Es gibt viele talentierte Persönlichkeiten unter russischen Künstlern. Ihre Arbeit wird auf der ganzen Welt hoch geschätzt und konkurriert mit Weltmeistern wie Rubens, Michelangelo, Van Gogh und Picasso. In diesem Artikel haben wir 10 der bekanntesten russischen Künstler gesammelt.

1. Ivan Aivazovsky

Ivan Aivazovsky ist einer der bekanntesten russischen Künstler. Er wurde in Feodosia geboren. Von Kindheit an zeigte Aivazovsky seine unglaublichen kreativen Fähigkeiten: Er liebte es zu zeichnen und lernte selbst Geige zu spielen.

Im Alter von 12 Jahren begann das junge Talent in Simferopol an der Akademie der Malerei zu studieren. Hier lernte er, Drucke zu kopieren und aus dem Leben zu malen. Ein Jahr später gelang es ihm, die Kaiserliche Akademie von St. Petersburg zu betreten, obwohl er das 14. Lebensjahr noch nicht erreicht hatte.

Der Künstler reiste lange Zeit nach Europa und lebte in Italien, wo auch seine Gemälde für ihren wahren Wert anerkannt wurden. So wurde der junge Künstler aus Feodosia ein ziemlich berühmter und reicher Mann.

Später kehrte Aivazovsky in seine Heimat zurück, wo er die Uniform des Marineministeriums und den Titel eines Akademikers erhielt. Der Künstler besuchte auch Ägypten und war bei der Eröffnung des neuen Suezkanals anwesend. Der Künstler beschrieb alle seine Eindrücke in Bildern. Zu diesem Zeitpunkt hatte er bereits seinen eigenen einzigartigen Stil und seine Fähigkeit entwickelt, aus dem Gedächtnis zu schreiben. Aivazovsky skizzierte komplexe Elemente in einem Notizbuch, um sie später auf die Leinwand zu übertragen. Die Bilder "Odessa", "The Ninth Wave" und "Black Sea" machten ihn weltweit bekannt.

Der Künstler verbrachte die letzten Jahre seines Lebens in Feodosia, wo er sich ein Haus im italienischen Stil baute. Wenig später fügte Aivazovsky ihm eine kleine Galerie hinzu, damit jeder seine erstaunlichen Gemälde frei genießen und in einem Ozean von Farben ertrinken konnte. Heute dient dieses Herrenhaus noch als Museum und viele Besucher kommen jeden Tag hierher, um mit eigenen Augen die Fähigkeiten des Marinemalers zu sehen, der ein langes und glückliches Leben geführt hat.

2. Viktor Vasnetsov

Viktor Vasnetsov setzt die Liste der bekanntesten russischen Künstler fort. Er wurde im Frühjahr 1848 in der Familie eines Priesters in dem kleinen Dorf Lopyal geboren. Das Verlangen nach Malerei weckte schon sehr früh in ihm, aber seine Eltern konnten ihm aus Geldmangel keine angemessene Ausbildung geben. Daher begann Victor im Alter von 10 Jahren an einem freien theologischen Seminar zu studieren.

1866 reiste er praktisch ohne Geld nach St. Petersburg. Vasnetsov kam mit der Aufnahmeprüfung problemlos zurecht und trat in die Akademie der Künste ein. Hier begann seine Freundschaft mit dem berühmten Künstler Repin, mit dem er später nach Paris ging. Nach seiner Rückkehr nach St. Petersburg beginnt Vasnetsov, seine berühmtesten Gemälde zu malen: "Drei Helden", "Schneewittchen" und "Gott der Heerscharen".

Der Künstler konnte sein Talent erst nach seinem Umzug nach Moskau voll entfalten. Hier ist er gemütlich und bequem, und jedes nachfolgende Bild fällt besser aus als das vorherige. In Moskau malte Vasnetsov Gemälde wie "Alyonushka", "Ivan Tsarevich und grauer Wolf"Und" Nestor der Chronist ".

3. Karl Bryullov

Dieser berühmte russische Künstler wurde 1799 geboren. Karls Vater war ein berühmter Maler und Professor an der St. Petersburger Akademie der Künste. Daher war das Schicksal des Jungen eine ausgemachte Sache. Glücklicherweise gelang es Karl Bryullov, das Talent des Künstlers von seinem Vater zu erben.

Das Lernen war für den jungen Künstler sehr einfach. Er war den anderen Schülern seiner Klasse um ein Vielfaches überlegen und absolvierte die Akademie der Künste mit Auszeichnung. Danach reiste Karl nach Europa und blieb lange Zeit nur in Italien. Hier schuf er sein Meisterwerk - "Der letzte Tag von Pompeji", nachdem er etwa sechs Jahre damit verbracht hatte, es zu schreiben.

Nach seiner Rückkehr nach St. Petersburg erwartete Karl Bryullov Ruhm und Ehre. Sie freuten sich, ihn überall zu sehen und bewunderten sicherlich seine neuen Gemälde. In dieser Zeit schafft der Künstler mehrere seiner unsterblichen Gemälde: "Reiterin", "Belagerung von Pskow", "Narzisse" und andere.

4. Ivan Shishkin

Ivan Shishkin ist einer der bekanntesten russischen Landschaftsmaler, der in seinen Gemälden jede unauffällige Landschaft im günstigsten Licht darstellen konnte. Es scheint, dass die Natur selbst mit lebendigen Farben auf den Leinwänden dieses Künstlers spielt.

Ivan Shishkin wurde 1832 in Elabuga geboren, das heute zu Tatarstan gehört. Der Vater wollte, dass sein Sohn schließlich das Amt eines Stadtbeamten übernahm, aber Ivan zog es vor, zu zeichnen. Mit 20 Jahren reiste er nach Moskau, um Malerei zu studieren. Nach seinem erfolgreichen Abschluss an der Moskauer Kunstschule trat Shishkin in die Kaiserliche Akademie in St. Petersburg ein.

Später reiste er lange durch Europa und skizzierte atemberaubende Landschaften. Zu dieser Zeit schuf er das Gemälde "Blick in die Nähe von Düsseldorf", das ihm großen Ruhm einbrachte. Nach seiner Rückkehr nach Russland kreiert Shishkin weiterhin mit neuer Kraft. Ihm zufolge ist die russische Natur den europäischen Landschaften um das Hundertfache überlegen.

Ivan Shishkin schrieb viele erstaunliche Gemälde in seinem Leben: "Morgen in einem Kiefernwald", "Erster Schnee", " Kiefernwald" und andere. Sogar der Tod überholte diesen Maler direkt hinter der Staffelei.

5. Isaac Levitan

Dieser große russische Landschaftsmeister wurde in Litauen geboren, verbrachte aber sein ganzes Leben in Russland. Wiederholt verursachte seine jüdische Herkunft viele Demütigungen, zwang ihn jedoch nie, dieses Land zu verlassen, was er in seinen Gemälden vergötterte und lobte.

Bereits die ersten Landschaften Levitans erhielten gute Noten von Perov und Savrasov, und Tretjakow selbst kaufte sogar sein Gemälde "Herbsttag in Sokolniki". Aber 1879 wurde Isaac Levitan zusammen mit allen Juden aus Moskau vertrieben. Nur durch die großen Anstrengungen von Freunden und Lehrern gelingt es ihm, in die Stadt zurückzukehren.

In den 1880er Jahren malte der Künstler viele atemberaubende Gemälde, die ihn sehr berühmt machten. Dies waren "Pines", "Autumn" und "First Snow". Eine weitere Demütigung zwang den Autor, Moskau wieder zu verlassen und auf die Krim zu gehen. Auf der Halbinsel malt der Künstler eine Reihe erstaunlicher Werke und verbessert seine finanzielle Situation erheblich. Dadurch kann er durch Europa reisen und sich mit der Arbeit der Weltmeister vertraut machen. Der Höhepunkt von Levitans Werk war sein Gemälde über dem ewigen Frieden.

6. Vasily Tropinin

Der große russische Künstler-Porträtmaler Wassili Tropinin hatte ein erstaunliches Schicksal. Er wurde 1780 in eine Familie von Leibeigenen des Grafen Markov hineingeboren und erhielt erst im Alter von 47 Jahren das Recht, ein freier Mann zu sein. Schon als Kind hatte der kleine Wassili eine Vorliebe fürs Zeichnen, aber der Graf schickte ihn zum Konditor. Später wurde er noch an die Kaiserliche Akademie geschickt, wo er sein Talent in seiner ganzen Schönheit zeigte. Für seine Porträts "The Lacemaker" und "The Beggar Old Man" wurde Vasily Tropinin der Titel eines Akademikers verliehen.

7. Petrov-Vodkin Kuzma

Dem berühmten russischen Künstler Petrov-Vodkin gelang es, ein reiches Erbe in der Weltmalerei zu hinterlassen. Er wurde 1878 in Khvalynsk geboren und sollte in seiner Jugend Eisenbahnarbeiter werden. Das Schicksal machte ihn jedoch zu einem weltberühmten Maler.

8. Alexey Savrasov

Die Bilder dieses russischen Künstlers verkauften sich bereits im Alter von knapp 12 Jahren gut. Wenig später trat er in die Moskauer Malschule ein und wurde sofort einer der besten Schüler. Eine Reise in die Ukraine half Savrasov, das College frühzeitig zu beenden und den Titel eines Künstlers zu erhalten.

Die Bilder "Stein im Wald" und "Moskauer Kreml" wurden von diesem Maler als Akademiker im Alter von 24 Jahren angefertigt! Die königliche Familie interessiert sich für junge Talente, und Tretjakow selbst kauft viele seiner Werke für internationale Ausstellungen. Unter ihnen waren "Winter", "Die Türme sind angekommen", "Rasputitsa" und andere.

Der Tod zweier Töchter und die anschließende Scheidung haben große Auswirkungen auf Savrasov. Er trinkt viel und stirbt bald in einem Krankenhaus für die Armen.

9.Andrey Rublev

Andrei Rublev ist der bekannteste russische Ikonenmaler. Er wurde im 15. Jahrhundert geboren und hinterließ ein großes Erbe in Form der Ikonen "Dreifaltigkeit", "Verkündigung", "Taufe des Herrn". Andrei Rublev schmückte zusammen mit Daniil Cherny viele Kirchen mit Fresken und malte auch Ikonen für Ikonostasen.

10. Mikhail Vrubel

Unsere Liste der bekanntesten russischen Künstler wird von Mikhail Vrubel vervollständigt, der in seinem Leben viele Meisterwerke zu verschiedenen Themen geschaffen hat. Er malte den Kiewer Tempel und begann später in Moskau, seine berühmte Serie "dämonischer" Gemälde zu schaffen. Die kreativen Würfe dieses Künstlers fanden bei seinen Zeitgenossen kein angemessenes Verständnis. Nur wenige Jahrzehnte nach dem Tod von Michail Vrubel gaben ihm Kunstkritiker seine Schuld, und die Kirche stimmte seinen Interpretationen biblischer Ereignisse zu.

Leider wurde das Privatleben des Künstlers zum Grund für die Entwicklung einer schweren Form von psychischen Störungen. Der Titel eines Akademikers überholte ihn in einer Irrenanstalt, aus der er nicht mehr zum Verlassen verurteilt war. Trotzdem gelang es Mikhail Vrubel, viele erstaunliche Kunstwerke zu schaffen, die echte Bewunderung verdienen. Unter ihnen sind besonders die Gemälde "Demon Seated", "The Swan Princess" und "Faust" hervorzuheben.

Nach dem Sieg der Oktoberrevolution erfuhr die Malerei wie alle anderen Bereiche der Kunst bedeutende Veränderungen. Wenn sich die Künstler früher von ihrer inneren Weltanschauung leiten ließen, dann trat nach der Machtübernahme der „Volksregierung“ die ideologische Komponente in den Vordergrund.

Künstler 1917 - 1921

Unmittelbar nach dem Sieg der Revolution nahm die Sowjetregierung die Kunstfragen auf und versuchte, hier ein Monopol zu errichten. Die Sowjetregierung begann ihre Tätigkeit mit der Verstaatlichung von Sammlungen von Gemälden und Kunstwerken.

In den frühen Tagen der Revolution kündigte sich lautstark ein politisches Plakat an. Das Poster ist einfach und schnell zu zeichnen. Es war notwendig, Soldaten an die Front zu mobilisieren, zu diesem Zweck verwendeten die revolutionären Künstler dieses Genre der Malerei. Unter den Plakatkünstlern sind die bekanntesten: Malyutin, Alsit, Moor, Denis. Ihre Kreationen waren klein und verwendeten mehrere Farben. Allegorien wurden oft benutzt. Besonders auffällig ist Moores Arbeit: „Haben Sie sich als Freiwilliger angemeldet?“, „Einer mit einem Zweibein, sieben mit einem Löffel“. Diese Plakate sind bis heute bekannt. Der Stil von Denis V.N. ist lakonischer. Eines seiner berühmtesten Werke ist The Denikin Gang, geschrieben 1919.

Zu dieser Zeit erschien ein neues künstlerisches Genre - das Design von Städten. Künstler sind an der festlichen Dekoration von Städten und Plätzen beteiligt. Es werden Poster und Tafeln benötigt. So berühmte Künstler wie Petrov-Vodkin, Lanceray und andere waren von der festlichen Dekoration der Städte angezogen.

In den ersten Jahren der Sowjetmacht wurde die Entwicklung der Schule der Staffelei-Malerei, die vor der Revolution entstand, fortgesetzt. Die vorherrschenden Stereotypen werden gebrochen. Unter den Meistern des visuellen Genres bilden sich zwei Schulen. Einer von ihnen hielt weiterhin an dem traditionellen Kanon fest, wonach der Künstler das, was er sah, so genau wie möglich wiedergeben sollte, wobei letztere im Gegenteil Bilder bevorzugten. Zu dieser Gruppe gehören Leuchten dieser Zeit wie Yuon, Petrov-Vodkin, Rylov. Das Werk von Petrov-Vodkin "Die Petrograder Madonna" wurde epochal. Rylovs Werk "Im blauen Raum" sticht ebenfalls hervor - obwohl das Bild keine revolutionäre Bedeutung hat, zeichnet es sich durch seine Ruhe aus und ruft ein Gefühl des Friedens hervor.

Zu dieser Zeit entwickelte sich auch die Grafik. Einer der bekanntesten Vertreter der Grafik dieser Zeit ist Kupreyanov.

Nach dem Sieg des Bürgerkriegs erschienen Arbeiten für Bildhauer. Zuallererst waren dies Denkmäler für die gefallenen Helden des Bürgerkriegs. Eines der auffälligsten Werke dieser Zeit ist der Tatlin-Turm, der Mut und Entschlossenheit symbolisierte.

Ein interessanter Trend in der Kunst dieser Zeit ist das Rührporzellan, eine der Visitenkarten dieser Zeit. Die Produktion wurde vom Künstler S. Chekhonin betreut. Die Arbeiten wurden in der staatlichen Porzellanfabrik durchgeführt. Von früher blieben viele Gegenstände in den Schränken. Künstler malten sie mit sowjetischen Symbolen, änderten die Markenzeichen in kommunistische Markierungen und verwendeten revolutionäre Slogans.

Künstler der 20er Jahre

Nach dem Ende des Bürgerkriegs begann eine neue Periode in der Entwicklung der Malerei. Obwohl der innere Feind bereits besiegt worden war, war der Staat von Feinden umgeben, und nicht jeder in der UdSSR war mit der Situation zufrieden. Der Sowjetstaat musste in dieser Zeit seine Dominanz in den Köpfen der Menschen festigen. Eine der verwendeten Methoden war Kunst.

In diesen Jahren entwickelte sich die Malerei aktiv weiter. Es entstanden verschiedene Kunstkreise und Schulen. Dies ist eine Zeit der Suche, des Neuanfangs und der jugendlichen Begeisterung, die durch die Revolution erzeugt wurde.

Eine der bekanntesten Kunstschulen dieser Zeit war die AHRR. Die Abkürzung steht für die Association of Artists of Revolutionary Russia. Es erschien 1922. Sein Kern bestand aus den Wanderern. Diese Schule setzte die Tradition des Realismus fort. Das Hauptthema der Werke von Künstlern dieser Gruppe ist die Beschreibung des Lebens und des Alltags von Arbeitern und Soldaten der Roten Armee. Die bekanntesten Künstler der AHRR: Brodsky, Malyutin, Cheptsov, Grekov, Ryazhsky, Arkhipov, Yakovlev. Das berühmteste Werk - Brodsky "Lenin in Smolny". Dieses Bild wurde vielleicht von allen gesehen, die in dieser Zeit lebten. Sie wurde die Basis von "Leniniada". Ein weiteres Bild, auf das ich Sie aufmerksam machen möchte, ist Grekovs "Tachanka". Der Autor vermittelt perfekt Dynamik, Können, Steppenausdehnung.

OST - die Gesellschaft der Staffeleien - Diese Gruppe wurde von einer kreativen Suche geleitet, die die Impressionisten imitierte. Dieser Trend ist durch die Themen Sport und Industrie gekennzeichnet. Die Leuchten dieser Schule: Williams, Labas, Pimenov, Shterenberg, Deineka. Diese Schule zeichnet sich durch Deinekas Arbeit "Defense of Petrograd" aus

Die vier Künste sind eine Gruppe, deren Werke von einem philosophischen Hintergrund geprägt sind. Es umfasst: Kusnezow, Petrow-Wodkin, Favorski usw.

Es gab andere kunstgruppen... Zu diesem Zeitpunkt entwickeln nationale Arten Kunst. Kunstschulen entstanden in den Regionen des zaristischen Russland, in denen die Malerei bisher gänzlich fehlte - in der Region Zentralasiens.

Vertreter der nationalen Malschulen, die in dieser Zeit gearbeitet haben: Azimzade, Tansykbaev, Abilkhan, Grigoryan, Kojoyan usw.

In der Ukraine sind die bekanntesten Meister dieser Zeit Tischler, Petritsky, Boychuk, Pavlenko.

Seit den 1920er Jahren haben sich auch in der Grafik Veränderungen ergeben. War es früher die Kunst der Buchillustration, so wird es jetzt zu einer vollwertigen Richtung der Malerei. Die Grafiken dieser Zeit sind meist kleine Gemälde zum Thema klassische Literatur. Die Holzschnittschule erlebt ebenfalls ein zweites Leben. Unter den Künstlern dieses Stils stechen die Werke von Dobuzhinsky, Konashevich, Favorsky, Kravchenko, Kasiyan, Tychina und Andreev hervor.

Andreev war nicht nur ein ausgezeichneter Zeichner, sondern auch ein ausgezeichneter Bildhauer, der für eine Reihe von Skulpturen berühmt war, die Lenin reproduzierten. Für die Skulptur dieser Zeit ist das Hauptthema das Thema Revolution, Helden und Führer. Zu dieser Zeit gab es neben Andreev auch eine Reihe bemerkenswerter Bildhauer, darunter: Shadr, berühmt für die Skulptur "Kopfsteinpflaster - die Waffe des Proletariats", ist auch für die Skulpturen des Führers bekannt. Unter anderen Bildhauern stellen wir fest: Lebedeva, Mukhina, Matveeva.

Unter den Meistern angewandte Künste In dieser Zeit steht die Palekh-Schule an erster Stelle. Revolutionäre Handlungen werden zu den fabelhaften Bildern hinzugefügt, die für diese Richtung traditionell sind und eng zu einem Ganzen verflochten sind. Zu dieser Zeit blühte das Volkshandwerk im Allgemeinen auf, verschiedene Handwerker erschienen in großen Mengen.

Künstler der 30er Jahre

Dies ist die Ära des sozialistischen Realismus. Es wurde durch das Dekret des Zentralkomitees der Allunionskommunistischen Partei der Bolschewiki vom 23.04.1932 "Über die Umstrukturierung literarischer und künstlerischer Organisationen" ins Leben gerufen. Es beendete die kulturelle Vielfalt. Alle Künstlergewerkschaften wurden aufgelöst, stattdessen gab es eine Organisation, die Union der sowjetischen Künstler.

Die Prinzipien des neuen Trends des sozialistischen Realismus wurden am besten von Maxim Gorki geäußert. Das:

Das Prinzip der Nationalität. Die Haupthelden der Werke sind gewöhnliche Arbeiter.

Ideologisches Prinzip. Alle Arbeiten sollten eine gewisse ideologische Last tragen.

Das Prinzip der Konkretheit. Es wird der Entwicklungsprozess gezeigt, der dem materialistischen Verständnis der umgebenden Realität entspricht.

Dies ist die Blütezeit der Malerei. Kreative Arbeiter, die in der richtigen ideologischen Richtung kreieren, erhielten viele Aufträge. Die Ära ist geprägt von einem Verlangen nach Monumentalismus.

Neben dem Monumentalismus ist das Gemälde dieser Zeit voller Heldentum. Einer der denkwürdigsten Meister dieser Zeit ist B. Johanson. Seine Bilder imitieren die Technik russischer Künstler wie Surikov. Aber die Handlung ist mit heldenhaften Inhalten gefüllt, entsprechend den Anforderungen der Ära. Johansons Art spiegelt sich gut in dem Gemälde "Befragung eines Kommunisten" wider.

Ein anderer berühmter Meister war S. Gerasimov - er widmete dem Thema der Bauernschaft die größte Aufmerksamkeit. Sein Gemälde "Collective Farm Holiday" gilt als epochales Gemälde dieser Zeit.

A. Plastov - lobte die Bauernschaft in seinen Werken, seine Bilder spiegeln den Alltag wider gewöhnliche Leute, oft vor dem Hintergrund der Natur. Seine Werke haben einen gewissen lyrischen Geschmack. Andere berühmte Maler der 30er Jahre sind Pimenov, Deineka, Krymov.

Entsprechend den Anforderungen des sozialistischen Realismus verändert sich die Landschaft der 30er Jahre. In dieser Zeit wurden Landschaften oft mit der Darstellung historischer Charaktere kombiniert. Das auffälligste Bild dieses Themas ist das Werk von A. Rylov - "Lenin in the Spill".

Das Porträtgenre wurde zu dieser Zeit am aktivsten von den Meistern der älteren Generation entwickelt - Konchalovsky, Nesterov, Serova. Die Porträts von Nesterov wurden geschätzt, er wusste genau zu bemerken und zu vermitteln eigenschaften Person. Korin arbeitete auch im Stil von Nesterov, seine Leinwände sind monumental und zeichnen sich durch klare Formen aus. Neben Parteiführern zeigten auch Porträtmaler Interesse an kreativen Persönlichkeiten.

Die monumentale Malerei dieser Zeit ist zu einem fast unverzichtbaren Element der Architektur geworden. Hier kann man das Gemälde des Restaurants des Kasaner Bahnhofs und des U-Bahnhofs Mayakovsky hervorheben.

Herausragende Bildhauer der 30er Jahre waren Mukhina, Shadr, Manizer. Auch hier herrschte Monumentalität. Die vielleicht bedeutendste Schöpfung dieser Zeit ist die Statue "Worker and Collective Farm Woman".

Das grafische Genre wurde von den Meistern fortgesetzt, die im letzten Jahrzehnt Berühmtheit erlangt hatten. Holzstich war beliebt. Dies waren hauptsächlich Illustrationen für klassische Werke... Das Genre der Blattgravur wurde vorgestellt, der hellste Meister hier war Nivinsky, sein Lieblingsthema war "Leniniada", industrielle Entwicklung.

In den 30er Jahren Gravur links Buchillustration. Es wird durch Lithographie ersetzt. Zeichnung in schwarzem Aquarell, manchmal mit Kohle. Diese Technologie wurde für die Massenproduktion bevorzugt. Kukryniksy, Gerasimov, Kibrik und andere arbeiteten in diesem Genre.

Sowjetische Künstler während des Zweiten Weltkriegs

Es ist nicht verwunderlich, dass in dieser Zeit das militärische Thema zum Hauptthema der Werke von Künstlern wurde. Viele Künstler dieser Zeit waren direkte Teilnehmer an den Feindseligkeiten, einige starben.

Die Aufgabe der Künstler dieser Zeit war es, die Menschen zu Waffen- und Arbeitsleistungen zu inspirieren. In dieser Zeit blüht das Poster-Genre. So erschien am 23. Juni 1941 das berühmte Plakat der Kukryniksy "Lasst uns den Feind zerstören". Andere Plakate "The Motherland Calls" des Künstlers Toidze, "Red Army Warrior, Save" usw.

Staffelei Malerei aus der Kriegszeit ist durch Serienproduktion gekennzeichnet. Der Künstler L. Soyfertis schrieb zum Beispiel zwei Serien "Sewastopol" und "Krim". Seine Arbeit ist doppelt wertvoll, da er direkt an Feindseligkeiten beteiligt war und zwischen den Schlachten Skizzen anfertigte.

Ein anderer Künstler, Shmarinov, malte eine Reihe von Serien in Kohle und schwarzen Aquarellen, um die Tragödie hervorzuheben. Sein berühmtes Gemälde "Mutter über dem Körper der Ermordeten". Pakhomov lebte und arbeitete im belagerten Leningrad und schrieb eine Grafikserie "Leningrad in den Tagen der Blockade".

Künstler der Kriegszeit: Plastov, Deineka, Gerasimov, Yuon, Korin, Bubnov und viele andere hinterließen epische Gemälde, die die Tragödie der Ära vermitteln.

Obwohl es für Bildhauer während des Krieges schwieriger war, zu arbeiten, sehen wir Werke, die dem Thema Krieg gewidmet sind. Meist handelt es sich dabei um skulpturale Porträts von Helden an vorderster Front, Militärführern. Während des Krieges arbeiteten sie: Mukhina, Tomsky, Nikoladze, Pershudchev.

Am Ende der Feindseligkeiten beginnt die Ära der monumentalen Denkmäler, um die Leistung des sowjetischen Volkes fortzusetzen.

Angewandte Malerei widmete sich auch dem militärischen Thema. In den Werken der Palekh-Meister sehen wir Handlungen fabelhafter Schlachten.

Nachkriegskünstler

In den ersten Nachkriegsjahren zielten alle Bemühungen darauf ab, die Wirtschaft wiederherzustellen und die Leistung des sowjetischen Volkes während des Krieges zu preisen. Unter den Gemälden eines Schlachtcharakters heben wir so großartige Leinwände wie "Rest after the Battle" des Künstlers Neprintsev hervor. "Brief von vorne" - Laktionova. Dies sind Gemälde mit einem Hauch von Lyrik, die den Krieg als historisches Phänomen untersuchen.

In dieser Zeit widmeten sich viele Werke auch der Geschichte der Revolution. Unter den bedeutenden Leinwänden dieser Zeit heben wir die Arbeit einer Gruppe von Autoren "Rede von Lenin auf dem 3. Kongress des Komsomol" hervor. Serovs Gemälde "Walkers at Lenin's", das zum zweiten Klassiker der leninistischen Serie wurde. Es wird auf Melikhovs Gemälde "Der junge Taras Shevchenko bei Bryullov" hingewiesen, in dem auf dieser Leinwand historische Details sorgfältig ausgearbeitet werden.

Es erscheinen Bilder von rein friedlichen Werken. Müde von den schweren Zeiten des Krieges schreiben Künstler Werke, die der friedlichen Arbeit gewidmet sind, zum Beispiel das Gemälde "Brot" von Yablonskaya. Es spiegelt einfache Landarbeit wider. Plastovs Gemälde "Auf dem Kollektivbetrieb Strom" ist inhaltlich ähnlich. Ein anderer sowjetischer Künstler - Tschuikow - beschreibt die Natur Kirgisistans in den Gemälden "Morgen", "Die Tochter des Hirten" und anderen. Bemerkenswert sind die Zeichnungen der lettischen Künstler Kalynysh und Osis, die sich der Fischerei widmen.

Der Übergang von militärischen zu friedlichen Themen führte zur Zunahme von Gemälden im Landschaftsgenre, hauptsächlich Gemälden der lyrischen Richtung. Der Künstler Gerasimov schrieb einen Zyklus von Gemälden, die der Landschaft in der Nähe von Moskau gewidmet waren. Meshkov schrieb eine Reihe von Bildern über die Schönheit des Urals. Sie zeigen die majestätische Schönheit der sibirischen Natur. Wenn frühere Autoren die Schönheit der wilden Natur zeigten, dann spiegelte G. Nyssa im Gegenteil in seinen Arbeiten eine relativ neue Richtung des vom Menschen transformierten Genres Natur wider. Seine Bilder zeichnen sich durch Dynamik, Monumentalismus und Kontrast aus. Corinne, der zu dieser Zeit kreierte, setzte sein Lieblingsgenre fort - Porträt, er malte eine Reihe von Porträts von kreativen Menschen.

In den Nachkriegsjahren entwickelten sich satirische Grafiken. Der berühmteste Künstler dieser Zeit war B. Prorokov. Während dieser Zeit schrieb er eine Reihe von Werken, die den amerikanischen Kapitalismus kritisierten. Kukryniksy, Soyfertis und andere arbeiten am selben Thema.

Die Skulptur der Nachkriegsjahre ist dem Thema Krieg gewidmet. Dies sind monumentale Skulpturen, die in jeder Stadt und jedem Dorf zu sehen sind und den gefallenen Helden gewidmet sind. Zu dieser Zeit arbeitete: Tomsky, Chernyakhovsky, Vuchetich, Mikenas.

Sowjetische Künstler 1960 - 1980

In den 1960er Jahren, während des "Auftauens", versuchen Künstler, sich von Klischees zu befreien und die Realität näher an der Realität darzustellen. Neue Triebe in der Kunst versuchten in den 1920er Jahren, sich auf Kunstschulen zu verlassen. Die Kunstschule dieser Zeit wurde wegen ihrer Direktheit, ihres kompromisslosen Charakters und ihres betonten Dramas als "strenger Stil" bezeichnet. Dieser Stil war nicht der einzige, der sozialistische Realismus blieb bestehen, einige Künstler versuchten, den Impressionismus nachzuahmen.

Die Smolin-Brüder waren prominente Vertreter des "strengen Stils". Ihre berühmtesten Gemälde "Strike", "Polar Explorers". In ihnen wird Arbeitsleistung ohne Pomp als Alltag dargestellt. Ein weiterer berühmter Künstler, der sich an den "strengen Stil" P. Nikonov hielt. Seine berühmtesten Gemälde - "Unser Alltag", "Geologen" beschreiben den Alltag der sowjetischen Arbeiter. Andere berühmte Künstler des "strengen Stils": Korzhev, Andronov, Popkov, V. Ivanov, Gavrilov, Tkachev, Moiseenko, Zhilinsky.

Unter den nationalen Künstlern zu dieser Zeit sind die bemerkenswertesten: Salakhov, Narimanbekov, Klychev, Tordia, Greku, Zarin, Iltner, Berzin, Subbi, Savitskas und andere.

In der ukrainischen SSR macht sich die Kreativität von T. Yablonskaya bemerkbar, der vom Impressionismus abweicht und sich Volksmotiven zuwendet.

1960-1980 Ära des grandiosen Aufbaus. Städte wurden nach dem Krieg wieder aufgebaut, neue Stadtteile wurden verärgert, so dass das Genre der monumentalen Malerei zu dieser Zeit äußerst verbreitet war.

Das Hauptthema der Skulptur ist die Erinnerung an die Helden und Opfer des Zweiten Weltkriegs. Hier herrschte ein Denkmalensemble und ein Denkmal. Die hellsten Kreationen in diesem Genre sind "Mamaev Kurgan", "Nevsky Piglet", "Khatyn".

Berühmte Bildhauer dieser Zeit: Sokolova, Pologova, Shakhovskoy, Zhilinskaya, Mitlyansky, Komov, Chernov.

In den 1960er Jahren und den folgenden Jahren waren Druckgrafik, Grafik und Linolschnitt weit verbreitet. Die folgenden Künstler arbeiteten in diesen Genres: Zakharov, Golitsyn, Borodin, Ilyina, Makunaite, Rzakuliev.

Wie Sie sehen, war es eine großartige Ära, die uns viele unübertroffene Meister bescherte. Bilder der Sowjetzeit haben in vielen Sammlungen einen würdigen Platz eingenommen.

Unter den bekanntesten Künstlern möchte ich die Arbeit des Künstlers hervorheben Miftyakhova Marat Khaidarovich.
Die Landschaften von Marat sind erstaunlich und einzigartig.
Bilder sind unterschiedlich realistisch und unrealistisch, verständlich und unverständlich.
Wenn Sie sehen, dass auf dem Bild ein Glas gezeichnet ist, ist dies ziemlich offensichtlich und woran sollten Sie denken? Sie haben sich das Bild angesehen und festgestellt, dass es sich um ein Glas handelt. Morgen haben Sie immer wieder nachgesehen und festgestellt, dass es sich um ein Glas handelt. Wenn Sie sich ein solches Bild einmal angesehen haben, möchten Sie es höchstwahrscheinlich nicht mehr erneut ansehen, da es offensichtlich ist und nicht benötigt wird in der Erklärung. Marats Gemälde sind das genaue Gegenteil von ähnlichen Gemälden. Sie ziehen an und faszinieren durch die Tatsache, dass sie völlig unbekannte und unverständliche Objekte und Landschaften darstellen und in Kombination fantastische Ausblicke schaffen.
Die Bilder enthalten viele verschiedene kleine Details.
Es ist sehr schwierig, das gesamte Bild auf einmal im Detail zu untersuchen. Solche Bilder müssen mehrfach betrachtet werden. Und jedes Mal, wenn sich der Betrachter dem Bild nähert, kann er etwas Neues entdecken, etwas, das er vorher nicht bemerkt hat. Diese Qualität ist allen Gemälden von Marat eigen und zieht sie noch mehr an. Bilder sind informativ umfangreich und haben eine tiefe philosophische Bedeutung.

„Ich halte Renato Guttuso für den bedeutendsten zeitgenössischen Künstler Westeuropa"- schrieb J. Berger.

Und hier die Worte von Carlo Levi: „Guttuso ist ein großartiger Künstler: nicht nur aus Sizilien und Italien. Heute ist er einer der größten Künstler der Welt. Ich bin zutiefst davon überzeugt und froh, dass ich dies ohne Einschränkungen und Vorbehalte mit voller Verantwortung erklären kann. "

Renato Guttuso wurde am 26. Dezember 1911 in Sizilien in Bagheria bei Palermo (nach anderen Quellen - 2. Januar 1912) in der Familie eines Landvermessers geboren. Seine ersten beruflichen Fähigkeiten erhielt er vom Volksmeister Emilio Murdolo, der Kutschen malte. Während seines Studiums am Lyceum beschäftigt sich Guttuso gleichzeitig mit Malerei: Er lernt Bücher über Kunst kennen, besucht Workshops von Künstlern. Ende der zwanziger Jahre erscheinen seine ersten Bilder.

Bei der ersten Cuadriennale (einer vierjährigen Ausstellung italienischer Künstler) fällt ihm ein kleiner Erfolg ein - Kritiker machten auf zwei seiner Gemälde aufmerksam.

Zu seinen Lebzeiten war der Name Dali von einer Aura weltberühmten Charakters umgeben. Niemand außer Pablo Picasso konnte sich mit ihm im Ruhm messen.

Der berühmte Filmemacher Alfred Hitchcock schrieb: „Ich schätzte Dali für die Umrisse seiner Gemälde - natürlich in vielerlei Hinsicht ähnlich wie bei de Chirico - für seine langen Schatten, die endlose Entfremdung, eine schwer fassbare Linie, die bis ins Unendliche reicht, für Gesichter ohne Form. Natürlich hat er viele weitere sehr seltsame Dinge erfunden, die nicht realisiert werden konnten. "

Dali sagte über sein Gemälde: „Wie wollen Sie meine Bilder verstehen, wenn ich selbst, der sie geschaffen hat, sie auch nicht verstehe? Die Tatsache, dass ich im Moment, in dem ich schreibe, meine Bilder nicht verstehe, bedeutet nicht, dass diese Bilder keine Bedeutung haben, im Gegenteil, ihre Bedeutung ist so tief, komplex, verbunden, unfreiwillig, dass sie sich einer einfachen logischen Analyse entzieht.

Salvador Domingo Felipe Jacinto Dali-i-Domenech wurde am 11. Mai 1904 in der kleinen Stadt Figueres (Provinz Girona) als Sohn eines Anwalts geboren. Er wurde mit dem gleichen Namen getauft wie sein Bruder, der im Alter von sieben Jahren an Meningitis starb. In seiner Autobiografie schreibt der Künstler: „Als ich geboren wurde, trat ich an die Stelle des verehrten Verstorbenen, den sie durch mich weiterhin liebten ... Alle meine nachfolgenden exzentrischen Handlungen, alle meine inkonsistenten Mätzchen waren eine tragische Konstante in meinem Leben: Ich musste mir selbst beweisen, dass ich nicht mein war ein toter Bruder, aber er selbst lebt. So bin ich auf den Mythos von Castor und Pollux gestoßen: Indem ich meinen eigenen Bruder in mir getötet habe, habe ich meine eigene Unsterblichkeit gewonnen. "

„Realismus ist keine ein für alle Mal festgelegte Formel, kein Dogma, kein unveränderliches Gesetz. Der Realismus als eine Form der Reflexion der Realität muss in ständiger Bewegung sein “, sagt Siqueiros. Und noch eines seiner Worte: "Der Betrachter ist keine Statue, die in der linearen Perspektive eines Gemäldes enthalten ist ... er ist derjenige, der sich über seine gesamte Oberfläche bewegt ... eine Person, die das Gemälde beobachtet, ergänzt die Arbeit des Künstlers mit seiner Bewegung."

Am 29. Dezember 1896 gebar Don Cipriano Alfaro und Teresa Siqueiros in der mexikanischen Stadt Chihuahua den Sohn von Jose David Alfaro Siqueiros. Mit elf Jahren zeigte er die Gabe eines Malers, und so wurde der Junge 1907 zum Studium an die National Preparatory School in Mexiko-Stadt geschickt. Kurz darauf beginnt Alfaro in den Klassen der Kunstakademie "San Carlos" zu studieren.

Hier wird Siqueiros einer der Studentenführer und erhebt die Akademie, um zu protestieren und zu streiken. Der Künstler erinnert sich: „Was waren die Ziele unseres Streiks? Was haben wir benötigt? Unsere Forderungen betrafen sowohl pädagogische als auch politische Fragen. Wir wollten die muffige akademische Routine beenden, die in unserer Schule oberste Priorität hatte. Gleichzeitig haben wir einige wirtschaftliche Forderungen gestellt ... Wir haben die Verstaatlichung der Eisenbahnen gefordert. Ganz Mexiko hat uns ausgelacht ... Ehrlich gesagt bin ich zutiefst davon überzeugt, dass an diesem Tag ein Künstlerbürger, ein im öffentlichen Interesse lebender Künstler, in der Seele eines jeden von uns geboren wurde ... "

Plastovs Leinwände sind voller lebensbejahender Kraft. Durch Farbe und dank Farbe erfüllt er seine Bilder mit einem lebendigen, zitternden Gefühl. Der Künstler sagt: „Ich liebe dieses Leben. Und wenn Sie sie von Jahr zu Jahr sehen ... Sie denken, Sie müssen den Menschen davon erzählen ... Unser Leben ist voll und reich, es gibt so viele erstaunlich interessante Dinge darin, dass selbst gewöhnliche alltägliche Angelegenheiten unseres Volkes Aufmerksamkeit erregen, die Seele erschüttern. Es ist notwendig zu sehen, zu bemerken “.

Arkady Aleksandrovich Plastov wurde am 31. Januar 1893 im Dorf Prislonikha in der Provinz Simbirsk in die Familie eines Dorfikonenmalers geboren. Seine Eltern träumten davon, dass sein Sohn Priester werden würde. Am Ende von drei Klassen einer ländlichen Schule wurde Arkady 1903 an die Theologische Schule von Simbirsk geschickt. Fünf Jahre später trat er in das Theologische Seminar von Simbirsk ein.

Im Frühjahr desselben Jahres 1908 kam er dem Werk eines Künstlers von Ikonenmalern nahe, der die Kirche in Prislonikha renovierte. "Als sie anfingen, Wälder zu errichten", schreibt der Künstler in seiner Autobiografie, "um Farben zu reiben, trocknendes Öl am steilen Ufer des Flusses zu kochen, war ich selbst nicht ich selbst und ging wie verzaubert um die Wunder, die angekommen waren". Als der Junge beobachtete, wie eine neue, beispiellose Bildwelt an den Wänden der alten, rauchigen Kirche geboren wurde, entschied er fest: "Nur ein Maler zu sein und sonst nichts."

Chagall kann durch "Fühlen" und nicht durch "Verstehen" verstanden werden. "Der Himmel, der Flug ist der Hauptzustand von Chagalls Pinsel", bemerkte Andrei Voznesensky.

„Ich bin auf dem Mond gelaufen“, sagte der Künstler, „als es noch keine Kosmonauten gab. In meinen Gemälden waren die Figuren am Himmel und in der Luft ... "

Mark Zakharovich Chagall wurde am 7. Juli 1887 in der Stadt Vitebsk geboren. Er war das älteste von zehn Kindern eines kleinen Kaufmanns. Sein Vater arbeitete als Arbeiter für einen Heringshändler, und seine Mutter Feiga führte einen kleinen Laden. Im Jahr 1905 absolvierte Mark die vierjährige Berufsschule der Stadt.

Marks erster Lehrer war Yu.M. Peng. In seiner Autobiografie mit dem Titel Mein Leben widmet Chagall Juri Moiseevich folgende Zeilen: „Peng ist mir lieb. So steht seine flatternde Gestalt vor seinen Augen. In meiner Erinnerung lebt er neben seinem Vater. Wenn ich in Gedanken durch die verlassenen Straßen meiner Stadt gehe, stolpere ich oft über ihn. Wie oft war ich bereit, ihn an der Schwelle zur Schule zu bitten: Ich brauche keinen Ruhm, nur um wie du ein bescheidener Meister zu werden oder statt deiner Bilder auf deiner Straße, in deinem Haus, neben dir zu hängen. Erlaube mir! "

Der berühmte Kritiker Paul Jusson schrieb 1922 über Modigliani:

„Nach Gauguin war er zweifellos der Beste, der in seiner Arbeit das Gefühl des Tragischen ausdrücken konnte, aber für ihn war dieses Gefühl intimer und normalerweise ohne Exklusivität.

... Dieser Künstler trägt alle unausgesprochenen Bestrebungen nach neuer Ausdruckskraft in sich, die für eine Ära charakteristisch sind, die sich nach dem Absoluten sehnt und die Wege dazu nicht kennt. "

Amedeo Clemente Modigliani wurde am 12. Juli 1884 in eine Familie italienischer Juden geboren. Sein Vater, Flaminio Modigliani, leitete nach dem Bankrott seines Büros "Brennholz, Kohle" das Büro des Vermittlers. Mutter Evgenia Garsen stammte aus einer Kaufmannsfamilie.

Picasso sagte: "Kunst ist eine Lüge, die uns hilft, die Wahrheit zu verstehen."

Pablo Ruiz Picasso wurde am 25. Oktober 1881 in Malaga, Spanien, in der Familie der Künstler Don Jose Ruiz und Maria Picasso y Lopez geboren. Im Laufe der Zeit nahm der Künstler den Namen seiner Mutter an. Mein Vater war ein bescheidener Zeichenlehrer, der manchmal Aufträge zum Malen von Innenräumen ausführte. Der Junge begann sehr früh zu zeichnen. Die ersten Skizzen überraschen mit Kunstfertigkeit und Können. Das erste Gemälde des jungen Künstlers hieß "Picador".

Als Pablo zehn wird, ziehen er und seine Familie nach A Coruña. 1892 schrieb er sich an der örtlichen Kunstschule ein, wo sein Vater eine Zeichen- und Ornamentklasse unterrichtete.

G.S. Oganov schreibt: „… Der Künstler bemühte sich, das Leben des Bildes durch die Ausdruckskraft der Form zu offenbaren, daher die Suche nach dynamischer Spannung, Rhythmus und Farbe. Natürlich ist der Betrachter nicht von diesen Suchanfragen selbst, sondern vor allem vom Ergebnis begeistert. Und dieses Ergebnis geht in Petrov-Vodkins Werk immer über rein kompositorisch-dekorative Bildsuchen hinaus - es gibt immer ein geistiges Leben in einem konkret-psychologischen und gleichzeitig philosophisch-generalisierten Ausdruck. Dies gibt seinen Werken den Maßstab und macht sie mit allen äußeren, formalen Parallelen zum alten Russen oder der Moderne westeuropäische Kunst originelle, originelle, zutiefst unabhängige Werke “.

Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin wurde am 5. November 1878 an der Wolga in der kleinen Stadt Khvalynsk geboren. Er war der Erstgeborene in der Familie des Schuhmachers Sergei Fedorovich Vodkin und seiner Frau Anna Panteleevna, geborene Petrova. Als der Junge drei Jahre alt war, wurde sein Vater in einen Soldaten aufgenommen und nach St. Petersburg auf Okhta geschickt, um dort zu dienen. Bald zog Anna Panteleevna mit ihrem kleinen Sohn dorthin. Zweieinhalb Jahre später kehrte sie nach Khvalynsk zurück, wo ihre Mutter in den Dienst des Hauses der lokalen Reichen trat. Kuzma lebte mit ihr im Flügel.

I.E. Repin nannte Kustodiev "den Helden der russischen Malerei". "Ein großer russischer Künstler - und mit einer russischen Seele", sagte ein anderer berühmter Maler, M.V. Nesterov. Und hier ist was N.A. Sautin: „Kustodiev ist ein Künstler mit vielseitigem Talent. Als ausgezeichneter Maler trat er als Autor bedeutender Werke des Genres, origineller Landschaften und Porträts von tiefem Inhalt in die russische Kunst ein. Als ausgezeichneter Zeichner und Grafiker arbeitete Kustodiev in Linolschnitt und Holzschnitt, führte Buchillustrationen und Theaterskizzen auf. Er entwickelte sein eigenes ursprüngliches künstlerisches System, konnte die Besonderheiten des russischen Lebens fühlen und verkörpern. "

Boris Mikhailovich Kustodiev wurde am 7. März 1878 in Astrachan geboren. Sein Vater, Michail Lukich Kustodjew, der am Frauengymnasium und Seminar in Astrachan Russisch, Literatur und Logik unterrichtete, starb, als der Junge noch keine zwei Jahre alt war. Alle Sorgen um die Erziehung von vier Kindern fielen der Mutter Ekaterina Prokhorovna auf die Schultern. Mutter mietete ein kleines Nebengebäude im Haus eines reichen Kaufmanns. Boris Mikhailovich erinnert sich: "Der gesamte Weg eines reichen und reichhaltigen Handelslebens war in voller Sicht ... Dies waren lebende Arten von Ostrovsky ..." Jahrzehnte später materialisieren sich diese Eindrücke in Kustodievs Gemälden.

Der Begründer seines eigenen abstrakten Stils - Suprematismus - Kasimir Severinowitsch Malewitsch wurde am 23. Februar 1878 (nach anderen Quellen - 1879) in Kiew geboren. Die Eltern Severin Antonovich und Ludwiga Alexandrovna waren Polen. Später erinnerte sich der Künstler: "Die Umstände, unter denen mein Kindheitsleben verlief, waren folgende: Mein Vater arbeitete in Zuckerrübenfabriken, die wie üblich in tiefer Wildnis gebaut sind, weit weg von Städten und Gemeinden."

Um 1890 wurde mein Vater in eine Fabrik im Dorf Parkhomovka in der Nähe von Belopillya verlegt. Hier absolvierte Kasimir eine fünfstufige Landwirtschaftsschule: „Das Dorf ... beschäftigte sich mit Kunst (ich kannte damals kein solches Wort) ... Ich beobachtete mit großer Aufregung, wie die Bauern malten, und half ihnen, die Böden der Hütte mit Lehm zu beschmieren und Muster auf dem Herd zu machen ... Das ganze Leben der Bauern faszinierte mich stark ... Vor diesem Hintergrund entwickelten sich in mir Gefühle für Kunst, für Kunst. " Vier Jahre später zog die Familie in das Werk in Wolchka und dann nach Konotop.

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