VI - Holandija 15. vijek
Petrus Christus
Petrus Christus. Rođenje Kristovo (1452.). Muzej u Berlinu.
Djela Holanđana u 15. vijeku daleko su od iscrpljenosti rastavljenim radovima i, općenito, uzorcima koji su došli do nas, a svojedobno je ovo djelo bilo jednostavno bajno u smislu produktivnosti i visoke vještine. Međutim, samo je mali broj djela od interesa za istoriju pejzaža u materijalu sekundarne kategorije (i još uvijek kako kvalitetan!), Koji nam stoji na raspolaganju i koji je često samo oslabljeni odraz umjetnosti glavnih majstora; ostali, bez ličnog osjećaja, ponavljaju iste sheme. Među tim slikama izdvaja se nekoliko djela Petrusa Christusa (rođenog oko 1420., umrlog u Bruggeu 1472.), koji se nedavno smatrao učenikom Jana van Eycka i zaista ga oponašao više od bilo koga drugog. S Christusom ćemo se sresti kasnije - prilikom proučavanja istorije svakodnevnog slikarstva, u kojem on igra važniju ulogu; ali u krajoliku zaslužuje određenu pažnju, iako sve što je učinio ima pomalo mlitavu, beživotnu hladovinu. Prilično lijep krajolik širi se samo iza figura briselske "Oplakivanja nad Gospodnjim tijelom": tipični flamanski pogled s mekim linijama visina na kojima se nalaze dvorci, s drvoredima zasađenim u dolinama ili se penjući u tankim siluetama uz padinu razgraničenih brda; desno je malo jezero, put koji se vijuga između polja, grad s crkvom u udubini - sve pod vedrim jutarnjim nebom. Ali, nažalost, pripisivanje ove slike Christusu izaziva ozbiljne sumnje.
Hugo van der Goes. Pejzaž na desnom krilu oltara Portinari (oko 1470.) u galeriji Uffizi u Firenci
Treba napomenuti, međutim, da su na autentičnim slikama majstora u berlinskom muzeju možda najbolji dio upravo pejzaži. Pejzaž u Obožavanju djeteta je posebno atraktivan. Okvir za sjenčanje ovdje je uboga nadstrešnica, pričvršćena za stjenovite gromade, kao da je u potpunosti kopirana iz prirode. Iza ove "zavjese" i likova Majke Božje, Josip i babica Sibila, odjeveni u tamu, kruže padinama dva brda, između kojih se u maloj zelenoj dolini smjestio šumar mladog drveća. Na rubu šume, pastiri slušaju anđela kako leti iznad njih. Put prolazi pored njih do gradskog zida, a njegov se krak puže do lijevog brda, gdje se ispod niza vrba vidi seljak koji vrećama goni magarce. Sve diše čudesnim svijetom; međutim, mora se priznati da u osnovi nema veze s prikazanim trenutkom. Pred nama je dan, proljeće i ne pokušava se značiti nešto "božićno raspoloženje". U "Flemalu" vidimo bar nešto svečano u celoj kompoziciji i želju da prikažemo decembarsko holandsko jutro. U Christusu sve diše pastirskom gracioznošću i osjeća se umjetnikova potpuna nesposobnost da se pozabavi tom temom. Iste osobine naći ćemo u pejzažima svih ostalih sekundarnih majstora sredine 15. vijeka: Dare, Meire i desetine bezimenih.
Gertchen Sant Jans. "Spaljivanje posmrtnih ostataka Jovana Krstitelja". Muzej u Beču.
Zato je divno briljantna slika Hugo van der Goes "Oltar Portinarija" (u Firenci u "Uffizi"), u kojem je umjetnik-pjesnik prvi među Holanđanima koji pokušava na odlučan i dosljedan način izvući vezu između raspoloženja same dramske radnje i pejzažne pozadine. Nešto slično vidjeli smo i na dižonskoj slici "Flemal", ali dokle je stigao ispred ovog iskustva svog prethodnika Huga van der Goesa, radeći na slici koju je naručio bogati bankar Portinari (predstavnik u Bruggeu za posao Medicis) i koju je namjeravao poslati u Firencu. Moguće je da je u samom Portinariju Gus vidio slike svojih omiljenih Medici umjetnika: Beato Angelico, Filippo Lippi, Baldovinetti. Takođe je moguće da je u njemu govorila plemenita ambicija da Florence pokaže superiornost ruske umjetnosti. Nažalost, o Gusu ne znamo ništa, osim prilično detaljne (ali i nejasne) priče o njegovom ludilu i smrti. Što se tiče toga odakle je, ko mu je bio učitelj, čak i ono što je napisao pored "Oltara Portinarija", onda sve ovo ostaje pod okriljem tajne. Jedno postaje jasno samo tokom proučavanja njegovog slikarstva u Firenci - to je strast, duhovnost, vitalnost njegovog rada, što je za Holanđanina izuzetno. U Husu su se Rogerova dramatična plastičnost i van Eyckov duboki osjećaj prirode spojili u jednu nerazdvojnu cjelinu. Ovome je dodana i njegova lična osobenost: nekakva lijepa patetična nota, neka vrsta nježne, ali nikako opuštene sentimentalizma.
U istoriji slikarstva malo je slika koje su prepune takvog strahopoštovanja, na kojima bi zasjala duša umjetnice, sva divna složenost njenih iskustava. Čak i da nismo znali da je Hus napustio svijet zbog samostana, da je tamo vodio neki neobičan polusekularni život, zauzimao počasne goste i gostio se s njima, da bi ga tada opsjedao mrak ludila - rekao bi nam jedan "Portinari Oltar" o bolesnoj duši svog autora, o njenoj privlačnosti mističnom zanosu, o preplitanju najrazličitijih iskustava u njoj. Sivi, hladni ton triptiha, usamljen u čitavoj holandskoj školi, zvuči kao divna i duboko tužna muzika.
„Nikad ne vjerujte računaru da ne možete baciti prozor.“ - Steve Wozniak
Holandski slikar, koji se obično poistovjećuje sa flamanskim majstorom - nepoznatim umjetnikom koji stoji na izvorima tradicije ranog holandskog slikarstva (tzv. "Flamanski primitivci"). Mentor Rogier van der Weyden i jedan od prvih slikara portreta u evropskom slikarstvu.
(Liturgijsko ruho Reda Zlatnog Runa - Nositelj Djevice Marije)
Budući da je bio savremenik minijaturista koji su radili na osvjetljavanju rukopisa, Kampen je ipak uspio postići takav nivo realizma i zapaženosti kao nijedan drugi slikar prije njega. Ipak su njegova djela arhaičnija od djela njegovih mlađih suvremenika. Demokratija je uočljiva u svakodnevnim detaljima, ponekad postoji kućno tumačenje religijskih tema, što će kasnije biti karakteristično za holandsko slikarstvo.
(Djevica i dijete u unutrašnjosti)
Umjetnički kritičari već dugo pokušavaju pronaći podrijetlo sjeverne renesanse i otkriti tko je prvi majstor koji je postavio ovaj stil. Dugo se vjerovalo da je prvi umjetnik koji je malo odstupio od tradicije gotike Jan van Eyck. Ali da kraj XIX stoljeća postalo je jasno da je van Eycku prethodio drugi umjetnik, čija četka pripada triptihu s Blagovijestima, prethodno u vlasništvu grofice Merode (tzv. "triptih Merode"), kao i tzv. Flamanski oltar. Pretpostavljalo se da oba ova djela pripadaju ruci flemalijskog gospodara, čiji identitet tada još nije bio utvrđen.
(Bogorodice)
(Sveta Djeva u slavi)
(Werlov oltarski komad)
(Trojstvo slomljenog tijela)
(Blagoslov Hrista i Djevica koja se moli)
(Djevojački svatovi - Sveti Jakov Veliki i Sveta Klara)
(Djevica i dijete)
Gertgen u Sint Jans (Leiden 1460.-1465. - Haarlem do 1495.)
Ovaj rano preminuli umjetnik, koji je radio u Haarlemu, jedna je od najznačajnijih ličnosti sjeverno-holandskog slikarstva s kraja 15. vijeka. Moguće je studirao u Haarlemu u radionici Alberta van Auvatera. Bio je upoznat s radom umjetnika iz Genta i Brugesa. U Harlemu je, kao slikarski šegrt, živio pod redom Johanaca - otuda i nadimak "iz [manastira] Svetog Jovana" (tot Sint Jans). Hertgenov slikarski stil odlikuje se suptilnom emocionalnošću u interpretaciji religioznih tema, pažnjom prema svakodnevnim životima i promišljenom, poetski nadahnutom razradom detalja. Sve će se to razviti u holandskom realističnom slikarstvu narednih stoljeća.
(Rođenje, noću) 
(Djevica i dijete)
(Jessejevo drvo)
(Gertgen do Sint Jans St. Bavon)
Van Eyckov suparnik za titulu najuticajnijeg majstora ranog holandskog slikarstva. Cilj kreativnosti umjetnik je vidio u razumijevanju individualnosti pojedinca, bio je duboki psiholog i izvrstan slikar portreta. Očuvajući duhovnost srednjovjekovne umjetnosti, on je stare slikovne sheme ispunio renesansnim konceptom aktivne ljudske ličnosti. Na kraju svog života, prema TSB-u, "napušta univerzalizam van Eyckove umjetničke percepcije svijeta i svu svoju pažnju koncentrira na unutrašnji svijet čovjeka".
(Otkriće moštiju Svetog Huberta)
Rođen u porodici drvoreza. Umetnikova djela svjedoče o dubokom poznavanju teologije, a već 1426. nazvan je "Majstor Roger", što omogućava iznošenje pretpostavke da je imao univerzitetsko obrazovanje. Počeo je raditi kao kipar, u odrasloj dobi (nakon 26 godina) počeo je učiti slikarstvo kod Roberta Campena u Tournaiu. Proveo je 5 godina u svojoj radionici.
(Čitajući Mariju Magdalenu)
Period kreativnog formiranja Rogiera (kojem očigledno pripada i Louvre "Blagovijest") slabo je osvijetljen izvorima. Postoji hipoteza da je upravo on u mladosti stvarao djela koja se pripisuju tzv. Flamanski majstor (vjerojatniji kandidat za njihovo autorstvo je njegov mentor Kampen). Student je toliko usvojio Kampinovu želju da zasićuje biblijske scene ugodnim detaljima kućnog života da je gotovo nemoguće razlikovati njihova djela iz ranih 1430-ih (oba umjetnika nisu potpisala svoja djela).
(Portret Antona Burgundije)
Prve tri godine Rogierovog samostalnog rada nisu ni na koji način dokumentirane. Možda ih je proveo u Bruggeu s van Eyckom (s kojim se vjerovatno prije križao u Tournaiu). U svakom slučaju, njegova poznata kompozicija "Luka evanđelist, slika Madonu" prožeta je očiglednim utjecajem van Eycka.
(Evanđelist Luka, slikajući Madonu)
Godine 1435. umjetnik se preselio u Brisel u vezi sa brakom sa rodom iz ovog grada i preveo je svoje pravo ime Roger de la Pasture sa francuskog na holandski. Postao je član gradskog ceha slikara, obogatio se. Radio je kao gradski slikar po narudžbi vojvodskog dvora Filipa Dobrog, manastira, plemića, italijanskih trgovaca. Oslikao je gradsku vijećnicu slikama provođenja pravde poznatih ljudi iz prošlosti (freske su izgubljene).
(Portret dame)
Početku briselskog razdoblja pripada grandiozni emocionalno "Silazak s križa" (sada u Pradu). U ovom radu Rogier je radikalno napustio slikovnu pozadinu, fokusirajući pažnju gledatelja na tragična iskustva brojnih likova koji ispunjavaju čitav prostor platna. Neki su istraživači skloni objasniti širenje njegovog rada njegovom fascinacijom doktrinom Tome Kempisa.
(Silazak s krsta s donatorom Pierreom de Ranchicourtom, biskupom od Arrasa)
Povratak Rogiera iz grubog kampinskog realizma i sofisticiranosti Vaneikove protorenesanse srednjovjekovnoj tradiciji najočitiji je u poliptihu Posljednjeg suda. Napisan je u godinama 1443-1454. naručio kancelar Nicolas Rolen za oltar kapele bolnice, koju je potonja osnovala u burgundskom gradu Beauneu. Mesto složenih pejzažnih pozadina ovde zauzima zlatni sjaj, testiran od generacija njegovih prethodnika, koji ne može odvratiti gledaoca od poštovanja prema svetim slikama.
(Oltar posljednjeg suda u Bonnu, desno vanjsko krilo: Pakao, lijevo vanjsko krilo: Raj)
U jubilarnoj 1450. godini Rogier van der Weyden otputovao je u Italiju i posjetio Rim, Ferraru i Firencu. Talijanski su ga humanisti toplo pozdravili (o njemu postoji pohvalna kritika Nikolaja Kušanskog), ali i njega samog uglavnom su zanimali konzervativni umjetnici poput Fra Angelica i Gentila da Fabriana.
(Usekovanje glave Ivana Krstitelja)
U povijesti umjetnosti uobičajeno je ovo putovanje povezivati \u200b\u200bs prvim poznanstvom Talijana s tehnikom uljanog slikarstva, kojom je Rogier savršeno vladao. Po narudžbi talijanskih dinastija Medici i d'Este, Fleming je pogubio "Madonu" Uffizija i poznati portret Francesca d'Estea. po povratku u Flandriju.
(Obožavanje magova)
Rogierovi portreti imaju neka zajednička obilježja, što je uglavnom posljedica činjenice da gotovo svi prikazuju predstavnike najvišeg plemstva Burgundije, na čiji su izgled i način utisnuti općenito okruženje, odgoj i tradicija. Umjetnik detaljno crta ruke modela (posebno prste), pročišćava i produžava crte njihovih lica.
(Portret Francesca D "Estea)
Posljednjih godina Rogier je radio u svojoj briselskoj radionici, okružen brojnim studentima, među kojima su, po svemu sudeći, bili i istaknuti predstavnici sljedeće generacije kao Hans Memling. Širili su njegov utjecaj po Francuskoj, Njemačkoj i Španiji. U drugoj polovini 15. vijeka, u sjevernoj Evropi, Rogierov izražajni način prevladao je nad tehnički složenijim poukama Kampena i van Eycka. Čak su i u 16. stoljeću mnogi slikari ostali pod njegovim utjecajem, od Bernarta Orleyja do Quentina Masseisa. Krajem stoljeća njegovo se ime počelo zaboravljati, a već u 19. stoljeću umjetnik se pamtio samo u posebnim studijama o ranom holandskom slikarstvu. Vraćajući ga kreativni put komplicirano činjenicom da nije potpisao nijedno svoje djelo, izuzev portreta žene u Washingtonu.
(Navještenje Mariji)
Hugo van der Goes (oko 1420-25., Gent - 1482., Odergem)
Flamanski umjetnik. Albrecht Dürer smatrao ga je najvećim predstavnikom ranog holandskog slikarstva, zajedno s Janom van Eyckom i Rogierom van der Weydenom.
(Portret čovjeka molitve sa sv. Ivanom Krstiteljem)
Rođen u Gentu ili Ter Gusu na Zelandu. Tačan datum rođenja nije poznat, ali je pronađena uredba iz 1451. godine koja mu je omogućila povratak iz progonstva. Slijedom toga, do tada je uspio učiniti nešto loše i već je neko vrijeme bio u emigraciji. Pridružio se cehu St. Luke. 1467. godine postao je gospodar ceha, a 1473-1476. Bio je njegov dekan u Gentu. Radio je u Gentu, od 1475. godine u augustinskom samostanu Rodendal blizu Brisela. Na istom mjestu 1478. zamonašen je. Njegove posljednje godine bile su narušene mentalnim bolestima. Međutim, nastavio je raditi, ispunjavao porudžbine za portrete. U samostanu ga je posetio budući car Svetog rimskog carstva Maximilian Habsburg.
(Raspeće)
Nastavio je s umjetničkom tradicijom holandskog slikarstva prve polovine 15. vijeka. Umjetničke aktivnosti su različite. Utjecaj Boutsa primjetan je u njegovim ranim radovima.
Sudjelovao je kao dekorater u ukrašavanju grada Briža povodom vjenčanja 1468. vojvode od Burgundije Charlesa Smjelog i Margarete od Yorka, kasnije u ukrašavanju proslava u gradu Gentu povodom ulaska u grad Charles of the Bold i nove grofice od Flandrije 1472. godine. Očito je njegova uloga u tim radovima bila vodeća. jer je prema preživjelim dokumentima primao veću plaću od ostalih umjetnika. Nažalost, slike koje su bile dio ukrasa nisu sačuvane. Kreativna biografija ima mnogo dvosmislenosti i praznina, jer nijedna slika nije datirana ili potpisana od strane umjetnika.
(Benediktinski redovnik)
Najpoznatije djelo je velika oltarna slika "Klanjanje pastirima" ili "Oltar Portinarija", koja je naslikana ca. 1475. po narudžbi Tommasa Portinarija - predstavnika banke Medici u Brižu - i imao je dubok utjecaj na firentinske slikare: Domenico Ghirlandaio, Leonardo da Vinci itd.
(Oltar Portinarija)
Jan Provost (1465.-1529.)
Majstor Provost spominje se u dokumentima iz 1493. godine, koji se čuvaju u vijećnici Antwerpena. A 1494. gospodar se preselio u Bruges. Takođe znamo da se 1498. godine oženio udovicom francuskog slikara i minijaturista Simona Marmiona.
(Mučeništvo svete Katarine)
Ne znamo s kim je Provost studirao, ali njegova se umjetnost očito razvila pod utjecajem posljednjih klasika rane holandske renesanse Gerarda Davida i Quentina Masseyja. A ako se David trudio izraziti religioznu ideju kroz dramu situacije i ljudskih iskustava, tada ćemo u Quentinu Masseysu pronaći nešto drugo - želju za idealnim i skladnim slikama. Prije svega, ovdje je utjecao utjecaj Leonarda da Vincija, s čijim se radom Massys upoznao tokom svog putovanja u Italiju.
Na slikama Provost tradicije G. Davida i C. Masseisa spojene su u jedno. U zbirci Državnog pustinjaka nalazi se jedno djelo Provosta, Marije u slavi, napisano na drvenoj ploči tehnikom uljane boje.
(Djevica Marija u slavi)
Ova ogromna slika prikazuje Djevicu Mariju, okruženu zlatnim sjajem, kako stoji na polumjesecu u oblacima. U njenom naručju je dijete Hristovo. Bože Oče, sv. Duh u obliku goluba i četiri anđela. Dolje - klečeći kralj David s harfom u rukama i car August s krunom i žezlom. Pored njih, slika prikazuje sibile (likove drevne mitologije, koji predviđaju budućnost i tumače snove) i proroke. U jednoj od sibila nalazi se svitak s natpisom "Njena djevica spasit će narode."
U dubini slike može se vidjeti krajolik zadivljujuć svojom suptilnošću i poezijom, sa gradskim zgradama i lukom. Sva ova složena i teološki zamršena radnja bila je tradicionalna za holandsku umjetnost. Čak je i prisustvo drevnih likova doživljavano kao vrsta pokušaja religioznog opravdanja drevnih klasika i nikoga nije iznenadilo. Ono što nam se čini teškim, savremenici umjetnika shvatili su s lakoćom i bila je svojevrsna abeceda na njegovim slikama.
Međutim, provlastica čini određeni korak naprijed na putu savladavanja ove religiozne teme. Sve svoje likove objedinjuje u jednom prostoru. U jednoj sceni kombinira zemaljsko (kralj David, car August, Sibile i proroci) i nebesko (Marija i anđeli). Po tradiciji, sve to prikazuje na pozadini pejzaža, što dodatno pojačava utisak o stvarnosti onoga što se događa. Provost marljivo prevodi radnju u svoj savremeni život. Na likovima Davida i Augusta lako možete pogoditi klijente slike, bogate Holanđane. Drevni Sibili, čija su lica gotovo portretna, živo podsjećaju na bogate mještane tog doba. Čak je i veličanstveni krajolik, u svoj svojoj fantastičnosti, duboko realan. On kao da sintetizira prirodu Flandrije, idealizira je.
Većina slika Provost religiozne je prirode. Nažalost, značajan dio njegovih djela nije preživio i gotovo je nemoguće stvoriti cjelovitu sliku njegovog djela. Međutim, prema svjedočenju suvremenika, znamo da je Provost sudjelovao u osmišljavanju ceremonijalnog ulaska kralja Charlesa u Bruges. Ovo govori o slavi i velikim zaslugama gospodara.
(Djevica i dijete)
Prema Düreru, s kojim je Provost neko vrijeme putovao u Holandiji, ulaz je bio opremljen velikim sjajem. Sve od gradskih vrata do kuće u kojoj je odsjeo kralj bio je ukrašen arkadama na stupovima, posvuda su bili vijenci, krune, trofeji, natpisi i baklje. Bilo je i mnogo živih slika i alegorijskih prikaza "carevih talenata".
Provost je sjajno učestvovao u dizajnu. Nizozemska umjetnost iz 16. stoljeća, čiji je Jan Provost bio tipičan predstavnik, iznjedrila je djela koja, prema riječima B.R.Vippera, „plene ne toliko koliko kreacije izvrsnih majstora, već kao dokaz visokog i raznolikog umjetnička kultura».
(Christian Allegory)
Jerun Antonison van Acken (Hieronymus Bosch) (oko 1450.-1516.)
Holandski slikar, jedan od najvećih majstora sjeverne renesanse, smatra se jednim od najzagonetnijih slikara u istoriji zapadne umjetnosti. U Boschovom rodnom gradu, s-Hertogenboschu, otvoren je Boschov kreativni centar koji prikazuje kopije njegovih djela.
Jan Mandijn (1500/1502, Haarlem - 1559/1560, Antwerpen)
Holandski umjetnik renesanse i sjevernog manirizma.
Jan Mundane pripada grupi antverpenskih umjetnika-sljedbenika Hieronymusa Boscha (Peter Hayes, Herri meth de Bles, Jan Wellens de Kokk), koji su nastavili tradiciju fantastičnih slika i postavili temelje takozvanog sjevernog manirizma, za razliku od talijanskog. Djela Jana Mundanea, sa svojim demonima i zlim duhovima, najbliža su nasljeđu misterioznih.
(Sveti Kristofor. (Državna pustinja, Sankt Peterburg))
Autorstvo slika koje se pripisuju Mandainu, osim "Iskušenja sv. Anthony ”, zasigurno nije uspostavljen. Vjeruje se da je Mundane bio nepismen i stoga nije mogao ostaviti gotičke potpise na svojim iskušenjima. Likovni kritičari sugeriraju da je potpis jednostavno kopirao iz gotovog uzorka.
Poznato je da je Mundane oko 1530. godine postao gospodar u Antwerpenu, a njegovi su učenici bili Gillis Mostert i Bartholomeus Spranger.
Martin van Heemskerk (pravo ime Martin Jacobson van Ven)
Martin van Ven rođen je u Sjevernoj Holandiji u seljačkoj porodici. Protiv očeve volje, otišao je u Haarlem, da proučava umjetnika Cornelisa Willemsa, a 1527. prešao je kao student na Jana van Scorela, a trenutno umjetnički kritičari nisu uvijek u mogućnosti utvrditi tačno pripadanje pojedinih slika Scorela ili Heemskerka. Između 1532. i 1536. godine umjetnik živi i radi u Rimu, gdje su njegova djela vrlo popularna. U Italiji van Heemskerk stvara svoje slike u umjetnički stil manirizam.
Nakon povratka u Holandiju, dobio je brojne narudžbe od crkve kako za oltarsko slikanje, tako i za izradu vitraja i zidnih tapiserija. Bio je jedan od vodećih članova Ceha Svetog Luke. Od 1550. do svoje smrti 1574. Martin van Heemskerk služio je kao crkveni poglavar u crkvi Svetog Bave u Haarlemu. Između ostalih djela, van Heemskerk poznat je po svojoj seriji slika Sedam svjetskih čuda.
(Portret Ane Codde 1529)
(Sveti Luka slikajući Djevicu i dijete 1532)
(Čovjek žalosti 1532)
(Nesretna grupa bogatih 1560)
(Autoportret u Rimu s Kolosejem1553)
Joachim Patinir (1475/1480, Dinan u provinciji Namur, Valonija, Belgija - 5. oktobra 1524, Antwerpen, Belgija)
Flamanski slikar, jedan od začetnika evropskog pejzažnog slikarstva. Radio je u Antwerpenu. Od prirode je stvorio glavnu komponentu slike u kompozicijama na religiozne teme, u kojima je, slijedeći tradiciju braće Van Eyck, Gerarda Davida i Boscha, stvorio veličanstveni panoramski prostor.
Radio je s Quentinom Masseysom. Pretpostavlja se da su mnoga djela koja se sada pripisuju Patiniru ili Masseisu zapravo njihovo zajedničko djelo.
(Bitka kod Pavije)
(Čudo svete Katarine)
(Pejzaž s letom u Egipat)
Herri meth de Bles (1500/1510, Bouvigne-sur-Meuse - oko 1555)
Flamanski umjetnik, zajedno s Joachimom Patinirom, jedan je od osnivača evropskog pejzažnog slikarstva.
Gotovo ništa se pouzdano ne zna o umjetnikovom životu. Konkretno, njegovo ime je nepoznato. Nadimak "meth de Bles" - "s bijelom mrljom" - vjerojatno je dobio bijeli pramen u kosi. Takođe je nosio talijanski nadimak "Civetta" (talijanski: Civetta) - "sova" - jer je njegov monogram, koji je koristio kao potpis na svojim slikama, bila mala figurica sove.
(Pejzaž sa scenom leta u Egipat)
Herri meth de Bles proveo je veći dio svoje karijere u Antwerpenu. Pretpostavlja se da je bio nećak Joachima Patinira, a pravo ime umjetnika bilo je Herry de Patinir (holandsko. Herry de Patinir). U svakom slučaju, 1535. godine izvjesni Gerry de Patinir pridružio se antwerpenskom cehu Svetog Luke. Herri meth de Bles je takođe svrstan u grupu južnoholandskih umjetnika - sljedbenika Hieronymusa Boscha, zajedno s Janom Mundaneom, Janom Wellensom de Kockom i Peterom Gaysom. Ovi su majstori nastavili tradiciju Boschevog fantastičnog slikarstva, a njihov se rad ponekad naziva "sjevernjačkim manirizmom" (za razliku od italijanskog manirizma). Prema nekim izvorima, umjetnik je umro u Antwerpenu, prema drugima - u Ferrari, na dvoru vojvode del Este. Nije poznata ni godina njegove smrti, ni sama činjenica da li je ikada posjetio Italiju.
Herri meth de Bles slikao je uglavnom pejzaže po uzoru na Patinir, koji su takođe prikazivali kompozicije sa više figura. Pejzaži pažljivo prenose atmosferu. Za njega je, kao i za Patiniru, tipična stilizirana slika stijena.
Lucas van Leiden (Luke Leiden, Lucas Huygens) (Leiden 1494 - Leiden, 1533)
Studirao slikarstvo kod Cornelisa Engelbrektsa. Veoma rano je savladao umetnost graviranja i radio je u Leidenu i Middelburgu. 1522. pridružio se cehu svetog Luke u Antwerpenu, a zatim se vratio u Leiden, gdje je i umro 1533. godine.
(Triptih s plesovima oko zlatnog teleta. 1525-1535. Rijksmuseum)
U žanrovskim scenama napravio je hrabar korak ka oštro realističnom prikazu stvarnosti.
Luke Leydensky u svojoj vještini nije inferioran od Dürera. Bio je jedan od prvih holandskih grafičara koji je pokazao razumijevanje zakona svjetlosne i zračne perspektive. Iako su ga u većoj mjeri zanimali problemi kompozicije i tehnike, a ne vjernost tradicije ili emocionalni zvuk scena na vjerske teme. 1521. u Antwerpenu je upoznao Albrechta Durera. Utjecaj rada velikog njemačkog majstora očitovao se u rigidnijem modeliranju i izražajnijoj interpretaciji figura, ali Luka Leydensky nikada nije izgubio osobine svojstvene samo njegovom stilu: visoke, dobro građene figure u pomalo odgojenim pozama i umorna lica. Krajem 1520-ih u njegovom se radu pojavljuje utjecaj talijanskog gravera Marcantonio Raimondi. Gotovo sve gravure Luke Leidena potpisane su početnim slovom "L", a otprilike polovina njegovih djela datirana je, uključujući poznatu seriju Muke Hristove (1521). Preživi desetak njegovih drvoreza, uglavnom prikaza scena iz Starog zavjeta. Od malog broja sačuvanih slika Luke Leidena, jedna od najpoznatijih je triptih Posljednjeg suda (1526).
(Charles V, kardinal Walsley, Margaret od Austrije)
Joos van Cleve (datum rođenja nepoznat, vjerojatno Wesel - 1540-41, Antwerpen)
Prvo spominjanje Josa van Clevea datira iz 1511. godine, kada je primljen u antwerpenski ceh Svetog Luke. Prije toga, Jos van Cleve je učio s Janom Justom van Kalkar zajedno s Bartholomeus Brain the Starijem. Smatra se jednim od najaktivnijih umjetnika svog vremena. O njegovom boravku u Francuskoj svjedoče njegove slike i položaj umjetnika na dvoru Franje I. Postoje činjenice koje potvrđuju Josov put u Italiju.
Glavna djela Josa van Clevea su dvije oltarne slike s prikazom Uznesenja Djevice (trenutno u Kelnu i Minhenu), koje su prethodno pripisivane nepoznatom umjetniku, Majstoru Marijina života.
(Klanjanje magima. 1. trećina 16. vijeka. Umjetnička galerija. Drezden)
Jos van Cleve klasificiran je kao romanopisac. U svojim tehnikama mekog modeliranja volumena osjeća odjek utjecaja sfumata Leonarda da Vincija. Ipak, u mnogim bitnim aspektima svog rada, usko je povezan sa holandskom tradicijom.
"Uspenje Djevice" iz Stare pinakoteke nekada se nalazilo u kölnskoj crkvi Djevice Marije, a naručili su je predstavnici nekoliko bogatih srodnih kölnskih porodica. Oltarna slika ima dvije bočne ploče na kojima su prikazani sveci zaštitnici kupaca. Centralni preklop je od najvećeg interesa. Van Mander je o umjetniku napisao: „Bio je najbolji kolorist svog vremena, znao je kako svojim radovima prenijeti vrlo lijep reljef, a vrlo blizu prirode prenio je boju tijela, koristeći samo jednu boju za tijelo. Ljubitelji umjetnosti visoko su cijenili njegova djela koja su u potpunosti zaslužili. "
Sin Jos van Clevea Cornelis takođe je postao umetnik.
Flamanski slikar sjeverne renesanse. Slikarstvo je učio kod Bernarda van Orlyja, koji je inicirao njegovu posjetu talijanskom poluostrvu. (Coxcie ponekad napiše Coxie, na primjer u Mechelenu na ulici posvećenoj umjetniku). U Rimu je 1532. godine slikao kapele kardinala Enckenvoirta u crkvi Santa Maria Delle od strane Anime i Giorgia Vasarija, njegovo djelo je izvedeno na talijanski način. povoljni primjeri njihovih vještina.
Vraćajući se u Holandiju, Coxie je značajno razvio svoju praksu na ovom polju umjetnosti. Coxie se vratio u Mechelen, gdje je dizajnirao oltarnu sliku u kapeli Ceha Svetog Luke. U središtu ovog oltara predstavljen je sveti Luka Evanđelist, zaštitnik umjetnika koji prikazuju Djevicu, sa bočnih dijelova je scena mučeništva svetog Vida i vizije svetog Jovana Evanđelista u Patmosu. Pokrovio ga je Karlo V, rimski car. Njegova remek-djela 1587 - 1588 čuva se u katedrali u Mechelenu, u katedrali u Briselu, muzejima u Briselu i Antwerpenu. Bio je poznat kao flamanski Raphael. Umro je u Mechelenu 5. marta 1592. godine, nakon pada sa stepeništa.
(Christina iz Danske)
(Ubistvo Abela)
Marinus van Reimersvale (oko 1490, Reimersvale - nakon 1567)
Marinusov otac bio je član Antwerpenskog umjetničkog ceha. Marinus se smatra učenikom Quentina Masseisa ili je barem na njega utjecao njegov rad. Međutim, van Reimerswale se nije bavio samo slikanjem. Po odlasku iz rodnog Reimersvala preselio se u Middelburg, gdje je sudjelovao u pljački crkve, kažnjen i protjeran iz grada.
Marinus van Reimerswale ostao je u povijesti slikarstva zahvaljujući svojim slikama sv. Jeronima i portreti bankara, kamatara i poreznika u složenoj odjeći koju je umjetnik pažljivo naslikao. Takvi su portreti bili vrlo popularni u to doba kao oličenje pohlepe.
Južnoholandski slikar i grafičar, najpoznatiji i najznačajniji od umjetnika koji su nosili ovo ime. Majstor pejzaža i žanrovskih scena. Otac umjetnika Pietera Bruegela Mlađeg (Pakao) i Jana Brueghela Starijeg (Paradise).
Kao i u drugim državama zapadne Evrope, pojava renesansnog stava u Holandiji, kojom su do 1447. vladali Burgundija, a potom Habsburgovci, povezana je s razvojem proizvodnje i trgovine, kao i s rastom gradova i formiranjem građanstva. Istodobno, feudalne tradicije još uvijek su bile jake u zemlji, pa su se nove stvari u holandskoj umjetnosti uvodile mnogo sporije nego u talijanskoj.
Na holandskom slikarstvu sjeverne renesanse obilježja gotičkog stila postojala su dugo vremena. Religija je imala mnogo veću ulogu u životu Holanđana nego Italijana. Čovjek u djelima holandskih majstora nije postao središte svemira, kao što je bio slučaj sa umjetnicima talijanska renesansa... Tokom gotovo cijelog XV vijeka. ljudi na holandskoj slici prikazani su u gotičkom maniru kao lagani i eterični. Likovi na holandskim slikama su uvijek odjeveni, nedostaje im senzualnosti, ali nema ničeg veličanstvenog i herojskog. Ako su talijanski majstori renesanse slikali monumentalne freske, holandski gledatelj radije se divio malim štafelajnim slikama. Autori ovih djela vrlo su pažljivo obrađivali svaki, pa i najmanji detalj svojih platna, što je ova djela činilo zanimljivim i vrlo atraktivnim za publiku.
U XV vijeku. u Holandiji se umjetnost minijature nastavila razvijati, ali već početkom 1420-ih. pojavljuju se prve slike čiji su autori Jan van Eyck i njegov rano preminuli brat Hubert van Eyck, koji su postali osnivači holandske umjetničke škole.
Jan van Eyck
Nije bilo moguće utvrditi tačno vrijeme rođenja Jana van Eycka, jednog od najistaknutijih predstavnika holandske renesansne slikarske škole. Postoje samo sugestije da je van Eyck rođen između 1390. i 1400. godine. U periodu od 1422. do 1428. godine mladi slikar ispunjava naredbu grofa Holandije Ivana Bavarskog: slika zidove zamka u Hagu.
Od 1427. do 1429. godine van Eyck je putovao preko Iberijskog poluostrva. 1428. godine, nakon smrti Ivana Bavarskog, umjetnik je stupio u službu vojvode od Burgundije Filipa Dobrog. Potonji je mogao cijeniti ne samo dar majstora slikara, već i otkriti njegov diplomatski talenat. Van Eyck se uskoro nalazi u Španiji. Svrha njegove posjete bio je nalog vojvode od Burgundije da priredi vjenčanje i naslika portret mladenke. Umjetnik, koji u isto vrijeme ispunjava ulogu diplomate, sjajno se snašao u dodijeljenim mu zadacima i ispunio zadatak. Nakon nekog vremena portret mladenke bio je spreman. Nažalost, ovo djelo slavnog slikara nije sačuvano.
Od 1428. do 1429. godine van Eyck je bio u Portugalu.
Najznačajnije djelo van Eycka bilo je oslikavanje oltara crkve Svetog Bave u Brižu, izvedeno u suradnji s bratom Hubertom. Njezin kupac bio je bogataš iz Genta, Jodokus Veidt. Kasnije nazvan Gent, oltar koji je naslikao poznati majstor ima tešku sudbinu. Tokom vjerskih ratova, u 16. stoljeću, kako bi se spasio od uništenja, rastavljen je i skriven. Neki fragmenti su čak izneti iz Holandije u druge zemlje sveta. I tek u 20. vijeku vratili su se u domovinu, gdje su sakupljeni. Oltar je ponovo krasila crkva sv. Bave. Međutim, nisu sačuvani svi dijelovi djela. Tako je jedan od fragmenata originala ukraden 1934. godine zamijenjen dobrom kopijom.
Opću kompoziciju Gentskog oltarskog dela čini 25 slika, čiji su junaci više od 250 likova. Na vanjskoj strani oltarnih vrata, u donjem dijelu, nalaze se slike kupca Jodocusa Veidta i njegove supruge Isabelle Borlut. Ovdje se nalaze i likovi Jovana Krstitelja i Jovana Bogoslova. U srednjem redu odvija se prizor zasnovan na dobro poznatoj biblijskoj priči: arhanđeo Gabrijel donosi svetoj djevici Mariji radosnu vijest o skorom Hristovom rođenju. Kompoziciju odlikuje jedinstvo boja koje je autor koristio: sve slike su u pastelnim sivkastim tonovima.
Karakteristična karakteristika ove slike je što umjetnik okružuje biblijske likove svakodnevnom stvarnošću. Dakle, s prozora Marijinih odaja vidi se grad, potpuno za razliku od Betlehema. Ovo je Gent, na čijoj je ulici suvremenici slikara lako mogli prepoznati kuću bogataša Veidta. Predmeti za kućanstvo koji okružuju Mariju ovdje nisu samo ispunjeni simboličkim značenjem (umivaonik i ručnik ovdje se pojavljuju kao simboli Marijine čistoće, tri krila prozora simbol su vječnog Trojstva), već su i dizajnirani da ono što se događa približe stvarnosti.
Tijekom vjerskih praznika vrata oltara se otvaraju, a gledaocu se pruža nevjerovatna slika koja govori o strukturi svijeta kakvu je razumjela osoba iz 15. vijeka. Dakle, u najvišem sloju nalaze se slike Svetog Trojstva: Bog Otac, prikazan u papinskim haljinama izvezenim zlatom, pred njegovim nogama leži kruna - simbol Isusa Hrista, u središtu reda je golub, koji simbolizira Duha Svetoga. Lica Majke Božje i Ivana Krstitelja okrenuta su prema njima. Pjesme slave Trojice pjevaju anđeli. U van Eyck-u su ih izveli mladići odjeveni u bogato ukrašeno ruho. Ovaj red zatvaraju likovi predaka ljudske rase - Adama i Eve.
U gornjem redu slike nalazi se široka zelena livada, duž koje sveci, proroci, apostoli, vojnici, pustinjaci i hodočasnici marširaju na žrtveno Jagnje. Neki likovi predstavljaju stvarne ljude. Među njima možete naći samog umjetnika, kao i njegovog brata Huberta i vojvodu od Burgundije Filipa Dobrog. Ovdje je i krajolik zanimljiv. Sva drveća i male biljke majstor je slikao izvanredno precizno. Ima se osjećaj da je umjetnik gledaocu pokazao svoje znanje iz botanike.
Pozadina kompozicije prikazuje nebeski grad Jerusalim, koji simbolizira kršćanstvo. Međutim, ovdje je važnije za majstora da prenese sličnost arhitektonskih struktura nevjerovatnog grada sa stvarnim zgradama koje su postojale u vrijeme van Eycka.
Opšta tema kompozicije zvuči poput veličanja harmonije ljudskog svjetskog poretka. Naučnici sugeriraju da je mogući književni izvor ovog djela slavnog umjetnika bilo "Otkrivanje Jovana Zlatoustog" ili "Zlatna legenda" Jakova da Varajina.
Bez obzira na temu van Eyckovih djela, umjetniku je glavna stvar prikazati stvarni svijet što je moguće tačnije i objektivnije, kao da ga prebacuje na platno, istovremeno prenoseći sve njegove karakteristike. Upravo se taj princip pokazao vodećim u formiranju nove tehnike umjetničkog prikazivanja. Posebno se jasno ispoljilo na umjetnikovim portretima.
1431. papski legat, kardinal Niccolò Albergati, stigao je u Burgundiju u posjet. U isto vrijeme Jan van Eyck napravio je skicu portreta kardinala. Tokom rada izvršene su korekcije i dopune crteža. Treba napomenuti da majstora ovdje više nije brinuo zaslon unutrašnja iskustva osoba, a možda i precizniji prijenos njezina izgleda, individualnih karakteristika i linija lica, figure, držanja i izraza lica.
Na portretu kardinala Albergatija, naslikanom kasnije uljnim bojama, naglasak na slici prebacuje se s detalja o izgledu osobe na odražavanje njenog unutrašnjeg svijeta. Sada su dominantne za otkrivanje slike oči lika, to ogledalo ljudske duše, koje odražava osjećaje, iskustva, misli.
Kako se razvija Van Eyckova umjetnička metoda, može se vidjeti upoređivanjem njegovih prethodnih djela sa poznatim portretom "Timofey", naslikanim 1432. godine. Pred gledaocem se pojavljuje mrzovoljan čovjek nježnog karaktera. Pogled mu je uprt u prazninu. Međutim, upravo taj izgled karakterizira van Eyckova junaka kao otvorenu, skromnu, pobožnu, iskrenu i ljubaznu osobu.
Talenat umjetnika ne može biti statičan. Gospodar bi uvijek trebao biti u potrazi za novim rješenjima i načinima izražavanja i prikazivanja svijeta, uključujući unutrašnji svijet osobe. Takav je bio van Eyck. Sljedeću fazu u razvoju njegovog djela obilježilo je portretno djelo pod nazivom "Čovjek u crvenom turbanu" (1433). Za razliku od lika na slici "Timofey", junak ovog platna obdaren je izražajnijim izgledom. Oči su mu uprte u gledaoca. Čini se da nam nepoznata osoba priča svoju tužnu priču. Njegov pogled izražava vrlo specifična osjećanja: gorčinu i žaljenje zbog onoga što se dogodilo.
"Timofej" i "Čovek u crvenom turbanu" značajno se razlikuju od dela koja je majstor ranije stvorio: oni predstavljaju psihološki portret junaka. U isto vrijeme, umjetnika ne zanima toliko duhovni svijet određene osobe koliko njegov stav prema stvarnosti. Dakle, Timofey zamišljeno gleda na svijet, a čovjek u turbanu to doživljava kao nešto neprijateljsko. Međutim, ovaj princip prikazivanja osobe dugo vremena
vrijeme nije moglo postojati u okviru renesansne umjetnosti, gdje je glavna ideja bila jasno identificirati pojedinačne značajke slike i prikazati njezin unutarnji svijet. Ova ideja postaje dominantna u kasnijim radovima van Eycka.
Jan van Eyck. Portret muškarca u crvenom turbanu. 1433 g.
1434. godine umjetnik slika jedno od svojih djela poznata djela - "Portret para Arnolfini", koji prema istoričarima umjetnosti prikazuje trgovca iz Lucce, predstavnika kuće Medici u Brižu, Giovannija Arnolfinija sa suprugom Giovannom.
U pozadini kompozicije nalazi se malo okruglo ogledalo, natpis iznad kojeg kaže da je jedan od svjedoka ceremonije bio sam umjetnik Jan van Eyck.
Slike koje je stvorio umjetnik neobično su izražajne. Njihov značaj je zbog toga istaknut sjajnije
da autor postavlja svoje likove u najobičniju postavku na prvi pogled. Suština i značenje slika ovdje je naglašena kroz predmete koji okružuju likove i obdarena tajnim značenjem. Dakle, jabuke razbacane po prozorskoj dasci i stolu simboliziraju nebesko blaženstvo, kristalna krunica na zidu utjelovljenje je pobožnosti, četka je simbol čistoće, dva para cipela znak su bračne vjernosti, zapaljena svijeća u prekrasnom lusteru simbol je božanstva koje zasjenjuje sakrament ceremonije vjenčanja. Ideju odanosti i ljubavi sugerira i mali pas koji stoji nogama vlasnika. Svi ovi simboli bračne vjernosti, sreće i dugovječnosti stvaraju osjećaj topline i duhovne blizine, ljubavi i nježnosti koji spajaju supružnike.
Posebno je zanimljiva van Eyckova slika Madona od kancelara Rolena, nastala 1435. godine. Djelo male veličine (0,66 × 0,62 m) daje dojam razmjera svemira. Takav osjećaj stvara se na slici zbog činjenice da umjetnik kroz zasvedene svodove prikazuje krajolik s gradskim zgradama, rijekom i planinama vidljivim u daljini.
Kao i uvijek kod Van Eycka, postavka (u ovom slučaju pejzaž) koja okružuje likove igra važnu ulogu u otkrivanju njihovih likova, iako likovi, unutrašnjost i pejzaž ovdje ne čine cjelovito jedinstvo. Pejzaž sa stambenim zgradama nasuprot liku kancelara svjetovni je početak, a krajolik s crkvama, smještenim iza Marijinih leđa, simbol je kršćanske religije. Dvije obale široke rijeke povezane su mostom, duž kojeg šetaju pješaci i konjanici. Oličenje pomirenja duhovnih i svjetovnih principa je dijete Hristos koje sjedi Marijinu krilu i blagoslivlja kancelara.
Djelo koje je završilo period formiranja kreativne metode van Eycka smatra se oltarskom kompozicijom "Madona kanonika Van der Palais", nastalom 1436. Njihova monumentalnost postaje prepoznatljivo obilježje slika. Likovi junaka sada ispunjavaju čitav prostor slike, gotovo ne ostavljajući prostora za pejzaž ili unutrašnjost. Pored toga, u "Madonni iz kanona van der Palais" glavni lik uopšte nije Madona, već sam kupac slike. Njemu su Marija i sv. Donatus mu pokaže pokazujući pokret okupljenom sv. George.
Ovdje se mijenja i način prikazivanja glavnog junaka.
Ovo više nije prost kontemplator koji izražava svoj stav prema svijetu. Gledatelj vidi osobu koja se povukla u sebe, duboko razmišljajući o nečemu vrlo važnom. Takve slike postat će vodeće u holandskoj umjetnosti narednih vremena.
U svojim kasnijim radovima van Eyck razvija slike koje su još konkretnije. Primjer za to je slika "Portret Jana van Leeuwa" (1436). Osoba na portretu nam je otvorena. Pogled mu je uprt u gledatelja koji lako može prepoznati sva osjećanja junaka. Treba ga samo pogledati u oči.
Vrhunac majstorskog djela posljednji je, naslikan 1439. godine, portret njegove supruge Marguerite van Eyck. Ovdje se iza njenog suptilnog izgleda heroine jasno vidi njen lik. Van Eyckova slika nikada nije bila tako objektivna. Boje koje su korištene takođe su neobične za umjetnicu: crveno-ljubičasta odjevna tkanina, zadimljeno krzno na rubu, ružičasta koža heroine i njene blijede usne.
Jan van Eyck umro je 9. jula 1441. u Brižu. Njegov rad, koji je uticao na mnoge naredne majstore, označio je početak formiranja i razvoja holandskog slikarstva.
Suvremenik braće van Eyck bio je Robert Kampen, autor ukrasnih i slikarskih djela, učitelj mnogih slikara, uključujući slavnog umjetnika Rogiera van der Weydena.
Oltarske kompozicije i portreti Kampena odlikuju se željom za autentičnošću, majstor pokušava prikazati sve predmete tako da izgledaju u stvarnosti.
Najveći holandski umjetnik 15. vijeka. tu je bio Rogier van der Weyden, koji je slikao dramatične oltarske scene (Silazak s križa, nakon 1435) i izražajne, duševne portrete (Portret Francesca d'Estea, 1450; Portret mlade žene, 1455). Rogier van der Weyden otvorio je prvu veliku radionicu u Holandiji, u kojoj su studirali mnogi poznati renesansni umjetnici. Slikar je bio nadaleko poznat ne samo u svojoj domovini, već i u Italiji.
U drugoj polovini 15. vijeka. u Holandiji su radili takvi umjetnici kao što su Jos van Wassenhove, koji je puno učinio za razvoj holandskog slikarstva, neobično nadareni Hugo van der Goes, autor poznate oltarne slike Portinari Jan Memling, u čijem se radu pojavljuju obilježja talijanske renesanse: vijenci i putti, idealizacija slika, jasnoća i jasnoća kompozicijske konstrukcije ("Madona i dijete, anđeo i donatori").
Jedan od najsjajnijih majstora sjeverne renesanse krajem 15. vijeka. bio je Hieronymus Bosch.
Hieronymus Bosch (Hieronymus van Aken)
Hieronymus van Aken, kasnije nadimak Bosch, rođen je između 1450.-1460. Hertogenbosch. Umjetnici su bili njegov otac, dva ujaka i brat. Postali su prvi učitelji slikara početnika.
Boschevo djelo odlikuje se grotesknim i zajedljivim sarkazmom u prikazivanju ljudi. Te su tendencije već očigledne u ranim umetnikovim radovima. Na primjer, na slici "Uklanjanje kamena gluposti", koja prikazuje jednostavnu operaciju iscjelitelja na seljačkoj glavi, slikar ismijava sveštenstvo, neiskrenost i pretvaranje sveštenstva. Seljakov pogled upire se u posmatrača, pretvarajući ga iz vanjskog posmatrača u saučesnika u onome što se događa.
Neka Boscheva djela su originalne ilustracije za narodne priče i hrišćanske legende. Takve su njegove slike "Brod luđaka", "Iskušenje sv. Anthony "," Vrt zemaljskih užitaka "," Poklonjenje vragova "," Hristovo ruglo ". Zapleti ovih djela karakteristični su za umjetnost Flandrije XV-XVI vijeka. Međutim, ovdje prikazani groteskni likovi ljudi i fantastičnih životinja, neobične arhitektonske strukture koje je slikar predstavio, razlikuju Boschova platna od djela drugih majstora. U isto vrijeme, ove kompozicije jasno pokazuju obilježja realizma, koji je u to vrijeme bio holandskoj likovnoj umjetnosti. Preciznim potezima majstor tjera gledatelja da vjeruje u stvarnost i pouzdanost onoga što se događa.
Na platnima posvećenim religioznim temama, Isus se gotovo uvijek nađe okružen ljudima koji se zlonamjerno i dvosmisleno smješkaju. Iste slike predstavljene su na slici "Nošenje križa" čija je boja sastavljena od blijedih i hladnih nijansi. Kristov lik izdvaja se iz monotone mase ljudi, obojen u nešto toplijim bojama. Međutim, to je jedino što ga razlikuje od ostalih. Lica svih junaka imaju isti izraz. Čak i svijetlo lice sv. Veronica teško razlikuje heroinu od ostalih likova. Pored toga, kombinacija jarkih, otrovnih plavih i žutih boja u njenom pokrivaču povećava osjećaj dvosmislenosti.
Za Boschevo djelo posebno je zanimljiv oltarski sastav nazvan "Stog plasta". Pred gledaocem se otvara alegorijska slika ljudskog života. Ljudi se voze kolima: nalazeći se između anđela i vraga, pred očima svih koje ljube, zabavljaju se, sviraju na muzičkim instrumentima, pjevaju pjesme. Papa i car prate kočiju, ljudi iz običnog puka zatvaraju kolonu. Potonji, želeći da postanu sudionici proslave života, trče naprijed i padajući pod točkove kolica, bezobzirno su zdrobljeni, a da nemaju vremena da shvate ukus ljudskih radosti i zadovoljstava. Cjelokupna kompozicija okrunjena je malim Isusom koji sjedi na oblaku i s molitvom podiže ruke prema nebu. Utisak realizma onoga što se događa stvara se uz pomoć pejzaža koji se odlikuje konkretnošću i autentičnošću.
Hieronymus Bosch. Ruganje Hristu
Bosch uvijek unosi fantastične elemente u svoje slike. Oni su glavni, otkrivaju umjetnikovu namjeru. To su ptice koje se na nebu vinu jedrima umjesto krilima; riba s konjskim kopitima umjesto perajama; ljudi rođeni od panjeva; glave s repovima i mnoštvo drugih fantazmagoričnih slika. I svi su neobično mobilni u Boschu. Čak je i najmanje stvorenje obdareno energijom i nekamo je usmjereno.
Gledajući Boscheve slike, stiče se utisak da je majstor odlučio pokazati sve ono što je podlo, tmurno i sramotno na ovom svijetu. Na ovim platnima nema mjesta za humor. Zamjenjuje je otrovno izrugivanje, sarkazam, sjajno ističući sve nedostatke ljudskog svjetskog poretka.
U radovima koji pripadaju kasnom periodu umjetnikovog rada dinamika je donekle oslabljena. Međutim, očuvana je ista beskonačnost predstavljenog prostora i multifiguracija slike. Tako se može okarakterizirati platno koje je dobilo ime "Jovan na Patmosu". Posebno je zanimljiva činjenica da je na njegovoj stražnjoj strani majstor smjestio divan, upečatljiv krajolik. Umjetnik je ovdje iznenađujuće precizno uspio prenijeti prozirnost zraka, zavoje riječnih obala i blijedoplavu boju visokog neba. Međutim, jarke boje i precizne linije kontura daju djelu napeti, gotovo tragični karakter.
Glavna prepoznatljiva karakteristika Boschevog rada je usredotočenost na osobu i njen svijet, želja da se objektivno izrazi život ljudi, njihova osjećanja, misli i želje. To se najpotpunije odražava u oltarskoj kompoziciji nazvanoj "Vrt naslada", gdje su ljudski grijesi prikazani bez uljepšavanja. Rad je izuzetno dinamičan. Cijele grupe ljudi prolaze ispred gledatelja, što autor postavlja u nekoliko slojeva za bolji pogled. Postepeno se stvara utisak neprekidno ponavljajućeg, jednosmjernog kretanja figura, što pojačava tragičnu senzaciju i podsjeća gledatelja na sedam krugova pakla.
Boschov umjetnički stil rođen je iz sukoba između stvarnosti i ideala srednjovjekovne umjetnosti. Mnogi umjetnici tog doba, iz potpuno razumljive želje da uljepšaju tmuran, pun kontradikcija, život su stvorili idealno-lijepe slike, daleko od surove stvarnosti. Boschevo je djelo, naprotiv, bilo usmjereno na objektivnu sliku stvarnosti u okruženju. Štoviše, umjetnik je težio da svijet ljudi okrene iznutra i pokaže njegovu skrivenu stranu, vraćajući time umjetnosti njegovu duboku filozofsku i svjetonazorsku vrijednost.
Pejzaž igra jednu od glavnih uloga u Obožavanju magova. Glavni likovi su ovdje prikazani kao dio cjeline, oni nemaju nezavisno značenje. Za otkrivanje umjetnikove namjere važnije je ono što se nalazi iza likova likova - pejzažnih slika: konjanici, drveće, most, grad, put. Uprkos razmjerima, krajolik ostavlja dojam praznine, tišine i beznađa. Međutim, ovo je jedina stvar u kojoj život još uvijek blista i sadrži neko značenje. Ljudske figure ovdje su statične i beznačajne, njihovi pokreti, fiksirani u određenom trenutku, su obustavljeni. Glavni lik je upravo krajolik, nadahnut i stoga još oštrije zasjenjujući prazninu, besmislenost i uzaludnost ljudskog života.
U kompoziciji "izgubljeni sin" slike prirode i glavni lik čine neku vrstu jedinstva. Ovdje pomoću izražavanja
općenitost boja koje autor koristi služi: pejzaž i ljudska figura obojeni su sivim nijansama.
U kasnijim Boschovim radovima fantastičnim bićima više nije dodijeljen toliko prostora kao u ranijim radovima. Tu i tamo se i dalje pojavljuju neke čudne figure. Međutim, to nisu one energične, poluživotinje koje se svuda vrzmaju. Njihova veličina i aktivnost su značajno smanjeni. Slikaru je sada najvažnije pokazati usamljenost čovjeka u ovom svijetu surovih, bezdušnih ljudi, gdje je svako zauzet samo sobom.
Hieronymus Bosch umro je 1516. Njegov rad utjecao je na stvaranje umjetničke metode mnogih izvanrednih majstora, uključujući Pietera Bruegela Starijeg. Fantastične slike Boschevih djela uvelike su predodredile pojavu slika nadrealističkih umjetnika.
Početkom XVI vijeka. u Holandiji su zanatlije iz 15. veka nastavili da žive i rade. - Hieronymus Bosch i Gerard David, ali već su se u to vrijeme na holandskom slikarstvu pojavila (iako u manjoj mjeri nego na italijanskom) obilježja visoke renesanse.
U ovom periodu holandska ekonomija doživjela je neviđeni procvat. Industrija se brzo razvijala, cehovski zanat zamijenila je proizvodnja. Otkriće Amerike učinilo je Holandiju velikim centrom za međunarodnu trgovinu. Rasla je samosvijest ljudi, a zajedno s tim i intenzivirale se nacionalnooslobodilačke tendencije, što je u posljednjoj trećini 15. vijeka dovelo do revolucije.
Jedan od najznačajnijih majstora prve trećine 16. vijeka. bio je Quentin Massys. Autor brojnih oltarnih slika, postao je, možda, prvi tvorac žanrovskog djela u holandskom slikarstvu, naslikavši svoju poznatu sliku "Menjač sa ženom" (1514). Masseys četke su izvanredni portreti na kojima
umjetnik pokušava prenijeti dubinu unutrašnjeg svijeta čovjeka (portreti Etiennea Gardinera, Erazma Roterdamskog, Petra Egidiusa).
U isto vrijeme kad i Masseys, tzv. umjetnici romansijeri koji su se okrenuli djelima italijanskih majstora. U svojim djelima romanopisci nisu nastojali odražavati stvarnost, već im je glavni cilj bio stvoriti monumentalnu sliku osobe. Najznačajniji predstavnici ovog trenda bili su Jan Gossart, nadimka Mabuse, i Bernard van Orley.
U prvoj trećini 16. vijeka. radio kao poznati majstor svoje ere, jedan od osnivača evropskog pejzažnog slikarstva Joachim Patinir. Njegove slike širokih ravnica, stjenovitih vrhova i mirnih rijeka uključivale su religiozne prizore s malim likovima ljudi. Postepeno biblijski motivi zauzimaju sve manje prostora u njegovim pejzažima („Krštenje“, „Predeo s letom u Egipat“). Patinirova slika imala je veliki utjecaj na umjetnike sljedećih generacija.
Patinirov savremenik bio je najveći majstor tog vremena Luka Leydensky, koji je radio u tehnici gravure. Njegova djela odlikuju se realizmom i kompozicijskom cjelovitošću, kao i dubokom emocionalnošću ("Mohammed with a ubijeni monah", 1508; "David and Saul", 1509). Mnoge njegove gravure karakteriziraju elementi svakodnevnog žanra ("Igra šaha", "Žena donosi Josipovu odjeću Potifaru"). Portreti Luke Leydenskog ("Portret muškarca", oko 1520.) pouzdani su i vitalni.
Žanr svakodnevnog života raširen je u slikarstvu u drugoj trećini 16. vijeka. U Antwerpenu su radili umjetnici koji su nastavili tradiciju Massey-a - Jan Sanders van Hemessen, koji je stvorio mnoge verzije "Changer" i Marinus van Roymerswale, autor "The Merry Society". Svojim grotesknim slikama promijenili su djevojke lake vrline, ovi su majstori praktički izbrisali liniju koja razdvaja svakodnevne i vjerske kompozicije.
Obilježja svakodnevnog žanra prodrla su i u portretno slikarstvo, čiji su najveći predstavnici bili Amsterdamski umjetnici Dirk Jacobs i Cornelis Teinissen. Prirodne poze i geste čine portrete živopisnim i upečatljivim. Zahvaljujući Jacobsu i Teinissenu, holandsko slikarstvo obogaćeno je novim, originalnim žanrom, koji je postao grupni portret.
Tijekom ovih godina romantizam se nastavio razvijati, čiji su majstori bili Peter Cook van Aalst i Jan Scorel, koji su imali brojne talente i sposobnosti. Nije bio samo slikar, već i duhovnik, muzičar, retoričar, inženjer i kustos zbirke umjetničkih djela pape Adriana VI.
Kriza renesansnog stava koja je zahvatila umjetnost talijanske renesanse u drugoj polovini 16. stoljeća zahvatila je i Holandiju. U 1550-1560-ima. u holandskom slikarstvu realni se trend nastavlja razvijati, poprimajući obilježja nacionalnosti. U isto vrijeme, romanizam je sve aktivniji, u kojem elementi manirstva počinju prevladavati.
Manerističke karakteristike prisutne su na slici antwerpenskog umjetnika Fransa Florisa. Njegove biblijske kompozicije zadivljuju pretjeranom dramatičnošću, složenim uglovima kamere i pretjeranom dinamikom (Overthrow of the Angels, 1554; The Last Judgment, 1566).
Izvanredan predstavnik realističnog slikarstva ovog vremena bio je antwerpenski majstor Peter Artsen, koji je slikao uglavnom žanrovske scene i mrtve prirode velikih figura. Često u svojim djelima kombinira oba ova žanra, ali jedan od njih uvijek prevladava nad drugim. Na slici Seljački praznik (1550.), mrtva priroda igra sporednu ulogu, a u Mesnici (1551.) predmeti su ljude gurnuli u drugi plan. Artsenova platna odlikuju se velikom autentičnošću, iako umjetnik nastoji da slike seljaka predstavi kao monumentalne i veličanstvene (Seljaci na tržnici, 1550-ih; Seljaci kraj ognjišta, 1556; Ples među jajima, 1557). Na slikama "Kuhar" (1559), "Seljak" (1561.), s njihovom očitom idealizacijom slika, osjeća se autorova iskrena simpatija prema običnom čovjeku.
Najznačajniji majstor realističnog holandskog slikarstva XVI vijeka. postao je Pieter Bruegel stariji.
Pieter Bruegel stariji
Pieter Bruegel (Bregel), nadimka Stariji, ili Seljak, rođen je između 1525. i 1530. godine. Početkom 50-ih. XVI vek živio je u Antwerpenu, gdje je studirao slikarstvo kod P. Cookea van Aelsta. U periodu od 1552. do 1553. godine umjetnik je radio u Italiji, a od 1563. u Briselu. Dok je bio u Holandiji, slikar je upoznao demokratske i radikalne mislioce u zemlji. Ovo poznanstvo je možda odredilo tematski fokus umjetnikova djela.
Bruegelova rana djela obilježena su utjecajem manirističke umjetnosti i umjetničke metode Hieronymusa Boscha. Oni uglavnom predstavljaju pejzaže koji oličavaju slikarove utiske sa putovanja u Italiju i alpske planine, kao i slike prirode Holandije - umetnikove domovine. U tim radovima primjetna je autorova želja da na malom platnu prikaže veliku, grandioznu sliku. Ovo je njegova "napuljska luka", koja je postala prvi morski pejzaž u istoriji slikarstva.
U svojim ranim radovima umjetnik nastoji izraziti beskonačnost prostora u kojem se osoba gubi, skuplja, postaje beznačajna. Kasnije, Bruegelov pejzaž poprima stvarnije dimenzije. Tumačenje osobe koja živi na ovom svijetu takođe se menja. Slika osobe sada je obdarena posebnim značenjem i nije lik koji se slučajno pojavio na platnu. Primjer za to može biti slika nastala 1557. godine i nazvana "Sijač".
U djelu "Pad Ikara", glavna radnja, koja izražava ideju da smrt jedne osobe neće zaustaviti rotaciju životnog kotača, dopunjena je sa još nekoliko. Dakle, ovdje predstavljeni prizori oranja i obalni krajolik služe kao simboli odmjerenosti ljudskog života i veličanstvenosti prirodnog svijeta. Iako je platno posvećeno drevnom mitu, gotovo ništa ne podsjeća na Ikarovu smrt. Samo pažljivim pogledom možete vidjeti nogu heroja koji je pao u more. Niko nije obraćao pažnju na Ikarovu smrt - ni pastir koji se divio predivnom pogledu, ni ribar koji se nastanio na obali, ni seljak koji ore svoje polje, ni posada jedrilice koja je krenula prema moru. Glavna stvar na slici nije tragedija drevnog lika, već ljepota osobe okružene prekrasnom prirodom.
Sva Bruegelova djela imaju duboku semantičku punoću. Oni potvrđuju ideju o uređenosti i uzvišenosti svjetskog poretka. Međutim, bilo bi pogrešno reći da su Bruegelova djela optimistična. Pesimistične note na slikama izražene su posebnim stavom autora. Čini se da je negdje izvan svijeta, posmatra život sa strane i uklonjen sa slika prenesenih na platno.
Novu etapu u umetnikovom radu obeležila je pojava 1559. godine slike "Bitka za karneval i korizmu". Kompozicija je zasnovana na brojnim gomilama veseljaka, mummera, redovnika i trgovaca. Po prvi put u Bruegelovom radu, sva pažnja nije usmjerena na pejzažne slike, već na sliku gomile koja se kreće.
U ovom djelu autor je izrazio poseban svjetonazor, karakterističan za mislioce vremena kada je svijet prirode bio humaniziran, animiran, a ljudski svijet, naprotiv, uspoređivan, na primjer, sa zajednicom insekata. S gledišta Bruegela, ljudski svijet je isti mravinjak, a njegovi stanovnici su jednako beznačajni i beznačajni koliko i mali. Njihova osećanja, misli, postupci su isti. Slika koja prikazuje vedre ljude ipak izaziva sumorna i tužna osjećanja.
Platna "Flamanske poslovice" (1559) i "Igre djece" (1560) obilježena su istim raspoloženjem tuge. Potonja prikazuje djecu koja se igraju u prvom planu. Međutim, perspektiva ulice prikazane na slici je beskrajna. Upravo to ima glavno značenje u kompoziciji: aktivnosti ljudi su besmislene i beznačajne poput dječje igre. Ova tema - pitanje mjesta čovjeka u životu - postaje vodeća u Bruegelovom djelu kasnih 1550-ih.
Od 1560-ih. realizam na Bruegelovim slikama odjednom je zamijenjen svijetlom i zlokobnom fantastikom, u smislu snage izražavanja koja nadmašuje čak i groteskna Boscheva djela. Primjeri takvih djela su platna "Trijumf smrti" (1561.) i "Mad Greta" (1562.).
U "Trijumfu smrti" prikazani su kosturi koji pokušavaju uništiti ljude. Oni pak pokušavaju pobjeći u ogromnoj mišolovci. Alegorijske slike ispunjene su dubokim simboličkim značenjem i imaju za cilj da odražavaju autorov stav i svjetonazor.
U "Mad Greti" ljudi se više ne nadaju spasu od zlih stvorenja, čiji se broj povećava. Niotkuda se pojavljuju mnoga od ovih zlokobnih stvorenja koja pokušavaju zauzeti mjesto ljudi na zemlji. Potonji, izbezumljeni, uzimaju nečistoće koje je izbacilo džinovsko čudovište za zlato i, zaboravljajući na predstojeću opasnost i slamajući jedni druge u gomili, pokušavaju da uzmu u posjed "dragocjene" ingote.
Ova kompozicija prvi put pokazuje umjetnikov odnos prema ljudima koje je obuzimala neobuzdana pohlepa. Međutim, ta se misao kod Bruegela razvija u duboke diskurse o sudbini čitavog čovječanstva. Također treba imati na umu da su, uprkos svoj raznolikosti fantastičnih elemenata, Bruegelove slike izazvale neobično izoštreni osjećaj konkretnosti i stvarnosti onoga što se događalo. Oni su bili svojevrsni odraz događaja koji su se u to vrijeme odvijali u Holandiji - represija koju su u toj zemlji izvodili španski osvajači. Bruegel je prvi među umjetnicima koji je odražavao na platnu događaje i sukobe svog vremena, prevodeći ih na umjetnički i slikovni jezik.
Postepeno snažne emocije i tragedija ustupaju mjesto Bruegelovim tihim i tužnim razmišljanjima o sudbini ljudi. Umetnik se ponovo okreće stvarnim slikama. Sada je glavno mjesto u kompoziciji krajolik velikih razmjera koji se proteže daleko do horizonta. Autoričino sarkastično ruganje, karakteristično za ranija djela, ovdje se pretvara u toplinu, opraštanje i razumijevanje suštine ljudske duše.
Istovremeno, radovi se pojavljuju u znaku raspoloženja usamljenosti, lagane tuge i tuge. Među takvim platnima posebno mjesto zauzimaju "Majmuni" (1562.) i "Babilonska kula" (1563.). Na potonjem, za razliku od prethodno naslikane istoimene slike, glavno mjesto zauzimaju likovi graditelja. Ako je ranije umjetnika više zanimao svijet lijepe i savršene prirode, sada je semantički naglasak prebačen na sliku osobe.
U djelima poput "Samoubojstvo Saula" (1562.), "Pejzaž s letom za Egipat" (1563.), "Nošenje križa" (1564.), gospodar prevladava tragediju besmisla ljudskog djelovanja na zemlji. Ovdje se pojavljuje potpuno nova ideja za Bruegela o suštinskoj vrijednosti ljudskog života. S tim u vezi, posebno je zanimljiv sastav "Nošenje križa", gdje se dobro poznata vjerska i filozofska radnja tumači kao masovna scena s brojnim likovima vojnika, seljaka, djece - običnih ljudi, koji sa znatiželjom promatraju šta se događa.
1565. godine stvoren je ciklus slika, koji su postali prava remek-djela svjetskog slikarstva. Platna su posvećena godišnjim dobima: „Tmuran dan. Proljeće ”,„ Žetva. Ljeto “,„ Povratak stada. Jesen ”,„ Lovci u snijegu. Zima ". Ove kompozicije skladno predstavljaju autorovu ideju da izrazi veličanstvo i istovremeno vitalnu stvarnost prirodnog svijeta.
Uz svu pouzdanost, majstor uspijeva snimiti žive slike prirode na platnu. Osjećaj gotovo opipljive stvarnosti postiže se umjetnikovom upotrebom boja određenih tonova, koji su osebujni simboli određenog godišnjeg doba: crvenkasto-smeđi zemljani tonovi u kombinaciji sa zelenim tonovima koji oblikuju pejzaž u pozadini "Tmurnog dana"; tamnožuta prelazeći u smeđu u kompoziciji "Žetva"; prevladavanje crvene i svih nijansi smeđe u Povratak stada.
Bruegelov ciklus posvećen je prirodnim stanjima u različito doba godine. Međutim, bilo bi pogrešno reći da samo pejzaž zauzima glavnu pažnju umjetnika. Na svim slikama postoje ljudi koje umjetnik predstavlja kao fizički snažne, strastvene prema bilo kojem zanimanju: žetvi, lovu. Karakteristična karakteristika ovih slika je njihova fuzija sa prirodnim svijetom. Ljudske figure nisu suprotne krajoliku, one su skladno uklopljene u kompoziciju. Njihovo kretanje poklapa se sa dinamikom prirodnih sila. Dakle, početak poljoprivrednih radova povezan je s buđenjem prirode („Tmurni dan“).
Vrlo brzo, realistično prikazivanje ljudi i događaja postalo je vodeći trend u Bruegelovoj umjetnosti. Slike „Popis stanovništva u Betlehemu“, „Masakr dojenčadi“, „Propoved Jovana Krstitelja“ koje su se pojavile 1566. godine označile su novu fazu u razvoju ne samo umetnikovog dela, već i umetnosti Holandije u celini. Slike prikazane na platnu (uključujući i biblijske) sada su pozvane ne samo da personificiraju univerzalne ljudske koncepte, već i da simboliziraju određeni društveni svjetski poredak. Tako na slici "Masakr beba" evanđeoska priča služi kao svojevrsno platno za prikaz stvarne činjenice: napada jedne od jedinica španske vojske na flamansko selo.
Slika Seljački ples, koju je Bruegel stvorio 1567. godine, postala je značajno djelo posljednjeg razdoblja umjetnikova stvaralaštva, a radnja se temelji na rasplesanim seljacima, koje je majstor prikazao u većem obimu. Za autora je važno ne samo da prenese atmosferu praznika, već i da realno pokaže plastičnost kretanja ljudskih tijela. Sve u čovjeku zanima umjetnika: njegove crte lica, izrazi lica, geste, položaji, način kretanja. Svaku figuru majstor naslika s velikom pažnjom i preciznošću. Slike koje je stvorio Bruegel su monumentalne, značajne i nose socijalnu patetiku. Rezultat je slika koja predstavlja ogromnu, homogenu masu ljudi, koja simbolizira seljaštvo. Ova kompozicija postaće temeljna u razvoju seljačkog žanra narodnog domaćinstva u umjetnosti Bruegel.
Koji je razlog pojavljivanja narodna tema u radu umjetnika? Umetnički kritičari sugeriraju da su takva njegova dela svojevrsni odgovor na događaje koji su se tada odvijali u Holandiji. Vrijeme kada je slika "Seljački ples" podudara se s vremenom gušenja narodnog ustanka, nazvanog "ikonoklazam" (pobunjenici, predvođeni kalvinistima, uništavali su ikone i skulpture u katoličkim crkvama). Od ovog pokreta, koji se razbuktao 1566. godine, započela je revolucija u Holandiji. Događaji do dubine duše šokirali su sve savremenike slavnog umjetnika.
Istoričari i istoričari umetnosti takođe ikonoklazam povezuju s pojavom drugog Bruegelovog dela - "Seljačko venčanje". Ovdje stvorene slike poprimaju još veći obim od figura "Seljačkog plesa". Međutim, seljaci su u sastavu obdareni pretjeranom snagom i moći. Ova idealizacija slike nije bila tipična za umjetnikova djela nastala ranije. Na istoj slici očitovala se autorova izvanredna dobroćudnost prema ljudima prikazanim na platnu.
Radosno, životom potvrđujuće raspoloženje navedenih djela ubrzo zamjenjuju pesimizam i osjećaj neostvarenih nada, koji se ogledaju u slikama "Mizantrop", "Osakaćeni", "Lopov gnijezda", "Slijepi". Izuzetna je činjenica da su svi napisani 1568. godine.
U "Slijepom" u prvom planu su likovi bogalja. Lica su im užasno ružna. Čini se da su duše ovih ljudi iste. Ove slike su personifikacija svega što je na zemlji: pohlepa, lični interes i bijes. Njihove prazne očne duplje simbol su duhovne sljepoće ljudi. Platno poprima izraženi tragični karakter. Bruegelov problem duhovne praznine, ljudske beznačajnosti, raste do univerzalnih razmjera.
Značajno u kompoziciji i ulozi pejzaža, koju autor predstavlja kao opoziciju svijetu ljudi.
U daljini se uzdižu brda, drveće, crkva - sve je ispunjeno tišinom, spokojem i spokojem. Čini se da ljudi i priroda ovdje mijenjaju mjesta. Predeo na slici izražava ideju humanosti, dobrote, duhovnosti. A ispada da je i sama osoba ovdje duhovno mrtva i beživotna. Tragične note poboljšane su upotrebom laganih hladnih boja autora. Dakle, osnovu boje čine svijetle lila boje s čeličnom nijansom, koje pojačavaju osjećaj bezizlaznosti situacije u kojoj se osoba našla.
Posljednje djelo Bruegela starijeg bilo je djelo pod nazivom "Ples pod vješalima" (1568). Na slici se pred gledaocem pojavljuju likovi ljudi koji plešu u blizini vješala. Ovo platno postalo je izraz potpunog razočaranja umjetnika suvremenim svjetskim poretkom i ljudima, zvuči kao razumijevanje nemogućnosti povratka u nekadašnji sklad.
Pieter Bruegel umro je 5. septembra 1569. u Briselu. Veliki slikar postao je osnivač popularnog, demokratskog pravca u holandskoj umjetnosti u 16. vijeku.
Etnički, ekonomski i politički heterogeno, govoreći različitim dijalektima rimskog i germanskog porijekla, ove provincije i njihovi gradovi nisu stvorili jedinstvenu nacionalnu državu do kraja 16. vijeka. Zajedno s brzim ekonomskim usponom, demokratskim kretanjem slobodne trgovine i zanatskih gradova i buđenjem nacionalnog identiteta u njima, cvjeta i kultura, na mnogo načina slična italijanskoj renesansi. Bogati gradovi južnih provincija Flandrije i Brabanta (Briž, Gent, Brisel, Tournai, kasnije Antwerpen) postali su glavni centri nove umjetnosti i kulture. Urbana građanska kultura sa svojim kultom trezvene praktičnosti razvijala se ovdje zajedno s bujnom kulturom kneževskog dvora koji je odrastao na francusko-burgundskom tlu. Stoga ne čudi da je dominantno mjesto među sjevernoeuropskim umjetničkim školama 15. vijeka zauzelo holandsko slikarstvo: umjetnici Jan van Eyck, Robert Kampen, Jos van Gent, Rogier van der Weyden, Dirk Bouts, Hieronymus Bosch, Albert Ouvater, Hugo van der Goes, Petrus Christus, Hans Memling, Jacques Darais, Gertgen do Sint-Jans i drugi slikari (vidi dolje).
Osobitosti istorijskog razvoja Holandije odredile su osobeno obojenje umetnosti. Tu su se feudalni temelji i tradicija čuvali do kraja 16. vijeka, iako je pojava kapitalističkih odnosa koji su prekinuli klasnu izolaciju dovela do promjene u procjeni ljudske ličnosti u skladu sa stvarnim mjestom koje je ona počela zauzimati u životu. Holandski gradovi nisu stekli političku neovisnost kakvu su imale gradske komune u Italiji. Istovremeno, zahvaljujući stalnom preseljavanju industrije na selo, kapitalistički razvoj zahvatio je dublje slojeve društva u Holandiji, postavljajući temelje za dalje nacionalno jedinstvo i jačajući korporativni duh koji je povezivao određene društvene grupe. Pokret za oslobođenje nije bio ograničen samo na gradove. Odlučujuća borbena snaga u njemu bilo je seljaštvo. Borba protiv feudalizma stoga je poprimila akutnije oblike. Krajem 16. vijeka prerastao je u moćan reformacijski pokret i završio pobjedom buržoaske revolucije.
Holandska umjetnost stekla je demokratskiji karakter od talijanske. Ima snažne odlike folklora, fantazije, groteske, oštre satire, ali glavna mu je odlika duboki osjećaj nacionalne izvornosti života, narodnih oblika kulture, načina života, običaja, vrsta, kao i pokazivanje društvenih kontrasta u životu različitih slojeva društva. Društvene kontradikcije života društva, kraljevstvo neprijateljstva i nasilja u njemu, raznolikost suprotstavljenih sila izoštrile su svest o njegovoj disharmoniji. Otuda i kritične tendencije holandske renesanse, koje se očituju u procvatu ekspresivne, a ponekad i tragične groteske u umjetnosti i književnosti, često se skrivajući pod krinkom šale "kako bi kraljevi mogli sa smiješkom govoriti istinu" (Erazmo iz Roterdama. "Pohvala gluposti"). Još jedna karakteristika holandske umjetničke kulture renesanse je stabilnost srednjovjekovnih tradicija, koje su u velikoj mjeri odredile prirodu holandskog realizma u 15-16 vijeku. Sve novo što se ljudima otkrivalo tokom dužeg vremenskog razdoblja, primijenjeno je na stari srednjovjekovni sistem pogleda, koji je ograničavao mogućnosti za neovisni razvoj novih pogleda, ali istovremeno prisiljavajući da asimilira vrijedne elemente sadržane u ovom sistemu.
Interes za tačne nauke, antičko nasljeđe i italijansku renesansu ispoljava se u Holandiji već u 15. vijeku. U 16. veku, uz pomoć svojih „Izreka“ (1500), Erazmo Roterdamski je „razotkrio tajnu misterija“ erudita i uveo živu, punu slobodoljubive drevne mudrosti u svakodnevni život širokog kruga „neupućenih“. Međutim, u umjetnosti, pozivajući se na dostignuća antičkog nasljeđa i Talijane iz renesanse, holandski umjetnici slijedili su svoj put. Intuicija je zamijenila znanstveni pristup prikazivanju prirode. Razvoj glavnih problema realističke umjetnosti - razvoj proporcija ljudske figure, izgradnja prostora, zapremine itd. - postignut je akutnim neposrednim promatranjem određenih pojedinačnih pojava. U tome su holandski majstori pošli od nacionalne gotičke tradicije koju su, s jedne strane, prevladali, a s druge strane promišljali i razvijali se u pravcu svjesne, svrsishodne generalizacije slike, kompliciranja individualnih karakteristika. Uspjesi koje je holandska umjetnost postigla u ovom smjeru otvorili su put dostignućima realizma 17. vijeka.
Za razliku od talijanske, nizozemska renesansna umjetnost nije utvrdila bezgraničnu dominaciju slike savršenog ljudskog titana. Kao i u srednjem vijeku, Holanđanin je čovjeka vidio kao sastavni dio svemira, utkan u njegovu složenu produhovljenu cjelinu. Renesansnu suštinu čovjeka odredila je samo činjenica da je prepoznat kao najveća vrijednost među višestrukim fenomenima univerzuma. Holandsku umjetnost karakterizira nova, realistična vizija svijeta, utvrđivanje umjetničke vrijednosti stvarnosti kakva ona jeste, izraz organske povezanosti čovjeka i njegove okoline, razumijevanje mogućnosti kojima priroda i život obdaruju čovjeka. Prikazujući osobu, umjetnike zanima karakteristično i posebno, u sferi svakodnevnog i duhovnog života; Holandski slikari 15. vijeka s oduševljenjem hvataju raznolikost individualnosti ljudi, neiscrpno živopisno bogatstvo prirode, njenu materijalnu raznolikost, suptilno osjećaju poeziju svakodnevnih, neprimjetnih, ali čovjeku bliskih stvari, udobnost nastanjenih interijera. Ove osobine percepcije svijeta očitovale su se u holandskom slikarstvu i grafici 15. i 16. vijeka u žanru žanra, portreta, enterijera, pejzaža. Pokazali su ljubav prema detaljima tipičnim za Holanđane, konkretnost njihovog prikaza, narativnost, suptilnost u prenošenju raspoloženja i, istovremeno, nevjerovatnu sposobnost reprodukcije cjelovite slike svemira sa njegovom prostornom beskonačnošću.
Novi trendovi nejednako su se manifestovali u različitim oblicima umjetnosti. Arhitektura i skulptura do 16. vijeka razvijali su se u okvirima gotičkog stila. Prekretnica u umjetnosti u prvoj trećini 15. stoljeća najpotpunije se ogledala u slikarstvu. Njeno najveće postignuće povezano je s pojavom štafelajnog slikarstva u zapadnoj Evropi, koje je zamijenilo zidne slike romaničkih crkava i gotičke vitraje. Stafelajne slike na religiozne teme izvorno su zapravo bile djela ikonopisa. U obliku oslikanih nabora s evanđeoskim i biblijskim temama ukrašavali su oltare crkava. Postepeno su u oltarske kompozicije počeli uvrštavati i svjetovne teme, koje su nakon toga stekle samostalno značenje. Stafelajno slikarstvo odvojeno od ikonopisa, postalo je sastavni dio interijera bogatih i aristokratskih kuća.
Holandskim umjetnicima glavno umjetničko izražajno sredstvo je boja, koja otvara mogućnost stvaranja vizuelnih slika u njihovom živopisnom bogatstvu s najvećom opipljivošću. Holanđani su bili itekako svjesni suptilnih razlika između predmeta, reprodukcije teksture materijala, optičkih efekata - sjaja metala, prozirnosti stakla, zrcalne refleksije, značajki loma reflektirane i difuzne svjetlosti, dojma prozračne atmosfere krajobraznog prostora koji se povlači u daljinu. Kao i na gotičkim vitražima, čija je tradicija igrala važnu ulogu u razvoju slikovne percepcije svijeta, boja je služila kao glavno sredstvo prenošenja emocionalne zasićenosti slike. Razvoj realizma prouzrokovao je prelazak sa tempere na uljanu boju u Holandiji, što je omogućilo iluzorniju reprodukciju materijalnosti svijeta.
Poboljšanje tehnike uljanog slikarstva poznato u srednjem vijeku, razvoj novih kompozicija pripisuju se Janu van Eycku. Upotreba uljne boje i smolastih supstanci u štafelajnom slikanju, njeno nametanje prozirnim, tankim slojem na podboju i bijelom ili crvenom kredo-zemljom naglasili su zasićenost, dubinu i čistoću jarkih boja, proširili mogućnosti slikanja - omogućili postizanje bogatstva i raznolikosti u boji, najfinijih tonskih prijelaza. Trajno slikarstvo Jana van Eycka i njegove metode nastavili su živjeti gotovo nepromijenjeno u 15-16 vijeku, u praksi umjetnika iz Italije, Francuske, Njemačke i drugih zemalja.
U prvoj trećini 15. vijeka, gotovo istovremeno s početkom renesanse u Italiji, događa se prekretnica u razvoju umjetnosti u sjevernim zemljama - Holandiji, Francuskoj, Njemačkoj. Uprkos nekim nacionalnim karakteristikama, umjetnost ovih zemalja u 15. stoljeću karakterizira prisustvo brojnih obilježja koja se posebno razlikuju u usporedbi s Italijom. Ova prekretnica događa se najslikovitije i najdosljednije u slikarstvu, dok skulptura dugo zadržava svoja gotička obilježja, a arhitektura se nastavlja razvijati u okvirima gotičkog stila sve do prvih decenija 16. stoljeća. Vodeća uloga u razvoju slikarstva 15. veka pripada Holandiji, koja ima značajan uticaj na Francusku i Nemačku; u prvoj četvrtini 16. vijeka dolazi do izražaja Njemačka.
Zajednička umjetnosti renesanse u Italiji i na sjeveru je želja za realnim prikazom čovjeka i svijeta oko njega. Ovi su se zadaci, međutim, rješavali različito, u skladu s različitom prirodom kulture.
Pažnju holandskih majstora privuklo je neiscrpno bogatstvo oblika prirode i raznolikost individualnog izgleda ljudi koji se razvijaju pred očima čoveka. Karakteristika i posebnost prevladavaju u djelima umjetnika sjevernih zemalja nad općim i tipičnim. Njima su strane pretrage italijanskih renesansnih umjetnika, usmjerene na otkrivanje zakona prirode i vizuelne percepcije. Sve do 16. vijeka, kada utjecaj Italije i na opću kulturu i na umjetnost počinje igrati važnu ulogu, ni teorija perspektive ni doktrina proporcija neće privući njihovu pažnju. Međutim, holandski slikari su na čisto empirijski način razvili tehnike koje im omogućavaju da prenesu utisak dubine svemira ne manje uvjerljivo od Italijana. Promatranje im otkriva višestruke funkcije svjetlosti; Široko koriste razne optičke efekte - prelomljenu, odbijenu i difuznu svetlost, prenoseći i utisak krajolika koji se proteže nadaleko i pun zraka i svetlosti u sobi, kao i suptilne razlike u materijalnim karakteristikama stvari (kamen, metal, staklo, krzno itd.). Reprodukujući s najvećom pažnjom i najmanje detalje, oni stvaraju briljantno bogatstvo boja s istom budnošću. Ovi novi slikovni zadaci mogli su se riješiti samo uz pomoć nove slikovne tehnike uljanog slikarstva, čije je otkriće povijesna tradicija pripisala Janu van Eycku; od sredine 15. stoljeća, ovaj novi "flamanski manir" zamjenjuje staru tehniku \u200b\u200btempera u Italiji.
Za razliku od Italije, u sjevernim zemljama nisu postojali uslovi za bilo kakav značajan razvoj monumentalnog slikarstva; istaknuto mjesto u 15. stoljeću pripada Francuskoj i Nizozemskoj kako bi se knjige minijature imale ovdje. Bitna karakteristika umjetnosti sjevernih zemalja bio je nedostatak preduvjeta za to zanimanje za antiku, što je tako veliki značaj imao u Italiji. Antika će privući pažnju umjetnika tek u 16. vijeku, zajedno s razvojem humanističkih studija. Glavno mjesto u izradi umjetničkih radionica pripadaju oltarskim slikama (rezbareni i obojeni preklop), čija su vrata s obje strane bila prekrivena slikama. Religiozne scene prenose se u stvarni život, radnja se često odvija u pejzažu ili u unutrašnjosti. Značajan razvoj dobio je u Holandiji u 15. veku i u Nemačkoj početkom 16. veka portretiranje.
Tokom 16. stoljeća dolazi do postupnog razdvajanja na samostalne žanrove svakodnevnog slikarstva, pejzaža, mrtve prirode, mitoloških i alegorijskih slika. U 15. veku pojavila se nova vrsta likovne umetnosti - duborez i metalno graviranje, dostigavši \u200b\u200bbrzi procvat krajem veka i u prvoj polovini 16. veka; zauzimaju posebno važno mjesto u njemačkoj umjetnosti, što je utjecalo na razvoj holandske i francuske grafike.