Henri Émile Benoit Matisse wurde am letzten Tag des Jahres 1869 in der Stadt Le Catot-Cambresi im Nordosten Frankreichs als Sohn eines Getreide- und Farbenhändlers geboren. Matisses Kindheit war glücklich. Sicherlich spielte seine Mutter mit künstlerischem Charakter nicht die letzte Rolle im Schicksal des Jungen. Sie arbeitete nicht nur im Familiengeschäft, sondern beschäftigte sich auch mit der Herstellung von Hüten und bemaltem Porzellan.
1909 gab S. Shchukin Matisse zwei Tafeln für sein Moskauer Herrenhaus "Dance" und "Music" in Auftrag. S. Shchukin lud Matisse nach Moskau ein, stellte ihn V. Bryusov vor, V. Serov, N. Andreev, gab Gelegenheit, alte russische Ikonen zu sehen, über die sich der französische Künstler freute.
Während der Kriegsjahre beherrschte Matisse (der nicht nach Alter in die Armee eintrat) aktiv neue künstlerische Bereiche der Gravur und Skulptur. Er lebte lange in Nizza, wo er ruhig schreiben konnte. Es war eine Art Einsiedelei, fasziniert vom Dienst der Kunst, der er sich nun ganz widmete. Die Anerkennung des Künstlers hat inzwischen die Grenzen Frankreichs überschritten.
Frau mit Hut Seine Bilder wurden in London, New York und Kopenhagen ausgestellt. Seit 1927 organisierte sein Sohn Pierre aktiv Ausstellungen seines Vaters. In der Zwischenzeit versuchte sich Matisse weiter in neuen Genres. Er illustrierte Bücher von Mallarmé, Joyce, Ronsard, Baudelaire, schuf Kostüme und Sets für Produktionen des russischen Balletts. Der Künstler vergaß nicht die Reisen, nachdem er durch die USA gereist war und drei Monate in Tahiti verbracht hatte.
Der Künstler arbeitete mehrere Jahre lang engagiert mit farbigem Papier und einer Schere, ohne dabei ein Detail der Dekoration der Kapelle bis hin zu den Leuchtern und priesterlichen Gewändern aus den Augen zu verlieren. Ein alter Freund von Matisse, Picasso, sarkastisch über sein neues Hobby: "Ich glaube nicht, dass Sie ein moralisches Recht darauf haben", schrieb er ihm. Aber nichts konnte das aufhalten. Die Kapelle wurde im Juni 1951 geweiht.
Matisse, die wegen Krankheit nicht daran teilnehmen konnte, sandte einen Brief an den Erzbischof von Nizza: „Die Arbeit an der Kapelle verlangte von mir vier Jahre äußerst sorgfältige Arbeit, und sie, die Künstlerin, beschrieb seine Arbeit als Ergebnis meines gesamten bewussten Lebens. Trotz all ihrer Mängel betrachte ich sie als meine das beste Stück". Sein Leben lief davon. Henri Matisse starb am 3. November 1954 im Alter von 84 Jahren. Picasso schätzte seine Rolle in der zeitgenössischen Kunst kurz und einfach: "Matisse war schon immer eine einzige."
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Fauvismus
Fauvismus (aus dem französischen Fauve - wild) - eine Richtung in der französischen Malerei spätes XIX - Anfang des 20. Jahrhunderts. Der Name wurde einer Gruppe von Künstlern zugeordnet, deren Leinwände im Herbstsalon 1905 präsentiert wurden. Die Bilder hinterließen beim Betrachter ein Gefühl von Energie und Leidenschaft, und der französische Kritiker Louis Vausel nannte diese Maler wilde Tiere (French les fauves). Dies war die Reaktion der Zeitgenossen auf die Erhöhung der Farbe, die sie traf, die "wilde" Ausdruckskraft der Farben. So wurde eine beiläufige Aussage als Name der gesamten Bewegung festgelegt. Die Künstler selbst haben diesen Beinamen nie über sich selbst erkannt.
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Die Entstehung der "Wildnis" war eine Antwort auf die soziale Krise der Gesellschaft. Die Lehren von Nietzsche und Schopenhauer spielten in ihrer Arbeit eine wichtige Rolle. Die Grundlage ihrer Weltanschauung war die Ablehnung jeglicher Normen und Wahrnehmungsgesetze in der Malerei, der Glaube an reine Kunst, die Vorherrschaft der Instinkte über den Intellekt. Nach Meinung der Fauves spielt das Thema nicht mehr die gleiche Rolle wie das ehemaliger Künstler. Das heißt, sie befassen sich nur mit „leichten Zeichen von Objekten“. Sie schienen die abgebildeten Objekte in Stücke zu reißen, versuchten das Publikum zu schockieren und sie zu Emotionen und Instinkten zurückzukehren.
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Die Führer der Richtung können Henri Matisse und André Derain genannt werden. Zu den Unterstützern dieses Trends zählen auch Schöpfer wie Albert Marquet, Charles Camuan, Louis Valta, Henri Evenépoul, Maurice Marino (Englisch), Jean Puy (Englisch), Maurice de Vlaminck, Henri Manguin (Englisch), Raoul Dufy , Oton Friez, Georges Rouault, Keeswan Dongen, Alice Bailly (Englisch), Georges Braque und andere. Merodac-Jeannot. Der gelbe Tänzer (1912)
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"Fauvistische Landschaft" A. Morera "Rumänischer Blues" A. Matisse
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Charakteristische Merkmale des Fauvismus
ZU unterscheidungsmerkmale Die Fauves sind die Dynamik des Schlaganfalls, die Spontanität, das Verlangen nach emotionaler Kraft. Die Kraft des künstlerischen Ausdrucks wurde durch helle Farben, Reinheit und Schärfe, Farbkontrast, intensiv offene lokale Farben und das Nebeneinander kontrastierender chromatischer Ebenen geschaffen. Die Schärfe des Rhythmus ergänzt das Bild. Der Fauvismus zeichnet sich durch eine scharfe Verallgemeinerung von Raum, Volumen und dem gesamten Muster, eine Reduzierung der Form auf einfache Umrisse aus, während die Modellierung von Licht und Schatten sowie die lineare Perspektive abgelehnt werden.
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Albert Marquet (1875-1947)
Der überwiegende Teil der Arbeit der Marken sind Landschaften, die am häufigsten mit der Seine in Verbindung gebracht werden, sowie Meer und Hafen; Stadtansichten, einschließlich - Paris. Sie zeichnen sich durch extreme Einfachheit aus. visuelle Medien und gleichzeitig verfeinerte Ausdruckskraft. Er hinterließ ein großes grafisches Erbe (aufbewahrt im Malraux Museum in Le Havre). "Ein regnerischer Tag in Paris"
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Raoul Dufy (1877–1953)
Nach der Schaffensphase, in der Dufy impressionistisch malte und die bis 1905 andauerte, widmete sich der Künstler dem Fauvismus, den er im Salon d'Automne kennenlernte, wo Gemälde von Henri Matisse präsentiert wurden. In dieser Zeit reist der Künstler viel in Frankreich und zeichnet. 1906 wird Dufys erste Einzelausstellung in der Berthe Weill Galerie eröffnet.
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Georges Rouault (1871–1958)
Er lernte die Schüler von Matisse kennen, Marquet, wurde einer der Gründer des Herbstsalons (1903). Er stellte zusammen mit den Fauves aus, hielt sich jedoch von ihrer Dekorativität fern und setzte die Linie von Van Gogh fort. "Sonnenuntergang"
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Maurice Vlaminck (1876–1958)
Aus einer Musikerfamilie stammend, spielte er Geige, ging Rad fahren. Der autodidaktische Künstler wurde stark von Van Gogh und Cezanne beeinflusst. Mitglied der Gruppe "Wild" (Fauvists), in der Nähe von Andre Derain und Keesuvan Dongen. "Rote Bäume" 1906
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Georges Braque (1882-1963)
Seine frühen Werke waren impressionistisch, aber nachdem er die 1905 ausgestellten fauvistischen Werke gesehen hatte, übernahm Braque den fauvistischen Stil. Die Fauves waren eine Gruppe, zu der insbesondere Henri Matisse und André Derain gehörten. Sie verwendeten lebendige Farben und Freiformstrukturen, um die intensivste emotionale Reaktion einzufangen. Braque arbeitete am engsten mit den Künstlern Raoul Dufy und Auton Fries zusammen. Im Mai 1907 stellte er erfolgreich Werke im Stil des Fauvismus im Salon of the Independent aus. Im selben Jahr begann Braques Stil eine langsame Entwicklung, als er unter den starken Einfluss von Paul Cézanne geriet, der 1906 starb und dessen Werke zum ersten Mal in großem Umfang in Paris ausgestellt wurden. Cézannes retrospektive Ausstellung im Salon d'Automne beeinflusste maßgeblich die Richtung der Avantgarde in Paris und führte zur Entstehung des Kubismus. "Hafen in La Ciotat"
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Henri Friez (1879-1949)
Im Alter von 12 Jahren begann er an der Municipal School of Fine Arts zu studieren. Friesz 'Lehrer war derselbe Charles Louier, von dem Raoul Dufy und Georges Braque ihren ersten Unterricht in Malen und Zeichnen erhielten. Bereits in Le Havre hatte Friez Begleiter in der Kunst, mit denen er später in den Kreis der "Wildnis" eintrat.
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KeeswanDongen (1877-1968)
Niederländischer Künstler, einer der Begründer des Fauvismus. Seit 1899 lebte van Dongen in Paris und nahm an verschiedenen Ausstellungen teil, darunter am berühmten Herbstsalon von 1905.
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Im Laufe der Zeit wurden die Fauves in zwei Gruppen eingeteilt: "ungezügelt" und "diszipliniert". Die "ungezügelten" unterstellten ihre Kreativität nur dem Instinkt, die "Gemäßigten" neigten eher zum Nachdenken und Nachdenken. Die erste beinhaltet die Arbeit von Maurice Vlaminck, die zweite - Henri Matis.
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Henri Matisse Biografie
Henri Matisse ist ein französischer Maler und Bildhauer, Führer der fauvistischen Bewegung. Bekannt für seine Erforschung der Vermittlung von Emotionen durch Farbe und Form. Er studierte Malerei bei dem Salonkünstler A.V. Buro und arbeitete an der Kunstschule im Atelier von G. Moro. Moreau bewunderte seinen Schüler besonders, er war beeindruckt von Matisses Fähigkeit, Farben in seinen Werken zu kombinieren. Sein Sinn für Farbe wurde auf einer intuitiven Ebene entwickelt, er kombinierte gekonnt die Hauptfarben und ihre Schattierungen. Matisse studierte die Arbeit der großen Meister der Malerei, schrieb Kopien der Werke von Goya, Chardin, Corot und anderen anerkannten Meistern. Seine Arbeit wurde besonders von den Werken der Impressionisten und Postimpressionisten beeinflusst - Manet, Pissarro, Renoir und Cézanne. Daher ist es nicht verwunderlich, dass er in seinen ersten Arbeiten ihren Stil nachahmte.
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Stufen der Kreativität
In den Jahren 1902-1904. Die Art zu malen und der Stil des Künstlers sind sehr unterschiedlich. Die Farbe ist gesättigter und heller geworden. Er träumt davon, seine eigene Richtung in der Kunst zu schaffen, deshalb experimentiert er viel auf der Suche nach seiner eigenen Farblösung. Verwendet eine Vielzahl von Schreibstilen. Einige seiner frühen Arbeiten wurden mit gepunkteter Schrift ausgeführt. Aber im Gegensatz zu anderen Meistern, die auf diese Weise arbeiten, strich er ungleichmäßig über die Leinwand und schuf ein Gefühl, das Leben zu genießen. Diese Periode seiner Arbeit ist ein Übergang vom Impressionismus zum Fauvismus. Collioures Ansicht 1906
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1904
Luxus, Frieden und Vergnügen (1904/1905) Beeinflusst von dem verstorbenen Impressionisten Paul Signac, der 1904 Matisse in Saint-Tropez besuchte, entstand aus Matisses Pinsel das erste Meisterwerk „Luxus, Frieden und Vergnügen“. Schon bald gab Matisse die pointillistische Technik (eine Technik, bei der ein Bild in kleinen Punkten aus reinen ungemischten Farben angewendet wird) zugunsten breiter, energetischer Striche auf.
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1905
Er löste Formen in Farbebenen auf und vermied jede Art von räumlicher Illusion. Als er 1905 seine Arbeiten im Pariser Salon d'Automne zusammen mit anderen Künstlern ausstellte, darunter insbesondere André Derain und Maurice de Vlaminck, schockierten ihre harten, energischen Farben die Öffentlichkeit buchstäblich, und einer der Kritiker gab den Künstlern den ironischen Spitznamen „ Fauws "(" wild ").
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1906
1906: Wenden wir uns der dekorativen Kunst zu. Von einer Reise nach Algerien im Jahr 1906 beeindruckt, interessierte sich Matisse für die linearen Ornamente des muslimischen Ostens im arabesken Stil. "Laid Table - Red Harmony", 1908
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1909-1910
Seine Vorstellung von monumentaler, dekorativer Kunst spiegelte sich in der höchsten Form der Reflexion in zwei großen Wandgemälden wider, die im Haus des russischen Sammlers Sergei Shchukin gemalt wurden: Tanz (1909/1910) und Musik (1910), beide mit roten Körpern. "Tanz" (1909/1910) "Musik" (1910)
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1911
Matisse hat wiederholt auf dieses Motiv hingewiesen, aber unter all seinen Gemälden mit spritzenden Fischen ist diese Komposition die beste. Der Künstler eliminiert die Schwarz-Weiß-Modellierung und verstärkt die dekorative Rolle der Farbe. Er betont die dekorative Gesamtwirkung der Komposition, flach wie ein Teppich. Besondere Schärfe kompositorische Konstruktion Die von Matisse verwendeten Leinwände geben die Gesetze der umgekehrten Perspektive wieder, die von der Studie des Künstlers über mittelalterliche Malerei, persische Miniaturen und, gesehen in Russland, wo er 1911 alte russische Ikonen und Fresken besuchte, spricht. "Roter Fisch"
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1911-1913
Zwei Reisen nach Marokko (1911-1913) führten zu hellen, lichtemittierenden Landschaften und figurativen Kompositionen, deren Farben sich stark voneinander abheben. "Blick aus dem Fenster. Tanger "
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1915
Bis 1915 hatte sich Matisse bereits als fauvistischer Künstler entwickelt. Zu Beginn des Ersten Weltkriegs wollte sich der 44-jährige Matisse freiwillig für die Armee melden, wurde jedoch abgelehnt. In Gemälden, die zwischen 1914 und 1916 entstanden sind, reduzierte Matisse Formen auf geometrische Grundformen. "Sitzender Riffian"
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Präsentationsfolien Textinhalt: Henri Matisse MKhK - 11. Klasse Lehrer von MKhK Romanov B.B. Henri Matisse Henri Matisse (1869–1954), ein herausragender französischer Künstler. Geboren am 31. Dezember 1869 in Le Cato in Nordfrankreich. 1892 kam er nach Paris, wo er an der Académie Julian und später bei Gustave Moreau studierte. Die Suche nach einer direkten Übertragung von Empfindungen mit intensiven Farben, vereinfachter Zeichnung und flachem Bild spiegelte sich in den Arbeiten wider, die er auf der Ausstellung "wild" (Fauves) im Herbstsalon 1905 präsentierte. Im Salon zeigt er eine Reihe von Werken, darunter "Frau in einem grünen Hut". Diese skandalösen Arbeiten legten den Grundstein für den Fauvismus. Zu dieser Zeit entdeckt Matisse die Skulptur der Völker Afrikas, beginnt sie zu sammeln, interessiert sich für klassischen japanischen Holzschnitt und Arabisch dekorative Kunst... 1906 beendete er die Arbeit an der Komposition The Joy of Life, deren Handlung vom Gedicht "Afternoon of a Faun" von S. Mallarmé inspiriert wurde: Die Handlung kombiniert pastorale Motive und Bacchanalia. Die ersten Lithographien, Holzschnitte und Keramiken erschienen. In Matisses Grafiken wird Arabeske mit einer subtilen Übertragung des sinnlichen Charmes der Natur kombiniert. "Platz in Saint-Tropez" 1904 Kunstmuseum, Kopenhagen "Roter Fisch" 1911, Puschkin-Museum In dem Gemälde "Roter Fisch" (1911, Museum der Schönen Künste, Moskau) unter Verwendung der Techniken der elliptischen und umgekehrten Perspektive, Tonüberschlag und im Kontrast von Grün und Rot erzeugt Matisse die Wirkung eines sich drehenden Fisches in einem Glasgefäß. "Window" 1916 Art Institute, Detroit "Raised Knee" 1922, Privatsammlung "Joy of Life" 1905-1906 "Outlines of Notre Dame at Night" 1902 "Seated Woman" 1903 "Woman in a Hat" 1905 "Blue Nude" 1907 "Dance" 1909 1908 beauftragte S.I.Schukin den Künstler, drei dekorative Tafeln für sein eigenes Haus in Moskau zu malen. Die Tafel „Tanz“ (1910, Hermitage) präsentiert einen ekstatischen Tanz, der von den Eindrücken der russischen Jahreszeiten von S. Diaghilev, Aufführungen von Isadora Duncan und der griechischen Vasenmalerei inspiriert ist. "Bare back" 1918 "Yvonne Landsberg" 1916 "Eine Ecke der Werkstatt" 1911 "Roter Raum" 1912 "Familienporträt" 1914 "Italienerin" 1916 "Riffian sitzend" 1913 "Delectorskayas Porträt" 1934 "Künstlerwerkstatt" 1911 "Odaliske in roten Hosen" 1917 "Musikunterricht" 1917 "Gespräch" 1909 "Porträt der Künstlerin" 1905 "Odaliske" 1928 Matisse gelang es, ein direktes emotionales Gefühl der Realität in strengster künstlerischer Form harmonisch auszudrücken. Als ausgezeichneter Zeichner war Matisse vorwiegend ein Kolorist, der die Wirkung eines harmonischen Klangs in der Komposition vieler intensiver Farben erzielte. Matisse starb am 3. November 1954 in Cimier bei Nizza.
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Präsentation zum Thema: Henri Emile Benoit Matisse
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Studienjahr. Die ersten Malversuche stammen aus dem Jahr 1890; 1892 studierte Matisse in Paris an der Académie Julian bei A. V. Bouguereau, Meister der Salonkunst; 1893-98 arbeitete er in der Werkstatt von G. Moreau an der School of Fine Arts. Der Mystiker und Symbolist Moreau sagte dem Anfänger eine große Zukunft voraus und schätzte insbesondere seine innovativen Techniken in Kombinationen verschiedene Farben... Matisse kopiert Werke von Chardin, de Heem, Poussin, Ruisdael im Louvre und interessiert sich für die Werke von Goya, Delacroix, Ingres, Corot und Daumier. Die Erinnerung an die alten Meister und Vorgänger wird noch lange bestehen bleiben. 1896 begann Matisse in den Salons auszustellen. Auf Anraten von C. Pissarro reist er nach London, um die Werke von W. Turner kennenzulernen.
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Künstler werden. 1901-04 - Jahre intensiver kreativer Suche, Beginn intensiver Skulpturenstudien. Matisse selbst glaubte später, dass er 1898 auf eine neue Art und Weise zu arbeiten begann. Allmählich wird er von den Eindrücken des "Museums" befreit, seine Palette wird heller; Die Technik des impressionistischen fraktionierten Pinselstrichs erscheint. Er lernt die Arbeit von A. Mayol, den Künstlern der Nabis-Gruppe, kennen, liebt die Kunst von P. Gauguin (seine posthume Ausstellung fand 1903 in Paris statt), P. Cezanne. Die erste persönliche Ausstellung fand 1904 bei A. Vollard statt. Im Sommer 1904 reist Matisse zusammen mit den neoimpressionistischen Malern P. Signac und E. Cross nach Südfrankreich nach Saint-Tropez; Der Künstler beginnt, die Technik des Divisionismus anzuwenden - getrennte Punktstriche. 1905 stellte er das Gemälde "Luxus, Frieden und Sinnlichkeit" aus (der Titel stammt aus einer Zeile aus einem Gedicht von Charles Baudelaire), in dem der Dekorativismus des Jugendstils mit der gepunkteten (für Pointillismus charakteristischen) Schreibweise kombiniert wird. In Zukunft nimmt der bunte Punkt merklich zu, seine Farbeergie nimmt zu, es besteht ein Interesse an "Ausdruck" (Matisses Lieblingswort), bunten Lichthöfen um die Form, Farbmustern innerhalb einer Gemäldekomposition, Ebenheit und Wechselwirkung großer Farbmassen.
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Fauvismus. Im berühmten Pariser Herbstsalon von 1905 stellt er zusammen mit seinen neuen Freunden eine Reihe von Werken aus, darunter "Die Frau mit dem grünen Hut". Diese skandalösen Arbeiten legten den Grundstein für den Fauvismus. Zu dieser Zeit entdeckt Matisse die Skulptur der Völker Afrikas, beginnt sie zu sammeln, interessiert sich für klassischen japanischen Holzschnitt und arabische dekorative Kunst. 1906 schloss er die Arbeit an der Komposition "Die Freude am Leben" ab, deren Handlung vom Gedicht "Nachmittag eines Fauns" von S. Mallarmé inspiriert war: Die Handlung kombiniert pastorale Motive und Bacchanalien. Die ersten Lithographien, Holzschnitte und Keramiken erschienen; Weitere Verbesserung der Zeichnung, hauptsächlich mit Stift, Bleistift und Kohle. In Matisses Grafiken wird Arabeske mit einer subtilen Übertragung des sinnlichen Charmes der Natur kombiniert.
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Reife Kreativität. 1907 reiste Matisse nach Italien (Venedig, Padua, Florenz, Siena). In Notes of a Painter (1908) formuliert er seine künstlerischen Prinzipien und spricht über die Notwendigkeit von "Emotionen mit einfachen Mitteln". Schüler aus verschiedene Länder... 1908 beauftragte S.I.Schukin den Künstler, drei dekorative Tafeln für sein eigenes Haus in Moskau zu malen. Die Tafel „Tanz“ (1910, Hermitage) präsentiert einen ekstatischen Tanz, der von den Eindrücken der russischen Jahreszeiten von S. Diaghilev, Aufführungen von Isadora Duncan und der griechischen Vasenmalerei inspiriert ist. In The Music präsentiert Matisse isolierte Figuren, die verschiedene Instrumente singen und spielen. Die dritte Tafel - "Baden oder Meditation" - blieb nur in Skizzen. Matisses Kompositionen, die im Pariser Salon ausgestellt wurden, bevor sie nach Russland geschickt wurden, verursachten einen Skandal mit der schockierenden Nacktheit der Figuren und der unerwarteten Interpretation der Bilder. Im Zusammenhang mit der Installation des Panels besuchte Matisse Moskau, gab mehrere Interviews für Zeitungen und drückte seine Bewunderung für die antike russische Malerei aus. In dem Gemälde "Roter Fisch" (1911, Museum der Schönen Künste, Moskau) erzeugt Matisse unter Verwendung der Techniken der elliptischen und umgekehrten Perspektive, einer Rolle von Tönen und des Kontrasts von Grün und Rot die Wirkung eines Fisches, der in einem Glasgefäß kreist. In den Wintermonaten von 1911 bis 1913 besucht der Künstler Tanger (Marokko), kreiert das marokkanische Triptychon "Blick aus dem Fenster in Tanger", "Zora auf der Terrasse" und "Eingang zur Kazba" (1912, ebenda), erworben von I. A. Morozov. Die Effekte von blauen Schatten und blendenden Sonnenstrahlen werden meisterhaft wiedergegeben.
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Zwischen den beiden Kriegen. Nach dem Ersten Weltkrieg lebt Matisse hauptsächlich in Nizza. 1920 führte er Szenen- und Kostümskizzen für I. Strawinskys Ballett Die Nachtigall auf (Choreografie von L. Massine, Produktion von S. Diaghilev). Beeinflusst durch das Gemälde von O. Renoir, den Matisse in Nizza kennengelernt hatte, zeigte er gern Modelle in leichten Gewändern (der Zyklus der "Odalisken"); interessiert an Rokoko-Meistern. 1930 reist er nach Tahiti und arbeitet an zwei Versionen von Dekorplatten für die Barnes Foundation in Merion (Philadelphia), die über den hohen Fenstern der Hauptausstellungshalle platziert werden sollten. Das Thema des Panels ist Tanz. Acht Figuren werden vor einem Hintergrund aus rosa und blauen Streifen dargestellt, die Figuren selbst sind grau-rosa. Die Kompositionslösung ist bewusst flach und dekorativ. Bei der Erstellung von Skizzen begann Matisse, die Technik der Ausschnitte aus farbigem Papier („Decoupage“) anzuwenden, die er später häufig verwendete (zum Beispiel in der Serie „Jazz“, 1944-47, die später in Lithografien reproduziert wurde). Vor dem Zweiten Weltkrieg illustriert Matisse Bücher, die in kleinen Ausgaben (Gravur oder Lithographie) veröffentlicht wurden. Für Diaghilevs Performances fertigt er Szenenbilder für das Ballett "Rot und Schwarz" zur Musik von D. Schostakowitsch an. Er arbeitet viel und fruchtbar mit Kunststoffen und setzt die Traditionen von A. Bari, O. Rodin, E. Degas und A. E. Bourdelle fort. Der Stil seiner Malerei ist spürbar vereinfacht; Das Zeichnen als Grundlage der Komposition wird immer deutlicher ("Rumänische Bluse", 1940, Zentrum für zeitgenössische Kunst. J. Pompidou, Paris).
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Gebetskapelle. In den Jahren 1948-53 arbeitete er im Auftrag des Dominikanerordens am Bau und der Dekoration der Rosenkranzkapelle in Vence. Ein durchbrochenes Kreuz schwebt über dem Keramikdach und zeigt einen Himmel mit Wolken. über dem Eingang zur Kapelle - eine Keramikplatte, die St. Dominic und die Jungfrau Maria. Andere Tafeln, die nach den Skizzen des Meisters angefertigt wurden, befinden sich im Innenraum. Der Künstler ist äußerst geizig mit Details. Unruhige schwarze Linien erzählen dramatisch vom Jüngsten Gericht (der westlichen Wand der Kapelle). Neben dem Altar befindet sich ein Bild von Dominic selbst. Dieses letzte Werk von Matisse, dem er beigefügt hat sehr wichtig, - eine Synthese vieler seiner früheren Suchen.
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Bilder und Stil. Matisse arbeitete in verschiedenen Genres und Kunstformen und verwendete eine Vielzahl von Techniken. Sowohl in Plastik als auch in Grafik arbeitete er lieber in Serien (zum Beispiel vier Versionen des Reliefs "Mit dem Rücken zum Betrachter stehen", 1930-40, Zentrum für zeitgenössische Kunst, benannt nach J. Pompidou, Paris). Die Welt von Matisse ist eine Welt des Tanzes und der Seelsorge, der Musik und musikinstrumente, schöne Vasen, saftige Früchte und Gewächshauspflanzen, verschiedene Gefäße, Teppiche und bunte Stoffe, Bronzefiguren und endlose Aussichten aus dem Fenster (das Lieblingsmotiv des Künstlers). Sein Stil zeichnet sich durch die Flexibilität von Linien aus, die manchmal diskontinuierlich, manchmal abgerundet sind und verschiedene Silhouetten und Umrisse vermitteln (Themes and Variations, 1941, Kohle, Feder), die seine streng durchdachten, meist ausgewogenen Kompositionen klar rhythmisieren. Der Lakonismus raffinierter künstlerischer Mittel, koloristischer Harmonien, die entweder helle kontrastierende Harmonien oder das Gleichgewicht lokaler großer Flecken und Farbmassen kombinieren, dienen dem Hauptziel des Künstlers - das Vergnügen der sinnlichen Schönheit äußerer Formen zu vermitteln.
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Henri Matisse. Malen jenseits von Unfällen
Zeitgenössische Kunst Lektion Nummer 2
MHC-Lektion
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Unter ihnen war Henri Matisse (1869–1954) der „Meilenstein“ (nach den Definitionen von Cézanne), der den nächsten konkreten Schritt auf dem Weg zur Reinigung der plastischen Form unternahm. Matisse wird oft als Meister der Intuition bezeichnet, als Auserwählter, als Künstler Gottes, als Idol vieler Maler, die spontan zu seinen Schülern wurden.
A. Derain. Porträt von Henri Matisse. 1905
"Cezanne war eine Lehrerin für uns alle", sagten diejenigen, die allgemein als Postimpressionisten bezeichnet werden. Cezanne war Lehrerin vielseitiger Meister, Experimentatoren auf dem Gebiet der Bildsprache, die in den 1900er Jahren den Ton im künstlerischen Umfeld von Paris angaben.
Sie wurden "Postimpressionisten" genannt, weil sie chronologisch später als die Impressionisten kamen, aber die impressionistische Revolution von Farbe und Licht wurde zur Grundlage und zum Ausgangspunkt all ihrer weiteren plastischen Suchen.
"Wild" (fr. Fauve - wild) - genau dieses Wort bezeichnet fortan Künstler, die sich zum direkten, entlarvten Einfluss der Malerei auf den Betrachter bekennen.
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In Paris schloss sich Matisse dem Kreis der experimentellen Koloristen Albert Marquet, Georges Rouault, André Derain, Raoul Dufy und Maurice Vlaminck an - diejenigen, die aufgrund der heftigen, ärgerlich offenen Farbe ihrer Leinwände bald als "wild" oder "fauves" bezeichnet werden. Matisse wurde versehentlich der unbestrittene Führer unter ihnen.
A. Derain. Charing Cross Bridge. London. 1905-1906
R. Dufy. Anemonen. 1937
A. Marquet. Hafen bei Menton. 1907
J. Rouault. Drei Clowns (drei Zirkusartisten). 1928
M. Vlaminck. Porträt einer Frau. 1905-1906
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Übung für das Auge Nr. 1. Vergleich von drei "Fenster" -Kompositionen.
R. van der Weyden. Heiliger Ivo. 1450
K. Pissarro. Opernpassage in Paris. Schneeeffekt. Morgen. 1898
A. Matisse. Ein offenes Fenster in Collioure. 1905
Das Motiv des Fensters ist vielfältig und wird daher in der Weltkunst geliebt. Dies ist ein Eingang in die große Welt voller Symbolik und eine Möglichkeit, die Malfähigkeiten des Autors zu demonstrieren.
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"Die meisten Menschen sehen Malerei als Ergänzung zur Literatur", schrieb Matisse. „Wer sich der Malerei widmen will, muss zunächst die Zunge herausziehen“, dh aufhören zu erklären und zu erzählen, Ausdruckskraft nur der Bildform anvertrauen.
"Dies ist Malen außerhalb von Unfällen, Malen an sich, Malen in seiner reinen Form ... Dies ist eine Suche nach dem Absoluten", schrieb Matisses Freund Maurice Denis. Das Absolute verlangt von der Sprache Klarheit, Integrität und Wirtschaftlichkeit seiner individuellen Manifestationen. Der koloristische Aufruhr weicht der Lokalisierung der Farbe um ihre Hauptkomponenten, eine Art Energiequelle, deren Hauptquelle für Matisse zu Beginn des 20. Jahrhunderts Blau war.
Als Matisse "Three Bathers" von Cézanne im Fenster der Vollard-Galerie sah, verlor er buchstäblich den Frieden und stellte schließlich das Objekt der Wünsche in seine eigene Werkstatt, indem er alle Gebühren aus seinen eigenen seltenen Verkäufen sammelte.
P. Cezanne. Drei Badende 1879-1882
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Die Jahrhundertwende wurde auch Matisses Rubikon. In seinem Leben beginnt die Ära des Blaus, die alle zufälligen, unbedeutenden Schattierungen zurückdrängt und die Suche des Künstlers zur Hauptsache macht - dem himmlischen, dem heiligen; denn blau ist keine Färbung, sondern ein Ziel, ein Wert, der nur großen Meistern zur Verfügung steht, die in der Regel der höchsten Tempelkunst dienten.
A. Dürer. Anbetung der Könige. 1504
Michelangelo. Letztes Urteil. 1537-1541
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Übung für das Auge Nr. 2. Beobachten Sie das Leben von Blau in drei Werken von Matisse.
A. Matisse. Blaue Vase mit Blumen auf einer blauen Tischdecke. 1913
A. Matisse. Frau mit Hut. 1905
A. Matisse. Zora auf den Knien (Zora auf der Terrasse). 1911
Farbe "formt" die Form im Porträt einer Frau mit Hut.
In "Dawn on Knees" verliert Blau seine Materialität, es wird zu einer luftigen Substanz, die die Perspektive des Fernen im Hintergrund entfaltet.
Ein Aufenthalt in Algerien und Marokko gab eine ernsthafte Erfahrung darin, die dekorative Essenz eines Kunstobjekts und vor allem seine plastische Schönheit zu verstehen, die auch spirituelle Schönheit verbirgt.
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Blau wurde für Matisse für die gesamte lange und schwierige Zeit zu einer Leitfarbe kreatives Leben... Seine Wendungen und der Unterschied in den Zuständen des Autors zeigten sich auch in der Qualität von blauer Farbedas änderte sich mit jeder neuen Runde. 1907 schrieb er "Blue Nude", was für seine Umgebung ein Schock war.
A. Matisse. Blauer Akt. 1907
45 Jahre später wird der durch Krankheit geschwächte 80-jährige Künstler einen weiteren legendären "Blauen Akt" aus farbigen Papierstücken in der von ihm beherrschten und für die Kunstwelt offenen Anwendungstechnik zusammenstellen.
A. Matisse. Blauer Akt. 1952
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Das einzige vollständig verfasste Buch von Matisse, bestehend aus zwanzig Farbtabellen, die seine Anwendungen reproduzieren, und einem Faksimile, das seine handgeschriebenen Texte reproduziert, wurde vom Künstler "Jazz" benannt.
Jazzmusik setzt die Bereitschaft des Ohrs voraus, die in der Lage ist, die Raffinesse harmonischer und rhythmischer Figuren einzufangen und zu schätzen. Es ist kein Zufall, dass das Hauptinstrument der Jazzmusiker die Improvisation ist, dh ihre eigene, einzigartig persönliche Brechung eines bekannten Themas.
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Die Silhouetten der Figuren, die Unbedingtheit farbiger Flecken, die von der unverwechselbaren Hand des Künstlers geschnitzt wurden, scheinen die einzig wahre natürliche Form zu wiederholen, die er mit seiner inneren Vision besitzt. "Da wir Dinge sehen, schauen wir sie nicht mehr an", schrieb Matisse. Er betrachtete Formen auf eine andere - nicht wörtliche Weise und ließ nur die wesentlichen lebensbildenden Komponenten in ihnen.
Blätter aus dem Buch des Autors von A. Matisse "Jazz". 1947
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Die Lapidarität bei der Übertragung der menschlichen Figur, als würde sie in ihren ursprünglichen Zustand zurückversetzt - zu Beginn der Zeit, ins Archaische -, war eine bevorzugte Technik und eine natürliche Sichtweise des Künstlers. Er wurde zur plastischen Grundlage für zwei große Kompositionen - "Musik" und "Tanz", die der Moskauer Philanthrop Sergei Shchukin für sein Herrenhaus in Auftrag gab.
A. Matisse. Tanzen. 1910
A. Matisse. Musik. 1909
In diesem Diptychon wurde die umweltbildende Rolle der neuen Malerei offensichtlich, zu autark und stark, um das Innere einfach zu dekorieren.
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"Ich glaube immer noch an ein zweites Leben ... in dem ich Fresken malen werde ..." (A. Matisse)
Glaube ich an Gott, - schreibt der Künstler im Buch "Jazz". - Ja, wenn ich arbeite. Wenn ich demütig und demütig bin, habe ich das Gefühl, dass mir jemand hilft und mich zwingt, Dinge zu erschaffen, die höher sind als ich.
In Vence in Südfrankreich wurde zwischen 1949 und 1953 gegründet. die Rosenkapelle oder die Rosenkranzkapelle, "... wo viele Sorgen befriedigt werden und neue Hoffnungen wieder aufleben ...", schrieb der Künstler.
A. Matisse. Kapelle Roser (Kapelle des Rosenkranzes). 1949-1953 Vance
In der Rosenkranzkapelle sind das Künstlerische und das Göttliche untrennbar miteinander verbunden, die sichtbare Welt erscheint als Verkörperung des Höchsten und der Künstler als Vermittler, als Meister reiner, nicht zufälliger Formen.
Folie 13
Veröffentlichung von Briefen an Marie Ange
Matisse, der Meister des linearen Zeichnens, bringt die Welt der Menschen und Heiligen, Blumen und Worte vor unseren Augen hervor und materialisiert sie mit einem linearen Strich, Farbe und Licht. Vor unseren Augen werden geschaffene Dinge aus dem Universellen geboren. Dies ist ein Akt des höchsten Vertrauens in den Betrachter, der betet, eine Person, die zu spiritueller, innerer Vision fähig ist.
Henri Matisse und Marie Ange
Matisse bei der Arbeit
Innenraum der Kapelle
Folie 14
Die Präsentation wurde von E. Knyazeva auf der Grundlage des Materials von O. Kholmogorova vorbereitet. "Art" -Magazin Nr. 3/2015
A. Matisse. Porträt von Lydia Delectorskaya. 1947