auf all diese Fragen gibt es Antworten. Hier sind die Grundlagen, wie Sie mit dem Malen beginnen können. Befolgen Sie diese Tipps, machen Sie die Übungen und Sie haben keine Angst mehr vor einer leeren Tafel. Sie erhalten die notwendigen Kenntnisse und Grundfertigkeiten. Das Malen wird näher, klarer und angenehmer.

Teil 1. Vorbereitende

1. Finden Sie ein inspirierendes Objekt zum Malen

Es kommt also vor, dass Sie bereits alles vorbereitet haben, aber kein Objekt finden, das Sie inspirieren würde. Dies sollte im Voraus erledigt werden. In den Schränken und Schubladen muss etwas Interessantes gelegen haben. Behalten Sie Verkaufs-, Provisions- und Lebensmittelgeschäfte im Auge. Entdecken Sie die Bilder Ihrer Lieblingskünstler.

Die Auswahl sollte Elemente enthalten, die angenehm anzusehen sind: Dies ist wichtig für eine erfolgreiche Arbeit.

Das Interesse an Farbe und Form motiviert Sie bei der Arbeit an einem Gemälde. Es besteht ein Zusammenhang zwischen Gefühlen für ein Objekt und der Fähigkeit, ihre Fähigkeiten zu offenbaren. Sie können mehr als Sie denken.

Für das erste Bild reicht ein einfaches einfarbiges symmetrisches Gefäß, beispielsweise eine gewöhnliche Kaffeetasse. Illustration aus dem Buch

2. Pinsel und Farben kennenlernen

Nehmen Sie eine weiche Rund- und Borstenbürste und vergleichen Sie die Borsten. Drücken Sie etwas Acrylfarbe aus einer Tube auf die Palette. Versuchen Sie, unverdünnte Farbe mit verschiedenen Pinseln auf Leinwand oder Aquarellpapier aufzutragen. Striche sollten hell und geprägt sein. Spüren Sie den Unterschied in Strichen mit verschiedenen Pinseln. Fügen Sie ein wenig Wasser hinzu und malen Sie erneut. Mittlere Farbkonsistenz hat die gleiche Farbintensität wie unverdünnt, aber die Textur ist geglättet. Und machen Sie diese Übung noch einmal mit einer schwachen Lacklösung. Beachten Sie, wie schnell die Farben beim ersten, zweiten und dritten Mal trocknen.

Illustration aus dem Buch

Versuchen Sie es mit verschiedenen Pinseln - oval weich, synthetisch fein, borstig flach. Probieren Sie jeden Pinsel aus, bis Sie sicher sind, welchen Pinsel Sie zur Vervollständigung Ihres Designs verwenden müssen.

Illustration aus dem Buch

3. Nützliche Techniken zum Arbeiten mit einer Palette

Die Farben in den Gemälden, die wir sehen, werden normalerweise durch Mischen erhalten: Die reine Farbe aus der Tube ist normalerweise zu intensiv. Diese Techniken erleichtern es Ihnen, die gewünschte Farbe zu erhalten.

1. 1Drücken Sie die Farbe von der Tube bis zum Rand der Palette und lassen Sie dabei einen Abstand zwischen den Farben. Verwenden Sie zum Mischen die Mitte der Palette. Halten Sie die Mischungen voneinander getrennt, um unerwünschtes Mischen zu vermeiden.
2. Zeichnen Sie vom Rand der Palette aus eine feste Farbe auf den Pinsel und nicht von oben oder von der Mitte der herausgedrückten "Wurst".
3. Intensive dunkle Farben wie Schwarz (obwohl wissenschaftlich nicht als Farbe angesehen) sollten mit Vorsicht hinzugefügt werden: Schon eine kleine Menge kann die gemischte Farbe erheblich verändern.
4. Sie müssen die Farben miteinander mischen, bis die Charge vollständig homogen ist.
5. Schonen Sie nicht die Farbe. Drücken Sie so viel wie nötig heraus - normalerweise ist es ein Kreis von der Größe einer Rubelmünze (für Weiß - ungefähr eine Fünf-Rubel-Münze). Der Farbverbrauch ist ein wesentlicher Bestandteil des Malprozesses. Wenn Sie zu viel sparen, lernen Sie nicht, wie man mit Farbe umgeht.

4. Lernen Sie, neutrale Farben zu erhalten

Jedes Gemälde enthält neutrale Farben - "optisch grau". Aufgrund ihrer geringen Intensität sind sie auf den ersten Blick unsichtbar, aber dies ist das nützlichste Werkzeug, um eine harmonische Farbkomposition zu erstellen. Mal sehen, wie das geht.

Mischen Sie Blau und Orange in einem beliebigen Verhältnis. Versuchen wir nun, die Farbtemperatur zu ändern, indem wir die warmen zu den kühlen Farben in der Mischung proportionieren. Wenn das Ergebnis mehr lila ist, versuchen Sie eine rostige Farbe, indem Sie mehr orange Farbe und dann Weiß für eine hellere Pfirsichfarbe hinzufügen. Wenn Sie im ersten Schritt eine rostige Farbe erhalten, fügen Sie Blau hinzu, um eine kühle Farbe in der Nähe von Lila zu erhalten, und Weiß, um ein helles Lila-Grau zu erhalten.

Wiederholen Sie die vorherigen Schritte für ein weiteres Paar Komplementärfarben - Gelb und Lila, Rot und Grün.

Komplementärfarbenpaare sind durch kurze vertikale Striche verbunden. Die Farben jedes Paares werden miteinander gemischt, um zwei neutrale Farben zu erhalten, von denen jede von einer der übergeordneten Farben dominiert wurde - sie befinden sich rechts vom entsprechenden übergeordneten Element. Illustration aus dem Buch

5. Primär-, Sekundär- und Tertiärfarben

Zeichnen Sie einen Kreis und teilen Sie ihn in drei gleiche Sektoren auf. Malen Sie den oberen Sektor mit Cadmiumgelb in der Mitte, den unteren rechten - mit Ultramarinblau - und mischen Sie dann das Hauptrot aus Himbeernaphthol und Cadmiumrotlicht und übermalen Sie den unteren linken Sektor damit.

Zeichnen Sie im Farbkreis der Primärfarben Halbkreise mit Mittelpunkten am Schnittpunkt der Sektorgrenzen mit dem äußeren Umriss des Farbrads. Malen Sie diese Halbkreise mit Sekundärfarben und positionieren Sie sie über den "Eltern": Cadmiumrotes Licht über der Grenze zwischen Rot und Gelb, violettes Dioxazin über der Grenze zwischen Rot und Blau. Fügen Sie dem grünen FC Gelb hinzu und malen Sie in einem grünen Halbkreis über der Grenze zwischen Gelb und Blau.

Die Primärfarbe ergibt, wenn sie mit einer benachbarten Sekundärfarbe gemischt wird, eine Tertiärfarbe. Fügen Sie auf jeder Seite des Halbkreises ein Dreieck für insgesamt sechs hinzu. Malen Sie mit den Beschriftungen über jedes Dreieck.

Primär-, Sekundär- und Tertiärfarben. Illustration aus dem Buch

Teil 2. Zeichnung

6. Beginnen Sie mit Abstraktionen

Abstraktion ist eine unterhaltsame und einfache Möglichkeit, sich auf eine realistische Arbeit vorzubereiten. Es ist wichtig, 3-4 Farben auszuwählen, die Sie mögen, um eine emotionale Verbindung mit dem Gemälde zu spüren. Zeichnen Sie mit einem einfachen Stift eine durchgehende eckige oder abgerundete Linie über die gesamte Oberfläche des Blattes. Es kann mehrmals gekreuzt werden.

Übermalen Sie die Formen im Bild mit den Farben und Schattierungen, der Farbkonsistenz und dem Pinsel, die Sie mögen. Höre auf deine innere Stimme. Die Hauptaufgabe ist es, zu tun, was Sie wollen, und alles andere zu vergessen.

Illustration aus dem Buch

7. Strichschema

Anfänger sind sich oft nicht sicher, wie sie Striche anwenden sollen. In der Abbildung zeigen die Pfeile die Richtung, die dazu beiträgt, am Beispiel eines Kreises eine gute Tiefe des abgebildeten Raums zu erreichen.

Strichschema und Ergebnis. Illustration aus dem Buch

8. So wenden Sie Schatten an

Schatten spielen eine Schlüsselrolle bei der Erstellung eines volumetrischen Bildes: Zunächst müssen Sie lernen, sie zu sehen und zu schreiben. Insgesamt gibt es vier Arten von Schatten:

• Eigene Schattenbefindet sich auf Objekten. Dies sind Bereiche mit dunklem Ton, die sich von den beleuchteten Teilen der abgebildeten Form abheben. Sie haben normalerweise einen scharfen Rand am äußeren Rand und einen glatten Übergang am Rand mit den hellen Tonbereichen des Objekts. Sie spielen eine wichtige Rolle bei der Schaffung von Volumen.
• Halbtonregionen - schmal, mit einem weichen Umriss, an der Grenze zwischen dem eigenen Schatten und dem beleuchteten Bereich des Objekts. Diese Schatten sind der Mittelton zwischen den kontrastierenden Dunkelheiten und Lichtern des Motivs.
• Fallende Schatten - Silhouetten eines Objekts, das von ihm auf eine beliebige Oberfläche außer sich selbst "gefallen" oder geworfen wurde. Sie erwecken den Eindruck, dass sich das Objekt auf einer Oberfläche befindet.
• T. an der Kontaktstelle - der dunkelste Bereich des fallenden Schattens, der neben dem Objekt liegt. Sie sind verantwortlich für die "Stabilität" und Masse des Objekts. Diese Schatten werden auch als Akzent bezeichnet - der dunkelste Bereich unter den dunkelsten Tönen. Der Akzent ist der dunkle Zwilling des Highlights, der hellste Bereich unter den helleren Tönen.

Verwenden Sie zum Malen des Schattens schwarze Farbe oder Farbe, die dunkler als die Grundfarbe ist. Und im zweiten Schritt bedecken Sie diesen abgedunkelten Bereich mit der Hauptfarbe. Das Mitteltonschwarz sollte unter einer neuen Farbschicht durchscheinen und einen farbigen Schatten erzeugen. Wenn Sie den Schatten dunkler machen möchten, tragen Sie mehr Schwarz vom klaren Rand des Schattens auf und mischen Sie ihn mit der Farbe im Mittelton.

Schatten für einen Zylinder. Illustration aus dem Buch

9. Wie man Blendung aufträgt

Um ein realistisches Highlight zu erzielen, malen Sie mit einem trockenen weißen Pinsel so oft wie nötig auf den hellsten Bereich des Motivs, um eine ausreichende Helligkeit zu erzielen. Platzieren Sie in der Mitte der Fackel einen kleinen Tupfer dicker Farbe für mehr Helligkeit.

Zwei Beispiele für überlagerte Highlights. Illustration aus dem Buch

10. Malen Sie Bilder in Ihrer Fantasie

Malen Sie bei Ihren täglichen Aktivitäten in Ihrer Fantasie. Achten Sie mental auf die Beziehung zwischen den Oberflächen und Texturen, die Sie um sich herum sehen, und auf die Art und Weise, wie Sie mit Pinsel und Farbe arbeiten.

1) Auswahl eines Themas:

in meiner Diplomarbeit habe ich mich einer der Arten der bildenden Kunst zugewandt - der Malerei. Das Thema der Arbeit war eine Landschaft. Es ist angebracht, die Aussage des berühmten russischen Landschaftsmalers I.I. Shishkina: "Das Gemälde muss eine völlige Illusion sein, und dies kann nicht ohne eine umfassende Untersuchung der ausgewählten Motive erreicht werden, für die der Künstler die größte Anziehungskraft empfindet, die in seinen Kindheitserinnerungen verblieben ist, dh die Landschaft muss nicht nur national, sondern auch lokal sein." (Abeldyaeva I. G. School of Fine Arts. Ausgabe 5. - M., 1962).

Das Kriterium für die Auswahl eines Themas war meine persönliche Einstellung zur lokalen Seelandschaft. Der Wunsch, auf dem Bild einen sonnigen Zustand zu vermitteln, den von Kindheit an bekannten Blick auf die Tsemesskaya-Bucht, ergänzt durch die modernen Gebäude des Seehafens.

2) Material sammeln:

malerei ist die Schaffung eines ganzheitlichen Naturbildes, es ist eine künstlerische Verallgemeinerung, die Transformation der Natur mit Hilfe der Vorstellungskraft des Künstlers. Es ist unmöglich, malerisch zu transformieren, wovon Sie keine Ahnung haben. Der Schaffung einer Landschaft geht daher immer eine langfristige Arbeit an Skizzen aus der Natur voraus. "Man sollte die Natur einfach und aufmerksam betrachten, versuchen, ihren allgemeinen Eindruck zu verstehen, und von ihr zu Details gehen ..." (Meister der sowjetischen Kunst auf der Landschaft, 1965).

Um die Arbeiten abzuschließen, wurde eine Sammlung von Vorbereitungsmaterial durchgeführt. Dies sind Skizzen, Bleistiftskizzen, Kurz- und Langzeitbildskizzen aus der Natur.

(Anhang A, Abb. A1-A6). Die Hauptvorteile einer Landschaftsetüde sind die Übertragung eines bestimmten Beleuchtungszustands der Natur, der Einfluss der Luftumgebung und ein bedeutender Raum. Die Skizzen wurden zu verschiedenen Jahreszeiten und zu verschiedenen Tageszeiten erstellt.

3) kompositorische und koloristische Lösung:

Die kompositorische Integrität einer Bildetüde hängt von der Beziehung zwischen Haupt- und Nebenbild ab, von der Verknüpfung des gesamten Bildes zu einem einzigen Werk. Bei der Hervorhebung des Kompositionszentrums muss der Künstler die Details bewusst verallgemeinern, den Ton und die Farbstärke von Objekten, die sich vom Kompositionszentrum entfernen, schwächen und alle Ton- und Farbbeziehungen dem Hauptzentrum unterordnen.

4) Pappe (Vorzeichnung):

nachdem Sie das Konzept in Skizzen und Skizzen geklärt und eine lineare und farbige Komposition gefunden haben, müssen Sie mit dem Zeichnen der gesamten Komposition auf Karton oder Papier beginnen (Anhang A, Abb. A7). Karton wird in voller Größe mit einem Bleistift und Kohle hergestellt. Darin werden die kompositorische Lösung, die Art der Form und der Anteil der Objekte, die Aufgaben der Luft- und Linearperspektive geschliffen und zum Abschluss gebracht, die Planung der Landschaft festgelegt, das Kompositionszentrum erarbeitet. Danach wird die Zeichnung aus dem Karton (durch Transparentpapier oder Puder) auf die Leinwand übertragen.

5) Malen auf Leinwand:

nach der Suche nach Kompositionen und der Herstellung von Pappe können Sie mit dem Malen auf Leinwand beginnen. Beginnen Sie mit Untermalen, Klären von Ton- und Farbbeziehungen, Legen von Schatten und Ausarbeiten von Details. Dann folgt die Verallgemeinerung und Fertigstellung der Arbeiten (Anhang A, Abb. A8-A14).

Anna Klimova
Projekt "Erstaunliche Möglichkeiten der Malerei"

Projekt« Erstaunliche Malmöglichkeiten»

Relevanz das Projekt

Fortgeschrittene pädagogische Erfahrungen zeigen, dass es im gegenwärtigen Stadium der Entwicklung der Gesellschaft nicht ausreicht, nur einem Kind etwas beizubringen. Aktivität, Unabhängigkeit, Initiative und Kreativität bestimmen die Richtung der Persönlichkeitsentwicklung unter modernen Bedingungen. Die Umsetzung unabhängiger, praktischer und kreativer Aktivitäten von Kindern im Bereich der künstlerischen und ästhetischen Entwicklung zielt vor allem auf die umfassende Entwicklung der Persönlichkeit des Kindes ab.

Der Einfluss der Kunst auf die Persönlichkeitsbildung eines Menschen, seine Entwicklung ist sehr groß. V. A. Sukhomlinsky schrieb: „Während der Kindheit sollten Denkprozesse so eng wie möglich mit lebenden, hellen, visuellen Objekten der umgebenden Welt verbunden sein. Die emotionale Sättigung der Wahrnehmung ist die spirituelle Ladung der Kreativität von Kindern. "

Treffen hervorragend kunstwerkeVorschulkinder lernen, die Harmonie der Natur zu verstehen, etwas über die Kultur und Geschichte Russlands zu lernen, Verhaltensnormen und spirituelle Werte, die in der Gesellschaft übernommen wurden, zu verarbeiten, das Leben und Werk von Menschen in verschiedenen Tätigkeitsbereichen kennenzulernen, ein besonderer Ort malerei nimmt die Entwicklung der Sprache auf. Mit der Hilfe malerei mentale Entwicklung entwickelt sich aktivität: Die Fähigkeit, auf der Grundlage von Analyse zu verallgemeinern, zu vergleichen und zu erklären, innere Sprache zu entwickeln (innere Sprache hilft dem Kind, seine Urteile zu planen und auszudrücken, die Schlussfolgerungen zu korrelieren, die sich aus der Wahrnehmung der Absicht des Künstlers ergeben, und trägt auch zur Manifestation seiner eigenen intellektuellen und emotionalen Assoziationen bei). Kunst trägt zur Wahrnehmung verschiedener Gefühle und zur Bildung der ersten Grundlagen der Weltanschauung bei. Kinder bereichern ihre moralische Erfahrung, in ihnen bildet sich ein moralisches Bewusstsein. Sie lernen, ihre Erfahrungen mit denen der vom Künstler dargestellten Personen zu vergleichen und die im Genre wahrgenommenen zu übertragen. malerei Arten von Beziehungen zwischen Menschen in realen Lebenssituationen.

Es scheint wichtig, dass die Bildung einer umfassend entwickelten Persönlichkeit eines Vorschulkindes in einem einzigen Prozess stattfindet, in dem Kinder mit der bildenden Kunst, der Volkskunst, der Kultur, den ästhetischen Werten und der Natur ihres Heimatlandes vertraut gemacht werden. Komposition malerei reich an ihrem ideologischen Inhalt und perfekt in künstlerischer Form. Daher bilden sie den künstlerischen Geschmack von Vorschulkindern, die Fähigkeit, Schönheit nicht nur in der Kunst, sondern auch im Leben, in der Natur und im Alltag zu verstehen und zu schätzen. Malerei schafft den ganzen Reichtum und die Vielfalt der Welt mit räumlicher Tiefe, Volumen, Farbe, Licht und Luft.

Somit entsteht ein Widerspruch zwischen malmöglichkeiten als Mittel zur umfassenden Entwicklung der Persönlichkeit eines Vorschulkindes und seiner unzureichenden Verwendung im pädagogischen Prozess.

Tor das Projekt: Umfassende Entwicklung von Vorschulkindern im Einarbeitungsprozess mit malerei.

Aufgaben das Projekt:

1. Kinder mit russischen Künstlern und ihren Werken bekannt zu machen und bei Kindern ein stetiges Interesse zu wecken malerei;

2. Ermutigen Sie Eltern und Kinder, aktiv mit Lehrern zu interagieren, und regen Sie den Wunsch an, zusätzliche Informationen zu diesem Thema zu suchen.

3. Entwickeln Sie ein Klassensystem, mit dem Kinder vertraut gemacht werden malerei(langfristige Planung für das akademische Jahr);

4. Verbesserung des Wissensstands von Lehrern und Eltern über die Möglichkeiten der Belichtung auf die allgemeine Entwicklung des Kindes.

Eine Art das Projekt

Mit der Zeit - langfristig;

Dauer das Projekt - September - April (Studienjahr 2013-2014)

Durch Dominanz in projekt aktivitätsorientiert;

Durch die Art der Kontakte - konzernintern;

Durch die Anzahl der Teilnehmer - kollektiv;

Kinder im Alter von 5-6 Jahren;

Teilnehmer projekt - Lehrer, Kinder der älteren Gruppe, Eltern;

Produkt design Aktivitäten - langfristige Planung, ein Zyklus von Klassen, Materialien und zusätzlichen Informationen zum Thema.

Erwartete Ergebnisse

1. Bildung eines Wissenssystems über Künstler und ihre Werke bei Kindern;

2. Systematisierung methodischer Informationen;

3. Auswahl der Literatur und Entwicklung eines langfristigen Plans zur Bekanntmachung von Kindern malerei;

4. Systematische Verwendung in der Arbeit von Klassenzyklen, um Kinder mit vertraut zu machen malerei;

5. Sättigung der methodischen Basis mit zusätzlichen Informationen und Materialien für Klassen, mit denen Kinder vertraut gemacht werden sollen malerei.

Hauptschritte das Projekt

1 - Schaffung eines praxisorientierten Problems

Zu einer Lektion gekommen, um Kinder damit vertraut zu machen malereiund zeigt Reproduktionen, die eine Herbstlandschaft darstellen. Im Verlauf des Unterrichts hören wir Musik und lesen Auszüge aus Gedichten, die die Wahrnehmung unterstützen malerische Malerei... Kinder erzählen musikalische und literarische Werke mit Reproduktion und rechtfertigen ihre Wahl, aber es gibt eine Reproduktion (Savrasov A.K., "Fallen. Dorf am Bach ", zu dem es keine passende Musik und kein Gedicht gibt. Steht auf frage: "Was ist zu tun?".

2 - Hypothesen aufstellen, um das Problem zu lösen

Die Kinder schlagen vor, einen Bibliothekar hinzuzuziehen, der wöchentlich zu ihnen kommt, und ihn zu bitten, beim Zusammenstellen einer Gedichtsammlung über den Herbst zu helfen. Wenden Sie sich auch an den Musikdirektor, um Musikstücke abzuholen. Unerwartet erinnert sich Valya daran, dass ihre Schwester, ein Schulmädchen, vor nicht allzu langer Zeit ein sehr schönes Gedicht über den Herbst unterrichtet hat und verspricht, ihre Mutter zu bitten, es für uns usw. aufzuschreiben.

3 - Aufteilung in Gruppen

Nachdem wir entschieden haben, was wir für die weitere Arbeit benötigen, schlage ich vor, dass die Kinder dieses Problem zu Hause mit ihren Eltern besprechen und sie in eine gemeinsame Suche nach Informationen einbeziehen und möglicherweise unseren Plan zur Lösung des Problems ergänzen. Damit, diskutiert haben Problem und Möglichkeiten, es noch einmal zu lösen, Kinder mit ihren Eltern sind in Mikrogruppen zusammengefasst, um die notwendigen Informationen zu sammeln.

4 - praktische Lösung probleme:

Schaffung einer Bibliothek klassischer Musik, Kinderlieder;

Eine Auswahl literarischer Werke (Geschichten und Gedichte, russische Folklore (Sprichwörter und Sprüche);

Eine Auswahl von Abbildungen zum Betrachten;

Ausstellung von Kinderarbeiten zum Zeichnen, Applizieren, Modellieren und Basteln;

Ausflüge in die Ausstellungshalle, Wintergarten des CDC "Arktis";

Spaziergänge und Ausflüge;

Bildung eines elektronischen Werkkatalogs malerei;

Malwettbewerb "Jahreszeiten";

5 - Präsentation der Ergebnisse

Alle mit Hilfe von Eltern, Lehrern und dem Bibliothekar gesammelten Informationen wurden gesammelt, verallgemeinert und systematisiert. Nach der Verarbeitung der gesammelten information:

Es wurde ein langfristiger Plan geschrieben, um Kinder mit diesen vertraut zu machen malereiunter Angabe von Quellen und einer Auswahl zusätzlicher Materialien;

Eine Reihe von Abstracts wurde entwickelt berufe: „Was und wie er spricht malerei» , „Farben von Abendlandschaften. Untersuchung des Gemäldes durch I. I. Levitan "Sommerabend", "der goldene Herbst. Untersuchung des Gemäldes durch I. I. Levitan "Der goldene Herbst"„So ein anderer Herbst. Landschaftsbilder betrachten und vergleichen "Der goldene Herbst" I. I. Levitan und "Oktober" E. E. Volkova ", "Winter" I. I. Shishkin "und andere;

Thematisch vorbereitet präsentationen: "Hallo, goldener Herbst", "Zeichen des Herbstes", "Herbst mit den Augen der Künstler", "Russische Landschaft malerei» , "Stillleben", "Primitive Kunst", "Landschaft malerei... Russische Landschaftsmaler " usw. ;

Für die Lehrer wurde eine Konsultation über die Auswirkungen durchgeführt malen für die kindliche Entwicklung: "Russische Landschaft malerei» , "Organisation der Wahrnehmung des Stilllebens durch Kinder vorschulalter» , "Herbst, gesungen von Dichtern und maler in Kunstwerken "und anderen;

Seminar - Workshop für Lehrer "Die Natur des Winters in den Werken von Künstlern";

Thematische Woche "Winterspaß", "Herbststudien";

Für Eltern waren Ordner ausgesetzt - Reisen "Poetisches Naturbild in Kinderzeichnung", "Kunst und Bildung", "Natur beobachten lernen" usw. ;

Öffnen Sie die Lektion für Eltern anhand der gesammelten Informationen "Die Zauberin Winter kommt ...";

Überwachung der Bereicherung des Wissens von Kindern und des Niveaus der Ideenbildung über malerei.

Referenzliste

1. Ashikov V. Vorschulbildung im neuen Jahrhundert // Vorschulerziehung. -2000. - Nr. 1. - S. 8-11.

2. Bildung und Ausbildung von Kindern im sechsten Lebensjahr. / Ed. Ushakova O.S., Paramonova L. A. - Moskau: Bildung, 2001 .-- 160p.

3. Grigorieva G. G. Grafische Aktivität von Vorschulkindern. - SPb .: Childhood-Press, 1997 - 224s.

4. Kinder und Landschaft malerei... Jahreszeiten. Wir lernen zu sehen, zu schätzen, Schönheit zu schaffen. - SPb .: CHILDHOOD - PRESS, 2004. - p. 272 / Programmbibliothek "Kindheit"

5. Zubareva N. M. Kinder und Bildende Kunst. Stillleben und Landschaft in der ästhetischen Erziehung von Kindern im Alter von 5 bis 7 Jahren. M., "Bildung"1969 - 111 p.

6. Kazakova TG Entwickeln Sie Kreativität bei Vorschulkindern. - M.: Education, 2005 .-- 146s.

7. Komarova, T. S. Kinder künstlerisches Schaffen... - M., 2005 .-- 160 p.

8. Krasnushkin E.V. Kunst zum kinder im Vorschulalter: Stillleben, Landschaft, Porträt. Für die Arbeit mit Kindern von 4-9 Jahren. - M.: MOSAIKA-SINTEZ, 2012 .-- 80 p.

9. Medwedew L. G. Bildung einer Grafik künstlerisches Bild in Zeichenklassen, 1986.

10. Mikhailova T. Gefühl und Farbe. Technologie der "emotionalen Stimmung" von Kindern im Prozess der Beherrschung der Technik malerei... // Kunst in der Schule. von. 39, 2010.

11. Panksenov G. I. Malerei... Form, Farbe, bild: ein Tutorial für Studenten. höher. dünn Bildungsinstitutionen. - M.: Verlagszentrum "Academy", 2008.

12. Psychologie begabter Kinder und jugendliche: Lehrbuch / Yu. D. Babaeva, N. S. Leites. - M.: "Academy", 2000.

13. Sakulina N.P., Komarova T.S. kindergarten... - M.: Education, 2003 - 208s

14. Chumicheva R. M. Vorschulkinder über malerei: Buch. für Erzieher Kinder. Garten. - M.: "Bildung"1992 - 126 S., 16 S. Schlick

15. Bundesstaatlicher Bildungsstandard der Vorschulerziehung (genehmigt im Auftrag des Ministeriums für Bildung und Wissenschaft der Russischen Föderation vom 17. Oktober 2013 Nr. 1155)

1

Der Artikel beschreibt einige Probleme bei der Arbeit mit Aquarellen im Malunterricht. Aquarell ist attraktiv für seine Zugänglichkeit, Reinheit der Farbbeziehungen. Trotz der scheinbar einfachen Arbeit ist Aquarell eine komplexe Technik der Staffelei-Malerei. Besonderes Augenmerk wird auf Materialien, Werkzeuge und technologische Aspekte der Aquarellmalerei gelegt: Glasurmethoden, "alla prima", "raw". Bei der Arbeit an langen Skizzen wird häufig die erste verwendet. Für das Malen im Freien in schnellen Skizzen ist die "alla prima" -Methode besser geeignet. Es ist notwendig zu verstehen, dass das Beherrschen der Fähigkeiten der Aquarellmalerei nicht aus Büchern gelernt wird. Alles wird in der langfristigen praktischen Arbeit durch persönliche Erfahrung gelernt. Daher ist Übung die beste Methode, um die Technik der Aquarellmalerei zu beherrschen.

werkzeuge

materialien zum Malen

schreibmethode

aquarellmalerei

1. Das Problem von G.V. Grundlagen der visuellen Kompetenz: Zeichnen. Malerei. Komposition. Ed. 2. rev. und hinzufügen. M.: Education, - 1981 .-- 239 p.

2. Vasiliev A.A. Stilllebenmalerei: Aquarell: Lehrbuch. Vorteil. Ed. 3. rev. und hinzufügen. Krasnodar: Verlag des Staates Kuban. Universität, 2004 .-- 98 p.

3. Volkov Yu.V. Arbeiten Sie an malerischen Skizzen. M.: Education, 1984 .-- 31 p.

4. Skripnikova E.V. Stillleben: Komposition, Zeichnung, Malerei: Studienführer / E.V. Skripnikov, A.I. Sukharev, N.P. Golovacheva, G.S. Baimukhanov. - Omsk: Verlag der OmGPU, 2015. - 150 S.

5. Skripnikova E.V., Golovacheva N.P., Sukharev A.I. Stillleben-Malerei: Ein Studienführer. - Omsk: BOUDPO "IROOO", 2015. - 92 S.

6. Shchetinin I. D. Aquarell: Ein praktischer Leitfaden. Kurgan: Verlag "FORT DIALOG - KURGAN", 2009. - 31 p.

Formulierung des Problems

Die Aquarelltechnik wird im ersten Jahr von Studierenden an den Kunstfakultäten pädagogischer Hochschulen studiert. Im Malunterricht erhalten die Schüler nicht nur Bildaufgaben: Finden der allgemeinen Farbe der Umgebung, der Farbtonverhältnisse von Objekten und des Hintergrunds, Übertragen des Objektvolumens unter bestimmten Lichtbedingungen, Studium der Gesetze und Regeln der Luftperspektive, sondern auch Komposition und Zeichnung. Zunächst muss man lernen, wie man die Einstellung zusammensetzt: die Proportionen des Blattformats bestimmen, die Größe des darin enthaltenen Bildes ermitteln und Objekte relativ zueinander auf der Bildebene platzieren. Zweitens lernen Sie, Objekte verschiedener Designs und Formen unter Berücksichtigung der Perspektive und der Horizontlinie zu verstehen und zu zeichnen, um die Gesetze und Regeln der linearen Perspektive zu studieren. In unserem Artikel betrachten wir nur die Themen der Aquarelltechnologie: Materialien, Werkzeuge, verschiedene technologische Techniken.

Aquarell ist attraktiv für seine Zugänglichkeit, Reinheit der Farbbeziehungen. Trotz der scheinbar einfachen Arbeit ist Aquarell eine komplexe Technik der Staffelei-Malerei. Um es zu beherrschen und zu verstehen, müssen Sie die Materialien und Werkzeuge (Farbe, Papier, Pinsel) sorgfältig studieren. Denn damit beginnt jeder kreative Prozess.

Aquarell (von lat. aqua- "Wasser") - mit Wasser verdünnte Farben und in einem professionellen künstlerischen Umfeld - und mit solchen Farben hergestellte Malarbeiten. Die zur Herstellung von Farben auf Wasserbasis verwendeten bunten Pigmente sind die gleichen wie bei anderen Farben. Das Aquarellpigment ist jedoch äußerst fein gemahlen und in einen Zustand gebracht, in dem es sich im Wasser lange Zeit nicht auf dem Boden absetzt. Der Klebstoff, das Bindemittel dieses Pigments, muss wasserlöslich, farblos und elastisch sein. Als Bindemittel in Aquarellen werden verschiedene pflanzliche Klebstoffe verwendet (Gummyra-Bik, Dextrin, Kirschkleber, Honig usw.), die auch einen Weichmacher in Form von Glycerin enthalten. Glycerin verhindert, dass die Farbe spröde und trocken wird, da sie Feuchtigkeit speichert. Manchmal wird dem Aquarell Rindergalle zugesetzt, damit es leicht auf die Papieroberfläche fällt und beim Schreiben nicht rollt, ein Antiseptikum (Phenol), das verhindert, dass sich die Farbe durch Schimmel verschlechtert.

Aquarelle lösen sich leicht in Wasser, eignen sich zum Waschen und bieten eine transparente Schicht, die die Lichtreflexion des Papiers nicht beeinträchtigt. Einige Farben sind jedoch transparenter (karminrot, scharlachrot, smaragdgrün usw.), lösen sich vollständiger in Wasser und fallen gleichmäßiger auf das Papier. Andere (Cadmiumgelb, Zitrone usw.) haben eine Dichte, die "bedeckt" und Oberflächenbeschichtungen bildet.

Es ist besser, Aquarelle an einem kühlen Ort ohne direkte Sonneneinstrahlung aufzubewahren, damit sie nicht an trockener Luft aushärten.

Die moderne Industrie produziert eine breite Palette von Aquarellen. Und egal wie reich die Farbpalette ist, sie würden nicht ausreichen, um die Vielfalt der Farben der Welt um uns herum zu vermitteln. Der Künstler erweitert die Farbpalette, indem er Farben sowohl mechanisch als auch optisch mischt - indem er eine Farbschicht auf eine andere aufträgt. Es ist notwendig, die Eigenschaften verschiedener Farben zu untersuchen, ihre Deckfähigkeit, Farbe und Lichtechtheit zu überprüfen. Es ist notwendig, alle möglichen Farbkombinationen einzeln und in Mischungen miteinander auszuprobieren. Verstehen Sie, welche Art von "Schmutz" in Mischungen hergestellt wird und welche Farben es wert sind, beachtet zu werden.

"Reine" Aquarellmalerei ist das Malen mit Farben ohne Verwendung von Weiß. Da Aquarelle transparent sind, dient das Papier selbst (seltener Pappe) als "Tünche". Papier für die Aquarellmalerei besteht aus verschiedenen Qualitäten in Bezug auf Dichte und Textur. Farbe, Dichte, Textur des Papiers haben sehr wichtig... Das beste für Aquarelle ist schweres körniges Papier, das gut geklebt und gebleicht ist. Es gibt Sorten, die von feinkörniger bis zu grober Sackleinen-ähnlicher Textur reichen. Die Textur trägt zur Tiefe des Farbtons bei, ermöglicht es Aquarellfarben, leicht in gleichmäßigen und transparenten Schichten auf der Oberfläche des Blattes zu liegen und Feuchtigkeit länger in den Poren zu halten. Auf einem solchen Papier können Sie viele Stunden lang Skizzen erstellen und die fehlerhaften Stellen abwaschen. Auf Papier mit einer glatten Oberfläche passen Farben nicht gut und lassen sich beim Auftragen nachfolgender Schichten leicht mit einem Pinsel abwaschen. Es ist schwierig, eine lange Skizze darauf zu erstellen.

Die gleichmäßige Verteilung der Aquarellfarbe auf der Oberfläche des Papiers wird durch das Vorhandensein von Fettflecken behindert. Daher muss das Papier vor dem Lackieren mit destilliertem Wasser und einigen Tropfen Ammoniak gespült werden. Vergilbtes Papier kann durch Spülen mit einem in Wasserstoffperoxid getränkten Tupfer gebleicht werden.

Während der Arbeit sollten Sie das Weiß des Papiers an hellen Stellen (Blendung, weiße Oberflächen von Objekten usw.) schützen. Um helle Flecken zu erhalten, können Sie die aufgezeichneten Stellen mit einer Rasierklinge, einem Messer und auf einer feuchten Oberfläche mit einem Bürstengriff abkratzen. Eine andere Möglichkeit besteht darin, die Lichtpunkte und die Blendung abzudecken, um sie mit Gummikleber zu schützen. Nach Abschluss der Arbeit an der Skizze lässt sich der Kleber leicht mit einem weichen Radiergummi entfernen.

Die Farbe des Papiers ist der Hintergrund, der immer an der Konstruktion der Farbe des gesamten Bildes beteiligt ist. Ein gutes Papier für die Aquarellmalerei ist Papier mit einem hohen Weißgrad, da seine Oberfläche das Licht gut durch die Farbschichten reflektiert und ihnen Helligkeit verleiht und die Nuancen des Tons offenbart. In der Aquarellmalerei wird auch das vorläufige Tonen von weißem Papier verwendet. Getöntes Papier vereint Malerei, schafft die koloristische Grundlage der Etüde. Sein Ton hängt von den vom Künstler gelösten Aufgaben ab. In Aquarellen wird Papier häufig mit Abkochungen von Kaffee oder Chicorée verschiedener Stärken getönt. Tee gibt schöne Farben.

Um zu verhindern, dass sich das Papier durch Feuchtigkeit verzieht, muss es auf die Tablette geklebt werden. Auf das Tablet wird angefeuchtetes Papier aufgetragen, das mit einem Rahmen darauf befestigt ist. Nach dem Trocknen dehnt sich das Papier gleichmäßig und verzieht sich nicht. Um die Feuchtigkeit im Papier länger zu halten, können Sie ein feuchtes Material darunter legen. Für kleine Aquarellpapiere können Sie einen "Radiergummi" verwenden. Ein Radiergummi ist ein Tablet mit einer bestimmten Größe und einem größeren Rahmen, der es umgibt.

Im Freien ist es zweckmäßig, am sogenannten Kleben zu arbeiten. Das Kleben ist ein Bündel von Blättern mit einem dichten Karton oder Sperrholz an der Basis. Die an den Enden zusammengeklebten Blätter bilden einen Block. Das gebrauchte Deckblatt wird entfernt und ein neues für die Arbeit freigelegt.

Aquarellisten verwenden traditionell Eichhörnchen-, Kolinsky- und Borstenbürsten, aber heutzutage gibt es gute künstliche Haarbürsten. Diese Bürsten sind praktisch zu handhaben, ihr Haar ist dem von Kolinsky nicht unterlegen, während sie eine erhöhte Verschleißfestigkeit und eine längere Lebensdauer aufweisen. Sie können entweder rund oder flach sein. In Aquarellfarben sind Rundpinsel am nützlichsten. Säulenbürsten gelten als die besten, sie sind haltbarer und elastischer, weniger faltig. Auf diese Weise wird die Qualität des Pinsels überprüft. Die Bürste wird in Wasser getaucht und nach dem Herausnehmen aus dem Wasser geschüttelt. Wenn die Spitze des Pinsels scharf ist, wird der Pinsel als gut für die Arbeit angesehen.

Für die Aquarellmalerei benötigen Sie Pinsel unterschiedlicher Größe (von Nr. 8 bis Nr. 16). Der große Rundpinsel ist das Hauptwerkzeug für die Aquarellmalerei. Es kann verwendet werden, um große Mengen Farbe aufzutragen oder mit der Spitze eines Pinsels zu schreiben. Zunächst kann man mit einem großen Pinsel, mit dem der Künstler frei und breit arbeitet, in guten Beziehungen auskommen. Wenn die Erfahrung mit Aquarellen wächst und pädagogische und kreative Aufgaben komplexer werden, muss der Künstler den Pinselsatz erweitern.

Die Palette ist für die Arbeit mit Aquarellen von großer Bedeutung. Die Palette sollte reinweiß sein. Um zu verhindern, dass Farbe absorbiert, muss die Palette fest, gleichmäßig und glatt sein. Sie verwenden eine Palette aus weißem Glas in einem Holzrahmen, der von unten mit weißer Ölfarbe bedeckt ist, oder aus Fayence aus weißem Porzellan. Sie können weiße Keramikfliesen, eine Platte und mit weißer Farbe bemalte Metallplatten als Palette verwenden. Kunststoffpaletten funktionieren möglicherweise auch und sind in einigen Aquarell-Kits erhältlich.

Schüler verwenden häufig Papier als Palette. Papier ist für diese Zwecke nicht geeignet. Das Papier verschlechtert sich schnell durch Wasser, wird durchnässt und erschwert die Arbeit. Der Nachteil bei der Arbeit mit einer solchen Palette besteht darin, dass loses, feuchtes Papier der Farbmischung das Wertvollste wegnimmt - gut gelöste Pigmente, Bindungskomponenten, Papierpartikel, Klebstoff und unerwünschte Chemikalien gelangen in die Farbmischung, wodurch sie nicht mehr transparent ist und beim Lackieren "Schmutz" entsteht ".

Es gibt keine speziellen Staffeleien und Skizzenbücher für die Aquarellmalerei. Die Farben können in jeder flachen Schublade getragen werden. Es ist ratsam, Bürsten zu tragen, die separat in ein Tuch gewickelt oder in eine "Bürste" gesteckt werden. Wenn Pinsel in einem Skizzenbuch getragen werden, verschlechtern sie sich und verlieren ihre Form. Wasser kann in Weithalskolben transportiert werden.

Die sorgfältige und gründliche Vorbereitung von Materialien und Werkzeugen für die Aquarellmalerei sollte keine Belastung darstellen.

Es gibt verschiedene technologische Möglichkeiten, mit Aquarellen zu arbeiten. Die wichtigsten sind jedoch zwei Methoden: die Lessing-Methode und die "alla prima" -Methode. Bei der Arbeit an langen Skizzen wird häufig die erste verwendet. Für das Malen im Freien in schnellen Skizzen ist die "alla prima" -Methode besser geeignet.

Die Verglasung als Methode der Mehrschichtmalerei basiert auf der Verwendung der Transparenz von Aquarellfarben, ihren Eigenschaften der optischen Zugabe von Farben, wenn eine transparente Farbschicht auf eine andere aufgetragen wird. Durch Überlagern einer Farbschicht mit einer anderen können Sie gesättigte Farbtöne einer Farbe erzielen und komplexe Verbundfarben bilden. Bei der Glasurmethode werden Farbtiefe und Sättigung erreicht, indem eine gut getrocknete transparente Schicht nacheinander mit einer weiteren Farbschicht überzogen wird.

Eine lange Etüde nach der Glasurmethode wird in einer bestimmten Reihenfolge durchgeführt. Zuerst wird eine leichte lineare Zeichnung mit einem Bleistift oder einem dünnen Pinsel in einer beliebigen Farbe erstellt, dann werden große Bildebenen mit einem Pinsel gelegt, jedoch nicht mit voller Kraft, sondern als vorläufige koloristische Vorbereitung für das nachfolgende Malen. Von Beginn der Arbeit an einer Skizze an sollte man versuchen, alle Beziehungen der Natur so genau wie möglich zu vermitteln. Es ist notwendig, eine Verbindung zwischen allen Farben der Natur herzustellen und den Farbton der Farbe in Bezug auf Sättigung und Helligkeit zu vergleichen.

Während der Arbeit sollte man ständig die Farbbeziehungen der abgebildeten Objekte sowohl in der Natur als auch in der Studie und durch die Beziehung der gegenseitigen Zeichen vergleichen: Das Licht eines Objekts sollte mit dem Licht eines anderen verglichen werden, der Schatten mit dem Schatten usw. Es ist notwendig, die Hauptkontraste in der Natur zu bestimmen - Orte und Objekte mit dem hellsten und dunkelsten Ton, um sofort den Unterschied zwischen den hellsten und dunkelsten Bereichen der Natur festzustellen. Meistens kommt es im Vordergrund oder speziell ausgewählten "Haupt" -Objekten der Natur vor. Wenn man eine Etüde aufführt, kann man sich nicht darauf beschränken, an einem seiner Teile zu arbeiten und zu versuchen, es sofort zu beenden, ohne irgendeine Verbindung mit dem Rest der Umgebung. In der Natur ist alles miteinander verbunden, und es ist unmöglich, die Farbe des abgebildeten Objekts wahrheitsgemäß isoliert von seiner Umgebung zu nehmen.

Eine Etüde sollte immer nach dem Prinzip durchgeführt werden - vom Allgemeinen zum Besonderen. Nachdem Sie die gesamte Studie mit lichtbreiten Dichtungen (mit Ausnahme von hellen Stellen und Lichtern) geöffnet und die Richtigkeit der Beziehungen sichergestellt haben, können Sie mit der weiteren Arbeit fortfahren - die Form von Objekten formen, Halbtöne, Schatten, Reflexe legen. Bei der Arbeit mit Aquarellen ist es ratsam, von hell nach dunkel zu arbeiten. In der Regel werden die abgebildeten Objekte zunächst mit breithellen Farbschichten bedeckt, die hinsichtlich der Tonstärke den hellsten beleuchteten Stellen der abgebildeten Objekte entsprechen. Dann werden Schatten angewendet. Danach werden die Halbtöne durch Vergleich miteinander bestimmt.

Bei der Glasurmethode muss die Farbschicht mit ihrer ganzen Mehrschichtigkeit (vorzugsweise nicht mehr als drei Schichten, sonst verlieren die Farben an Transparenz, es entsteht sogenannter Schmutz) dünn und transparent bleiben, um von der Papieroberfläche reflektiertes Licht durch sich selbst zu übertragen. Bereits bei der ersten Registrierung müssen die Kontraste klar umrissen werden - die größten Unterschiede in der Lichtsammelkapazität und im Verhältnis von warmen und kalten Tönen.

Es ist ratsam, am Ende der Arbeit opake Körperfarben zu verwenden, um mehr Materialität, Objektivität und Schwere zu erzielen. Es ist zu beachten, dass Aquarelle im trockenen Zustand etwas an Farbstärke verlieren - sie werden um etwa ein Drittel ihrer ursprünglichen Stärke aufgehellt. Daher ist es notwendig, die gewünschten Farben gesättigter und heller zu machen, um die Trägheit des Malens zu vermeiden.

Eine andere Methode der Aquarellmalerei ist die „alla prima“ -Methode, bei der jedes Detail sofort und ohne sukzessive Überlagerung von Farbschichten in einem Schritt beginnt und endet. Alle Farben werden auf einmal mit voller Kraft aufgenommen, was die Verwendung mechanischer Farbmischungen ermöglicht, d.h. Stellen Sie die gewünschte Farbe aus mehreren Farben auf der Palette zusammen. Bei der Arbeit mit der "alla prima" -Methode werden keine Mehrfachregistrierungen verwendet. Diese Methode ist im Freien akzeptabler. Am häufigsten wenden Aquarellmaler beide Methoden an.

Um helle Farbübergänge, insbesondere an dunklen Orten, beim Berühren von Objekten und Ebenen zu erzeugen, müssen die Kanten der angewendeten Striche zusammengeführt werden. Dazu wird das Papier mit Wasser vorfeuchtet. Diese Methode nennt man Roharbeit.

Um das Trocknen von Farben während der Arbeit zu verlangsamen, können Sie Lösungen von Glycerin, Seife oder Honig in Wasser verwenden, in denen die Farben verdünnt sind.

Es ist wichtig zu verstehen, dass das Erlernen der Fähigkeiten der Aquarellmalerei nicht aus Büchern gelernt wird. Alles wird in der langfristigen praktischen Arbeit durch persönliche Erfahrung gelernt. Daher ist Übung die beste Methode, um die Technik der Aquarellmalerei zu beherrschen.

Rezensenten:

Medwedew L.G., Doktor der Pädagogischen Wissenschaften, Professor, Dekan der Philosophischen Fakultät der Staatlichen Pädagogischen Universität Omsk, Omsk;

Shalyapin OV, Doktor der Pädagogischen Wissenschaften, Professor, Leiter der Abteilung für Zeichnen, Malen und Kunsterziehung des Instituts der Künste, FSBEI HPE "NGPU", Nowosibirsk.

Literaturhinweis

Sukharev A.I., Shchetinin I.D. WASSER-WASSER-MALEREI-TECHNOLOGIE // Zeitgenössische Probleme Wissenschaft und Bildung. - 2015. - Nr. 2-2.;
URL: http://science-education.ru/ru/article/view?id\u003d21931 (Datum des Zugriffs: 02/01/2020). Wir machen Sie auf die Zeitschriften der "Akademie der Naturwissenschaften" aufmerksam.

der Vergangenheit faszinieren mit ihren Farben, dem Spiel von Licht und Schatten, der Relevanz jedes Akzents, dem allgemeinen Zustand, der Farbe. Aber was wir jetzt in den Galerien sehen, die bis heute erhalten sind, unterscheidet sich von dem, was die Zeitgenossen des Autors sahen. Das Ölgemälde ändert sich im Laufe der Zeit. Dies wird durch die Auswahl der Farben, die Ausführungstechnik, den Endanstrich der Arbeit und die Lagerbedingungen beeinflusst. Dies berücksichtigt nicht die kleinen Fehler, die ein talentierter Meister beim Experimentieren mit neuen Methoden hätte machen können. Aus diesem Grund können der Eindruck der Gemälde und die Beschreibung ihres Aussehens im Laufe der Jahre abweichen.

Old Master Technik

Die Technik der Ölmalerei bietet einen großen Vorteil bei der Arbeit: Ein Bild kann jahrelang gemalt werden, wobei die Form schrittweise modelliert und Details mit dünnen Farbschichten (Verglasung) vorgeschrieben werden. Daher ist das Korpusschreiben, bei dem sofort versucht wird, das Bild zu vervollständigen, nicht typisch für die klassische Art, mit Öl zu arbeiten. Das durchdachte schrittweise Auftragen von Farben ermöglicht es Ihnen, erstaunliche Farbtöne und Effekte zu erzielen, da jede vorherige Schicht beim Glasieren durch die nächste scheint.

Die flämische Methode, die Leonardo da Vinci so gern benutzte, bestand aus folgenden Schritten:

• Auf hellem Grund wurde die Zeichnung in einer Farbe in Sepia geschrieben - dem Umriss und den Grundschatten.
• Dann wurde eine dünne Untermalung mit Volumenformung gemacht.
• Die letzte Stufe bestand aus mehreren Glasurschichten mit Reflexen und Details.

Aber Leonardos dunkelbraunes Rezept zeigte sich im Laufe der Zeit trotz der dünnen Schicht durch das farbenfrohe Bild, was zu einer Verdunkelung des Bildes im Schatten führte. In der Hauptschicht verwendete er oft gebranntes Umbra, gelbes Ocker, preußisches Blau, gelbes Cadmium und gebrannte Siena. Sein letzter Farbauftrag war so subtil, dass es unmöglich war, ihn zu fangen. Selbst entwickelt sfumato-Methode (Schattierung) machte es einfach. Sein Geheimnis liegt in stark verdünnter Farbe und trockenem Bürsten.

Rembrandt - Nachtwache

Rubens, Velazquez und Tizian arbeiteten nach italienischer Methode. Es zeichnet sich durch folgende Arbeitsschritte aus:

• Auftragen einer farbigen Grundierung auf die Leinwand (unter Zusatz eines Pigments);
• Übertragen Sie die Kontur der Zeichnung mit Kreide oder Kohle auf den Boden und befestigen Sie sie mit einer geeigneten Farbe.
• Die Untermalung, an Stellen, die dicht sind, insbesondere in den beleuchteten Bereichen des Bildes, und an Stellen, die völlig fehlen, hat die Farbe des Bodens verlassen.
• Abschließende Arbeit in 1 oder 2 Schritten mit Halbglasur, seltener mit dünner Glasur. Für Rembrandt könnte der Ball der Bildebenen einen Zentimeter dick werden, dies ist jedoch eher eine Ausnahme.

Bei dieser Technik wurde besonderes Augenmerk auf die Verwendung überlappender Komplementärfarben gelegt, die es ermöglichten, gesättigten Boden stellenweise zu neutralisieren. Zum Beispiel könnte ein roter Boden mit einer graugrünen Untermalung geebnet werden. Die Arbeiten mit dieser Technik wurden schneller durchgeführt als mit der flämischen Methode, was die Kunden mehr freute. Aber die falsche Wahl der Farbe der Grundierung und der Farben der letzten Schicht könnte das Bild ruinieren.

Malbild

Um Harmonie in einem Gemälde zu erreichen, nutzen sie die Kraft der Reflexe und Komplementaritäten der Farben. Es gibt auch so kleine Tricks wie das Auftragen einer farbigen Grundierung, wie es in der italienischen Methode üblich ist, oder das Beschichten eines Gemäldes mit pigmentiertem Lack.

Farbige Grundierungen können Klebstoff, Emulsion und Öl sein. Letztere sind eine pastöse Schicht Ölfarbe der gewünschten Farbe. Wenn eine weiße Basis einen Glüheffekt erzeugt, verleiht eine dunkle Basis den Farben Tiefe.

Rubens - Union von Erde und Wasser

Rembrandt auf dunkelgrauem Grund gemalt, Bryullov auf Umbra-Pigment, Ivanov die Leinwände mit gelbem Ocker getönt, Rubens verwendete Pigmente in englischem Rot und Umber, Borovikovsky bevorzugte grauen Grund für Porträts und Levitsky bevorzugte graugrün. Die Verdunkelung der Leinwand erwartete alle, die im Übermaß irdene Farben verwendeten (Siena, Umbra, dunkler Ocker).

Boucher - zarte Farbe in hellblauen und rosa Tönen

Für diejenigen, die digitale Kopien von Gemälden großer Künstler erstellen, ist diese Ressource von Interesse, in der die Webpaletten der Künstler präsentiert werden.

Lackierung

Neben erdigen Farben, die sich mit der Zeit verdunkeln, verändern Decklacke auf Harzbasis (Kolophonium, Kopal, Bernstein) auch die Helligkeit des Gemäldes und verleihen ihm gelbe Farbtöne. Um der Leinwand eine künstliche Antike zu verleihen, wird dem Lack speziell Ockerpigment oder ein ähnliches Pigment zugesetzt. Eine starke Verdunkelung führt jedoch eher zu überschüssigem Öl in der Arbeit. Es kann auch zu Rissen kommen. Obwohl solche der Craquelé-Effekt ist häufiger mit Arbeiten an halbnassen Farben verbunden, was für Ölgemälde nicht akzeptabel ist: Sie schreiben nur auf eine getrocknete oder noch feuchte Schicht, andernfalls muss sie abgekratzt und neu registriert werden.

Bryullov - Der letzte Tag von Pompeji