, überwiegend weibliches Spiel. Normalerweise wurde es von zwei Frauen gespielt, die fünf bis sieben Olindasamen in jede Höhle legten. Frauen aus der königlichen Familie spielten mit Perlen statt mit Samen.

Die Seiten der Tafel waren mit einem geometrischen Muster verziert, die Gruben wurden in rechteckigen Abschnitten paarweise oder einzeln angeordnet. In der Mitte der Tafel wurde manchmal eine Relieffigur eines fantastischen Tieres geschnitzt (Probe im Kandy Museum). Die Zusammensetzung von Samengruben und geometrischen Motiven kann sehr unterschiedlich sein.

Die Form der Reispresse ist originell und komplex, aber sehr elegant. In der Mitte hat es die Form eines Fasses in der Nähe eines Zylinders, in das gemahlener gekochter Reis gegossen und durch Löcher im Metallboden gepresst wird. Der Kopf eines fantastischen Vogels und (von der gegenüberliegenden Seite) sein stilisierter Schwanz erstrecken sich vom Zylinder zu beiden Seiten. Der Zylinder ist mit einem Schraubenfaden verziert, der sozusagen über den Hals des Vogels geht. Oben befindet sich ein bequemer horizontaler Griff. Die ganze Form ist sehr effektiv.

Die Stecklinge von Holzschaufeln sind wunderschön und phantasievoll gebogen. Der Kopf eines Monsters oder Zierpflanzenmotive wurden oft unter die Schaufel geschnitzt. Das letztere Muster, jedoch in einer reicheren Form, wurde auch für die Türriegel ("Agula") verwendet.

Die Cumaraswamy-Sammlung enthält eine runde, flache Holzkiste, die für königliche Insignien bestimmt ist. Sie ist eine Drehtechnik abgedeckt

lack mit konzentrischen Streifen. Das wichtigste dekorative Detail ist eine breite durchbrochene Messingschlaufe mit komplizierten Blumenmotiven.

Nationalmöbel sind sehr vielfältig. Die Beine von Hockern und Sesseln hatten eine bizarre Form; Kopfteile usw. wurden ebenfalls mit reichen Schnitzereien verziert. Quellen zufolge wurden Möbel in wohlhabenden Häusern aus sehr teuren Holzarten hergestellt. Die Chulavamsa sagt, dass im Palast von König Parakramabahu Möbel mit Gold und teurem Elfenbein geschmückt wurden.

Glücklich

Lokaler Lack wird aus einer harzigen Substanz gewonnen, die von zwei Insektenarten abgesondert wird, die auf Bäumen und Pflanzen vorkommen. Darüber hinaus wird importierter indischer Lack ähnlicher Herkunft in geringen Mengen verwendet.

Die Lackarbeiter heißen i-waduvo, was wörtlich "Pfeilmacher" bedeutet. Diese Handwerker sind die niedrigste Klasse von Handwerkern, weil sie meistens als Dreher arbeiten. Sie schärfen Holz und dekorieren es, indem sie Pfeile, Bögen, Speere, Bettbeine und andere Möbel, Fassbretter, Fackelgriffe, Bannerstangen usw. herstellen. ;; dann erweicht und füllt letzterer, der durch Reibung erwärmt wird, die auf dem Objekt geschnittenen Rillen. Eine ähnliche Kandyan-Technik wird in Indien von Jodhpur-Lackierern verwendet. Kandyan-Lacke waren im 19. - frühen 20. Jahrhundert besonders berühmt.

Eine andere Technik war in Matale, bekannt als Niyapoten-Veda, dh Arbeiten mit einem Fingernagel, da die Drehmaschine hier nicht verwendet wurde und der Lack mit dem Daumennagel aufgetragen wurde. Dem Lack wird ein Farbstoff zugesetzt: Rot, Gelb, Grün und Schwarz. Dieser Lack wird verwendet, um Holzstöcke, Schäfte von zeremoniellen Speeren und Bannern, Pulverflaschen, Buchbindungen und Oboen abzudecken. Farbiger Lack ist auch auf Elfenbein, Horn und Muschel eingelegt.

Metallprodukte

Die Metallbearbeitung galt als eine der ältesten und angesehensten Handwerksberufe. Die Metallarbeiter wurden in mehrere Gruppen eingeteilt - Schmiede, Kupferschmiede und Goldschmiede. Chroniken berichten auch über diese Gruppen von Handwerkern. Chulavamsa (68,25) erzählt, wie Parakramabahu Schmiede, Kupferschmiede und sogar Goldschmiede für den Bau anzog, da es zu dieser Zeit spürbar an Steinmetzarbeiten mangelte.

Sri Lanka war schon immer berühmt für die wunderbare Arbeit von Juwelieren. Hervorragend ausgeführter Goldschmuck wird in den Chroniken oft erwähnt. Die Singhalesen liebten und lieben weiterhin verschiedene Schmuckstücke. In der Antike und im Mittelalter trugen Könige und wohlhabende Höflinge goldene Ohrringe, Armbänder und Ringe mit Edelsteinen.

In der Stadt Ratnapura, in deren Bereich Halbedelsteine \u200b\u200bund Edelsteine \u200b\u200babgebaut werden, blüht noch immer Schmuckkunst, insbesondere die Verarbeitung von Edelsteinen. Das Schneiden wird hauptsächlich von singhalesischen Juwelieren aus Galle durchgeführt. Seit Jahrhunderten stellen Ceylon-Handwerker eine Vielzahl von Produkten aus einfachen und Edelmetallen her.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts wurde nach dem Zeugnis von Kumaraswamy, dem Autor des Buches "Medieval Singhalese Art" (54), die Eisenschmelze jedoch nur in Khatarabagh bei Balangoda unter Vertretern der unteren Kaste erhalten, und in diesen Jahren waren nur wenige Menschen in Alutnuvar in der Produktion tätig. Stahlschmiede wurden "navandanno" genannt. Seit der Antike stellen sie nicht nur Werkzeuge für Landwirte und Schreiner her, sondern auch Schwerter, Speerspitzen und Pfeile, Messer, Mörser für Betelnüsse, Teile von Sänften, chirurgische Instrumente, Pfeile für Elefanten, Stilettos zum Schreiben, Schlösser, Schlüssel und Teller für sie, Türen Scharniere, Bolzen, Griffe.

(54) Ananda K. Coomaraswamy, mittelalterliche singhalesische Kunst.

——————————————————————————————-

Es gibt drei Haupttechniken, um Metall mit Gold oder Silber zu dekorieren:

1) die einfachste Methode, wenn die Oberfläche des Metalls mit leichten, sich kreuzenden Rillen geschnitten wird und dann eine Schicht aus Edelmetall durch Hammerschläge angebracht wird. Aufgrund der Plastizität und Duktilität von Gold und insbesondere Silber haften sie fest an der unebenen Oberfläche des Produkts und haften ziemlich fest daran. In Nordindien wird eine solche Kerbe als Koftgari bezeichnet.

2) Inkrustation, wenn in Eisen oder Stahl die Linien des Musters in Form einer schmalen tiefen Nut hergestellt werden, deren Ausgangsseite schmaler als der Boden ist und in die ein Edelmetalldraht eingetrieben wird (oder Kupfer, Messing - im Allgemeinen von einer anderen Farbe als das Metall des Produkts selbst). Der Draht wird mit einem Hammer sehr fest eingeschlagen, die Kanten der Nut halten ihn fest und die Oberfläche muss nur noch durch Polieren geglättet werden. Diese Methode ist schwieriger, es wird mehr Metall für das Ornament benötigt als zum Einkerben. Wenn jedoch besondere Stärke für die Verzierung erforderlich ist, z. B. für Waffen, wird Inlay häufiger als Kerbe verwendet.

3) eine Überlagerung, wenn sich die Stelle darunter leicht vertieft und eine Rille entlang der Kontur gemacht wird. Dann wird eine dünne Platte aus Gold oder Silber (auch Kupfer), die in die Form einer Vertiefung geschnitten ist, eingeführt, und die Kanten der Platte werden in eine Nut getrieben, geprägt und poliert. Die Platte selbst kann mit Gravur oder geprägtem Relief verziert werden.

Alle diese Dekorationsformen werden zusammen als Ridiketayanveda bezeichnet. Die Arbeit wird normalerweise von Schmieden erledigt, aber besonders feine Gegenstände werden von einem Goldschmied gehandhabt.

82-83. Säbelgriff und Messer.

Es ist nicht ungewöhnlich, dass Kandyan-Schmiede das Schmiedeeisen schwärzen, um ihm ein Aussehen zu verleihen, das dem europäischen gebläuten Stahl ähnelt. Dann rostet das Metall weniger und das Edelmetall und im Allgemeinen die Kerbe und das Inlay heben sich effektiver vom dunklen Hintergrund ab. Zum Schwärzen wird die Metalloberfläche mit einer speziellen Zusammensetzung behandelt und gebrannt.

Messingprodukte werden von Goldschmieden geprägt, und Formen werden von Schmelzhütten gegossen - locaruvo, die zu einer niedrigeren Gruppe von Handwerkern gehören.

Ein Beispiel für ein Messingprodukt ist die Schlüsselplatte von Malvatte Pansala. Um das Loch herum befinden sich stilisierte durchbrochene Pflanzen- und Blütenformen. Oben ist eine heilige Gans (Hansa) abgebildet, und zwei Vögel mit gekreuzten Hälsen sind abgebildet. Solche Platten sind normalerweise mit kleineren Pflanzenmotiven verziert, die in durchbrochener Technik hergestellt wurden. Die Eisenplatte von Danagirigalavihara ist auch sehr effektiv, da zwei Köpfe eines Greifvogels in entgegengesetzte Richtungen zeigen.

Alle Arten von Gefäßen, zum Beispiel für Wasser, die in jedem Vihara verfügbar sind, werden aus Messing und Bronze gegossen, aus denen die auf dem Altar liegenden Blumen gewässert werden. Sie kommen oft mit einem Ausguss und trinken dann auch Wasser von ihnen. Bronze wird seltener zum Gießen verwendet, aber Elefantenglocken, musikalische Becken, Formen zum Schmieden von Messing, Silber und Gold sowie Instrumente zum Repussé-Jagen werden fast immer aus Bronze gegossen.

Lampen, die in den unterschiedlichsten und interessantesten Formen erhältlich sind, werden häufiger aus Messing als aus Bronze gegossen. Sie sind aufrecht und hängen. Letzteres beinhaltet ein feines Messing-Exemplar im Colombo Museum in Form eines Vogels, der an einer Kette hängt. Darunter befindet sich ein Auslauf mit einem Reservoir für Öl und einem Docht, auf dem sich eine kleine Figur eines Vogels erhebt. Im selben Museum befindet sich oben eine Stehlampe mit einer stilisierten Han-Figur. Unten ist eine expandierende Untertasse für fünf Dochte. Die Arbeit scheint tamilisch zu sein, sehr typisch für Südindien.

Kupferkirchengefäße für Wasser (Kendiyya) sind manchmal am Hals und Deckel mit Cabochon-Granaten (mit Rundschleifung) verziert. Ein solcher Krug von Ridivihara hat einen abgerundeten Körper, einen hohen Hals, ziemlich dick mit einer leichten Glocke, einem konvexen Deckel und einer leicht gebogenen Nase. An seiner Basis befindet sich eine gravierte Blumenverzierung.

Fast jeder Haushaltsgegenstand ist mit erstaunlichen Erfindungen, künstlerischem Geschmack und Können dekoriert. Nehmen Sie zum Beispiel den Schlüssel zur Tür von Maduvanvelvihara, massiv, eisern, mit Messing besetzt und am Ring reich verziert; Ankh (Ankuza), Messing, mit einer Eisenspitze (aus der Para-Natella-Sammlung), mit einer gebogenen Spitze in Form eines Monsterkopfes oder Fackeln, bei der eine Figur eines Pfaus oder eines sich aufbäumenden Löwen mit dekorativer Kühnheit und Anmut in die Schüssel gegeben wird - alles überrascht mit einer geschickten Kombination aus Praktischem Bequemlichkeit und feiner künstlerischer Geschmack.

Nach dem Raub von Kandy durch die Briten im Jahr 1815 blieben nur wenige Silber- und Goldgegenstände in den Kandyan-Tempeln. Meistens gab es Gefäße, Lampen, Tabletts, Ventilatoren zum Beispiel im Hindu-Tempel von Maha Devala und im buddhistischen Tempel des Buddha-Zahns - Dalada Maligawa in Kandy (55).

Hier sind einige dieser Artikel. Kendiya ist ein Kirchengefäß für Wasser, Silber, von hervorragenden Proportionen: Der Körper ist rund im Querschnitt, aber vertikal abgeflacht, der Hals ist hoch, massiv, leicht nach unten verbreitert, am Ende gibt es eine Ausdehnung und einen konvexen Deckel, das Bein ist rund, breit, die Nase ist vertikal, hoch. Licht klingelt am Hals. Die Formen sind massiv, sogar monumental, und dies entspricht dem fast vollständigen Fehlen von Ornamenten. Ein großes Glas zur Aufbewahrung von Nudeln aus Sandelholz aus schwarzem Stein in einem Goldrahmen mit Rubineinlagen und vier Saphiren an den Ecken eines quadratischen Beins. Das Glas befand sich im Besitz von Rajadhiraja Sinha und wurde von ihm dem Maha Devala Tempel übergeben. An den Rändern des Glases ist ein goldener Rand mit einem geometrischen Reliefmuster angebracht, an vier Seiten hängen Goldornamente komplexer Formen. Am Bein befindet sich ein Reliefornament. All dies bildet einen schönen Kontrast zum schwarzen Stein.

Der goldene Fächer in Form einer runden Scheibe von Dalad Maligava ist eine Spende von König Kirti Sri Rajasinha. Ein verzierter Randstreifen verläuft entlang der Ränder der Scheibe und eine anmutige, leicht geprägte Rosette in der Mitte. Ein dünner profilierter Fächergriff ist durch ein Ornament mit einer zentralen Rosette verbunden, und am gegenüberliegenden Rand der Scheibe befindet sich eine falsche Spitze, als würde sie sich über die gesamte Breite der Scheibe des Griffs fortsetzen. Diese geniale Technik verleiht dem Fan eine besondere Anmut und erzeugt einen zusammenhängenden visuellen Eindruck.

77. Silberne Schaufel mit Elfenbeingriff.

Luxuriös verziert mit einer silbernen Schaufel - "Kinissa" - mit einem geschnitzten Elfenbeingriff (London Museum "South Kensington" (56)), der aus einem Kandyan-Tempel oder Palast stammt (siehe Abb. 77). Die Schaufel ist halbkugelförmig und reich verziert mit einem leicht geprägten, stilisierten Blumenornament.

Von der Seite klettert eine Figur eines Mannes auf die Kelle, an deren Rücken das Ende eines Elfenbeingriffs, der ein einziges Ganzes ist, anliegt. Dieses Stück, das unerwartet zwischen der Schaufel und dem Ende des Griffs platziert wird, ist ungewöhnlich effektiv und zeigt die ursprüngliche und gewagte kreative Vorstellungskraft des Meisters.

In Form und Zusammensetzung ist die menschliche Figur außerordentlich erfolgreich und in ihrer dekorativen Rolle angemessen. Das Ornament am Griff ist von der Art von Liyya Pata mit dem Kopf eines Monsters, das entweder einem Sinha (Löwe) oder einem Drachenfisch ähnelt, wie das indische Monster-Makara.

——————————————————————————————-

(55) Siehe: A. M. Hocart, Der Zahntempel in Kandy, London, 1931.

(56) Jetzt Victoria and Albert Museum genannt.

——————————————————————————————-

Keramikprodukte

Keramik war trotz ihrer scheinbaren Einfachheit aufgrund der schönen Formen der Gefäße und der, wenn auch unprätentiösen, aber gekonnt ausgeführten Ornamentik von großer künstlerischer Bedeutung.

Potters Produkte wurden nicht nur für häusliche Zwecke verwendet, sondern auch für heilige Rituale sowie für die Architektur, da für den Bau Tonfliesen benötigt wurden.

Töpfer selbst machten das Ornament durch Schnitzen oder Stempeln. Auf teureren Gegenständen wurde das Ornament abgebildet. Manchmal wurden auch bunte Gemälde verwendet.

Dorftöpfer wussten geschickt, wie man die plastischen Eigenschaften von Ton als Material verwendet, und berücksichtigten zweifellos die Besonderheiten ihres praktischen Zwecks, indem sie ihren Produkten Form gaben. Die Verzierung passte normalerweise auch zum Material.

In jedem Dorf gab es Töpfer; manchmal entstanden Töpfersiedlungen in der Nähe von reichen Tonvorkommen. Von hier aus wurden die Produkte in verschiedene Gebiete transportiert. Es ist nicht verwunderlich, dass rote Töpfe von ausgezeichneter Qualität aus Nikapata (in der Nähe von Haputale), wo Tamilen arbeiteten, nach Balangoda gingen und Schiffe aus Kelania, die mit einem weißen Schnitzmuster verziert waren, in Ratnapura, Kegalla und sogar in Kandy landeten. Ein Teil der Keramik wurde auch aus Südindien importiert.

Die Werkzeuge der Töpfer waren äußerst einfach; Die Hauptsache ist ein Rad (Schaft) mit einer Steinhülse, die in ein Steinnest eingesetzt und in den Boden eingelassen wurde, so dass das Rad nicht mehr als 15 cm aus dem Boden ragte. Handarbeit gab künstlerischen Produkten zwangsläufig Formfreiheit, Plastizität im Gegensatz zu Trockenheit resultierend aus der Ausführung des Formulars mit einer Maschinenschablone.

Zum Beispiel sind hier einige Töpferwaren.

Die massive Vase (Kalakha), die als Ständer für die Lampe diente, hat eine schöne Form. Sein Körper hat einen runden Querschnitt, ist vertikal abgeflacht, hat einen dicken zylindrischen Hals und drei ringförmige Verdickungen. Das Bein ist breit, rund, niedrig. Alle Details der Vase sind proportional. Das Gemälde ist hellgelb auf rotem Grund in Form von stilisierten Laubmotiven.

Ein anderes Gefäß hat ebenfalls eine bizarre Form, mit zwölf nach oben ragenden Nasen und Ringrändern an einem niedrigen, breiten Hals. In voller Übereinstimmung mit der komplexen Form des Gefäßes ist das Bein sehr massiv, breit und ziemlich hoch gemacht; es "hält" visuell einen breiten Körper mit Ausgüssen. Das Gefäß wurde für rituelle Tänze verwendet und heißt "punava".

Die Gesimsfliesen aus dem Tempel von Dalada Maligawa waren reich verziert; Auf der einen Seite befindet sich ein prächtiger Sinha (Löwe) im Relief, auf der anderen - Hansa (Gans). In Kandy wurden ähnliche Fliesen auch in Form eines Blattes des heiligen Bodhi-Baumes hergestellt und mit dem Bild eines Löwen und einer Gans verziert.

Ein sehr interessantes Lied des Töpfers widmet sich der Beschreibung des Arbeitsprozesses, einschließlich der dekorativen Bemalung von Gefäßen.

„Im Morgengrauen wacht er auf und nimmt einen Korb. [Der Töpfer] geht zu den Tonvorkommen.

Nachdem er den Korb geleert und einen Platz im Lehm vorbereitet hat, ehrt er die Schutzgottheit;

Nur in einen Lendenschurz gekleidet, nimmt er fröhlich einen Kozin und geht in die Grube hinunter;

Ohne die Seiten der Grube zu berühren, gräbt er den Ton aus der Mitte aus und füllt den Korb.

Nachdem er den Ton in Stücke zerkleinert hat, stellt er den Korb auf die Wippe und gießt den Ton in den Töpferhof.

Dann teilt er den Ton in gleiche Stücke und stellt sie auf eine große Matte in der Sonne;

Nachdem er den Ton getrocknet und die Steine \u200b\u200bentfernt hat, schlägt er ihn in einen Mörser und siebt ihn durch die Kulla.

Dann nimmt er das Pulver, fügt die gleiche Menge Wasser hinzu und macht Kugeln aus der Mischung.

Er nimmt diese Tonkugeln, legt sie aufeinander und bedeckt sie mit Blättern;

Nach drei Tagen teilt er sie wieder in drei Teile und knetet sie dann wieder;

Da er das richtige Verhältnis kennt, fügt er den feinsten Sand hinzu und knetet alles wieder mit Wasser.

Nachdem er die Masse geknetet hat, macht er wieder runde Kugeln daraus und legt sie auf einen Haufen; und nimmt sie nach drei Tagen wieder.

Nachdem er sie auf diese Weise vorbereitet hat, trampelt und knetet er den Ton immer wieder;

Wenn sie wie klebriges Wachs wird, weiß er, dass sie bereit ist;

Dann teilt er es in separate Klumpen für Gefäße unterschiedlicher Größe;

Er legt die so vorbereiteten Klumpen in die Nähe der Werkstatt und deckt sie sorgfältig ab.

Am nächsten Tag trennt er mit gespaltenem Schilf die Tonklumpen voneinander;

Und nachdem er sie richtig geteilt hat, macht er wieder Kugeln aus ihnen und hält sie zusammen wie am Vortag;

Am nächsten Tag wacht er im Morgengrauen auf und räumt die Werkstatt auf.

Und er hält alle Tonkugeln griffbereit und setzt sich vor das Lenkrad.

Er nimmt die Tonkugeln einzeln mit der rechten Hand und legt sie auf das Rad;

Mit der linken Hand dreht er das Rad, mit der rechten Hand formt er [das Gefäß];

Er kennt die Größe und Form des Gefäßes und drückt mit der Hand nach unten.

Wenn die gewünschte Form angezeigt wird, werden die Kanten geformt.

Er lässt [das Schiff] so wie es ist und macht eine Felge und dreht das Rad sehr schnell;

Und um zu sehen, ob er glatt geworden ist, korrigiert er alle Unregelmäßigkeiten mit der Fingerspitze.

Er sprüht ein wenig Wasser, poliert den Topf und nimmt ihn vorsichtig mit seiner offenen Handfläche.

Legt es ab und nimmt es 30 Stunden nach der Herstellung wieder auf.

Dann hielt er eine steinerne Galiheda in der linken Hand und einen Holzhammer in der rechten und hielt das Gefäß mit dem Fuß fest;

Er schlägt [entlang seiner unteren Ränder] mit der flachen Oberfläche eines Schlägers und macht [von ihnen] den Boden zur vollen Breite des Topfes;

Und nachdem er den Boden vollständig gemacht und poliert hat, legt er [das Gefäß] in die Sonne;

Nachdem er ein wenig getrocknet hat, zeichnet er Zweige mit Blättern, Girlanden und Blütenblättern um das Gefäß.

Zeichnen um die Linie, Blütenblätter von Blumen, Hähnen, Papageien, Tauben, Selikhini;

Und wiederum die Blätter des [Baum] bo, Blumensträuße und Datteln, Blumen auf, Blumen von Olu und Lotusblumen;

Herstellung von Scheiben aus Sonne und Mond, Makara vor den Toren [Toran] und goldenem Hansu;

Elefanten, Pferde, Hirsche, Löwen, Tiger, Wölfe, Bären, Kobras und Polongas.

Schwimmende Tisaru, fliegende Wildkatze, schöne Kinduro und Honigbienen;

Große Boas, viele wilde Schlangen, Haie, Schildkröten und goldene Pfauen;

Schöne junge Mädchen, deren Brüste prall sind wie goldene Schwäne;

Vergessen Sie nicht, niedliche entzückende Kinder zu zeichnen.

Zeichnen um Nari Lat, Zweige mit Blättern und auch Buchstaben des Alphabets mit Vokalzeichen;

Indem Sie einen Dreizack mit dem "om" -Zeichen als Talisman in die Mitte stellen;

Durch Malen in den vier Ecken Tiere mit verschlungenen Hälsen [Puttu], Pfau, Kobra, Schwan und Schlange;

Sternzeichen, neun Planeten und siebenundzwanzig Sterne.

Er nimmt eine gute rote [Farbe] Gurugala und eine weiße Makula und knetet sie in Wasser zu einer dicken Lösung;

Mischen Sie es mit der richtigen Menge Öl, damit die Farben leuchten.

Dann setzt er [die Töpfe] der Sonne aus, um vollständig zu trocknen;

Und dann, nachdem er sie in einen Ofen gelegt hat, trocknet er sie am ersten Tag in Rauch.

Am zweiten Tag, nachdem er so viel Holz wie nötig gelegt hat, hält er ein mäßiges Feuer aufrecht;

Am dritten Tag entzündet er eine ausreichend heiße Flamme und verbrennt [die Töpfe] bis zum Ende;

Danach nimmt er das Holz heraus, löscht die Flamme und lässt die Gegenstände drei Tage lang abkühlen.

Am vierten Tag, nachdem er sichergestellt hat, dass der Ofen vollständig abgekühlt ist, nimmt er die Gefäße nacheinander heraus. " (57)

Dieses Lied enthält die gesamte Produktionserfahrung des Töpfers, die seit Jahrhunderten von Generation zu Generation weitergegeben wird, und sein Werk ist subtil poetisiert.

——————————————————————————————-

(57) Ananda K. Coomaraswamy, mittelalterliche singhalesische Kunst.

——————————————————————————————-

Textilkunst

Seit der Antike sind Weben, Sticken und Mattenweben auf der ganzen Insel verbreitet.

Unter den Singhalesen gab es zwei Gruppen von Webern: Salagamayo - Handwerker aus Südindien, die feine und Brokatstoffe herstellten, und Berawayo - Kasten lokaler Weber, die gleichzeitig als Musiker, Astrologen usw. arbeiteten.

Nach der Überlieferung sandte König Vijayabahu III. (XIII. Jahrhundert) aus Dambadenia einen Boten nach Südindien, um gute Handwerker zu entsenden. Der Bote kehrte zurück und brachte acht Weber mit, denen der König Dörfer, Frauen und Ehren gewährte. Die Nachkommen dieser Weber erlitten die Schande der Kandyan-Herrscher und mussten an die Südwestküste ziehen. Dort beschäftigten sie sich nicht mehr mit dem Weben, sondern mit dem Anbau von Zimt auf dem königlichen Land. Gleiches galt für sie unter portugiesischer und niederländischer Herrschaft.

Das spätmittelalterliche Werk Janavamsa berichtet über den wiederholten Import indischer Weber nach Sri Lanka. Die lokale Produktion verschwand praktisch und musste ständig durch die Einwanderung von Handwerkern aus Südindien unterstützt werden.

Während der Zeit der englischen Herrschaft verfiel die Produktion von Volkstextilien. Bevor Sri Lanka die Unabhängigkeit erlangte, war laut A.K. Coomaraswamy, hausgemachtes Baumwollgarn, das früher in allen Kandyan-Provinzen verbreitet war, hat nur in Talagun, Uda Dumbar und an Orten in der Nähe von Vellasa in Uwe überlebt.

Die Kaste der einheimischen singhalesischen Weber aus der Antike stellte einfache Baumwollstoffe her, die bis zum Beginn des 20. Jahrhunderts hergestellt wurden. Besonders berühmt waren die Dorfweber der Region Kandy. Ihre Produkte wurden nicht von Veränderungen in der Hofmode und der Kunst der südindischen Weber beeinflusst, die hierher kamen.

Lokale, wie indische, nationale Kleidung wird in der Regel nicht von Schneidern aus verschiedenen Stoffteilen genäht, ihre Teile sind in fertiger Form gewebt und müssen daher in verschiedenen Formen und Größen aus der Maschine kommen. So Handtücher und Servietten (verwöhnen Kada), tragbare Stoffe für Männer (Tuppoti), für Frauen (Pada, Hela), Herrenschürzen (Diya Kachchi), Kopftücher oder Schals (Lensu, Ura Mala), Schärpen (Party), Decken und Laken (Etirili), Teppiche (Paramadana), Bezüge für Tonkrüge (Gahoni) und Kissenbezüge usw. Weiße, blaue oder rote Stoffe ohne Muster wurden für Mönchskleidung, Hüte, Kissenbezüge, Beteltaschen usw. hergestellt. Dünne Muslins wurden von diesen Dorfwebern nie hergestellt.

Die Muster waren überwiegend geometrischer Natur oder in Form stark stilisierter Formen von Tieren, Schlangen, Vögeln, deren Figuren in streng dekorativen Kompositionen gesammelt wurden.

Interessant und reich verziert zum Beispiel mit gewebten Bildern einer Schärpe, die dem höchsten buddhistischen Mönch aus Malvatta gehörte und in der Region Uva hergestellt wurde. In den horizontalen Gürteln befinden sich Reihen aufeinanderfolgender Elefanten, Pferde, Löwen und stark stilisierter Vögel. Diese Gürtel wechseln sich mit Streifen ab, die mit geometrisierten Motiven gefüllt sind. Die Farben sind ebenfalls unterschiedlich: schwarz, rot, pink, blau, mit grün und gelb.

Geometrisierte Formen sind nicht unpersönlich: Sie zeigen normalerweise Pflanzen und Blumen, Locken aus Blumenbechern usw.

Die Stickerei wurde wie die Stoffe in eine limitierte Produktion (für Hof und Adel) mit dekorativen Motiven indischen Ursprungs und in die lokale singhalesische Produktion selbst unterteilt.

Es gab nur wenige professionelle Schneider (hannali), sie dienten dem König und seinem Hof \u200b\u200bmit luxuriöser Stickerei; Für buddhistische und hinduistische Tempel stellten sie heilige Gewänder, Vorhänge, Tempelbanner usw. her und schmückten Streitwagen für heilige Prozessionen. Für wohlhabende weltliche Landbesitzer stellten sie Brokatjacken, goldgestickte rechteckige Hüte (Toppiyas) und bestickte Pullover für ihre Familien her. Das teure Material für solche Gegenstände wurde hauptsächlich aus Indien importiert, zum Beispiel roter Filz, Samt, Pailletten und Lametta, Brokat für Jacken, Goldfaden zum Sticken von Hüten und zeremonielle Fans.

Einer von ihnen stammt aus Maha Devale in Kandy und besteht aus rotem Samt, der mit Gold- und Silberfäden bestickt ist und mit Applikationen aus grünem Samt versehen ist. Ornament in Form von geometrisierten Pflanzenformen, in der Mitte befindet sich eine Rosette, die Vorderseite besteht aus blauem Samt, auf den Sonne, Mond und Sterne gestickt sind.

Der Betelnussbeutel wurde effektiv und vielfältig bestickt, meist mit Pflanzen- und Blumenmotiven, immer mit einem reich verzierten Randstreifen. Eine dieser Handtaschen, die im Colombo Museum aufbewahrt wird, ist mit einem besonders filigranen und filigranen Design bestickt. In der Mitte befindet sich eine Rosette mit vier scharfen Blättern, zwischen denen sich kleine Blüten an den dünnsten Stielen und Figuren von Vögeln befinden. Zwischen der zentralen Rosette und dem kreisförmigen Rand befinden sich ebenfalls Vogelfiguren, die mit zarten Pflanzendrehungen und Blumen bestickt sind.

Matten (Dumbara), die von Webern der unteren Kaste - Kinaraya (58) - gewebt werden, sind für den Hausgebrauch nicht weniger wichtig. Die Faser besteht aus Hanf. Ein Teil der Faser bleibt in einer natürlichen weißen Farbe, der Rest ist schwarz, gelb oder rot gefärbt.

——————————————————————————————-

(58) Siehe: N. D. Wijesekera, The People of Seoulon, Colombo, 1965.

——————————————————————————————-

Die Kettfäden werden wie Baumwolle auf einer Spindel gesponnen; Für die Ente werden vorgefertigte natürliche Hanffasern genommen, die sich über die Matte erstrecken. Der Webstuhl ist horizontal, ähnlich dem Baumwollwebstuhl, jedoch primitiver. Matten werden auch aus Gras gewebt und "Peduru" genannt. Die Hauptfarbe für sie ist Patangi, die einen schönen Rotton ergibt.

Die Bilder auf den Matten sind massiv, geometrisch, in Form und Zusammensetzung sogar monumental und eignen sich hervorragend für den dekorativen Zweck von Matten, die untrennbar mit dem Raum und der Architektur verbunden sind.

In der Sammlung von A.K.Kumaraswamy gibt es zwei interessante Beispiele für solche Matten. Einer auf dem zentralen Platz, der in neun rechteckige Abschnitte unterteilt ist, zeigt: in der Mitte einen Elefanten, in den seitlichen Rechtecken eine Naga (Kobra), die mit einer geschwollenen Kapuze hochgezogen ist. Die obere und untere Reihe von Rechtecken haben die gleiche Füllung: im Durchschnitt - ein Reh, an den Seiten - ein Paar Vögel. Die Komposition dieser Figuren zeigt den richtigen künstlerischen Takt: Die Damwild (oben und unten) sind in entgegengesetzte Richtungen gedreht; Jedes Vogelpaar wird auch getrennt, indem die Köpfe in verschiedene Richtungen gerichtet werden. Dies fein berechnet künstlerische Technik Der Meister vermeidet die betonte Monotonie.

Vom zentralen Platz mit Figuren gibt es Querstreifen: Der erste ist mit Zickzacklinien verziert, dann drei breite Streifen und dann eine Reihe schmaler Streifen. Alles ist auf visuelle Wirkung ausgelegt.

Auf der anderen Matte ist die Gesamtzusammensetzung ähnlich der vorherigen. In der Mitte - zwei Vögel, ebenfalls in entgegengesetzte Richtungen gedreht, an den Seiten - Nagas. Über und unter den Gürteln mit Fischen und Vögeln drei Gürtel oben und unten. Alle Figuren sind in einer anderen, aber streng durchdachten Reihenfolge mit der richtigen dekorativen Wirkung ausgerichtet.

Masken machen

Man kann nur eine so einzigartige und lebendige Kunst Sri Lankas wie Masken berühren. Sie sind seit langem als fester Bestandteil des Volksdramas und der Tänze weit verbreitet und seit der Antike im Land äußerst beliebt (59).

——————————————————————————————-

(59) Siehe: Berge de Zoete, Tanz- und Zauberdrama in Ceylon, London, 1935; E.R. Sarachandra, Das Volksdrama in Ceylon, Colombo, 1966.

——————————————————————————————-

In der dramatischen Kolam-Performance basiert alles auf der Verwendung von Masken. Masken werden auch in dämonischen Tänzeltänzen verwendet.

85. Der Schlagzeuger.

Obwohl die symbolische und religiöse Bedeutung der Tänze inzwischen weitgehend verloren gegangen ist, bleiben die Masken der Tänzer und Schauspieler selbst ein attraktiver Anblick für die Bevölkerung, insbesondere in den Dörfern.

Schnitzer von Holzmasken verfolgten nicht immer rein künstlerische Ziele, und viele Masken haben nur eine spezifisch symbolische Bedeutung. Einige von ihnen können jedoch aufgrund ihrer äußeren Ausdruckskraft als echte Werke der Volkskunst angesehen werden. Ihre ethnografische Bedeutung ist ebenfalls groß.

Die künstlerisch interessantesten Masken werden im "Rassaya" -Tanz im Auftakt zur "Kolam" -Darbietung verwendet. Es gibt sehr fantastische und monströs aussehende Masken, die halbgöttliche Wesen darstellen.

Viel realistischer sind die zahlreichen Masken des Sannia-Tanzes, die in der Tovil-Aufführung verwendet werden. Sie scheinen karikierte Bilder von Menschen zu reproduzieren.

Zum Beispiel ist die Maske eines alten Schlagzeugers mit einem großen dicken Bart und tief faltigen Falten, einem ausdrucksstarken senilen Gesicht, sehr eigenartig, obwohl seine prall gefüllten Augen und sein entblößter Mund ihm eine besondere Groteskheit verleihen (Abb. 85).

Der konzentrierte, aber schlaue Ausdruck im Gesicht mit der zarten Lippenfalte eines Mudali, eines großen Regierungsbeamten.

86. Maske des Rajah.

Der Rajah hat ein Gesicht mit einem schönen schwarzen Schnurrbart und einer Krone in Form einer komplexen Struktur, die dreimal so groß wie der Kopf ist. an den Seiten des Gesichts - die Schnauzen zweier fantastischer Makaras (Abb. 86). Die Bisawa (Königin) hat ein wunderschönes Gesicht mit einer anmutigen Lippenfalte, ihre Augen sind weit geöffnet, als ob sie überrascht wäre. Die majestätische Krone ist bekannt für ihr Pflanzen- und Blumenmotiv. Von ihr steigt auf beiden Seiten der Anhänger auf den "Perlen" -Stoff, gegen den das Gesicht der Königin besonders feierlich wirkt.

Interessant und das Gesicht einer schwarzen Frau mit herrlich gewelltem Haar, eine Frisur, die bis auf Kinnhöhe hinter die Ohren fällt. Sie lacht laut und zeigt Reihen glänzender Zähne. Es sollte beachtet werden, dass dieses Detail verwendet wird, um Charaktere mit einem niedrigen sozialen Rang zu karikieren: Sie haben normalerweise ungewöhnlich große, verzerrte wachsende oder seltene Zähne. Die schwarze Frau, die der Künstler deutlich zu zeigen versuchte, ist attraktiv, ihre Zähne sind gleichmäßig und schön.

Wenn die Zähne bei den höheren Personen, beim königlichen Paar, im Mudala, beim Dorfvorsteher und beim Polizisten überhaupt nicht gezeigt werden, dann hat der Wucherer (Hittiyya) ein verzerrtes Gesicht, eine krumme Nase, kleine räuberische Augen und zwei große Zähne in einem halboffenen Mund.

Die Wäscherin (männlich) hat große Augen, eine breite Nase und eine Zunge, die zwischen Reihen großer, fest sitzender Zähne hervorsteht. Sein Assistent ist noch karikierter mit einer abgeflachten Nase und einer weit nach vorne geschobenen oberen Zahnreihe. Die Sannia Tanzmasken sind sehr ausdrucksstark, sie haben viel kreative Fantasie, aber sie sehen viel naturalistischer aus.

87. Maske für Zeremonien

Das beschriebene Kunsthandwerk gehört zum Ende der Kolonialzeit, als das Kunsthandwerk sowohl künstlerisch als auch industriell rückläufig war. Aber dieser Zweig der Volkskultur starb glücklicherweise nicht: Fast alle Arten von Kunstprodukten, obwohl in kleinen Mengen, wurden weiterhin geschaffen, wobei ihre nationalen Merkmale bewahrt wurden.

Nachdem Sri Lanka die Unabhängigkeit erlangt hatte, nahm das Interesse an der lokalen nationalen Kultur zu, die umfassende Unterstützung der Regierung für das Kunsthandwerk trug zu ihrer neuen Entwicklung bei, und einige Arten der Kunstproduktion wurden buchstäblich neu belebt.

Es sind neue Arten von Produkten entstanden, insbesondere rein dekorativer Art, während in der Antike jede künstlerische Produktion nur einen praktischen Zweck hatte.

Keramik, hergestellt auf der Grundlage alter Traditionen, erschien, dekorative Skulpturen wurden hergestellt, zum Beispiel Holzskulpturen aus wertvollen Steinbäumen, dekorative Wandschalen aus Messing und anderen Metallen, die mit großer Geschicklichkeit die berühmten alten "Mondsteine" reproduzieren.

Die singhalesische und tamilische Bevölkerung der Insel, die das Volkskunsthandwerk wiederbelebt, bewahrt und entwickelt ihre nationalen Traditionen. Ihr kreatives Talent und Können.

Bei Ausgrabungen in Takshashila und anderen Siedlungen im Nordwesten Indiens wurden Schmuckstücke aus Edelsteinen entdeckt, die mit einer ähnlichen Technik wie die indischen Juweliere gekonnt in Gold eingelassen wurden. Der Sarg aus Bimaran (2. Jahrhundert n. Chr.) Und einige andere Gold- und Silbergegenstände zeichnen sich durch die Eleganz der Gravur aus, ebenso wie die Kristallarchen, die in verschiedenen buddhistischen Siedlungen hergestellt wurden. Die facettierten Juwelen der nordwestlichen Siedlungen sind im Allgemeinen von geringem künstlerischem Wert und fast alle weisen Spuren westlicher Einflüsse auf.

Bis heute sind nur wenige Elfenbeingegenstände erhalten. Aufzeichnungen zeigen die Existenz von Unternehmen von Elfenbeinschnitzern. Es war ein ehrenwerter Beruf, der die Schirmherrschaft der herrschenden Kasten genoss. Das interessanteste Stück Elfenbeinskulptur ist eine kleine Figur einer Göttin, die in Herculaneum entdeckt wurde und zweifellos wie teure Stoffe und Gewürze durch Ägypten gelangte. In Bergama, etwa achtzig Kilometer westlich von Kabul, wurden geschnitzte Elfenbeinplatten von erstaunlicher Handwerkskunst entdeckt, die ursprünglich zur Dekoration von Möbelstücken oder Sargdeckeln verwendet wurden. Sie stammen aus dem 1.-2. Jahrhundert. ANZEIGE Die auf diesen Tafeln abgebildeten Themen, die in einer Region entstanden sind, die für westliche Einflüsse weit offen war, sind dennoch typisch indisch. Sie wurden entweder einfach hierher importiert oder von Künstlern ausgeführt, die von indischen Meistern ausgebildet wurden. Hier werden verschiedene Techniken geschickt eingesetzt: Zum Beispiel wird Elfenbein abwechselnd ausgeschnitten, geschärft und in Hochrelief und Basrelief unterteilt, eingeschnitten und erhält ein Lichtschattenspiel. Die Klarheit der Linien, trotz der Eleganz des Produkts, verleiht diesen Figuren eine bemerkenswerte Erleichterung und stellt sie anderen Meisterwerken des alten Indien gleich. In einer späteren Zeit (XV-XVII Jahrhunderte) wurden in den Werkstätten Südindiens und Ceylons, technisch gesehen bemerkenswert, auch Elfenbeinprodukte hergestellt, von denen viele Alltagsgegenstände waren: Figuren, Elemente der Architektur- und Möbeldekoration, Koffer, Schatullen , Kämme usw. Bereits in der Antike erreichte die Kunst des Schmucks einen hohen Grad an Perfektion.