Realizem se je začel oblikovati v globinah romantizma v začetku 19. stoletja. Ta nov preobrat je bil povezan s postopnimi javnimi čustvi in \u200b\u200bintenziviranjem oblikovanja narodov, nacionalnih kultur, zanimanjem za etnično zgodovino in kulturo, predvsem za nacionalno literaturo. O romantiki in simboliki bomo govorili kasneje, nekako v okviru ločene teme. Za zdaj je pomembno in dovolj reči, da je romantizem razkril in zavrnil vodilno vlogo klasicizma in akademizma pri razvoju likovne umetnosti.
Prvič realizem je sredi 19. stoletja predstavil francoski pisatelj in literarni kritik J. Chanfleurie. Realizem je bil razumljen kot popolna in natančna predstavitev okolice resnično življenje, ki so nevede razkrili razvade in probleme meščanske resničnosti dobe.
J. Chanfleurie
Vendar realizem kot estetski pojav v umetniški kulturi ni bil absolutna novica, brez uporabe ustrezne terminologije se je čutil že v renesansi - »renesančni realizem« in v razsvetljenstvu - »razsvetljenski realizem«. Toda v 19. stoletju je imel v različnih državah svoje posebne značilnosti.
V Franciji je realizem, imenovan kritični realizem , je bil povezan s pragmatizmom in prevlado materialističnih pogledov, prevladujočo vlogo znanosti in nacionalne francoske literature pri določanju nalog razvoja likovne umetnosti. Med največjimi predstavniki francoskega kritičnega realizma v literaturi so bili O. Balzac, V. Hugo in G. Flaubert, katerih dela so bila dobro znana med izobraženim delom ruske družbe in so bila že delno prevedena.
Honore de Balzac
Victor Hugo Gustave Flaubert
Glavni predstavniki kritičnega realizma v francoskem slikarstvu so bili Honore Daumier, Gustave Courbet, François Millet, Camille Corot in Theodore Rousseau.
Revolucija leta 1830 odprl novo stopnjo v razvoju likovne umetnosti, karikature, zlasti briljantnih, izraznih podob O. Daumier (1818-1879) je iz satirične grafike naredil pravo umetnost.
Honore Daumier portret O. Daumierja v žanru karikature
Daumierjeva grafična in slikovna dela so označena po serijah ali ciklih: "Don Kihot" in "Ljudje pravičnosti" ("Sodniki in odvetniki"), prvo pa je bila revolucionarna serija, sestavljena iz dveh delov: 1830 in 1848. Najpomembnejša dela v tem ciklu sta "Vstaja" in "Zakonodajna skupščina".
Z upodobitvijo le nekaj ljudi po diagonali je umetnik dosegel vtis velike množice ljudi, ki se premikajo. Poudarek je na postavi mladeniča v lahki majici, ki je hkrati podrejen splošnemu gibanju in ga vodi, z dvignjeno roko kaže pot do cilja.
Uporništvo. 1830 g.
Na gravuri / litografiji, zakonodajni skupščini ali zakonodajni maternici ministrov in članov vlade je bil umetnik upodobljen kot grda in moralno bedna družba.
Zakonodajna maternica
V seriji "Sodniki in odvetniki" - prikazuje strašljiv kontrast med videzom, zunanjim videzom osebe in njenim bistvom. Daumierjevi odvetniki in sodniki so najpomembnejša neresnica, hinavščina in prevara, poosebitev ne samo meščanskega sodišča, temveč tudi dela družbe kot celote.
Sodni zagovornik
Razlaga podob junakov cikla Don Kihot - prikaz tragičnega protislovja med obema stranema človeške duše nima analogov v svetovni umetnosti. Don Quijote, shujšan, neverjetno visok, se vozi po mračni gričevnati pokrajini na pošastno koščenem Rocinanteju, vedno sledi naprej, zvest svojim sanjam, ne ovirajo ga ovire, ne privlačijo ga blagoslovi življenja, ves je v gibanju, v iskanju. Za njim je njegovo nasprotje - na oslu, vedno zaostajajočem, strahopetnem Sanchu Panzi, ki tako rekoč pravi: dovolj idealov, dovolj boja, čas je, da se končno ustavimo.
Don Kihot Sancho Panza in Don Kihot
Osrednja tema umetnikovega dela so bili navadni ljudje: delavci, majhni zaposleni, obrtniki, pralnice, ki jih je slikal, ne samo da odražajo njihovo stisko, temveč tudi vrednost njihovega dela in osebnosti. Njegova krilatica »moraš biti človek svojega časa« je odražala splošno smer kritičnega realizma.
Ljubitelj tiskovine Nosha ali Laundress
Kočija 3. razreda
Glavna osebnost francoskega kritičnega realizma je Gustave Courbet (1819-1877).
Gustave Courbet
Bil je prvi zahodnoevropski umetnik, ki je odkrito razglasil realizem kot svojo ustvarjalno metodo: prikaz najbolj grdih vidikov življenja brez olepševanja, idealizacije in sentimentalnosti. Liki na njegovih slikah so bili predstavniki vseh slojev prebivalstva, vključno z najnižjimi - delavci, berači, prostitutke.
Glavna stvar Courbetovega dela je bila njegova sposobnost, da pri upodabljanju določenih ljudi daje videzu značilne značilnosti, preprosti žanrski prizori v Courbetovih zapletih pa so dobili značilnosti monumentalnosti.
Vetrovke za drobljenje kamna
Pogreb v Ornansu
Tudi portreti umetnik pogosto daje žanrski značaj, pri čemer model upodablja v določenem gospodinjskem okolju. Tak primer je prizor, ki prikazuje umetnikovega očeta in prijatelje, ki počivajo v majhni lokalni kavarni.
Popoldanski Ornane
Drugi primeri Courbetovih portretov so upodobitev osebe kot simbola določene smeri v umetniškem ustvarjanju.
levo - portret Hectorja Berlioza - ustanovitelja programske simfonije
na desni - portret Charlesa Baudelairea, klasika francoske poezije (Rože zla itd.) - ustanovitelja dekadence in simbolike.
Najbolj odkrita slika Courbet Atelierja ali Umetnikove delavnice je zapletena alegorična kompozicija, kjer za vsako realistično, portretno prepoznavno podobo stoji določena vrsta, ki jo umetnik povzdigne v rang simbola.
Atelje ali umetniška delavnica
Hkrati je umetnik poudaril, da gre za novo vrsto alegorij, realistično, ki nima nič skupnega z romantično fantazijo ali solzljivo sentimentalnostjo simbolike.
Za Courbeta najpomembnejša lastnost realistične umetnosti ni naklonjenost prikrajšanim in zatiranim, temveč prikaz njihove uporabnosti kot članov družbe; ni odraz notranjega sveta, temveč družbena značilnost modelov.
Courbet je menil, da je bistvo realizma zanikanje ideala, zato bi moral razum prevladati v vsem, kar človeka zadeva. Umetnik je verjel, da samo tak položaj vodi do osvoboditve posameznika in navsezadnje do demokracije.
Prihaja iz kmečke družine F. proso (1814-1875), je življenje in delo kmeta postalo glavna tema njegovih slik, ki prikazuje podeželsko delo kot naravno stanje človeka, obliko njegovega bitja.
Jean-Francois Millet
Umetnik je menil, da se prav v delu kaže povezava med človekom in naravo, ki ga izobražuje in plemeniti.
Sajenje Kombajni za krompir
Sredi 19. stoletja so se v Franciji pojavili slikarji, ki so delali predvsem na področju nacionalne krajine. V realistični pokrajini pripada vodilna vloga Camille Corot (1796-1875).
Camille Corot
V prizadevanju za ustvarjanje realistične splošne podobe narave je Corot v njej poskušal izraziti svoja čustva in razpoloženje. Umetnik je menil, da je glavno orodje mirna, razpršena, subtilna svetloba oblačnih dni. Veliko je delal na prenosu svetlobe na sliki, iskal je veliko različnih odtenkov iste barve, tako imenovanih valerjev, poskušal vzbujati strahospoštovanje do njegovih pokrajin.
Vir sunka vetra
Pogled na Rivo. Italijanska Tirolska Tivoli, vrtovi vile d Este, blizu Rima v Italiji
Realizem, simbolika. Predstavitev bo seznanila z delom francoskih umetnikov Courbeta, Daumierja, Milleta.
Realizem v francoskem slikarstvu
Klasicizem, ki je zavladal v razsvetljenski umetnosti že konec 18. stoletja, je nadomestil nov slog, ki je bil posledica pretresov, ki jih je povzročila meščanska revolucija v Franciji, in razočaranja nad njenimi rezultati. Romantizem je postal ta slog. Nekaj \u200b\u200bopomb sem posvetil umetnosti romantizma. Danes se bomo pogovarjali realizem, ki so se začele oblikovati v globinah romantične umetnosti. Francoski literarni kritik Jules François Chanfleurie, ki je prvi uporabil izraz "realizem", mu je nasprotoval simboliko in romantiko. Toda realistična umetniška usmeritev ni postala absolutni antagonist romantike, temveč je bila njeno nadaljevanje.
Izkazalo se je, da je francoski realizem, ki si prizadeva za resničen odsev resničnosti, povezan z revolucionarnim gibanjem in je dobil ime "kritični realizem". Glavna zahteva realizma je privlačnost sodobnosti v vseh njenih pojavnih oblikah, reprodukcija tipičnih likov v značilnih okoliščinah, zanašanje na vitalno zanesljivost slike.
"Umetnost slikanja ne more biti nič drugega kot upodobitev predmetov, ki jih umetnik vidi in oprijema ... realistični umetnik mora posredovati običaje, ideje in videz svoje dobe."
Gustave Courbet
Malo verjetno je, da bi lahko povedal o delu in usodi Gustava Courbeta, ki ga pogosto imenujejo ustanovitelja realizem v francoskem slikarstvu, bolje kot ustvarjalci film "Liberty Courbet" iz serije "Moj Puškin"
V svoji predstavitvi "Realizem v francoskem slikarstvu" Poskušal sem predstaviti tudi dela čudovitih francoskih umetnikov Francois Millet in Honore Daumier... Za tiste, ki jih ta tema zanima, priporočam, da si ogledajo spletno stran Gallerix.ru
Kot vedno majhna seznam knjig kjer lahko preberete o francoskem realizmu in francoskih realističnih umetnikih:
- Enciklopedija za otroke. T.7. Umetnost. Drugi del. - M.: Avanta +, 2000.
- Beckett V. Zgodovina slikarstva. - M.: Založba OOO Astrel: Založba OOO AST, 2003.
- Dmitrieva N.A. Kratka zgodovina umetnosti. Številka III: Države Zahodna Evropa XIX stoletje; Rusija XIX stoletja. - M.: Umetnost, 1992
- Emohonova L.G. Svetovna likovna kultura: Učbenik. Vodnik za študente. Sreda ped. študij. institucije. - M.: Založniško središče "Akademija", 1998.
- Lvova E.P., Sarabyanov D.V., Borisova E.A., Fomina N.N., Berezin V.V., Kabkova E.P., Nekrasova L.M. Svetovna umetnost. XIX stoletje. Likovna umetnost, glasba, gledališče. - SPb.: Peter, 2007.
- Samin D.K. Sto izvrstnih umetnikov. - M.: Veche, 2004.
- Freeman J. Zgodovina umetnosti. - M.: "Založba Astrel", 2003.
Realistična smer v umetnosti in literaturi 19. stoletja.
V 19. stoletju se družba začne hitro razvijati. Pojavljajo se nove tehnologije, razvijajo se medicina, kemična industrija, energetika in promet. Prebivalstvo se začne postopoma seliti iz starih vasi v mesta, stremi k udobju in sodobnemu življenju.
Kulturna sfera se ni mogla ne odzvati na vse te spremembe. Navsezadnje so spremembe v družbi - tako gospodarske kot družbene - začele ustvarjati nove sloge in umetniške usmeritve. Tako romantiko nadomesti velik stilski trend - realizem. Za razliko od predhodnika je ta slog prevzel odsev življenja v takšni obliki, kakršna je, brez olepševanja in izkrivljanja. Ta težnja v umetnosti ni bila nova - najdemo jo že v antiki, v srednjeveški folklori in v dobi razsvetljenstva.
Realizem dobi svoj jasnejši izraz od konca 17. stoletja. Povečano zavedanje ljudi, ki so naveličani življenja z neobstoječimi ideali, povzroča objektivno refleksijo - realizem, ki v francoščini pomeni "material". Nekatere tendence realizma so razvidne iz slik Michelangela Caravagga in Rembrandta. Toda realizem postane najbolj celovita struktura pogledov na življenje v 19. stoletju. V tem obdobju doseže svojo zrelost in razširi svoje meje na celotno evropsko ozemlje in seveda na Rusijo.
Junak realistične smeri postane oseba, ki pooseblja razum in poskuša presoditi negativne manifestacije okoliškega življenja. V literarnih delih se raziskujejo družbena protislovja in vse bolj se prikazuje življenje prikrajšanih ljudi. Daniel Defoe velja za ustanovitelja evropskega realističnega romana. Osnova njegovih del je dober začetek človeka. A okoliščine ga lahko spremenijo, nanj vplivajo zunanji dejavniki.
V Franciji je Frederic Stendhal postal ustanovitelj nove smeri. Dobesedno je plaval proti toku. V prvi polovici 19. stoletja je v umetnosti resnično zavladal romantizem. Glavni lik je bil "izredni junak". In nenadoma ima Stendhal popolnoma drugačno podobo. Njegovi junaki dejansko ne živijo samo v Parizu, ampak tudi v provincah. Avtor je bralcu dokazal, da je mogoče opis vsakodnevnega življenja, resničnih človeških izkušenj brez pretiravanja in olepševanja spraviti na raven umetnosti. G. Flaubert je šel še dlje. Že razkrije psihološki značaj junaka. To je zahtevalo popolnoma natančen opis najmanjših podrobnosti, prikaz zunanje strani življenja za natančnejši prenos njegovega bistva. Guy de Maupassant je postal njegov privrženec v tej smeri.
Avtorji, kot so Ivan Krilov, Aleksander Gribojedov, Aleksander Puškin, so stali ob izvoru razvoja realizma v umetnosti 19. stoletja v Rusiji. Prvi najsvetlejši elementi realizma so se pojavili že leta 1809 v prvi zbirki basni I.A. Krilov. Glavno v središču vseh njegovih basni je konkretno dejstvo. Iz njega se oblikuje lik, rodi se takšna ali drugačna vedenjska situacija, ki se poslabša z uporabo ustaljenih idej o naravi živalskih značajev. Zahvaljujoč izbrani zvrsti je Krilov v sodobnem življenju pokazal živahna protislovja - spopad močnih in šibkih, bogatih in revnih, zasmehovanje uradnikov in plemičev.
V delu Gribojedova se realizem kaže v uporabi tipičnih likov, ki se znajdejo v tipičnih okoliščinah - glavno načelo tega trenda. Zahvaljujoč tej tehniki je njegova komedija "Gorje od pameti" aktualna danes. Like, ki jih je uporabil v svojih delih, je vedno mogoče najti.
Realistični Puškin predstavlja nekoliko drugačen umetniški koncept. Njegovi liki iščejo vzorce v življenju, opirajo se na izobraževalne teorije, univerzalne človeške vrednote. Zgodovina in religija igrata pri njegovih delih pomembno vlogo. To njegova dela približa ljudem in njihovemu značaju. Še ostrejša in globlja narodnost se je pokazala v delih Lermontova in Gogolja ter kasneje v delih predstavnikov "naravne šole".
Če govorimo o slikarstvu, je bilo glavno geslo realističnih umetnikov 19. stoletja objektivna upodobitev stvarnosti. Tako so francoski umetniki sredi tridesetih let 19. stoletja, ki jih je vodil Theodore Rousseau, začeli slikati podeželske pokrajine. Izkazalo se je, da lahko najbolj običajna narava brez olepševanja postane edinstven material za ustvarjanje. Naj bo to turoben dan, temno nebo pred nevihto, utrujen orač - vse to je nekakšen portret resničnega življenja.
Gustave Courbet, francoski slikar druge polovice 19. stoletja, je s svojimi slikami povzročil jezo v meščanskih krogih. Navsezadnje je upodobil resnično življenje, tisto, kar je videl okoli sebe. To so lahko žanrski prizori, portreti in tihožitja. Njegova najbolj znana dela vključujejo "Pokop v Ornanih", "Ogenj", "Jelen ob vodi" in škandalozna platna "Izvor sveta" in "Sleepers".
V Rusiji je bil utemeljitelj realizma v umetnosti 19. stoletja P.A. Fedotov (Majorjevo povezovanje). V svojih delih, ki se zateka k satiri, obsoja hudobno moralo in sočustvuje z revnimi. Njegova zapuščina vključuje številne risanke in portrete.
V drugi polovici 19. stoletja je temo »ljudskega življenja« prevzel I.Ye. Repin. V njegovih slavnih slikah "Zavrnitev spovedi" in "Prevozi bark na Volgi" je izpostavljeno kruto izkoriščanje ljudi in protest, ki se širi med množicami.
Realistični trendi so še naprej obstajali v 20. stoletju pri delu pisateljev in umetnikov. Toda pod vplivom novega časa so začeli pridobivati \u200b\u200bdruge, sodobnejše poteze.
Francoski realizem.
Realizem 30-40
Realizem je resničen, objektiven odsev resničnosti. Realizem je nastal v Franciji in Angliji v razmerah zmage meščanskega reda. Družbeni antagonizmi in pomanjkljivosti kapitalističnega sistema so določali ostro kritičen odnos realističnih pisateljev do njega. Οʜᴎ obsodil krčenje denarja, očitno družbeno neenakost, sebičnost, hinavščino. V svoji ideološki namenskosti postane kritični realizem. Skupaj z idejami humanizma in socialne pravičnosti. V Franciji je v 30. in 40. letih Oporet de Balzac ustvaril svoja najboljša realistična dela, ki so napisali 95-zvezkovno "Človeško komedijo"; Victor Hugo - "Katedrala Notre Dame", "Tretindevetdeseto leto", "Odobreno" itd.
Objavljeno na ref.rf
Gustave Flaubert - "Madame Bovary", "Izobraževanje čutil", "Salammbo" Prosper Merimo - mojster kratkih zgodb "Mateo Falcone", "Colomba", "Carmen", avtor dram, zgodovinske kronike "Kronika časov Charles 10 "itd.
Objavljeno na ref.rf
V tridesetih - štiridesetih letih v Angliji. Charles Dickens je izjemen satirik in humorist, dela "Dombie in sin", "Težki časi", "Velika pričakovanja", ki so vrhunec realizma. William Makepeace Thackeray v romanu "Vanity Fair", v zgodovinskem delu "Zgodba Henryja Esmonda", zbirki satiričnih esejev "Knjiga o snobih", je figurativno prikazal primere, ki so značilni za meščansko družbo. V zadnji tretjini 19. stoletja. literatura skandinavskih držav pridobiva svetovni ugled. To so najprej dela norveških pisateljev: Heinricha Ibsena - drame "Lutkina hiša" ("Nora"), "Duhovi", "Sovražnik ljudi" pozivajo k emancipaciji človeške osebe od hinavskih meščanov. morala. Bjernsonove drame "Stečaj", "Nad našo močjo" in poezija. Knut Hamsun - psihološki romani "Lakota", "Skrivnosti", "Pan", "Victoria", ki prikazujejo osebnostni upor proti filističnemu okolju.
Revolucija 1789ᴦ., Čas akutnega političnega boja. V Franciji se spreminja pet političnih režimov: 1.) 1795 - 1799 obdobje imenika, 2.) 1799 - 1804 obdobje Napoleonovega konzulata. 3) 1804 - 1814 - obdobje Napoleonovega imperija in vojn. 4) 1815 - 1830 - obdobje obnove. 5) 1830 - 1848 - obdobje julijske monarhije, 6) revolucija 1848, krepitev meščanski. Realizem v Franciji se je oblikoval teoretično in beseda. Literatura je razdeljena na dve stopnji: Balzacovo in Flaubertovo. I) 30 -Letalizem pomeni reprodukcijo različnih naravnih pojavov. 40. leta, realizem - namestitev podobe sodobnega življenja, ki ne temelji samo na domišljiji, ampak tudi na neposrednem opazovanju. Značilnosti: 1) analiza življenja, 2) potrjeno načelo tipizacije; 3) načelo ciklizacije; 4) usmerjenost k znanosti; 5) manifestacija psihologizma. Vodilni žanr je roman. II) 50. letprelomnico v konceptu realizma, ki je bil povezan s slikovito ustvarjalnostjo Courbeta, sta s Chanfleuryjem oblikovala nov program. Proza, iskrenost, objektivnost v opazovanem.
BERANGE Pierre-Jean - francoski tekstopisec. Prva pomembna B.-ova tovrstna dela so njegovi pamfleti o Napoleon I: "Kralj Iveto", "Politična razprava". Toda razcvet B. satire pade na obdobje obnove. Vrnitev Burbonov na oblast in z njimi tudi emigrantov-aristokratov, ki se v letih revolucije niso ničesar naučili in niso ničesar pozabili, v B. vzbudi dolgo serijo pesmi, brošur, v katerih je celotna družbena in politični sistem dobe najdemo briljantno satirično refleksijo. Njihovo nadaljevanje so brošure, usmerjene proti Louis Philippe kot predstavnik finančne buržoazije na prestolu. V teh pesmih je to-ry B. sam imenoval puščice, prestreljene v prestol, cerkev, birokracijo, meščanstvo, pesnik se skozi poezijo pojavlja kot politična tribuna, ki brani interese delovne buržoazije, ki je igrala revolucionarno vlogo v dobi B., ki je nato končno prešla v proletariat. B. je bil v nasprotju z Napoleonom med njegovo vladavino in uveljavlja kult njegovega spomina med Burboni in Louisom Philippeom. V pesmih tega cikla je Napoleon idealiziran kot predstavnik revolucionarne moči, povezane z množicami. Glavni motivi tega cikla: vera v moč idej, svoboda kot nekakšno abstraktno dobro in ne kot resnični rezultat razrednega boja, ki je izredno pomemben v povezavi z nasiljem ("Ideja", "Misel"). V eni od pesmi v tem ciklu B. pokliče svoje učitelje: Owen, La Fontaine, Fourier... Tako imamo pred seboj privržence utopičnega predmarksovskega socializma. Prva pesniška zbirka mu odvzame usmiljenje nadrejenih na univerzi, kjer je nato služboval. Druga zbirka prinaša B. pregon, ki se konča s trimesečno zaporno kaznivo dejanje, zaradi žalitve morale, cerkve in kraljevine. Zaradi četrte zbirke je avtorica drugič zaprta, tokrat 9 mesecev. Kljub vsemu se je B. sodelovanje v političnem življenju v pravem pomenu besede (če se ne dotaknemo revolucionarnega delovanja pesmi) razlilo na primer v precej zmernih oblikah.
Objavljeno na ref.rf
v obliki podpore liberalcem v revoluciji 1830. V zadnjih letih se je B. umaknil iz javnega življenja, se naselil v bližini Pariza, pri svojem delu prešel iz političnih v družbene motive in jih razvijal v duhu populizma (ЖRyzhaya Zhannaʼʼ, Brodyagaʼʼ, ʼʼZhakʼʼ itd.) ...
BALZAC, VEČ(Balzac, Honoré de) (1799-1850), francoski pisatelj, ki je poustvaril popolno sliko družbenega življenja svojega časa. Poskus bogastva v založniški in tiskarski dejavnosti (1826-1828) je Balzaca pripeljal do velikih dolgov. Ko se je vrnil k pisanju, je leta 1829 objavil roman Zadnji Shuang... Bila je prva knjiga, ki je izšla pod njegovim imenom, skupaj s šaljivim priročnikom za može. Fiziologija zakonske zveze 1829) je pozornost novega avtorja pritegnila. Hkrati se je začelo glavno delo njegovega življenja: leta 1830 prvo Zasebni prizori , nedvomna mojstrovina Hiška mačke, ki se igra z žogo , leta 1831 prvi Filozofske zgodbe in zgodbe ... Balzac je še nekaj let honorarno delal kot svobodni novinar͵, vendar so bile glavne sile med letoma 1830 in 1848 namenjene obsežnemu ciklu romanov in zgodb, ki jih svet pozna kot Človeška komedija.Leta 1834 je imel Balzac načrt za povezavo skupni junaki napisano od leta 1829 in prihodnja dela ter jih združiti v ep, pozneje imenovan "Človeška komedija". Balzac je poosebljal idejo o univerzalni soodvisnosti v svetu in zasnoval vsestransko umetniško študijo francoske družbe in človeka.Filozofski okvir te umetniške zgradbe je materializem iz 18. stoletja, sodobne naravoslovne teorije Balzaca, ki so se posebno stopile elementi mističnih naukov. Človeška komedija ima tri sklope. I. Študije morale: 1) prizori zasebnega življenja; 2) prizori provincialnega življenja; 3) prizori pariškega življenja; 4) prizori političnega življenja; 5) prizori vojaškega življenja; 6) prizori podeželskega življenja. II. Filozofske študije. III. Analitične študije. Kot da gre za tri kroge spirale, ki se dvigajo od dejstev do vzrokov in podlag (glej Predgovor Človeška komedija, Sobr.
Objavljeno na ref.rf
cit., zvezek 1, M., I960). "Človeška komedija" vključuje 90 del. Balzac bbil je prvi veliki pisatelj, ki je zelo pozoren na materialno ozadje in "videz" svojih likov; pred njim ni nihče izkoriščanja denarja in brezobzirnega karierizma predstavljal kot glavno spodbudo v življenju. Gobseck 1830), v Neznana mojstrovina (1831), Evgenia Grande, Pisma neznancu o ljubezni do poljskega dekanterja.
100 RUR bonus za prvo naročilo
Izberite vrsto dela Diplomsko delo Naloge Izvleček magistrskega dela Poročilo o nalogi Članek Poročilo Pregled Izpitno delo Monografija Reševanje problemov Poslovni načrt Odgovori na vprašanja Ustvarjalno delo Eseji Risanje esejev Prevod Predstavitve Tipizacija Drugo Povečanje edinstvenosti besedila Doktorska naloga Laboratorijske vaje Pomoč on-line
Ugotovite ceno
V letih 1830-1840, zlasti v delih Balzaca, se kažejo značilne lastnosti realizma. Realisti svojo glavno nalogo vidijo v umetniški reprodukciji stvarnosti, v poznavanju zakonov, ki določajo njeno dialektiko in raznolikost oblike.
"Sama zgodovinarka je morala biti francoska družba, jaz sem lahko bil le njen tajnik," je v predgovoru Človeške komedije poudaril Balzac, ki je načelo objektivnosti v pristopu k prikazovanju resničnosti razglasil za najpomembnejše načelo realistične umetnosti. Ob tem veliki romanopisec ugotavlja: "Naloga umetnosti ni kopiranje narave, temveč njeno izražanje!" Dejansko kot umetnost, ki daje večplastno sliko realnosti; realizem še zdaleč ni omejen na moralni opis in opis vsakdanjega življenja, njegove naloge vključujejo tudi analitično preučevanje objektivnih zakonov življenja - zgodovinskih, družbenih, etičnih, psiholoških, pa tudi kritično oceno sodobnega človeka in družbe na na eni strani in prepoznavanje pozitivnega začetka v živi resničnosti - na drugi strani ...
Eden ključnih postulatov realizma - uveljavljanje načel realistične tipizacije in njihovo teoretično razumevanje - je povezan predvsem s francosko literaturo, z delom Balzaca. Načelo ciklizacije, ki ga je uvedel Balzac, je bilo v prvi polovici 19. stoletja tudi inovativno in pomembno za usodo realizma nasploh. "Človeška komedija" je prva izkušnja ustvarjanja serije romanov in novel, ki jih povezuje zapletena veriga vzrokov in posledic ter usoda likov, vsakič pa se pojavijo na novi stopnji njihove usode ter moralnega in psihološkega razvoja. Ciklizacija se je odzvala na željo realizma po vseobsegajočem, analitičnem in sistemskem umetniškem preučevanju stvarnosti.
Že v Balzacovi estetiki se razkrije usmerjenost k znanosti, predvsem biologiji. Ta trend se nadalje razvija v delu Flauberta, ki skuša uporabiti načela znanstvenega raziskovanja v sodobnem romanu. Tako se "znanstveni" odnos, značilen za pozitivistično estetiko, kaže v umetniški praksi realistov že dolgo, preden postane vodilni v naturalizmu. Toda tako Balzac kot Flaubertovo prizadevanje za "znanstvenost" je brez narave naravoslovcev po absoltizaciji naravnih zakonov in njihove vloge v življenju družbe.
Močna in svetla plat realizma v Franciji je psihologizem, v katerem se romantična tradicija zdi globlja in večplastnejša. Obseg vzročnih motivacij psihologije, značaja in človekovih dejanj, ki na koncu tvorijo njegovo usodo, se v literaturi realizma močno širi, poudarek je enakovreden zgodovinskemu in družbenemu determinizmu ter osebnemu in individualnemu principu. Zahvaljujoč temu je dosežena največja zanesljivost psihološke analize.
Vodilna zvrst realizma v Franciji, tako kot v drugih državah, postaja roman v svojih sortah: moralno deskriptivni, družbeno-psihološki, psihološki, filozofski, fantastični, pustolovski, zgodovinski.
Nove teme se odražajo v delu realistov: razvoj sodobne družbe, pojav novih vrst in odnosov, nova morala in novi estetski pogledi. Te teme so utelešene v delih Stendhala, Balzaca in Mériméeja. Nacionalna identiteta francoskega realizma se je odražala v želji teh pisateljev, da bi razumeli bistvo bogatih družbenih izkušenj, ki jih je francoska družba nabrala v nemirnem obdobju, ki se je začelo z revolucijo leta 1789 in se je nadaljevalo v življenju pisateljev.
Oboroženi ne samo s svojim talentom, ampak tudi z globokim poznavanjem resničnosti, so realisti ustvarili orjaško panoramo francoskega življenja in ga pokazali v gibanju. Dela Stendhala, Balzaca, Mériméeja in Berangerja so pričala o tem, da se je v zgodovinskem procesu francosko plemstvo približevalo popolnemu zatonu. Realisti so videli tudi pravilnost pojava novih gospodarjev življenja - predstavnikov meščanstva, ki so jih označili na podobah Valna ali Gobseka.
Značilnosti nastajajočega realizma se na različne načine takoj pokažejo v delih različnih pisateljev. Kljub temu, da so si problemi del Balzaca in Stendhala v marsičem podobni, se posamezne značilnosti njihove ustvarjalne metode bistveno razlikujejo: Stendhal je najprej mojster psihološkega romana, ki si prizadeva poglobiti notranji svet posameznikov. Balzac ustvari ogromno platno francoske resničnosti, cel svet, v katerem živijo številne figure.
Tako Stendhal kot Balzac imata historicizem. Skozi njihova dela gre ideja, da je družba v stanju nenehnih sprememb, in iščejo razloge za ta razvoj. Tudi zgodovina je neločljivo povezana z Merimo. Zanj je družbeno življenje nenehna sprememba ravnovesja družbenih sil, ki vpliva na človeški značaj. Merimee v številnih svojih delih prikazuje sodobnike, ki jih je pohabljala in pokvarila meščanska družba ("Dvojna napaka", "Etruščanska vaza" itd.).
Vse zgoraj navedene značilnosti francoskega realizma so se pokazale že v tridesetih in štiridesetih letih 20. stoletja, predvsem v delu Balzaca in Stendhala. Toda temeljna novost realizma kot umetniške metode takratni pisci in kritiki še vedno slabo razumejo. Stendhalove teoretične predstave (med njimi Racine in Shakespeare, Walter Scott in Princesa iz Clevesa) so povsem v skladu z bojem za romantiko. Čeprav Balzac zaznava temeljno novost metode Človeška komedija, ji ne daje nobene konkretne opredelitve. V svojih kritičnih delih se loči od Stendhala in Mérimée, hkrati pa prepozna bližino, ki ga povezuje s temi pisatelji. Balzac v svoji "Študiji bale" (1840) skuša klasificirati pojave sodobne literature, a se hkrati sklicuje (na "eklektiko") in Stendhal (na "literaturo idej") na različne tokove. Za "šolo idej" je Balzac kot značilno menil analitični začetek, katerega namen je razkriti kompleksne trke notranjega sveta. Pod "eklektično šolo" je mislil umetnost in si prizadeval za široko epsko pokritost stvarnosti in družbenih posploševanj, ki jih vsebujejo številni tipi, ki so jih umetniki ustvarili na podlagi opazovanja življenja. Tudi tako avtoritativni kritik 19. stoletja, kot je Sainte-Beuve, v svojem članku "Deset let pozneje v literaturi" (1840) opusti izraz "realizem", v "Človeški komediji" pa vidi le manifestacijo pretirane in obsodljiva resničnost, avtorja primerja z "zdravnikom, ki neskromno razkriva sramotne bolezni svojih pacientov." Kritik Stendhalova dela obravnava enako plitko. In šele s prihodom "Madame Bovary" (1857) Flaubert Saint-Beuve izjavi: "... Zdi se mi, da ujamem znake nove literature, značilnosti, ki so očitno značilne za predstavnike novih generacij" ("Madame Bovary" avtorja Gustave Flaubert "(1857)).
Vse to priča o tem, da oblikovanje teoretičnega koncepta nove umetniške metode na prvi stopnji njenega razvoja močno zaostaja za prakso. Na splošno je prva stopnja francoskega realizma ustvarjanje nove metode, katere teoretična utemeljitev se bo začela nekoliko kasneje.
Naraščajoča kritična težnja v francoski literaturi je potekala po naraščajoči liniji in se stopnjevala, ko se je razkrivalo protipopularno bistvo meščanske monarhije Louisa Philippea. Kot dokaz za to so se v drugi polovici 30-ih pojavili Balzacovi Izgubljene iluzije, posvečeni temi razočaranja nad meščansko resničnostjo.
V Franciji je bila realistična estetika bolj izrazito teoretična kot v drugih državah, beseda "realizem" pa je bila najprej uporabljena kot izraz, ki izraža kompleks umetniških načel, katerih privrženci so ustvarili nekaj podobnega šoli.
Kot smo že omenili, se izraz "realizem" začne pojavljati na straneh francoskih revij že v 1820-ih, a šele v 1840-ih se ta beseda osvobodi negativnega ocenjevalnega pomena. Globoke spremembe v odnosu do koncepta "realizma" se bodo zgodile nekoliko kasneje, sredi petdesetih let, in bodo povezane z dejavnostmi J. Chanfleurieja in L. E. Durantyja in njihovih sodelavcev.
Treba je opozoriti, da pot zgodnjih francoskih realistov še zdaleč ni bila gladka. Meščanska družba je lovila in preganjala tiste, ki so o njej pisali resnico. Biografije Berangerja, Stendhala in Balzaca so bogate z dejstvi, ki pričajo o tem, kako pametno so meščanski vladajoči krogi uporabili najrazličnejša sredstva, da bi se znebili pisateljev, ki jih niso marali. Berangerju so zaradi njegovih del sodili. V času svojega življenja je bil Stendhal skoraj neznan, Balzac, splošno znan v tujini, je umrl, ne da bi v Franciji prejel ustrezno priznanje. Merimejeva službena kariera je bila precej uspešna, vendar je bil tudi po svoji smrti ocenjen kot pisatelj.
1830. in 40. leta so predstavljala pomembno obdobje v zgodovini Francije in njene literature. Ob koncu tega obdobja, torej na predvečer revolucije 1848, je že postalo jasno, da je najbolj bistveno, najnovejše v bogati literarni izkušnji 30-ih in 40-ih let povezano z realističnim trendom, katerega predstavniki so bili sposoben ustvariti najbolj žive in resnične slike francoskega življenja med obema revolucijama, postaviti trdne temelje za nadaljnji razvoj nacionalne francoske literature.
Francosko umetniško šolo na prelomu iz 17. v 18. stoletje lahko imenujemo vodilna evropska šola, takrat so v Franciji nastali umetniški slogi, kot so rokoko, romantizem, klasicizem, realizem, impresionizem in postimpresionizem.
Rokoko (Francoski rokoko, iz rocaille - okrasni motiv v obliki školjke) - slog v evropski umetnosti 1. polovice 18. stoletja. Za rokoko je značilen hedonizem, umik v svet idilične gledališke igre, odvisnost od pastoralnih in čutno erotičnih tem. Lik dekoracije v rokokoju je dobil izrazito graciozne, prefinjene in zapletene oblike.François Boucher, Antoine Watteau, Jean Honore Fragonard so delali v rokokojskem slogu.
Klasicizem - slog v evropski umetnosti 17. - začetka 19. stoletja, katerega značilnost je bila privlačnost k oblikam antične umetnosti kot idealnemu estetskemu in etičnemu standardu.Jean Baptiste Greuze, Nicolas Poussin, Jean Baptiste Chardin, Jean Dominique Ingres, Jacques-Louis David so delali v slogu klasicizma.
Romantizem - slog evropske umetnosti v 18. in 19. stoletju, katerega značilnosti so bile uveljavljanje notranje vrednosti duhovnega in ustvarjalnega življenja posameznika, podoba močnih in pogosto uporniških strasti in značajev.Francisco de Goya, Eugene Delacroix, Theodore Gericault, William Blake so delali v slogu romantike.
|
Edouard Manet. Zajtrk na delavnici. 1868 g. |
Rojstvo realizma v slikarstvu je najpogosteje povezano z delom francoskega umetnika Gustava Courbeta, ki je leta 1855 v Parizu odprl svojo osebno razstavo "Paviljon realizma", čeprav so že pred njim umetniki barbizonske šole Theodore Rousseau, Jean -Francois Millet, Jules Breton je delal realistično ... V sedemdesetih letih prejšnjega stoletja. realizem je bil razdeljen na dve glavni področji - naturalizem in impresionizem.
Realistično slikarstvo se je razširilo po vsem svetu. Popotniki so delovali v slogu realizma akutne družbene usmeritve v Rusiji v 19. stoletju.
Impresionizem (iz francoskega vtis - vtis) - slog v umetnosti zadnje tretjine 19. - začetka 20. stoletja, katerega značilnost je bila želja po najbolj naravnem zajemanju resničnega sveta v njegovi gibljivosti in spremenljivosti, bežni vtisi. Impresionizem ni sprožil filozofskih vprašanj, temveč se je osredotočil na fluidnost trenutka, razpoloženja in razsvetljave. Življenje samo postane tema impresionistov, kot vrsta majhnih počitnic, zabav, prijetnih piknikov v naravi v prijaznem okolju. Impresionisti so med prvimi slikali na prostem, ne da bi dokončali svoje delo v studiu.Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Georges Seurat, Alfred Sisley in drugi so delali v slogu impresionizma.
Postimpresionizem - umetniški slog, ki se je pojavil konec 19. stoletja. Postimpresionisti so si prizadevali svobodno in na splošno posredovati materialnost sveta, pri čemer so se zatekli k dekorativni stilizaciji.Postimpresionizem je povzročil umetniška področja, kot so ekspresionizem, simbolika in modernost.
Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cezanne, Toulouse-Lautrec so delali v slogu postimpresionizma.
Pobližje si oglejmo impresionizem in postimpresionizem na primeru dela posameznih mojstrov Francije v 19. stoletju.
|
Edgar Degas. Avtoportret. 1854-1855 |
Začenši s strogo kompozicijo zgodovinskih slik in portretov, se je Degas v sedemdesetih letih 20. stoletja približal predstavnikom impresionizma in se usmeril k upodobitvi sodobnega urbanega življenja - ulic, kavarn, gledaliških predstav.
Na Degasovih slikah so premišljena in preverjena dinamična, pogosto asimetrična kompozicija, natančna prilagodljiva risba, nepričakovani koti, aktivnost interakcije med figuro in prostorom.
|
E. Degas. Kopalnica. 1885 g. |
Najljubša pastelna tehnika je Edgarju Degasu omogočila, da v celoti pokaže svoj talent risarja. Nasičeni toni in "lesketajoči" potezi pastelov so umetniku pomagali ustvariti tisto posebno barvito vzdušje, tisto mavrično zračnost, ki tako odlikuje vsa njegova dela.
V zrelih letih se Degas pogosto posveča temi baleta. Krhke in breztežne figure balerin se pred gledalcem pojavijo bodisi v mraku plesnih ur, bodisi v soju reflektorjev na odru ali v kratkih trenutkih sprostitve. Navidezna naključnost kompozicije in nepristranski položaj avtorja ustvarjata vtis vohuna za življenjem nekoga drugega, umetnik nam pokaže svet miline in lepote, ne da bi pri tem padel v pretirano sentimentalnost.
Edgarja Degasa lahko imenujemo subtilni kolorist, njegovi pasteli so presenetljivo harmonični, včasih občutljivi in \u200b\u200blahki, nato zgrajeni na ostrih barvnih kontrastih. Način Degasa je bil izjemen po svoji svobodi, pastele je nanašal z drznimi, lomljenimi potezami, včasih je pustil ton papirja skozi pastel ali dodal poteze z olji ali akvareli. Barva na Degasovih slikah izvira iz mavričnega sijaja, iz pretočnega toka mavričnih črt, ki rodijo obliko.
Kasnejša Degasova dela odlikujejo intenzivnost in bogastvo barv, ki jih dopolnjujejo učinki umetne razsvetljave, povečane, skoraj ravne oblike, tesnost prostora, kar jim daje napeto dramatičen značaj. V tem
obdobje je Degas napisal eno svojih najboljših del - "Modre plesalke". Umetnik tukaj dela z velikimi barvnimi pikami, pri čemer daje prednost dekorativni organizaciji površine slike. Kar zadeva lepoto barvne harmonije in kompozicijske rešitve, lahko sliko "Modri \u200b\u200bplesalci" štejemo za najboljše utelešenje teme baleta Degasa, ki je na tej sliki dosegel vrhunsko bogastvo teksture in barvnih kombinacij.
|
P.O.Renoir. Avtoportret. 1875 g. |
|
P.O.Renoir. Veslaški bazen. 1869 g. |
|
P.O.Renoir. Portret igralke Jeanne Samary. 1877 g. |
Treba je opozoriti, da je uporaba zelenih, rumenih, oker, roza in rdečih tonov za upodabljanje kože šokirala takratno javnost, ki ni bila pripravljena zaznati dejstva, da morajo biti sence obarvane in napolnjene s svetlobo.
V osemdesetih letih 20. stoletja se v delu Renoirja začne tako imenovano "Ingresovo obdobje". Večina slavno delo to obdobje - "Veliki kopalci". Za gradnjo kompozicije je Renoir najprej začel uporabljati skice in skice, črte risbe so postale jasne in določene, barve so izgubile svojo prejšnjo svetlost in nasičenost, slika kot celota je začela videti bolj zadržana in hladnejša.
V zgodnjih 1890-ih so se v umetnosti Renoir zgodile nove spremembe. Na slikarski način se pojavi mavrična barva, zato to obdobje včasih imenujemo "biser", nato pa to obdobje preide v "rdečo", tako imenovano zaradi naklonjenosti rdečkastim in roza barvam.
Eugene Henri Paul Gauguin (leta življenja 1848-1903) - francoski slikar, kipar in grafik. Skupaj s Cezanneom in Van Goghom je bil največji predstavnik postimpresionizma. Slikati je začel v odrasli dobi, zgodnje obdobje ustvarjalnosti je povezano z impresionizmom. Najboljša Gauguinova dela so bila napisana na otokih Tahiti in Hiva-Oa v Oceaniji, kjer je Gauguin zapustil "hudobno civilizacijo". Značilnosti Gauguinovega sloga lahko pripišemo ustvarjanju na velikih ravnih platnih statičnih in kontrastnih barvnih kompozicij, globoko čustvenih in hkrati dekorativnih.V rumenem Kristusu je Gauguin prikazal križanje v ozadju tipične francoske podeželske pokrajine, trpečega Jezusa, obkroženega s tremi bretonskimi kmečkami. Pacifikacija se je razlila v zraku, umirjeni podrejeni položaji žensk, pokrajina, nasičena s sončno rumeno barvo z drevesi v rdečem jesenskem listju, kmet, ki je v daljavi zaposlen s svojimi posli, ne moreta, da ne bi prišla v nasprotje z dogajanjem križ. Okolje je v popolnem nasprotju z Jezusom, čigar obraz kaže stopnjo trpljenja, ki meji na apatijo, brezbrižnost do vsega, kar ga obdaja. Protislovje brezmejnih muk, ki jih je sprejel Kristus, in "nevidnost" te žrtve s strani ljudi je glavna tema tega Gauguinovega dela.
|
P. Gauguin. Ste ljubosumni? 1892 g. |
na obali dve sestri - pravkar sta se kopali, zdaj pa se njihova telesa razprostirajo na pesku v priložnostnih voljnih položajih -, ko govorijo o ljubezni, en spomin povzroči prepir: »Kako? Ste ljubosumni!".
S slikanjem slastne polnokrvne lepote tropske narave, naravnih ljudi, ki jih civilizacija ni pokvarila, je Gauguin prikazal utopične sanje o zemeljskem raju, človeškem življenju v harmoniji z naravo. Gauguinova polinezijska platna so po dekorativnosti barve, ravnosti in monumentalnosti kompozicije, posploševanju stilizirane risbe podobna ploščam.
P. Gauguin. Od kod prihajamo? Kdo smo mi? Kam gremo? 1897-1898
Slika “Od kod smo prišli? Kdo smo mi? Kam gremo?" Gauguin je menil za vzvišeni vrhunec svojih razmišljanj. Po umetnikovi zamisli je treba sliko brati od desne proti levi: tri glavne skupine figur ponazarjajo vprašanja, ki so zastavljena v naslovu. Skupina žensk z otrokom na desni strani slike predstavlja začetek življenja; srednja skupina simbolizira vsakdanjik zrelosti; v skrajni levi skupini je Gauguin prikazal človeško starost, pristop k smrti; modri idol v ozadju simbolizira drugi svet. Ta slika je vrhunec Gauguinovega prelomnega postimpresionističnega sloga; v njegovem slogu se je združila jasna uporaba barv, dekorativne barvne in kompozicijske rešitve, ravnost in monumentalnost podob s čustveno izraznostjo.
Gauguinovo delo je predvidevalo številne značilnosti secesije, ki so se pojavile v tem obdobju, in vplivalo na oblikovanje mojstrov skupine Nabis in drugih slikarjev v začetku 20. stoletja.
|
V. Van Gogh. Avtoportret. 1889 g. |
Leta 1888 se je Van Gogh preselil v Arles, kjer je bila končno ugotovljena izvirnost njegove ustvarjalne manire. Ognjeni umetniški temperament, boleč impulz po harmoniji, lepoti in sreči ter obenem strah pred silami, ki so sovražne človeku, so utelešeni bodisi v pokrajinah, ki se svetijo s sončnimi barvami juga (»Rumena hiša«, »Žetev. Dolina La Cro "), ali v zloveščih podobah, ki spominjajo na nočno moro (" Night Cafe Terrace "); dinamika barve in razmaza
|
V. Van Gogh. Terasa nočne kavarne. 1888 g. |
Naporno delo Van Gogha v zadnjih letih so spremljali napadi duševnih bolezni, zaradi katerih je prišel v bolnišnico za duševne bolnike v Arlesu, nato v Saint-Remy (1889-1890) in v Auvers-sur-Oise (1890), kjer je storil samomor. Delo zadnjih dveh let umetnikovega življenja zaznamujejo ekstatična obsedenost, izjemno povišan izraz barvnih kombinacij, nenadne spremembe razpoloženja - od blaznega obupa in mračnega vizionarstva (»Cesta s cipresami in zvezdami«) do drhtečega občutka razsvetljenje in mir (»Pokrajina v Auversu po dežju«) ...
|
V. Van Gogh. Irises. 1889 g. |
V. Van Gogh. Pšenično polje z vranami. 1890 g.
"Pšenično polje z vranami" je slika Van Gogha, ki jo je umetnik naslikal julija 1890 in je eno njegovih najbolj znanih del. Slika naj bi bila dokončana 10. julija 1890, 19 dni pred njegovo smrtjo v Auvers-sur-Oise. Obstaja različica, da je Van Gogh storil samomor v procesu slikanja te slike (po odhodu na prosto z materiali za risanje se je ustrelil iz kupljene pištole, da bi prestrašil jate ptic v območju srca, nato pa samostojno dosegel bolnišnici, kjer je umrl zaradi izgube krvi).
Umetnost Francije, zelo politizirane države, se je vedno odzivala na dogodke, ki so vplivali na globoke temelje svetovnega reda. Zato je država v XIX. preživel padec imperija, obnovo Bourbonov, dve revoluciji, ki so sodelovali v mnogih vojnah, niso več potrebni umetniška predstavitev oblasti. Ljudje so želeli videti in mojstri ustvariti platna, naseljena s sodobniki, ki delujejo v resničnih okoliščinah. Delo velikega umetnika Honorea Daumierja (1808 - 1879) je odražalo dobo 19. stoletja, polno družbenih preobratov. Grafika Daumierja, mojstra politične karikature, ki je obsojal monarhijo, družbeno krivico in militarizem, je pridobila široko popularnost in postala nekakšna kronika življenja in običajev te dobe. Daumierjev umetniški talent se je razkril v štiridesetih letih prejšnjega stoletja. Umetnik sam ni želel razstavljati svojih slik. Njegova platna si je ogledalo le nekaj bližnjih ljudi - Delacroix in Baudelaire, Corot in Daubigny, Balzac in Michelet. Prvi so zelo cenili Daumierjev slikovni talent, ki ga pogosto imenujejo tudi "kiparski". V prizadevanju, da bi izpopolnil svoje stvaritve, je umetnik pogosto oblikoval figure iz gline, s čimer je izboljšal značilne lastnosti ali pretiraval v naravnih razmerjih. Nato je vzel čopič in s pomočjo te "narave" ustvaril slikovite podobe. V Daumierjevi sliki običajno ločimo groteskno-satirične, lirične, junaške, epske črte.
Od konca XVIII. Francija je imela pomembno vlogo v družbenem in političnem življenju Zahodne Evrope. XIX stoletje. zaznamovalo široko demokratično gibanje, ki je zajelo skoraj vse sloje francoske družbe. Revoluciji leta 1830 je sledila revolucija leta 1848. Leta 1871 so ljudje, ki so razglasili Pariško občino, prvič v zgodovini Francije in celotne Zahodne Evrope prevzeli politično moč v državi.
Kritična situacija, ki se je razvila v državi, ni mogla ne vplivati \u200b\u200bna odnos ljudi. V tej dobi si progresivna francoska inteligenca prizadeva najti nove poti v umetnosti in nove oblike umetniškega izražanja. Zato so se v francoskem slikarstvu veliko prej kot v drugih zahodnoevropskih državah razkrile realistične težnje.
Revolucija leta 1830 je v Franciji zaživela demokratične svoboščine, ki jih grafiki niso izkoristili. Ostre politične risanke, usmerjene proti vladajočim krogom, pa tudi razvade, ki prevladujejo v družbi, so polnile strani revij "Sharivari", "Caricature". Ilustracije za periodične publikacije so bile narejene v tehniki litografije. V žanru karikatur so delali umetniki, kot so A. Monier, N. Charlet, J. I. Granville, pa tudi izjemen francoski grafik O. Daumier.
Pomembno vlogo v francoski umetnosti v obdobju med revolucijami 1830 in 1848 je imel realistični trend v krajinskem slikarstvu - t.i. šola barbizon. Ta izraz izvira iz imena majhne slikovite vasice Barbizon blizu Pariza, kjer je bila v letih 1830-1840. veliko francoskih umetnikov je prišlo študirat naravo. Nezadovoljni s tradicijo akademske umetnosti, brez žive konkretnosti in nacionalne identitete, so se potrudili v Barbizon, kjer so skrbno preučevali vse spremembe, ki se dogajajo v naravi, naslikali slike, ki so prikazovale skromne kotičke francoske narave.
Čeprav dela mojstrov šole Barbizon odlikujeta resničnost in objektivnost, vedno čutijo avtorjevo razpoloženje, njegova čustva in izkušnje. Narava v pokrajinah ljudi Barbizon se ne zdi veličastna in odmaknjena, človeku je blizu in razumljiva.
Umetniki so pogosto slikali isti kraj (gozd, reka, ribnik) ob različnih dnevih in v različnih vremenskih razmerah. V delavnici so obdelali skice, narejene na prostem, in ustvarili sliko, ki je bila sestavna pri kompozicijski konstrukciji. Na končni sliki je zelo pogosto izginila svežina barv, značilnih za etude, zato so platna številnih Barbizonij odlikovale temne barve.
Največji predstavnik šole Barbizon je bil Theodore Rousseau, ki se je, že znan slikar krajine, upokojil iz akademskega slikarstva in prišel v Barbizon. Protest proti barbarskemu krčenju gozdov Rousseau obdari naravo s človeškimi lastnostmi. Sam je dejal, da sliši glasove dreves in jih razume. Odličen poznavalec gozda, umetnik zelo natančno poda strukturo, vrsto, obseg vsakega drevesa ("Forest of Fontainebleau", 1848-1850; "Oaks in Agremont", 1852). Rousseaujeva dela hkrati kažejo, da umetnik, čigar slog je nastal pod vplivom akademske umetnosti in slikarstva starih mojstrov, ni mogel, ne glede na to, kako zelo se je trudil, rešiti problema prenosa svetlobe-zraka okolje. Zato sta svetloba in barva v njegovih pokrajinah najpogosteje pogojna.
Rousseaujeva umetnost je imela velik vpliv na mlade francoske umetnike. Predstavniki Akademije, ki so sodelovali pri izbiri slik za Salone, so Rousseaujevemu delu skušali preprečiti razstave.
Znani mojstri šole Barbizon so bili Jules Dupre, v pokrajinah katere so značilnosti romantične umetnosti (Veliki hrast, 1844-1855; Pokrajina s kravami, 1850) in Narcis Diaz, ki je naselil gozd Fontainebleau z golimi figurami nimf in starinske boginje (Venera s kupidom ", 1851).
Charles Daubigny, ki je svojo kariero začel z ilustracijami, je bil predstavnik mlajše generacije Barbizonijcev, vendar v 40. letih 20. stoletja. posvečena pokrajini. Njegove lirične pokrajine, posvečene skromnim kotičkom narave, so polne sončne svetlobe in zraka. Daubigny je zelo pogosto slikal iz narave ne samo skice, ampak tudi končane slike. Zgradil je čolnarno-delavnico, na kateri je plul ob reki in se ustavil na najprivlačnejših krajih.
Največji francoski umetnik 19. stoletja je blizu ljudem Barbizon. K. Corot.
Jean Baptiste Camille Corot
Camille Corot - francoska slikarka in grafičarka, mojstrica portreta in krajine, je ena od ustanoviteljic francoske krajinske šole XIX. Stoletja.
Rodil se je v Parizu leta 1796, bil je študent A. Mishallona in J. V. Bertina - akademskih umetnikov. Sprva se je držal splošno sprejetega stališča, da je visoka umetnost le pokrajina z zgodovinsko fabulo, vzeta predvsem iz starodavne zgodovine ali mitologije. Po obisku Italije (1825) pa so se njegovi pogledi dramatično spremenili in začel je iskati drugačen pristop k resničnosti, kar se kaže že v njegovih zgodnjih delih ("Pogled na forum", 1826; "Pogled na Kolosej" , 1826). Treba je opozoriti, da so Corotove skice, kjer spreminja svoj odnos do narave osvetlitve in barvnih gradacij, ki jih podaja bolj realistično, nekakšen zagon pri razvoju realistične pokrajine.
Kljub novemu principu pisanja pa bo Corot v Salon poslal slike, ki ustrezajo vsem kanonom akademskega slikarstva. V tem času pri delu Corot obstaja razkorak med študijem in slikarstvom, ki bo zaznamovalo njegovo umetnost skozi vse življenje. Tako dela, poslana Salonu (med drugim Hagar v puščavi, 1845; Homer in pastirke, 1845), nakazujejo, da se umetnik ne obrača le na starodavne predmete, temveč tudi ohranja kompozicijo klasične krajine, kar ni nič manj ne preprečujejo gledalcu, da na upodobljenem območju prepozna značilnosti francoske pokrajine. Na splošno je bilo takšno protislovje povsem v duhu tiste dobe.
Zelo pogosto se novosti, do katerih Corot postopoma pride, ne more skriti pred žirijo, zato so njegove slike pogosto zavrnjene. Inovativnost je še posebej močno čutiti v poletnih skicah mojstra, kjer skuša posredovati različna stanja narave naenkrat ali drugače, polniti pokrajino s svetlobo in zrakom. Sprva so bili to predvsem mestni pogledi in kompozicije z arhitekturnimi spomeniki Italije, kamor se je ponovno odpravil leta 1834. Na primer, v pokrajini "Jutro v Benetkah" (okoli 1834) so \u200b\u200bsončna svetloba, modro nebo in prosojnost zraka popolnoma reproducirano. Hkrati kombinacija svetlobe in sence ne razbije arhitekturnih oblik, ampak nasprotno, tako rekoč jih simulira. Podobe ljudi z dolgimi sencami v ozadju dajejo pokrajini občutek skoraj prave prostornosti.
Kasneje bo slikar bolj zadržan, zanimala ga bo bolj skromna narava, vendar bo več pozornosti posvečal njenim različnim stanjem. Da bi dosegli želeni učinek, bo Korova barvna shema postala tanjša, svetlejša in se bo začela postavljati na vrsto iste barve. V zvezi s tem so značilna dela, kot je "Zvonik v Argenteuilu", kjer je nežno zelenje okoliške narave in vlažnost zraka zelo subtilno, a hkrati z veliko zanesljivostjo preneseta čar pomladi, " Nositi seno ", v katerem se čuti veselo vznemirjenje življenja.
Omeniti velja, da Koro naravo ocenjuje kot kraj, kjer živijo in delujejo navadni ljudje. Druga značilnost njegove pokrajine je, da vedno odraža čustveno stanje mojstra. Zato so krajinske kompozicije lirične (omenjene zgoraj "Zvonik pri Artangeuilu") ali, nasprotno, dramatične (študija "Sunek vetra", ok. 1865-1870).
Corotove figurice so polne poetičnega občutka. Če se v zgodnjih delih človek zdi nekoliko odmaknjen od sveta okoli sebe ("Žanjec s srpom", 1838), potem v kasnejših delih podobe ljudi
so neločljivo povezani z okoljem, v katerem so ("Žanjina družina", ok. 1857). Poleg pokrajin je Corot ustvaril tudi portrete. Ženske podobe so še posebej dobre, očarljive s svojo naravnostjo in živahnostjo. Umetnik je slikal samo ljudi, ki so si bili duhovno blizu, zato njegove portrete zaznamuje avtorjeva iskrena naklonjenost modelu.
Corot ni bil le nadarjen slikar in grafik, ampak tudi dober učitelj za mlade umetnike, zanesljiv
tovariš. Izjemno je dejstvo: ko O. Daumier ni imel sredstev za plačilo najemnine svoje hiše, jo je Corot kupil in nato predstavil prijatelju.
Corot je umrl leta 1875 in za seboj pustil ogromno ustvarjalno zapuščino - približno 3000 slik in grafik.
Honore Daumier
Honore Daumier, francoski grafik, slikar in kipar, se je rodil leta 1808 v Marseillesu v družini steklarja, ki je pisal poezijo. Leta 1814, ko je bil Daumier star šest let, se je njegova družina preselila v Pariz.
Prihodnji umetnik je svojo kariero začel kot uradnik, nato pa je delal kot prodajalec v knjigarni. Vendar ga to delo sploh ni zanimalo, raje je ves prosti čas taval po ulicah in delal skice. Kmalu mladi umetnik začne obiskovati Louvre, kjer preučuje antično kiparstvo in dela starih mojstrov, od katerih ga Rubens in Rembrandt v večji meri očarata. Daumier se zaveda, da s samostojnim preučevanjem slikarske umetnosti ne bo mogel daleč napredovati, nato pa (od leta 1822) začne poučevati risanje pri Lenoirju (skrbniku kraljevega muzeja). Vse poučevanje pa se je zmanjšalo na preprosto kopiranje mavčnih odlitkov in to nikakor ni zadovoljilo potreb mladeniča. Nato Daumier zapusti delavnico in odide v Ramolo na študij litografije, hkrati pa dela kot dostavnik.
Prva dela, ki jih je Daumier naredil na področju ilustracije, segajo v dvajseta leta 20. stoletja. Komaj so preživeli, toda to, kar smo prišli do nas, nam omogoča, da o Daumierju govorimo kot o umetniku, ki je v nasprotju z uradno močjo, ki jo predstavljajo Bourboni.
Znano je, da mladi umetnik že od prvih dni vladavine Louisa Philippea riše ostre karikature tako samega sebe kot svojega spremstva, s čimer si ustvari sloves političnega borca. Posledično Daumierja opazi založnik tednika "Karikatura" Charles Philippe in ga povabi k sodelovanju, s čimer se strinja. Prvo delo, objavljeno v Karikaturi 9. februarja 1832, "Iskalci krajev", posmehuje sluge Louisa Philippeja. Za njo so se eden za drugim začeli pojavljati satiri na samem kralju.
Med najzgodnejšimi litografijami Daumierja je posebna pozornost zaslužna Gargantua (15. decembra 1831), kjer je umetnik upodobil debelega Louisa Philippeja, ki je požrl zlato, odvzeto lačnim in obubožanim ljudem. Ta list, razstavljen na oknu podjetja Aubert, je zbral celo množico gledalcev, za kar se je vlada maščevala gospodarja, ga obsodila na šest mesecev zapora in globo 500 frankov.
Kljub temu, da so Daumierjeva zgodnja dela še vedno precej kompozicijsko preobremenjena in nanje ne vpliva toliko izraznost slike kot pripoved, je slog v njih že začrtan. Tudi sam Daumier se tega dobro zaveda in začne delati v žanru karikaturnih portretov, pri tem pa uporablja zelo svojevrsten način: najprej oblikuje portretne doprsne kipe (v katerih se značilnosti prinesejo v grotesko), ki bodo nato njegove vrste pri delu na litografiji. Kot rezultat je dobil številke, ki so bile izjemno obsežne. Tako je nastala litografija "Zakonodajna maternica" (1834), ki prikazuje naslednjo sliko: tik pred gledalcem, na klopeh v amfiteatru, so bili ministri in poslanci julijske monarhije . Vsak obraz s smrtonosno natančnostjo prikazuje portretno podobnost z najbolj izrazito skupino, kjer je Thiers predstavljen ob poslušanju Guizotove note. Izpostavi fizično in moralno manjvrednost vladajoče elite, mojster pride do ustvarjanja portretov. Luč ima pri njih posebno vlogo, poudarja avtorjevo težnjo po največji izraznosti. Zato so vse številke podane pod močno osvetlitvijo (znano je, da je mojster med delom na tej sestavi postavil modelne doprsnice pod močno svetlobo svetilke).
Ni presenetljivo, da je Daumier s tako vztrajnim delom našel velik monumentalni slog v litografiji (to zelo močno čutimo v delu "Spustite zaveso, igra se farsa", 1834). Moč vpliva je enako visoka v delih, ki razkrivajo vlogo delavcev v boju proti zatiralcem: "Ni več nevaren za nas", "Ne vmešavaj se", "Transnonenova ulica 15. aprila 1834". Kar zadeva zadnji list, je to neposreden odgovor na vstajo delavcev. Skoraj vsi ljudje, ki dejansko živijo v eni od hiš na ulici Transnonen (vključno z otroki in starejšimi), so bili pobiti, ker so si nekateri delavci upali ustreliti policista. Umetnik je ujel najbolj tragičen trenutek. Litografija prikazuje grozno sliko: na tleh poleg prazne postelje leži truplo delavca, ki pod njim zdrobi mrtvega otroka; v zatemnjenem kotu je umorjena ženska. Na desni je dobro vidna glava mrtvega starca. Podoba, ki jo je predstavil Daumier, pri gledalcu vzbudi dvojni občutek: občutek groze nad storjenim in ogorčen protest. Delo, ki ga izvaja umetnik, ni ravnodušen komentar dogodkov, temveč jezen obsodba.
Dramo okrepi močan kontrast svetlobe in sence. Hkrati pa podrobnosti, čeprav se umaknejo v ozadje, hkrati razjasnijo razmere, v katerih se je zgodilo takšno grozodejstvo, pri čemer poudarjajo, da je bil pogrom izveden v času, ko so ljudje mirno spali. Značilno je, da to delo že razkriva značilnosti poznejših Daumierjevih slik, v katerih je posplošen tudi en sam dogodek, s čimer kompozicija dobi monumentalno izraznost v kombinaciji z "naključnostjo" ujetega življenjskega trenutka.
Takšna dela so v veliki meri vplivala na sprejetje "septembrskih zakonov" (ki so začeli veljati konec leta 1834), usmerjenih proti tisku. To je privedlo do tega, da je postalo nemogoče v celoti delati na področju politične satire. Zato se Daumier tako kot mnogi drugi mojstri politične karikature preusmerja na teme, povezane z vsakdanjim življenjem, kjer išče in na plano pripelje pereča družbena vprašanja. Takrat so v Franciji izšle cele zbirke risank, ki prikazujejo življenje in navade družbe tiste dobe. Daumier skupaj z umetnikom Traviesom ustvari vrsto litografij z naslovom French Types (1835-1836). Tako kot Balzac v literaturi tudi Daumier v slikarstvu izpostavlja družbo svojega časa, v kateri vlada denar.
Minister Guizot razglaša slogan "Obogatite se!" Daumier mu odgovori tako, da ustvari podobo Roberta Macaira - prevaranta in prevaranta, ki zdaj umira, nato pa spet vstane (serija Karikatura, 1836-1838). Na drugih straneh se sklicuje na temo meščanske filantropije ("Sodobna filantropija", 1844-1846), korupcije francoskega sodišča ("Uradniki pravosodja", 1845-1849), na pompozno samozadovoljstvo meščanov (list "Še vedno je laskavo videti vaš portret na razstavi, vključeni v serijo" Salon iz leta 1857 "). Tudi druge serije litografij so bile izvedene obtožujoče: "Dan neženja" (1839), "Zakonske manire" (1839-1842), "Najboljši dnevi življenja" (1843-1846), "Pastorale" ( 1845-1846).
Sčasoma se Daumierjeva risba nekoliko spremeni, poteza postane bolj izrazita. Po mnenju sodobnikov mojster ni nikoli uporabljal novih ostrih svinčnikov, raje je risal z drobci. Verjel je, da je s tem dosegel pestrost in živahnost linij. Morda zato njegova dela sčasoma dobijo grafični značaj in izpodrivajo njihovo prejšnjo plastičnost. Moram reči, da je bil novi slog bolj primeren za grafične cikle, kjer je bila predstavljena zgodba, sama akcija pa je bila razvita bodisi v notranjosti bodisi v pokrajini.
Vendar je Daumier še vedno bolj nagnjen k politični satiri in takoj, ko se mu ponudi priložnost, se spet loti svoje najljubše zabave in ustvarja liste, napolnjene z jezo in sovraštvom vladajoče elite. Leta 1848 se je zgodil nov revolucionarni vzpon, vendar je bil zatrt in grožnja bonapartizma je visela nad republiko. Kot odgovor na te dogodke Daumier ustvari Ratapuala, pretkanega bonapartističnega agenta in izdajalca. Ta podoba je mojstra tako očarala, da jo je iz litografije prenesel v kiparstvo, kjer je z drzno interpretacijo lahko dosegel veliko izraznost.
Ni presenetljivo, da Daumier tako sovraži Napoleona III kot Louis Philippe. Umetnik se po svojih najboljših močeh trudi, da bi v svojem denuncijacijskem delu čutil zlo, ki prihaja iz privilegiranega razreda in seveda vladarja. Vendar je bila po državnem udaru 2. decembra 1852 politična karikatura spet prepovedana. In šele konec šestdesetih let prejšnjega stoletja, ko je vlada postala bolj liberalna, se je Daumier tretjič obrnil k tej zvrsti. Tako je lahko gledalec na enem listu videl, kako Ustava skrajša obleko Svobode, na drugem pa Thiersa, upodobljenega kot spodbudo, ki vsakega politika spodbuja, kaj naj reče in kaj naj stori. Umetnik nariše številne antimilitaristične satire ("Svet pogoltne meč" itd.).
Med letoma 1870 in 1872 je Daumier ustvaril vrsto litografij, ki razkrivajo kazniva dejanja storilcev francoskih nesreč. Na primer, v listu z naslovom "To je ubilo to" gledalcu da vedeti, da je izvolitev Napoleona III pomenila začetek številnih težav. Omeniti velja litografijo "Empire is Peace", ki prikazuje polje s križi in nagrobniki. Napis na prvem nagrobniku se glasi: "Umorjen na Boulevard Montmartre 2. decembra 1851", na zadnjem - "Ubit pri limuzini 1870". Ta list zgovorno priča o tem, da imperij Napoleona III Francozom ni prinesel nič drugega kot smrt. Vse slike v litografijah so simbolične, vendar simboli tukaj niso samo idejno bogati, ampak tudi zelo prepričljivi.
Omeniti velja še eno znamenito Daumierjevo litografijo, ki je nastala leta 1871, kjer pohabljeno deblo nekoč močnega drevesa postane črno na ozadju strašnega in oblačnega neba. Preživela je le ena veja, toda ta se ne preda in se še naprej upira nevihti. Pod listom je značilen podpis: "Uboga Francija, deblo je pokvarjeno, a korenine so še vedno močne." S to simbolno podobo mojster ni le prikazal izsledkov tragedije, ki jo je doživel, temveč je s pomočjo odrezanih kontrastov in dinamičnih črt razkril živo podobo, ki uteleša moč države. To delo nakazuje, da mojstrica ni izgubila vere v moč Francije in sposobnosti njenih ljudi, ki lahko svojo domovino naredijo tako veliko in močno kot prej.
Treba je opozoriti, da Daumier ni ustvarjal samo litografij. Od 1830-ih. dela tudi v slikarstvu in akvarelih, vendar je za njegove zgodnje slike (Graver, 1830-1834; avtoportret, 1830-1831) odsotnost razvitega načina; včasih jih je težko ločiti od del drugih umetnikov. Kasneje pride do izpopolnitve sloga, razvoja določenih tem. Tako je na primer v 1840-ih. mojster je napisal vrsto skladb pod enim naslovom "Pravniki". Na teh slikah se pojavljajo enake groteskne podobe kot v Daumierjevih grafičnih delih.
Njegove oljne slike in akvareli ter litografije so prežete s sarkazmom. Daumier upodablja figure odvetnikov z gledališkimi kretnjami, ki govorijo javnosti ("The Defender", 1840-ih) ali samozadovoljno razpravljajo o njihovih umazanih mahinacijah, ki niso dosegljive tujega pogleda ("Three Lawyers"). Pri delu na platnu slikar pogosto poseže po bližnjih posnetkih, ki prikazujejo najnujnejše predmete in le orisujejo detajle notranjosti. S posebno skrbjo riše obraze, včasih neumne in brezbrižne, včasih zvite in hinavske, včasih zaničljive in samozadovoljne. Z upodobitvijo črne odvetniške halje na zlatem ozadju avtor doseže edinstven učinek, kontrast svetlobe in teme.
Sčasoma satira zapusti Daumierjevo sliko. V skladbah poznih 1840-ih. osrednje mesto zavzemajo duhovne in junaške podobe ljudi iz ljudstva, obdarjenih z močjo, notranjo energijo in junaštvom. Izjemen primer takšnih del sta sliki "Družina na barikadi" (1848-1849) in "Vstaja" (ok. 1848).
Prvo platno prikazuje revolucionarne dogodke in ljudi, ki v njih sodelujejo. Junaki so tako blizu okvirja, da je viden le del figur. Umetnik poskuša gledalčevo pozornost usmeriti na obraze, ki jih izklesuje svetloba. Starka in moški sta zaznamovana s strogostjo in zbranostjo, mlada ženska je žalostna in žalostna, mladenič pa, nasprotno, prekipeva od obupane odločnosti. Omeniti velja, da so glave likov prikazane v različnih zavojih, kar daje vtis, da se figure premikajo, kar še poudarja napetost kompozicije.
Druga skladba ("Vstaja") je podoba drveče množice, ki jo je zajel revolucionarni impulz.
Dinamike dogodkov ne prenaša le gesta dvignjene roke in figure, ki hitijo naprej, temveč tudi svetlobni trak.
Približno v istem času je Daumier naslikal slike beguncev in emigrantov, vendar teh podob ni pogosto najti v njegovem delu. Vse predmete za svoje slike je našel v Ljubljani vsakdanje življenje: pralnica, ki se spušča k vodi; vlečni čolni, ki vlečejo čoln; delavec, ki se vzpenja na streho. Omeniti velja, da vsa dela odražajo ločene drobce resničnosti in na gledalca ne vplivajo z pripovedjo, temveč s slikovnimi sredstvi, ki ustvarjajo izrazno, v nekaterih primerih tragično podobo.
V tem duhu je nastala slika "Nosha", ki ima več možnosti. Zaplet dela je preprost: ženska počasi hodi po nasipu; z eno roko vleče ogromno košaro perila; v bližini, prilepljen na krilo, se otrok prepleta v majhnih korakih. Močan veter piha v obraze junakov, zaradi česar je veliko težje hoditi, breme pa se zdi težje. Običajni vsakdanji motiv Daumierja dobi skoraj junaške poteze. Ženska je videti ločena od vseh skrbi. Poleg tega mojster izpusti vse pokrajinske podrobnosti, le ležerno skicira obrise mesta na drugi strani reke. Utišani in hladni odtenki, s katerimi so slikali pokrajino, krepijo občutek dramatičnosti in obupa. Omeniti velja, da interpretacija podobe ženske nasprotuje ne le klasičnim kanonom, ampak tudi idealom človeške lepote med romantiki; podana je z velikim izrazom in realizmom. Svetloba in senca igrata pomembno vlogo pri ustvarjanju podob: zahvaljujoč osvetlitvi v enakomernem traku se zdi ženska postava presenetljivo izrazita in plastična; temna silhueta otroka izstopa ob svetlobnem parapetu. Senca obeh figur se združi v eno točko. Tak prizor, ki ga je Daumier v resnici večkrat opazil, ni predstavljen žanrsko, temveč monumentalno, kar olajša kolektivna podoba, ki jo je ustvaril.
Kljub posploševanju ostaja v vsakem Daumierjevem delu izjemna vitalnost. Poveljnik je sposoben ujeti katero koli gesto, značilno za osebo, ki jo upodablja, prenesti pozo itd. Platno "Prints Lover" pomaga to preveriti.
Čeprav skozi 1850-1860. Daumier zelo plodno deluje v slikarstvu, vendar ga problem plenerja, ki je zavzel številne takratne slikarje, sploh ne zanima. Tudi v primeru, ko svoje like upodablja na prostem, še vedno ne uporablja razpršene svetlobe. Na njegovih slikah ima svetloba drugačno funkcijo: nosi čustveno obremenitev, ki avtorju pomaga, da postavi kompozicijske poudarke. Daumierjev najljubši učinek je kontura, pri kateri je ospredje zatemnjeno na svetlem ozadju (Pred kopanjem, ok. 1852; Radoveden na oknu, ok. 1860). Vendar se na nekaterih slikah slikar obrne na drugačno tehniko, ko se zdi, da se poltemnost ozadja razprši v ospredje in bele, modre in rumene barve začnejo zveneti z večjo intenzivnostjo. Podoben učinek lahko opazimo na platnih, kot je Opuščanje šole (ok. 1853-1855), Kočija tretjega razreda (ok. 1862).
Daumier pri slikanju ni delal nič manj kot pri grafiki. Predstavil je nove slike in jih interpretiral z veliko izraznostjo. Nobeden od njegovih predhodnikov ni pisal tako drzno in tekoče. Zaradi te lastnosti so Daumierjevi progresivno naravnani sodobniki zelo cenili njegove slike. Vendar je bilo v času umetnikovega slikarstva njegova slika malo poznana in posmrtna razstava leta 1901 je za mnoge postala pravo odkritje.
Daumier je umrl leta 1879 v mestu Valmondois blizu Pariza v hiši, ki mu jo je dal Corot.
Revolucija leta 1848 je privedla do izjemnega vzpona v javnem življenju Francije, njene kulture in umetnosti. V tem času sta v državi delala dva glavna predstavnika realističnega slikarstva - J.-F. Millet in G. Courbet.
Jean Francois Millet
Jean François Millet, francoski slikar in grafik, se je rodil leta 1814 v mestu Gruchy blizu Cherbourga v veliki kmečki družini z majhno parcelo v Normandiji. Mlado Millet je že od otroštva obdajalo vzdušje trdega dela in pobožnosti. Fant je bil zelo hiter in njegov talent je opazil lokalni duhovnik. Zato je fant poleg šolskih nalog pod vodstvom cerkvenega ministranta začel učiti še latinščino, čez nekaj časa pa so skupaj z Biblijo Vergilijeva dela postala njegovo najljubše branje, odvisnost od katere je slikar ves čas doživljal njegovo življenje.
Do 18. leta je Millet živel v vasi in je kot najstarejši sin opravljal različna kmečka dela, tudi tista, povezana z obdelovanjem zemlje. Ker se je v Milli že zelo zgodaj prebudila sposobnost vizualnih umetnosti, je naslikal vse, kar ga je obdajalo: polja, vrtove, živali. Vendar pa je morje vzbudilo največ zanimanja za mladega umetnika. Prav vodni element Millet posveča svoje prve skice.
Proso je odlikovalo s svojim subtilnim opazovanjem in iz njegovega pogleda, ki je opazil lepoto narave, niso ušle nesreče, ki jim ni ušla oseba, ki se je spopadla. Vse življenje je mojster nosil tragičen spomin, strašno nevihto, ki je razbila in potopila na desetine ladij, kar je opazil že v zgodnjem otroštvu.
Pozneje je mladi slikar odšel v Cherbourg, kjer je najprej študiral slikarstvo pri Mushelu, nato pa pri Langloisu de Chevrevilleu (Grosov študent in privrženec). Na prošnjo slednjega je prejel štipendijo občine in šel nadaljevati študij v Pariz. Ko je zapustil domovino, je Millet poslušal navodila svoje babice, ki mu je rekla: "François, nikoli ne piši ničesar nespodobnega, četudi je bilo to po ukazu kralja samega."
Ob prihodu v Pariz je umetnik vstopil v Delarochejevo delavnico. Tam je študiral med letoma 1837 in 1838. Hkrati s študijem na Milletovi delavnici je obiskoval Louvre, kjer je preučeval znamenita platna, od katerih so ga Michelangelova dela najbolj navdušila. Proso se ni takoj znašel v umetnosti. Njegova prva dela, ustvarjena za prodajo, so bila izvedena v maniri A. Watteauja in F. Boucherja, imenovani maniere fleurie, kar pomeni »cvetoč način«. In čeprav se ta način pisanja odlikuje po zunanji lepoti in gracioznosti, v resnici ustvarja napačen vtis. Umetnik je prišel do umetnika v zgodnjih 1840-ih letih zaradi njegovega portretnega dela (Avtoportret, 1841; Mademoiselle Ono, 1841; Armand Ono, 1843; Deleuze, 1845).
Sredi 1840-ih je Millet delal pri ustvarjanju serije portretov mornarjev, v katerih se je njegov slog popolnoma osvobodil manirnosti in imitacije, značilne za umetnikova zgodnja dela ("Naval Officer", 1845 itd. ). Mojster je naslikal več platen na mitološke in religiozne teme (sv. Jeronim, 1849; Hagar, 1849).
Leta 1848 se je Millet zbližal z umetnikoma N. Diaz in F. Jeanron in prvič razstavljal v salonu. Prvi
slika, ki jo je predstavil - "Zmagovalec" prikazuje življenje na podeželju. Od takrat mojster enkrat za vselej opusti mitološke zaplete in se odloči, da bo napisal le tisto, kar mu je bližje.
Da bi uresničil svoj načrt, se je z družino preselil v Barbizon. Tu je umetnik popolnoma potopljen
v svet podeželskega življenja in ustvarja dela, ki se ujemajo z njegovim dojemanjem sveta. Takšni so Sejalec (1849), Sedeča kmečka žena (1849) in drugi. V njih Millet z veliko prepričljivostjo resnično prikaže predstavnike kmečkega razreda, pri čemer se osredotoči predvsem na postavo, zaradi česar včasih dobijo vtis, da pokrajina na njegovih slikah igra vlogo ozadja.
V Milletovih delih v zgodnjih 1850-ih. prevladujejo tudi osamljene figure kmetov, ki se ukvarjajo z običajnimi posli. Ustvarjalec si je s svojimi platni prizadeval dvigniti najbolj prozaično delo. Prepričan je bil, da je "pravo človečnost" in "veliko poezijo" mogoče posredovati samo s portretiranjem delavcev. Značilne lastnosti ta dela - preprostost gibov, enostavnost drže, volumetrična plastika figur in počasnost gibov.
Gledati slavna slika Millet "Šivilja" (1853), gledalec vidi le najnujnejše atribute šivilje: škarje, blazinico in likalnike. Na platnu ni nič odveč, prostora je natanko toliko, kolikor je potrebno - tako mojster naredi sliko pomembno in celo monumentalno. Kljub na videz statični kompoziciji je podoba ženske polna notranjega gibanja: zdi se, da njena roka, ki drži iglo, vedno bolj šiva, prsni koš pa ritmično puha. Delavka natančno pogleda svoj izdelek, a misli lebdijo nekje daleč. Kljub običajnosti in nekaj intimnosti motiva je za sliko značilna slovesnost in veličina.
Slika "Ostali kosci", ki jo je mojster razstavil v Salonu leta 1853, je bila izvedena v istem duhu, kljub nekaterim posploševanjem ritmičnih figur pa kompozicija, napolnjena s svetlobo, vzbuja občutek celovitosti. Podobe kmetov se harmonično prilegajo celotni podobi narave.
Značilno je, da v mnogih Milletovih delih narava pomaga izraziti junakovo razpoloženje. Torej na sliki "Sedeča kmečka ženska" negostoljuben gozd popolnoma prenaša žalost dekleta, globoko potopljenega v njene nemirne misli.
Sčasoma je Millet, ki je slikal slike, na katerih so bile monumentalne podobe prikazane v ozadju pokrajine, začel ustvarjati nekoliko drugačna dela. Krajinski prostor v njih se širi, pokrajina, ki še vedno služi kot ozadje, začne igrati pomembnejšo, pomensko vlogo. Tako so v sestavi "Žetve pšenice" (1857) v pokrajini v ozadju vključene figure kmetov, ki nabirajo pridelke.
Proso daje globlji pomen slikanju narave v majhnem platnu "Angelus" ("Zvonjenje Venere", 1858-1859). Liki moškega in ženske, ki sredi polja molijo ob tihih zvokih cerkvenega zvona, se ne zdijo odtujeni mirni večerni pokrajini.
Ko so mojstra vprašali, zakaj je za večino njegovih slik značilno žalostno razpoloženje, je odgovoril:
»Življenje se mi ni nikoli obrnilo na veselo plat: ne vem, kje je, nikoli je nisem videl. Najbolj smešno, kar vem, je mir, tišina, ki jo človek tako prijetno uživa v gozdu ali na obdelovalnih površinah, ne glede na to, ali so primerne za obdelavo ali ne; strinjate se, da to vedno razpolaga z zasanjanostjo, žalostno, čeprav sladko. " Te besede v celoti razlagajo sanjsko žalost njegovih kmetov, tako dobro v sozvočju z mirom in tišino polj in gozdov.
Popolnoma nasprotno razpoloženje opazimo v Milletovi programski skladbi "Človek z motiko", razstavljeni v Salonu leta 1863. Tudi sam avtor se je zavedal, da to delo stoji ločeno od vsega že napisanega. Ni zastonj, da je Millet v enem od svojih pisem leta 1962 zapisal: "" Človek z motiko "mi bo prinesel kritiko mnogim ljudem, ki ne marajo biti zasedeni z zadevami zunaj svojega kroga, kadar so moteni. .. ". Njegove besede so bile res preroške. Kritiki so izrekli sodbo in umetnika označili za človeka, "nevarnejšega od Courbeta". In čeprav na tej sliki gledalec vidi le kmeta, naslonjenega na motiko, je dovolj že en pogled: ravnokar je hodil s težkim tekalnim slojem in s svojim instrumentom udaril po tleh. Človeka, ki je utrujen od dela, pripeljejo z veliko izraznostjo: tako na obrazu kot na sliki je jasno videti utrujenost in brezizhodnost njegovega življenja - vsega, kar je dejansko doživelo stotisoče francoskih kmetov.
Vendar pa med tovrstnimi deli (zlasti v poznih 1860-ih - zgodnjih 1870-ih) obstajajo dela, prežeta z optimizmom. To so slike, na katerih mojster svojo pozornost usmerja na pokrajino, obsijano s sončno svetlobo. To so slike Kopanje pastirskih gosi (1863), Kopanje konjev (1866) in Mlada pastirica (1872). V zadnjem Millais zelo prefinjeno posreduje sončni žarek, ki gre skozi listje dreves in igrivo boža obleko in obraz deklice.
V zadnjem obdobju svojega ustvarjalnega dela umetnik poskuša na platnu ujeti in ujeti kratke trenutke življenja. To željo po ujemu trenutka je povzročila želja po neposrednem odsevanju resničnosti. Na primer, v pastelu "Jesen, odhod žerjavov" (1865-1866) se bo kretnja pastirke, ki je opazovala let jate žerjavov, kmalu spremenila; in če pogledate kompozicijo "Gosi", razstavljeno na Salonu leta 1867, se zdi, da se bo v drugem trenutku utripajoča svetloba spremenila. To načelo se je kasneje našlo v delih impresionističnih slikarjev.
Vendar je treba opozoriti, da se v zadnjih Milletovih delih, zlasti v njegovih figuralnih kompozicijah, ponovno čuti iskanje monumentalnosti. To je še posebej jasno vidno na platnu »Vrnitev s polja. Večer «(1873), v katerem skupina kmetov in živali na ozadju večernega neba izstopa kot združujoča se splošna silhueta.
Tako se je Millet od leta 1848 do konca svojega življenja omejeval na upodabljanje vasi in njenih prebivalcev. In čeprav si sploh ni prizadeval dati svojim delom akutnega družbenega pomena, ampak je hotel le za vsako ceno ohraniti patriarhalno tradicijo, je bilo njegovo delo dojeto kot vir revolucionarnih idej.
Millet je leta 1875 končal življenje v Barbizonu.
Gustave Courbet
Gustave Courbet, francoski slikar, grafik in kipar, se je rodil leta 1819 na jugu Francije v Ornansu v bogati kmečki družini. Prve tečaje slikanja je opravljal v domačem kraju, nato pa nekaj časa študiral na kolidžu v Besançonu in na šoli za risanje v Flajoulu.
Leta 1839 je Courbet z velikimi težavami prepričal očeta v pravilnost izbrane poti, odšel v Pariz. Tam se je hkrati udeležil znamenite takratne delavnice Suisse, kjer je trdo delal z živo naravo, in Louvrea, kopiral stare mojstre in občudoval njihova dela. Mladega umetnika so še posebej navdušila dela Špancev - D. Velazqueza, J. Ribere in F. Zurbarana. Courbet občasno obišče svoje rojstne kraje in z velikim veseljem slika pokrajine ter z debelim slojem barve klesa volumne. Poleg tega dela v portretni zvrsti (najpogosteje je tudi sam model) in piše platna na religiozne in literarne zaplete ("Lot s hčerko", 1841).
Ustvarja avtoportrete, Courbet nekoliko romantizira svoj videz ("Ranjeni", 1844; "Srečni ljubimci", 1844-1845; "Človek s pipo", 1846). Prav avtoportret je prvič razstavil v Salonu (Avtoportret s črnim psom, 1844). Poezija in sentimentalna zasanjanost sta prežeta s sliko "Po večerji v Ornansu" (1849). Zdi se, da umetnik s to sliko brani svojo pravico do upodobitve tistega, kar dobro pozna, kar je opazil v znanem okolju: v kuhinji, kjer po končani večerji sedijo umetnik sam, njegov oče, glasbenik Promaye in Marlay . Vsi liki so upodobljeni natanko tako, kot so videti v resnici. Hkrati je Courbetu uspelo predstaviti splošnost razpoloženja, ki ga ustvarja glasba, ki jo poslušajo junaki slike. Poleg tega je umetnik z razporeditvijo figur na velikem platnu v velikem obsegu ustvaril splošne podobe, dosegel monumentalnost in pomen, kljub na videz običajni vsakdanji ploskvi. Ta okoliščina se je sodobnemu slikarju zdela nezaslišana drznost.
Vendar se Courbet pri tem ne ustavi. Pri delih, razstavljenih na naslednjem Salonu (1850-1851), gre njegova drznost še dlje. Torej je v platnu "Drobilniki kamna" (1849-1850) slikar zavestno določil družbeni pomen. Z neusmiljeno resnicoljubnostjo si je zastavil cilj, da prikaže vratolomno delo in brezupno revščino francoskega kmečkega prebivalstva. Zastonj je Courbet v svoji razlagi slike zapisal: "Tako se začnejo in tako končajo." Za povečanje vtisa poveljnik povzame predstavljene slike. Kljub nekaterim konvencijam pri prenosu svetlobe pa pokrajino dojemajo zelo resnično, podobno kot figure ljudi. Poleg "Drobilcev kamna" je slikar razstavljal na salonskih platnih "Pogreb v Ornanu" (1849) in "Kmetje, ki se vračajo s sejma" (1854). Vse te slike so bile tako drugačne od del drugih udeležencev razstave, da so presenetile Courbetove sodobnike.
Tako je "Pogreb v Ornansu" platno velikega formata, nenavadno oblikovalsko in izjemno umetniško. Vse v njem se zdi nenavadno in nenavadno: tema (pogreb enega od prebivalcev majhnega mesta) in junaki (malomeščani in premožni kmetje, realistično napisani). Ustvarjalno načelo Courbeta, razglašeno na tej sliki - resnično pokazati življenje v vsej njegovi grdosti, ni ostalo neopaženo. Ni čudno, da so jo nekateri sodobni kritiki označili za "poveličevanje grdega", drugi pa, nasprotno, poskušali upravičiti avtorico, ker "umetnik ni kriv, če materialni interesi, življenje majhnega mesta, provincialna drobnost pustijo sledi krempljev na obrazih, naj se oči umaknejo, nagubano čelo in nesmiseln izraz ust. Meščani so naslednji. M. Courbet piše meščanom. "
In res, čeprav liki, upodobljeni na platnu, niso označeni s posebno lepoto in duhovnostjo, kljub temu so podani resnično in iskreno. Mojster se ni bal monotonosti, njegove figure so statične. Toda po izrazu njihovih obrazov, ki so bili namerno obrnjeni proti gledalcu, lahko zlahka uganimo, kako se navezujejo na tekoči dogodek, ali ga to vznemirja. Treba je opozoriti, da Courbet ni takoj prišel do takšne sestave. Sprva naj ne bi risal vsakega obraza - to je razvidno iz skice. Toda kasneje se je koncept spremenil in slike dobijo jasno portretne lastnosti. Tako na primer med množicami prepoznate obraze očeta, matere in sestre samega umetnika, pesnika Maxa Bushona, starega Jakobina Plata in Cardo, glasbenika Promayeja in mnogih drugih prebivalcev Ornansa.
Na sliki sta bili tako rekoč združeni dve razpoloženji: turobna slovesnost, ki ustreza trenutku, in vsakdanje življenje. Črna barva žalostnih oblačil je veličastna, izrazi obrazov so hudi in drže tistih, ki jih izpratijo na zadnjo pot, so negibne. Turobno razpoloženje pogrebnega obreda poudarjajo ostre skalnate police. Vendar se tudi v tem izjemno vzvišenem razpoloženju prepleta življenjska proza, ki jo poudarja ravnodušnost obraza hlapca in uradnikov, toda obraz tistega, ki podpira križ, se zdi še posebej navaden, celo ravnodušen. Slavnost trenutka krši tudi pes z repom med nogami, prikazan v ospredju.
Vse te podrobnejše podrobnosti so zelo pomembne in pomembne za umetnika, ki skuša svoje delo nasprotovati uradni umetnosti salona. To željo lahko zasledimo v nadaljnjih delih Courbeta. Na primer na platnu "Kopalci" (1853), ki je povzročilo nevihto ogorčenja zaradi dejstva, da so se v njem prikazani debeli predstavniki francoske buržoazije izkazali za drugačne od prozornih nimf s slik salonskih mojstrov in njihovo goloto umetnik predstavi na izredno oprijemljiv in obsežen način. Vse to ne samo, da ni bilo dobrodošlo, ampak je, nasprotno, povzročilo nevihto ogorčenja, ki pa umetnika ni ustavilo.
Sčasoma Courbet ugotovi, da mora poiskati novo umetniško metodo. Ni mogel biti več zadovoljen s tem, kar je prenehalo ustrezati njegovim načrtom. Kmalu je Courbet prišel do tonskega slikanja in modeliranja volumnov s svetlobo. Sam o tem pravi takole: "Na svojih slikah delam, kar sonce počne v naravi." Hkrati umetnik v večini primerov piše na temnem ozadju: najprej daje temne barve, postopoma prehaja v svetle in jih pripelje do najsvetlejšega bleščanja. Barva se samozavestno in močno nanese z nožem za kiti.
Courbet ni zaljubljen v nobeno temo, ves čas je v iskanju. Leta 1855 je slikar razstavil "Umetniško delavnico", kar je neke vrste izjava. Sam jo imenuje "prava alegorija, ki opredeljuje sedemletno obdobje njegovega umetniškega življenja." In čeprav ta slika ni najboljše delo Courbeta, njegova barvna shema, obarvana v srebrno-sivih tonih, govori o slikarjevi koloristični spretnosti.
Leta 1855 je umetnik priredil osebno razstavo, ki je postala pravi izziv ne samo za akademsko umetnost, temveč za celotno meščansko družbo. Predgovor avtorja v katalog te edinstvene razstave je okviren. Torej, ko razkrije koncept "realizma", neposredno izjavi o svojih ciljih: "Biti sposoben po moji oceni prenesti običaje, ideje, videz moje dobe - z eno besedo ustvariti živo umetnost - to je bil moj cilj . " Courbet je videl vse vidike resničnosti, njene raznolikosti in jo skušal v svojem delu utelesiti z največjo resnico. Ne glede na to, ali se ukvarja s portretom, pokrajino ali tihožitjem, mojster povsod z enakim temperamentom izraža materialnost in gostoto resničnega sveta.
V šestdesetih letih 20. stoletja so bile v slikarjevih delih izbrisane meje med portretom in žanrsko kompozicijo (v prihodnosti bo ta trend značilen za delo E. Maneta in drugih slikarjev impresionistov). V zvezi s tem sta najbolj indikativni platni "Mali Angležinji pri odprtem oknu na morski obali" (1865) in "Dekle z galebi" (1865). Značilnost teh del je, da slikarja ne zanimajo toliko zapletene izkušnje likov kot lepota, ki je lastna materialnemu svetu.
Značilno je, da se umetnik po letu 1855 vse bolj obrača na pokrajino in z veliko pozornostjo opazuje zračne in vodne elemente, zelenje, sneg, živali in rože. Številne pokrajine tega časa so posvečene lovskim prizorom.
Prostor in predmeti, predstavljeni v teh kompozicijah, se počutijo vedno bolj resnični.
Na ta način Courbet veliko pozornosti posveča razsvetljavi. Tako lahko v "Kozuli ob potoku" opazimo naslednjo sliko: čeprav se drevesa zaznavajo manj obsežna in se živali skorajda združijo s pokrajinskim ozadjem, toda prostor in zrak se počutita povsem resnično. To lastnost so takoj opazili kritiki, ki so zapisali, da je Courbet vstopil v novo stopnjo ustvarjalnosti - "pot do svetlega tona in svetlobe". Posebej velja omeniti morske pokrajine ("Morje ob obali Normandije", 1867; "Val", 1870 itd.). Primerjave različnih pokrajin ni mogoče
ne opazite, kako se lestvica barv spreminja glede na osvetlitev. Vse to nakazuje, da v poznem obdobju svojega dela Courbet ne skuša zajeti le obsega in pomembnosti sveta, temveč tudi posredovati okoliško vzdušje.
V zaključku pogovora o Courbetu ne moremo ne reči, da se, ko se je posvetil krajinskim delom, ni nehal delati na platnih z družbeno tematiko. Tu je treba še posebej opozoriti na "Vrnitev s konference" (1863) - sliko, ki je bila nekakšna satira na duhovščino. Žal se platno do danes ni ohranilo.
Od šestdesetih let 20. stoletja. v krogih meščanske javnosti narašča zanimanje za umetnikovo delo. Ko pa se vlada odloči za nagrado Courbeta, zavrne nagrado, saj noče biti uradno priznan in pripada nobeni šoli. V dneh pariške komune je Courbet aktivno sodeloval v revolucionarnih dogodkih, zaradi česar je bil nato zaprt in izgnan iz države. Medtem ko je za rešetkami, umetnik ustvari številne risbe, ki prikazujejo prizore pokola komunarjev.
Po izgonu iz Francije Courbet še naprej piše. Tako je na primer v Švici ustvaril več realističnih pokrajin, od katerih "Koča v gorah" (ok. 1874) vzbuja posebno občudovanje. Kljub temu, da je pokrajina izjemna zaradi majhnosti in specifičnega motiva, ima monumentalni značaj.
Do konca življenja je Courbet ostal zvest načelu realizma, v duhu katerega je deloval vse življenje. Slikar je umrl daleč od svoje domovine, v La Tour de Pels (Švica) leta 1877.
Najpomembnejše mesto v razvoju zahodnoevropskega realizma pripada francoski umetnosti. In to ni naključje. Že od konca 18. stoletja je Francija igrala vodilno vlogo v družbeno-političnem življenju Evrope, razredni boj med plemstvom, meščanstvom in proletariatom pa je v njej dobil jasne klasične oblike. Buržoazija se je skrivala za kraljevsko in cesarsko obleko ali uveljavljala svojo moč v neprikriti obliki. »Industrija in trgovina sta zrasla do izjemnih razsežnosti,« je o Franciji v petdesetih in šestdesetih letih prejšnjega stoletja zapisal K. Marx, »borzne špekulacije so praznovale svoje svetovljanske orgije; revščina množic je močno izstopala ob drznem sijaju razuzdanega razkošja, pridobljenega z varanjem in zločinom. "
Demokratično in proletarsko gibanje sredi 19. stoletja se v Franciji zelo širi. Revoluciji leta 1830 sledi revolucija leta 1848; na političnem prizorišču deluje proletariat vse bolj odločno in vodi široke množice ljudi. Junija 1848 je odkrito vstal proti meščanstvu, leta 1871 pa je po razglasitvi Pariške komune prvi junaški poskus v zgodovini prevzel politično oblast v svoje roke.
Zaostrovanje družbenih nasprotij, grandiozne razredne bitke, novi družbeni problemi, vprašanja demokratične preureditve družbe niso mogli vznemiriti naprednih umov in jih prisiliti k analizi resničnih pojavov in iskanju novih poti v umetnosti. V Franciji, ki daje najjasnejšo sliko oblikovanja in razvoja glavnih trendov 19. stoletja, je vzpon realizma opazen prej kot v drugih državah, realistični trend pa je najtesneje povezan z družbenim in političnim življenjem, največji predstavniki umetnosti 19. stoletja.
Julijska revolucija leta 1830 je bila pomemben mejnik v razvoju francoske umetnosti. Pod njenim vplivom se odpravijo romantične iluzije, narašča zanimanje za družbene teme, razvija se samostojni teoretični program realizma. Glavne zahteve za novo umetnost sta v "Salonu leta 1833" oblikovala Laviron in Galbaccio. Nadaljnji razvoj so dobili v spisih glavnih teoretikov in zagovornikov realizma: Tore-Burgerja, Chanflerija, Durantyja, Castagnarija in drugih. Vsi ti kritiki - predstavniki generacije 1848 - so izpostavili vprašanje izobraževalne vloge umetnosti. Umetnost naj bi prispevala k razvoju družbe na poti napredka, bi morala biti "učiteljica življenja", za to pa mora biti ustrezna, družbeno bogata, razumljiva ljudem. Umetnost bi morala ljudem pomagati, da spoznajo svet okoli sebe, da razumejo njegova protislovja. To lahko stori tako, da zavrže vso idealizacijo, olepševanje življenja. Resničnost slike je postavljena kot eden izmed nujnih pogojev za ustvarjalnost - umetnik piše, kar zna, kar vidi pred sabo. Klic k zavračanju splošno sprejetih modelov in uveljavljanju resnice življenja v umetnosti je vodilnim umetnikom pomagal pri obvladovanju novih metod in umetniških izraznih izrazov, odprl je široke možnosti za ustvarjalno iskanje. Hkrati so nekateri kritiki sredi 19. stoletja včasih koncept realizma reducirali na zunanjo zanesljivost slike, iluzornost prenosa vidnega sveta, kar je umetnike seveda zmedlo.
Philippe Jeanron. Med predhodniki velikih realističnih slikarjev si zaslužijo nekatere manjše mojstre. Ker nimajo nadarjenosti svojih privržencev, so jim postavili oder. Sem spada Philippe Jeanron (1809-1877). Bil je udeleženec revolucij 1830 in 1848, pogosto pa je v tisku zagovarjal realistična načela. Že v svojem zgodnjem delu Otroci na barikadi (1831, muzej v Canetu) se je Jeanron obrnil na neposredno upodobitev revolucionarnih dogodkov. V kasnejših delih je podal socialno analizo stvarnosti, nasprotujoč si predstavnikom različnih slojev moderne družbe: plemstva, meščanstva in proletariata. Pri upodabljanju delavcev je umetnik poudarjal njihovo revščino in trpljenje, obenem pa se ni izognil nekaterim sentimentalnostim. Jeanron je znan tudi kot portretist. Zapustil je izrazne portrete naprednih ljudi svojega časa - predstavnikov republiške inteligence.
Realizem v Franciji in Angliji (literatura in umetnost v 19. stoletju)
Sredi stoletja realizem postaja prevladujoči trend v evropski kulturi.
Realizem je nastal v Franciji in Angliji v razmerah ustaljenih kapitalističnih odnosov. Družbena nasprotja in pomanjkljivosti kapitalističnega sistema so določale ostro kritičen odnos realističnih pisateljev do njega. Obsodili so krčenje denarja, očitno neenakost, sebičnost, hinavščino. V svoji ideološki namenskosti postane kritični realizem. Hkrati so dela velikih realističnih pisateljev prežeta z idejami humanizma in socialne pravičnosti.
Francoska literatura. Primer realistične francoske poezije v 19. stoletju je bil pesnik Pierre Jean de Beranger (1780-1857), ki je nastopal v času Napoleonove monarhije, leta 1813 pa je v pesmi "King Iveto" obsodil Napoleonove vojaške dogodivščine in njegovo davčno politiko . Med obnovo je postal pravi pesnik borec. Njegove goreče pesmi v tem obdobju zasmehujejo bogato in uspešno meščanstvo. Berangerjeva politična pesem je nasičena z demokracijo, zaznamovana z žigom živahnega nacionalnega humorja.
Briljantni predstavnik kritičnega realizma je bil Stendhal (Lastni Henri Beyle, 1783-1842). Občudovanje pisatelja so izzvali ljudje z aktivnim, močnim karakterjem. Takšne junake je videl med liki renesanse ("Italijanske kronike"), med Shakespearom in med svojimi sodobniki.
Eden največjih romanov Stendhal- "Rdeče in črno" (1830). Junak romana je Julien Sorel, strasten občudovalec Napoleonove dobe, človek z vzvišeno in občutljivo dušo, ki si prizadeva osvojiti inertno družbeno okolje. Vendar mu to ne uspe, saj ga vladajoči sloji niso sprejeli - po rodu plebejac. Pisatelj v romanu Parma Abode obsoja reakcionarno dobo, ki je vnaprej določila tragedijo inteligentnih, nadarjenih, globoko čutnih ljudi.
Vrhunec, najvišja točka razvoja zahodnoevropskega realizma - delo Honorea de Balzac (1799-1850). Kot je zasnoval Balzac, naj bi njegovo glavno delo - ep "Človeška komedija" sestavljalo 143 knjig, ki bi odražale vse vidike življenja francoske družbe. Balzac je vse svoje moči dal temu titanskemu delu, ustvaril je 90 romanov in kratkih zgodb.
V tej epiki romane povezuje skupen koncept in veliko likov. Vključuje romane, kot so "Neznana mojstrovina", "Shagreen Skin", "Eugenia Grande", "Oče Goriot", "Caesar Biroto", "Lost Illusions", "Cousin Betta" in mnogi drugi. Ep je realistična slika velikega obsega, ki odraža običaje in protislovja javnega življenja v Franciji. Balzac svoje junake obdari z inteligenco, talentom in močnim karakterjem. Njegova dela so globoko dramatična, prikazujejo moč "denarnega načela", ki razgrajuje stare patriarhalne vezi in družinske vezi ter vžge plamen egoističnih strasti.
Prosper je bil mojster romana Merimee (1803-1870), izjemen pisatelj realista. Njegove kratke zgodbe so lakonične, stroge, elegantne. So močni in bistri liki, cele narave, sposobni močnih občutkov - "Carmen" (Bizet je služil kot osnova za istoimensko opero), "Colomba", "Falk". Tudi v tistih kratkih zgodbah, kjer pisec prikazuje romantične junake in romantične situacije, dejanje ni prevedeno v romantično ravnino, ampak je dana realistična motivacija.
Napisal Merimee in igra. Eno izmed izjemnih pisateljevih del je igra-kronika "Jacqueria", ki prikazuje kmečko gibanje XIV. Napisal je edini velik roman "Kronika časov Karla IX.", Ki govori o boju katoličanov in protestantov ter o dogodkih v Bartolomejevi noči. Avtor razkriva fanatično nestrpnost.
V povezavi s spremembo političnega položaja meščanstva po revoluciji 1848 in zavrnitvijo sodelovanja z delavskim razredom se v francoski literaturi pojavlja nova vrsta kritičnega realizma - pisatelji nočejo ustvariti močnih podob in koncept tipično se zmanjša na najbolj razširjeno, navadno. Na splošno je umetnost še bližje življenju.
Največji predstavnik nove faze realizma je bil Gustave Flaubert (1821-1880). Pisateljev odnos do družbenih slojev prebivalstva je bil protisloven: vse življenje je sovražil meščanstvo, z množicami je zaničeval in politično dejavnost je imel za nesmiselno. Zato Flaubert umetnika poziva, naj "gre v slonokoščeni stolp", da služi lepoti. Kljub nedoslednosti tega stališča je Flaubert dal čudovito kritično podobo meščanske vulgarnosti, ne da bi se izognil socialnemu boju. Eno izmed izjemnih del Flaubert- roman "Madame Bovary". V središču romana je podoba ženske iz meščanskega okolja. Vzgojena z romantično literaturo, pogine v trku z meščansko resničnostjo. Roman "Izobraževanje čutil" prikazuje običaje province in Pariza, moralno nepomembnost meščanov. V tem romanu je razvita tema mladeniča, počasnega, inertnega, nesposobnega za aktivno dejavnost. Romani "Salammbo", "Legenda o sv. Julijanu usmiljenem" in "Herodijada" temeljijo na zgodovinskih zapletih, v katerih se z znanstveno objektivnostjo obnavlja položaj oddaljenih obdobij. Pisatelj je dosegel natančno natančnost reprodukcije realističnih podrobnosti, globino psihološke analize, razkrite z notranjim monologom.
Anglija:
Angleška literatura. Škotski pisatelj Walter Scott (1771-1832) je bil po zanimanju za srednji vek blizu romantikov. Na začetku svojega ustvarjalna pot zbiral je škotsko folkloro in pisal romantične pesmi. Realistična proza \u200b\u200bmu je prinesla svetovno slavo.
Walter Skol je ustvarjalec zvrsti zgodovinskega romana, ki združuje romantične in realistične težnje. Smrt škotskega družinskega klana pisatelj odraža v romanih "Weverley", "Rob Roy". Romani "Ivanhoe", "Quentin Dorward" prikazujejo sliko srednjeveške Anglije in Francije. Romana "Puritani" in "Legenda o Monroseu" osvetljujeta razredni boj, ki se je v Angliji razvijal v 17. in 18. stoletju.
Za delo V. Scotta je značilna posebna sestava romanov, vnaprej določena s poudarkom na opisu življenja, življenja in običajev ljudi samih, in ne kraljev, vojaških voditeljev, plemičev. Hkrati pisatelj, ki prikazuje zasebno življenje, reproducira sliko zgodovinskih dogodkov.
Eden največjih umetnikov svetovne literature - Charles Dickens (1812-1870), je ustanovitelj in vodja kritičnega realizma v angleški literaturi, izjemen satirik in humorist. Njegovo zgodnje delo The Pickwick Papers prikazuje še vedno patriarhalno Anglijo. Dickens se v smehu dobrodušnosti, lahkovernosti, naivnosti svojega junaka sočustvuje z njim, zasenči njegovo nezainteresiranost, poštenost, vero v dobroto.
Že naslednji roman, Adventures of Oliver Twist, prikazuje kapitalistično mesto z revnimi četrti in življenjem revnih. Pisatelj, ki verjame v zmago pravičnosti, svojega junaka premaga vse ovire in doseže osebno srečo.
Vendar dela Dickens so polni globoke drame. Pisatelj je dal celo galerijo nosilcev družbenega zla, ki so predstavniki meščanskega razreda. To je lihur Ralph Nickleby, kruti učitelj Oakwiers, hinavec Pecksniff, mizantropist Scrooge, kapitalist Bounderby. Dickensov največji dosežek je podoba gospoda Dombeyja (roman "Dombey in sin") - človeka, čigar občutki so umrli, njegovo samozadovoljstvo, neumnost, sebičnost in brezčutnost pa ustvarja pripadnost svetu lastnikov.
Takšne lastnosti Dickensa, kot so neizničljiv optimizem, bister in zelo naroden humor, trezen, realen pogled na življenje - vse to ga naredi za največjega ljudskega pisatelja v Angliji po Shakespearu.
Dickensov sodobnik - William Thackeray (1811-1863) v najboljšem romanu "Vanity Fair" nazorno in figurativno razkriva razvade meščanske družbe. V tej družbi ima vsakdo svojo predvideno vlogo. Thackeray ne vidi dobrot, ima le dve kategoriji likov - prevaranti ali prevarani. Toda pisatelj se trudi za psihološko resnico, izogiba se groteski in pretiravanju, ki sta značilna za Dickensa. Thackeray zaničuje meščansko-plemenito elito družbe, vendar mu je vseeno do življenja nižjih slojev. Je pesimist, skeptik.
Konec XIX. realistično smer angleške književnosti so predstavljala predvsem dela treh svetovno znanih pisateljev: John Galsworthy (1867-1933), George Bernard Shaw (1856-1950), Herbert George Wells (1866-1946).
D. Galsworthy je v trilogiji "Saga o Forsyteju" in "Moderna komedija" dal epsko sliko o običajih meščanske Anglije konec XIX- začetek XX. stoletja. razkrivanje uničujoče vloge posesivnosti tako v javnem kot zasebnem življenju. Pisal je drame. Ukvarjal se je z novinarstvom, kjer je zagovarjal načela realizma. Toda konzervativne težnje so se pojavile v trilogiji Konec poglavja.
DB Shaw je eden od ustanoviteljev in prvi član socialistične "Fabianove družbe", ustvarjalec dramskih razprav, osredotočenih na spopad sovražnih ideologij, brezkompromisno rešitev socialno-etičnih problemov ("Hiše vdovcev", "Gospa Warren" Poklic "," Applecart "). Za Shawovo ustvarjalno metodo je značilen paradoks kot sredstvo za strmoglavljenje dogmatizma in predsodkov (Androkle in lev, Pigmalion), tradicionalne predstave (zgodovinske igre Cezar in Kleopatra, sv. Janez).
HD Wells je klasika znanstvenofantastične literature. V romanih "Časovni stroj", "Človek Nividimka", "Vojna svetov" se je pisatelj opiral na najnovejše znanstvene koncepte. Pisatelj težave, ki se pojavljajo pred ljudmi v povezavi z znanstvenim in tehnološkim napredkom, povezuje z družbenimi in moralnimi napovedmi o razvoju družbe: "Zgodovina človeštva vse bolj postaja tekmovanje med izobraževanjem in nesrečo."
Glasbena umetnost. V njem in l in v XIX. v pogojih politične reakcije se je opera izkazala za najbolj razširjeno in demokratično zvrst gledališke umetnosti. Vrhunec realizma v glasbeni operi 19. stoletja - delo velikega italijanskega skladatelja Giuseteja Verdija (1813-1901), tesno povezanega z italijanskim osvobodilnim gibanjem ("Nabucco", "Lombardija v prvem križarskem pohodu"). V operah, kot so "Hernani", "Macbeth", "Bitka pri Legnanu", je izražen protest proti vsakršnemu nasilju in zatiranju. Predstave Verdijevih oper, prežetih z idejami boja za osvoboditev in združitev Italije, so spremljale nasilne domoljubne demonstracije.
Mojstrovine opernega realizma so Verdijeve opere Ayda, Othello in Falstaff. Gre za glasbene drame z nenehnim razvojem akcije. Prizori so zgrajeni prosto, s prilagodljivim prehodom iz recitativa v monolog, od solo do ansambla. Pomembno mesto je namenjeno orkestru. Verdi je popolnoma združil glasbo z dramsko akcijo. Demokracija, globoka humanost Verdijeve ustvarjalnosti mu je prinesla veliko popularnost. Njegove opere so nenehno na repertoarju operne hiše svet.
Italijanske opere so oživile nova načela vokalnega in scenskega nastopa: dramatična izraznost petja, pevčeva igralska sposobnost, zgodovinska natančnost scenografij in kostumov. Pevci A. Patti, J. Pasta, I. Kolbran in drugi, pevci M. Battistini, F. Galdi in drugi so bili izjemni vokalisti, predstavniki bel canta svetovnega slovesa.
V istem obdobju se je v operi pojavila nova smer - prava (nt.verismo, od vero - resnična, resnična). Njeni predstavniki so skladatelji R. Leoncavallo (1857-1919), P. Mascagni (1863-1945), Um. Giordano (1867 -1948), G. Puccini (1858-1924). Dela teh mojstrov temeljijo na vitalnih temah; resničen prikaz duhovnega sveta navadnih ljudi; čustveno izrazna glasba, pomanjkanje visoke družbene ideje. Razvil se je tudi določen uprizoritveni slog - pretirano izražanje, sentimentalna bolečina, akutna drama. Najboljša dela ta smer - "podeželska čast" Mascagni, "Pagliacci" Leoncavallo. Zahvaljujoč psihološki globini delo G. Puccinija, ki je napisal "Bohemia", "Tosca" "Chio-chio-san", premaga okvir verizma.
V Franciji se je razvila lirska opera, ki se od velike opere razlikuje po bolj intimni temi in zapletih, izposojenih iz klasične literature. To so opere "Manon" in "Werther" J. Masseneta, "Faust" in "Romeo in Julija" C. Gounoda, "Hamlet" A. Thomasa in druge. Lirične opere so nastajale na eksotične orientalske teme. To so "Lakme" L. Delibesa, "Iskalci biserov" in "Jamile" J. Bizeta, "Samson in Delilah" C. Saint-Saensa. V liričnih operah so človeške izkušnje resnično in prefinjeno utelešene. Poetizem je značilen za upodabljanje vsakdanjega življenja. Glasbeni jezik teh oper je demokratičen, blizu mestni folklori.
Vrhunec realizma v francoski operni umetnosti je prepoznana kot opera J. Bizet Carmen. Bizetovo ustvarjalnost odlikuje ostrina oblik, jasnost predstavitve. Junaki opere so navadni ljudje z močnimi in protislovnimi značaji. Ta opera pooseblja španski nacionalni glasbeni okus. Vsebuje napet potek dramskih dogodkov, raznolike ljudske prizore. To je ena najbolj priljubljenih oper na svetu. P.I. Čajkovski jo je prepoznal kot "mojstrovino v polnem pomenu besede".
Sredi 19. stoletja je postal čas rojstva nove glasbene zvrsti - operete - lahke opere, ki vključuje tako ples kot dialog (izhaja iz komične opere). Domovina operete sta Fr in I, ustanovitelja pa sta skladatelja F. Herve in J. Offenbach.
V A v s t r in na začetku XIX. Skupaj z Dunajem so Salzburg, Seisenstadt, Esterhaza in drugi postali glasbena središča. Dunajska dvorna opera je bila odprta leta 1869 in to gledališče je postalo vodilno glasbeno gledališče v državi. V njegovem repertoarju so prevladovale francoske in italijanske opere. V zadnji tretjini XIX. razvita je bila opeleta venet. Njeni ustanovitelji: F. Suppe (1819-1895), ki je napisal "Beautiful Galatea", "Boccaccio" in eno najboljših operet - "Donna Juanita"; I. Strauss (sin) (1825-1849) - njegove najboljše stvaritve "Ciganski baron", "Netopir" in drugi. Glavni skladatelj te zvrsti - K. Mialeker (1842-1899) - avtor operet "The Berač študent "," Gasparon "," Ubogi Jonathan ".
V delih teh skladateljev se pogosto uporabljajo ljudske melodije, plesni ritmi, operete odlikuje melodija.
Dunajski valčki ("Modra Donava", "Zgodbe o dunajskem gozdu" itd.), Po zaslugi katerih je dobil ime "Kralj valčkov", so I. Straussu prinesli tudi svetovno slavo.
Kljub temu, da so za delo angleških skladateljev XIX. na splošno odsotnost izrazitega nacionalnega značaja, operna kultura v Anglu in je intenzivno rasla. Gledališče Covent Garden je bilo največje v Angliji in gostilo je predstave italijanske kraljeve opere. Leta 1856 je bila ustanovljena Kraljeva angleška opera. Konec XIX. začenja se obdobje, ki se je v zgodovino zapisalo pod imenom angleška glasbena renesansa - zanimanje skladateljev za nacionalne teme se povečuje.
Umetnost. V tej obliki umetnosti je glavna značilnost realizma razumevanje človekovega družbenega značaja. Vendar je v slikarstvu realizem tesneje povezan s slikovnimi sredstvi, ki ustvarjajo iluzijo vizualne pristnosti.
Frančiški realistični trend v slikarstvu je utrdil svoj položaj sredi XIX. Stoletja. po revoluciji leta 1848 V zgodovini francoske umetnosti se med dvema taboroma, dvema bistveno nasprotujočima si, nikoli ni borilo umetniške kulture ni bila tako akutna kot v tem obdobju. Najboljše lastnosti Francozov in njihove napredne umetnosti so poosebljali umetniki, kot so Millet, Courbet, Manet, Carpa. Niso smeli na razstave, preganjani v časopisih in revijah. Nasprotovala jim je množica trgovcev z umetninami, favoritov Napoleona III in celotne reakcionarne buržoazije drugega cesarstva.
J. F. Mimet (1814-1875) je v svojih epskih monumentalnih in polnih življenjskih resničnostnih slik prikazal francosko kmečko gospodarstvo, njegovo delo, njegovo moralno moč ("Žetveni žitarice", "Angelus").
Millet in Courbet sta postala predhodnika impresionizma. Dela Edouarda Maneta (1832-1883) so posvečena Parizu. Je eden briljantnih koloristov sveta umetnosti. Na njegovih slikah je z neverjetno budnostjo in svežino predstavljena resnična karakterizacija vseh vrst prebivalcev Pariza ("Zajtrk v ateljeju", "Branje", "V čolnu", "Dana"), ki nosijo naše dni videz tedanje Francije. Čeprav je Manet na svojih prvih slikah poskušal znova premisliti podobe in zaplete starih mojstrov v duhu modernosti ("Zajtrk na travi", "Olimpija"), potem je začel ustvarjati slike na vsakdanje, zgodovinske in revolucionarne teme. Najmočnejša stran v zgodovini francoskega kritičnega realizma - njegova zadnja slika Bar pri Folies-Bergeres - govori o osamljenosti človeškega bivanja. V pričakovanju impresionizma se je obrnil na svetlobo na prostem ("Argenteuil") (Plener (francoski plener, dobesedno - na prostem) - pri slikanju reprodukcije sprememb v zračnem okolju, ki jih povzročajo sončna svetloba in stanje ozračja).
Razcvet angleškega in y slikarstva je v 19. stoletju. za prvo tretjino stoletja. Povezan je z razvojem briljantnega krajinskega slikarstva.
Eden najbolj prepoznavnih umetnikov svojega časa je bil William Termou (1775-1851). Veliko je potoval po Evropi in njegove pokrajine so dobile romantičen poudarek ("Brodolom"). Drzne v svojih kolorističnih in svetlobnih iskanjih z izkrivljeno lestvico predmetov so njegove slike tako rekoč predhodnice impresionizma ("Dež, para in hitrost"). Zaslovel je tudi kot zgodovinski slikar, ki je ustvarjal pokrajine z mitološkimi ali zgodovinskimi prizori ("Vrt-Hesperidi", "Dido je gradil Kartagino itd.)
Delo F. Goye. Po Velázquezovi smrti leta 1660 je španska umetnost sto let globoko propadala. In šele konec 18. - začetek 19. stoletja. nazadnje Španija nepričakovano postavila briljantni umetnikFrancisco Goya (1746 - 1828), ki je postal ne le eden največjih španskih slikarjev in grafikov, temveč je močno vplival na vso evropsko umetnost 19. in 20. stoletja. Ustvaril je ogromno lepih fresk, slik, jedkanic, litografij, risb. (Jedkanje (iz francoske dušikove kisline) je vrsta gravure, pri kateri se risba z iglo za graviranje opraska v sloju odpornega laka, ki pokriva kovinsko ploščo. Praskana mesta so jedkana s kislino in nastala poglobljena slika je napolnjen z barvo in vlečen na papir.)
Gledališče. V politično razdrobljenem Hermanu se je gledališko življenje osredotočalo na majhna mesta, v katerih so dvorna gledališča igrala klasični repertoar.
Ukinitev monopolov dvorskih gledališč leta 1869 je privedla do nastanka številnih komercialnih gledališč in upada umetniške ravni repertoarja. Gledališče Meiningen, ki je leta 1871 postalo mestno gledališče, se je začelo boriti za ustvarjanje predstav kot eno samo delo. Največji igralci v Nemčiji sredi in poznega 19. stoletja. so bili B. Davison, A. Maškovski, E. Possart.
V igrah G. Ibsena, G. Hauptmanna so blesteli veliki tragiki I. Caina in A. Zorma.
Na prelomu stoletja je Berlin postal gledališko središče Nemčije. Leta 1883 je bil odprt Nemško gledališče, leta 1889 - Svobodno gledališče, ki je promoviralo dramo Ibsena, Hauptmanna, E. Zole, L. Tolstoja.
Na začetku XIX. gledališko življenje A v st r in ga je zaznamoval velik ustvarjalni razcvet gledališč v predmestjih, ki je bil povezan z dejavnostjo dramatika F. Raimunda in igralca I. N. Pestraija. Po revoluciji leta 1848 pa so ta gledališča izgubila svoj demokratični značaj; v njihovem repertoarju prevladujejo zabavne predstave.
V drugi polovici XIX. vodilno mesto v gledališkem življenju Avstrije je zasedlo "Burg-Theatre". Njen vodja G. Laube je klasiko odobril na odru. V 70-8Q-e. gledališče je režiral F. Dilgenstedt, ki je uprizoril cikel Shakespearovih tragedij, drame Ibsena, Gogolja, Turgenjeva, L. Tolstoja.
Balet. Rojstni kraj sodobnega evropskega baleta sta I t in l. Italijanski balet je temeljil na tradiciji starodavne pantomime in plesa ter bogati kulturi ljudskega plesa. Na prelomu XVIII-XIX stoletja. začela se je nova stopnja v razvoju italijanskega baleta, ki je sovpadala z obdobjem osvobodilnega boja italijanskega ljudstva. Predstave so nastajale po principu učinkovitega baleta, nasičenega z dramatiko, dinamiko, izrazom. Takšne balete sta uprizorila G. John in S. Vshit, v njih so nastopali plesalci-pantomimisti.
Gledališče La Scala je veljalo za največje središče baletne umetnosti v Evropi; leta 1813 so v gledališču ustanovili baletno šolo.
V drugi polovici XIX. tako v Italiji kot v drugih državah zahodne Evrope je pri baletni umetnosti upadlo. Takrat se je uveljavil virtuozen slog nastopanja. Pozornost je usmerjena v premagovanje tehničnih težav, dramatična izraznost pa je potisnjena v ozadje. V 80-ih letih XIX. uprizorjene so bile pretežno očarljive predstave, ki so jih odlikovale okornost in praviloma brez ideološke vsebine.
BODLER Charles - francoski pesnik. B.-jeva pesniška dejavnost je sovpadala z razcvetom romantičnih in parnaških trendov v francoski literaturi. Po nevihti francoske revolucije in epu o Napoleonovih vojnah se je v Franciji vzpostavil meščanski red, ki ni izpolnil le težnje širokih množic, temveč tudi težnje srednjih slojev, tiste malomeščanske, ki je ustvaril največ umetnikov nasploh, zlasti pisateljev in pesnikov.
Omeniti je treba tudi, da se je Baudelaire v dobi 1848, ko je močan revolucionarni krč pretresal meščanski svet, zbudil. V tem času spadajo njegova dela - "Somrak", "Zora" in "Ravel nabiralcev krpe". V B. poeziji so se začele pojavljati demokratične in nekoliko revolucionarne note, ki pa so kmalu izginile v še temnejšem razočaranju.
Njegovo glavno delo je Cvetje zla (Les fleurs du mal, 1857; obstajajo ruski prevodi Yakubovich-Melshina in Ellisa; prevajali so ga tudi številni drugi pesniki: Sologub, Vyacheslav Ivanov itd.). "Cvetje zla" je bistvo tistih razpoloženj, o katerih smo govorili zgoraj. Sodobnik parnašev, ki je zahteval izredno filigransko poetičnost, trdnost zgradbe, ekonomičnost v besedah, strog ritem in izbiro podob ter globoko ujemanje izrazov z njimi, B. ni le spoštoval vseh teh pogojev, temveč se je eden največjih mojstrov takšne klasike na svoj način oblikuje verz. B. pripada pasmi kiparjev pesnikov. Pesmi izrezlja ali kova. Njegova dela so trdna, vsaka beseda zagotovo stoji na svojem mestu. Tu je spretnost pogumna.
Realizem kot samostojni trend se je uveljavil v štiridesetih letih prejšnjega stoletja, ki je kasneje prešel v obliko kritičnega realizma (najvišja točka realizma - izpostavljenost porokov družbe). Razvoj realizma je spremljal razvoj kapitalističnega načina proizvodnje in posledično rast družbenih protislovij, kar se je odražalo v takratni umetnosti.
Realizem v umetnosti 19. stoletja kombinira z romantiko
Razočaranje nad izidom revolucij
Negativni odnos do meščanske resničnosti
Apelirajte na duhovni svet osebe
Boj za samopotrjevanje
Tema narodnosti je blizu
Za razliko od romantikov, ki bežijo pred resničnostjo, upoštevajoč izredne razmere, izredne osebnosti, junaške situacije, nevihtne strasti življenja, realizem globoko prodira v resničnost, v javno življenje.
Novi pristopi realističnih umetnikov iz 19. stoletja pri odsevanju tega, kar se v resnici dogaja "tukaj in zdaj".Umetniki so bili prepričani v možnost spoznavanja objektivno obstoječega sveta s pomočjo umetnosti. Obrnili so se na prizore meščanskega življenja, osvetlili življenje kmetov, vsakdanje življenje mestnih nižjih slojev.
Eden prvih realistov v francoskem slikarstvu je bil Gustave Courbet, ki je obravnaval temo dela ("Drobilci kamna"), napisal družbena platna na podlagi resničnih motivov ("Pogreb v Ornanih"). Courbetov "prozeizem" je odprt izziv uradni kritiki.
Francois Millet - kmečka zvrst, brez melodramatičnih in etnografskih odtenkov, ki pa je s prenosom poz, kretenj, gibov telesa razkrila naravo delovnega procesa, moč in spretnost kmetov ("Kmečke ženske z grmičevjem", "Zbiranje ušes" ") - epska monumentalna platna, polna vitalnosti in resnice ...
Honore Daumier je umetnik kritičnega realizma, ki je tako kot O. Balzac v tisočih litografijah, risbah in slikah - karikaturah kralja Louisa Philippeja v satiričnih revijah "Caricature" in "Sharivari" ( "Spusti zaveso"), njen glavni žanr je satira morale: filistični svet prevarantov, norcev, provincialov v prestolnici ("Številke pravičnosti"). "Pralnica" ni portret, temveč skupna podoba vseh pariških pralnic; portret, v katerem je avtor izrazil vso ljubezen do ljudi. Serija ilustracij za Don Kihota, kjer je umetnik v podobi glavnega junaka poskušal odsevati svoj položaj v družbi, temo človeškega trpljenja. Družbena ostrina njegovih zapletov je protiutež prepovedani cenzuri.
Francoska nacionalna pokrajina:
Jean Baptiste Camille Corot - pesniška duhovnost narave; najljubši motiv - "po dežju", tj spremenljivo naravno stanje; srebrno tonalnost njegove slike "Korova siva meglica".
Šola Barbizon - glavni cilj: podoba izvirnosti nacionalne krajine, prenos spreminjajočih se naravnih stanj, zavračanje kompozicijskih kanonov. Theodore Russo - "Pokrajina z mostom" - pokrajina iz narave, posebna pozornost do oblike, vsa drevesa so individualna, slikovno modeliranje jih naredi obsežne in skoraj kiparske, njihovo monumentalnost poudarja nizek horizont.
Jules Dupre - "Jesenska pokrajina" - učinek zahajajočega sonca poudarja kontrast barv jesenske pokrajine po dežju, drevesa, ki prevladujejo v kompoziciji, so še posebej slovesna.
Charles Daubigny - rečne pokrajine ("bregovi Oise"), želja po najmanjših spremembah naravnega stanja, subtilen slikovni prenos svetlobnih objektov.
Od konca XVIII. Francija je imela pomembno vlogo v družbenem in političnem življenju Zahodne Evrope. XIX stoletje. zaznamovalo široko demokratično gibanje, ki je zajelo skoraj vse sloje francoske družbe. Revoluciji leta 1830 je sledila revolucija leta 1848. Leta 1871 so ljudje, ki so razglasili Pariško občino, prvič v zgodovini Francije in celotne Zahodne Evrope prevzeli politično moč v državi.
Kritična situacija, ki se je razvila v državi, ni mogla ne vplivati \u200b\u200bna odnos ljudi. V tej dobi si progresivna francoska inteligenca prizadeva najti nove poti v umetnosti in nove oblike umetniškega izražanja. Zato so se v francoskem slikarstvu veliko prej kot v drugih zahodnoevropskih državah razkrile realistične težnje.
Revolucija leta 1830 je v Franciji zaživela demokratične svoboščine, ki jih grafiki niso izkoristili. Ostre politične risanke, usmerjene proti vladajočim krogom, pa tudi razvade, ki prevladujejo v družbi, so polnile strani revij "Sharivari", "Caricature". Ilustracije za periodične publikacije so bile narejene v tehniki litografije. V žanru karikatur so delali umetniki, kot so A. Monier, N. Charlet, J. I. Granville, pa tudi čudoviti francoski grafik O. Domier.
Pomembno vlogo v francoski umetnosti v obdobju med revolucijami 1830 in 1848 je imel realistični trend v krajinskem slikarstvu - t.i. šola barbizon. Ta izraz izvira iz imena majhne slikovite vasice Barbizon blizu Pariza, kjer je bila v letih 1830-1840. veliko francoskih umetnikov je prišlo študirat naravo. Nezadovoljni s tradicijo akademske umetnosti, brez žive konkretnosti in nacionalne identitete, so se potrudili v Barbizon, kjer so skrbno preučevali vse spremembe, ki se dogajajo v naravi, naslikali slike, ki so prikazovale skromne kotičke francoske narave.
Čeprav dela mojstrov šole Barbizon odlikujeta resničnost in objektivnost, vedno čutijo avtorjevo razpoloženje, njegova čustva in izkušnje. Narava v pokrajinah ljudi Barbizon se ne zdi veličastna in odmaknjena, človeku je blizu in razumljiva.
Umetniki so pogosto slikali isti kraj (gozd, reka, ribnik) ob različnih dnevih in v različnih vremenskih razmerah. V delavnici so obdelali skice, narejene na prostem, in ustvarili sliko, ki je bila sestavna pri kompozicijski konstrukciji. Na končni sliki je zelo pogosto izginila svežina barv, značilnih za etude, zato so platna številnih Barbizonij odlikovale temne barve.
Največji predstavnik šole Barbizon je bil Theodore Rousseau, ki se je, že znan slikar krajine, upokojil iz akademskega slikarstva in prišel v Barbizon. Protest proti barbarskemu krčenju gozdov Rousseau obdari naravo s človeškimi lastnostmi. Sam je dejal, da sliši glasove dreves in jih razume. Odličen poznavalec gozda, umetnik zelo natančno poda strukturo, vrsto, obseg vsakega drevesa ("Forest of Fontainebleau", 1848-1850; "Oaks in Agremont", 1852). Rousseaujeva dela hkrati kažejo, da umetnik, čigar slog je nastal pod vplivom akademske umetnosti in slikarstva starih mojstrov, ni mogel, ne glede na to, kako zelo se je trudil, rešiti problema prenosa svetlobe-zraka okolje. Zato sta svetloba in barva v njegovih pokrajinah najpogosteje pogojna.
Rousseaujeva umetnost je močno vplivala na mlade francoske umetnike. Predstavniki Akademije, ki so sodelovali pri izbiri slik za Salone, so Rousseaujevemu delu skušali preprečiti razstave.
Znani mojstri šole Barbizon so bili Jules Dupre, čigar pokrajine vsebujejo značilnosti romantične umetnosti (Veliki hrast, 1844-1855; Pokrajina s kravami, 1850), in Narcis Diaz, ki je naselil gozd Fontainebleau z golimi figurami nimf in starodavnih boginje (Venera s kupidom ", 1851).
Charles Daubigny, ki je svojo kariero začel z ilustracijami, je bil predstavnik mlajše generacije Barbizonijcev, vendar v 40. letih 20. stoletja. posvečena pokrajini. Njegove lirične pokrajine, posvečene skromnim kotičkom narave, so polne sončne svetlobe in zraka. Daubigny je zelo pogosto slikal iz narave ne samo skice, ampak tudi končane slike. Zgradil je čolnarno-delavnico, na kateri je plul ob reki in se ustavil na najprivlačnejših krajih.
Največji francoski umetnik 19. stoletja je bil blizu Barbizoncev. K. Corot.
Revolucija leta 1848 je privedla do izjemnega vzpona v javnem življenju Francije, njene kulture in umetnosti. V tem času sta v državi delala dva glavna predstavnika realističnega slikarstva - J.-F. Millet in G. Courbet.
Francoski realizem je povezan predvsem z imeni Stendhal in Balzac, kar je zgodovinsko res. Ne smemo pa pozabiti, da so imeli nadarjene predhodnike, v katerih delih so bili zelo jasno nakazani realistični principi pisanja. Govorimo o pesniku Pierre-Jeanu Berangerju, splošno znanem po svojih pesmih, in prozaistu Paul-Louisu Courierju, slavnem pamfletistu, ki je francoskemu jeziku po Stendhalovih besedah \u200b\u200bvrnil "v nekdanjo preprostost". Berangerjeve pesmi in Courierjevi pamfleti so prispevali k razvoju realistične poetike. Istemu cilju so sledili vsakdanji, moralni in "fiziološki" eseji, ki so postali množična šola francoskega realizma.
V prvi polovici 19. stoletja so se na francoskem literarnem prizorišču pojavili veliki pisatelji, ki so ji prinesli svetovno slavo: Frederic Stendhal (psevdonim Henri-Marie Beyle; 1783-1842), Honore de Balzac (pravo ime Balsa; 1799- 1850) in Prosper Mérimée (1803 -1870).
Stendhal (romani "Armane", "Rdeče in črno", "Parmski samostan", "Lucien Leuven", "Lamiel", zgodba "Spomini egoista", novela "Vanina Vanini", knjige "Življenje Haydn, Mozart in Metastasio "," Zgodovina slikarstva v Italiji "," Rim, Neapelj in Firence "," O ljubezni "," Rossinijevo življenje "," Racine in Shakespeare "in druga dela) je ustvaril realistično psihološki roman. To je bila njegova glavna zasluga, ki je svetovno literarno gibanje ni minilo.
Stendhal je bil demokrat, ki je iskal vzroke pojavov v okoliški resničnosti. Izjemno ga je zanimal človeški um in njegove povezave s čutili. Stendhal je nekoč mislil, da je v središču vseh človekovih dejanj osebna, egoistična želja, ki pa mora biti podrejena moralnemu občutku. Volji je pripisoval velik pomen in jo imel za eno glavnih osebnostnih sil.
IN umetniška dela Za razliko od drugih realistov, zlasti Balzaca, Stendhal močneje poudarja notranji svet osebe kot družbo in zunanje junakovo okolje. Človek ga privlači ne toliko kot družbeni izdelek, kot življenje njegove zavesti. Kljub temu Stendhal ne opusti družbeno-zgodovinskega determinizma. Torej, obkroži Pietra, junaka romana "Vanina Vanini", z romantičnim aureolom Stendhal motivira svojo strast z nacionalnostjo (Italijan), posebno vlogo religije v svojih mislih (po porazu se počuti kaznovan in zateka se k religijski pomoči), družbeni občutek, tisti, ki mu zapovedujejo, naj ima raje ljubezen do domovine kot ljubezen do ženske. Pri orisanju načel ustvarjalnosti Stendhal uporablja svoje izkušnje in med ljudmi, ki so mu znani, črpa like, ki jih je upodobil: »Vzamem enega od ljudi, ki sem ga poznal, in si rečem: ta oseba je pridobila določene navade, vsako jutro v lovu na srečo, nato pa mu dam malo več inteligence. " Stendhal je verjel, da človeka (in v marsičem tudi družbo) vodijo strasti. Najpomembnejša med njimi je ljubezen, ki je postala središče njegovega umetniškega zanimanja.
Stendhal izpostavi štiri ljubezenske strasti ("O ljubezni"): "strast-ljubezen", "strast-ambicija", "strast-privlačnost", "fizična strast". Primarna pozornost je namenjena prvima dvema, od katerih je "strast-ljubezen" resnična in večna, "strast-ambicija" pa hinavska in rojena v 19. stoletju.
Stendhalov psihologizem temelji na kontrastu "strast-ljubezen" in "strast-ambicija" na eni strani in na nasprotju strasti in razuma na drugi strani. Junak Stendhala, kot je pozneje Pechorin pri Lermontovem, opazi, da se zdi, da sta v eni osebi dve: ena živi in \u200b\u200bdeluje, druga pa ga opazuje. Iz izkušenj kontemplacije pisec izpelje pomemben zaključek: "Duša ima samo stanja, nima stabilnih lastnosti." Najgloblji način razkritja notranjega sveta, življenja duše, je notranji monolog, značilen za vse glavne pisateljeve like - Juliena Sorela, Luciena Leuvena, Fabrizija del Dongo itd.
V mentalnem življenju Stendhala ga zanima gibanje misli, saj so strasti prežete z racionalnim načelom. Pisatelj se ustavi, preden razišče duševna stanja, le opozori nanje. Dejanja junakov pa vedno prikazuje v povezavi z reakcijami nanje, kar daje idejo o neskončni individualnosti racionalne in čutne izkušnje ljudi.