リアリズムは19世紀初頭にロマン主義の深みで形になり始めました。 この新しい転換は、進歩的な世論と国家の形成の激化、国の文化、民族の歴史と文化への関心、主に国の文学に関連していた。 ロマン主義と象徴主義については、後で別のトピックの枠内で話します。 今のところ、ロマン主義が美術の発展における古典主義と学問の主導的役割を暴き、拒絶したと言うことは重要で十分です。
初めての学期 リアリズム 19世紀半ばにフランスの作家によって紹介され、 文学評論家 J.シャンフルーリー。 リアリズムは、周囲の完全で正確な表現として理解されていました 実生活、それは無意識のうちにその時代のブルジョアの現実の悪徳と問題を暴露しました。
J.シャンフルーリー
しかし、芸術文化における美的現象としてのリアリズムは絶対的なニュースではなく、適切な用語を使用しないと、ルネッサンス-「ルネッサンスリアリズム」、そして啓蒙時代-「エンライトメントリアリズム」ですでに感じられました。 しかし、19世紀にはさまざまな国で、独自の特徴がありました。
フランスでは、リアリズムと呼ばれる クリティカルリアリズム は、実用主義と物質主義的見解の優位性、美術の発展の課題を決定する上での科学とフランス国内文学の支配的な役割に関連していた。 文学におけるフランスの批判的リアリズムの最大の代表者の中には、O。Balzac、V。Hugo、G。Flaubertがあり、その作品はロシア社会の教育を受けた部分でよく知られており、すでに部分的に翻訳されています。
Honore de Balzac
ビクターヒューゴグスタフフラウバート
フランス絵画における批判的リアリズムの主な代表者は、オノレ・ドーミエ、グスタフ・クールベ、フランソワ・ミレー、カミーユ・コロー、セオドア・ルソーでした。
1830年の革命 美術、似顔絵、特に華麗で表現力豊かなイメージの開発に新たな段階を開きました O.ドーミエ （1818-1879）風刺的なグラフィックを真の芸術にしました。
似顔絵のジャンルのO.DaumierのHonoreDaumierの肖像画
Daumierのグラフィックと絵画の作品は、「DonQuixote」と「Peopleof Justice」（「Judges and Lawyers」）のシリーズまたはサイクルで指定されていますが、最初の作品は、1830年と1848年の2つのパートで構成される革新的なシリーズでした。 このサイクルで最も重要な作品は「蜂起」と「立法議会」です。
斜めに数人しか描かないことで、大勢の人が動いているような印象を与えました。 ライトシャツを着た若い男性の姿に重点が置かれ、一般的な動きに従属し、彼を導き、手を上げてゴールへの道を示します。
暴動。 1830g。
彫刻/リトグラフ、立法議会、または大臣と政府のメンバーの立法Wombで、アーティストは醜く道徳的に惨めな会社として描かれました。
立法子宮
シリーズ「裁判官と弁護士」では、外見、人の外見、そして彼の本質の間の恐ろしいコントラストを示しています。 Daumierの弁護士と裁判官は、虚偽、偽善、悪徳の真髄であり、ブルジョア裁判所だけでなく、社会全体の一部を象徴しています。
法廷弁護人
ドンキホーテサイクルの英雄のイメージの解釈-人間の魂の両側の間の悲劇的な矛盾を示すことは、世界の芸術に類似点がありません。 やせ衰えた、信じられないほど背の高いドン・キホーテは、巨大な骨のロシナンテの暗い丘陵の風景の中を走り、常に前に進み、彼の夢に忠実であり、障害物にとらわれず、人生の祝福に惹かれず、すべてを探し求めています。 彼の後ろには彼の反対があります-ロバの上で、常に遅れをとって、臆病なSancho Panzaは、いわば、十分な理想、十分な闘争、ついにやめる時が来たと言います。
ドンキホーテサンチョパンザとドンキホーテ
アーティストの作品の中心的なテーマは一般の人々でした：彼らの窮状だけでなく彼らの仕事と個性の価値を反映して、彼が描いた労働者、小さな従業員、職人、洗濯屋。 彼のキャッチフレーズ「あなたはあなたの時代の人でなければならない」は、批判的なリアリズムの一般的な方向性を反映していました。
NoshaまたはLaundressPrintsの恋人
三等運送
フランスの批判的リアリズムの主人公は グスタフ・クールベ (1819-1877).
グスタフ・クールベ
彼は彼の創造的な方法としてリアリズムを公然と宣言した最初の西ヨーロッパの芸術家でした：装飾、理想化、感情のない人生の最も見苦しい側面を描写しました。 彼の絵の中の登場人物は、労働者、乞食、売春婦など、最下位層を含む人口のすべての層の代表でした。
クールベの作品の主なものは、特定の人々を描くとき、\u200b\u200b彼らの典型的な意味の特徴を与える彼の能力であり、クールベのプロットの単純なジャンルのシーンは、記念碑的な特徴を獲得しました。
ウィンドブレーカーストーンクラッシャー
Ornansでの葬儀
肖像画でさえ、アーティストはしばしば特定の家庭環境でモデルを描いたジャンルのキャラクターを与えます。 その一例が、地元の小さなカフェで休憩しているアーティストの父親や友人を描いたシーンです。
午後のオルナン
クールベの肖像画の他の例は、芸術的創造における特定の方向性の象徴としての人の描写です。
左側-HectorBerliozの肖像-プログラム交響曲の創設者
右側-フランスの詩（Flowers of Evilなど）の古典であるCharlesBaudelaireの肖像-退廃と象徴主義の創設者。
CourbetAtelierまたはArtist'sWorkshopによる最も明白な絵画は、複雑な寓話的な構成であり、それぞれの現実的で肖像画が認識できる画像の背後に、アーティストによってシンボルのランクに上げられた特定のタイプが立っています。
アトリエまたはアーティストのワークショップ
同時に、アーティストはこれが新しいタイプの寓話であり、現実的であり、ロマンチックなファンタジーや象徴主義の涙の感情とは何の関係もないことを強調しました。
クールベにとって、現実的な芸術の最も重要な品質は、不利な立場にある人々や抑圧されている人々への共感ではなく、社会の一員としての彼らの有用性の描写でした。 内なる世界の反映ではなく、モデルの社会的特徴。
クールベは、リアリズムの本質は理想の否定であると信じていました。そのため、人に関係するすべてのことに理由が優先されるべきです。 そのような立場だけが、個人の解放につながり、最終的には民主主義につながるとアーティストは信じていました。
農民の家族から来ています F.ミレット （1814-1875）は、農民の生活と仕事を彼の絵画の主要なテーマとし、地方の労働を人間の自然な状態、彼の存在の一形態として示しました。
ジャン\u003dフランソワ・ミレット
芸術家は、人間と自然とのつながりが明らかになり、それが彼を教育し、高揚させるのは仕事であると信じていました。
ポテトハーベスターの植え付け
19世紀半ば、主に国の風景の分野で働いていた画家がフランスに現れました。 現実的な風景の主役は カミーユコロー (1796-1875).
カミーユコロー
コロットは、現実的な一般化された自然のイメージを作成するために、その中で自分の気持ちや気分を表現しようとしました。 アーティストは、主なツールは曇りの日の穏やかで拡散した微妙な光であると考えました。 彼は写真の光の伝達に多くの努力を払い、同じ色の多くの異なる色合い、いわゆるバラーを探し、彼の風景に畏敬の念を抱かせようとしました。
突風の風源
リヴァの眺め。 イタリアのチロルチボリ、ヴィラデステの庭園、ローマ、イタリアの近く
リアリズム、シンボリズム。 プレゼンテーションでは、フランスのアーティスト、クールベ、ドーミエ、ミレットの作品に精通します。
フランス絵画のリアリズム
すでに18世紀の終わりに、啓蒙の芸術に君臨した古典主義のスタイルは、フランスのブルジョア革命によって引き起こされた激動とその結果への失望の結果である新しいスタイルに取って代わられました。 ロマン主義がこのスタイルになりました。 私はロマン主義の芸術にいくつかのメモを捧げてきました。 今日は話します リアリズム、ロマンチックな芸術の深みに形成され始めました。 「リアリズム」という用語を最初に使用したフランスの文学評論家ジュール・フランソワ・シャンフルーリーは、それを象徴主義やロマン主義と対比させました。 しかし、現実的な芸術的方向性はロマン主義の絶対的な敵対者にはならず、むしろその継続でした。
現実の真実の反映を目指して努力するフランスのリアリズムは、当然、革命運動に関連していることが判明し、「クリティカルリアリズム」という名前が付けられました。 画像の重要な信頼性に依存する、そのすべての表現における現代性への魅力、典型的な状況での典型的なキャラクターの再現は、リアリズムの主な要件です。
「絵画の芸術は、芸術家によって目に見えて目に見える物体の描写以外の何物でもあり得ません...現実主義の芸術家は彼の時代の習慣、考え、そして見た目を伝えなければなりません。」
グスタフ・クールベ
創設者と呼ばれることの多いグスタフ・クールベの仕事と運命について私が語ることはできないでしょう。 フランス絵画のリアリズム、クリエイターよりも優れている 映画「リバティクールベ」 シリーズ「マイプーシキン」より
彼のプレゼンテーションで 「フランス絵画のリアリズム」 素敵なフランス人アーティストの作品も紹介してみました フランソワミレット そして ホノレ・ドーミエ..。 このトピックに興味のある方は、サイトをご覧になることをお勧めします Gallerix.ru
いつものように、小さい 本のリスト フランスのリアリズムとフランスのリアリストアーティストについて読むことができる場所：
- 子供のための百科事典。 T.7。 アート。 二部。 -M。：Avanta +、2000。
- ベケットV.絵画の歴史。 --M。：LLC "Astrel Publishing House"：LLC "AST Publishing House"、2003年。
- Dmitrieva N.A. アートの簡単な歴史。 問題III：国 西ヨーロッパ XIX世紀; XIX世紀のロシア。 -M 。：アート、1992
- エモホノバL.G. 世界の芸術文化：教科書。 学生のためのガイド。 水曜日 ped。 調査。 機関。 --M 。：出版センター「アカデミー」、1998年。
- Lvova E.P.、Sarabyanov D.V.、Borisova E.A.、Fomina N.N.、Berezin V.V.、Kabkova E.P.、Nekrasova L.M. ワールドアート。 XIX世紀。 美術、音楽、演劇。 --SPb。：Peter、2007年。
- サミンD.K. 100人の偉大な芸術家。 --M。：Veche、2004年。
- フリーマンJ.アートの歴史。 --M。：「AstrelPublishing House」、2003年。
19世紀の芸術と文学における現実的な方向性。
19世紀になると、社会は急速に発展し始めます。 新しい技術が登場し、医学、化学産業、電力工学、輸送が発展しています。 人口は徐々に古い村から都市へと移動し始め、快適さと現代の生活を求めて努力しています。
文化圏はこれらすべての変化に対応せざるを得ませんでした。 結局のところ、経済的および社会的の両方の社会の変化は、新しいスタイルと芸術的な方向性を生み出し始めました。 したがって、ロマン主義は大きなスタイルの傾向、つまりリアリズムに置き換えられます。 前作とは異なり、このスタイルは、装飾や歪みのない、そのままの形での生命の反映を前提としていました。 この願望は芸術において新しいものではありませんでした-それは古代、中世の民俗学、そして啓蒙の時代に見られます。
リアリズムは、17世紀の終わり以来、より明確な表現を見出しています。 存在しない理想を持って生きることにうんざりしている人々の意識の高まりは、客観的な反省、つまりフランス語で「物質」を意味するリアリズムを生み出します。 ミケランジェロ・カラヴァッグとレンブラントの絵には、リアリズムの傾向が見られます。 しかし、リアリズムは、19世紀の人生観の最も不可欠な構造になります。 この期間中に、それは成熟に達し、その国境をヨーロッパの領土全体、そしてもちろんロシアに拡大します。
現実的な方向性の主人公は、周囲の生活のネガティブな兆候について判断を下し、理性を体現する人物になります。 文学作品では、社会的矛盾が探求され、恵まれない人々の生活がますます描かれています。 Daniel Defoeは、ヨーロッパの現実的な小説の創設者と見なされています。 彼の作品の中心にあるのは、人の良い始まりです。 しかし、状況は彼を変える可能性があり、彼は外的要因の影響を受けます。
フランスでは、フレデリック・スタンダールが新しい方向性の創設者になりました。 彼は文字通り流れに逆らって泳いだ。 確かに、19世紀の前半には、ロマン主義が芸術に君臨していました。 主人公は「並外れたヒーロー」。 そして突然、Stendhalはまったく異なるイメージを持っています。 彼のヒーローは実際にはパリだけでなく地方でも生活しています。 著者は、誇張や装飾をせずに、日常生活の描写、真の人間の経験を芸術のレベルに引き上げることができることを読者に証明しました。 G.Flaubertはさらに進んだ。 彼はすでに主人公の心理的性格を明らかにしています。 これには、細部の完全に正確な説明、その本質をより詳細に伝達するための生命の外側の表示が必要でした。 Guy de Maupassantは、この方向で彼のフォロワーになりました。
Ivan Krylov、Alexander Griboyedov、Alexander Pushkinなどの著者は、ロシアの19世紀の芸術におけるリアリズムの発展の起源に立っていました。 リアリズムの最初の最も明るい要素は、1809年にI.A.による寓話のデビューコレクションにすでに登場しました。 クリロフ。 彼のすべての寓話の中心にある主なものは具体的な事実です。 キャラクターはそれから形成され、これまたはその行動状況が生まれます。これは、動物キャラクターの性質について確立されたアイデアを使用することによって悪化します。 選ばれたジャンルのおかげで、クリロフは現代の生活の中で鮮やかな矛盾を示しました-強者と弱者、金持ちと貧乏人の衝突、嘲笑する役人と貴族。
Griboyedovの作品では、リアリズムは、典型的な状況にいる典型的なキャラクターの使用に現れています。これは、この傾向の主な原則です。 このテクニックのおかげで、彼のコメディー「WoefromWit」は今日関連しています。 彼の作品で使用したキャラクターはいつでも見つけることができます。
リアリストプーシキンは、わずかに異なる芸術的概念を提示します。 彼のキャラクターは、教育理論、普遍的な人間の価値観に依存して、人生のパターンを探しています。 彼の作品には歴史と宗教が重要な役割を果たしています。 これは彼の作品を人々と彼らの性格に近づけます。 レルモントフとゴゴルの作品、そして後に「自然の学校」の代表者の作品には、さらに鋭く深い国籍が現れました。
絵画について言えば、19世紀のリアリストアーティストの主なモットーは、現実を客観的に描写することでした。 そこで、19世紀半ばにセオドア・ルソー率いるフランス人アーティストが田園風景を描き始めました。 装飾のない最も普通の性質は、創造のためのユニークな素材になることができることが判明しました。 憂鬱な日でも、雷雨の前の暗い空でも、疲れた耕作者でも、これらはすべて、現実の生活の一種の肖像画です。
19世紀後半のフランス人画家、グスタフ・クールベは、彼の絵でブルジョア界に怒りを引き起こした。 結局のところ、彼は自分の周りで見た本当の人生を描いていました。 これらは、ジャンルのシーン、肖像画、そして静物である可能性があります。 彼の最も有名な作品には、「オルナンスの埋葬」、「火」、「水辺の鹿」、スキャンダラスなキャンバス「世界の起源」と「眠り」などがあります。
ロシアでは、19世紀の芸術におけるリアリズムの創設者はP.A. フェドトフ（少佐のマッチメイキング）。 彼の作品では、風刺に訴え、悪意のある道徳を非難し、貧しい人々に同情します。 彼の遺産には多くの漫画や肖像画が含まれています。
19世紀後半、I.Yeが「民俗生活」をテーマに取り上げました。 再固定します。 彼の有名な絵画「告白の拒否」と「ヴォルガのバージハウラー」では、人々の残酷な搾取と大衆の間で醸し出されている抗議が明らかにされています。
作家や芸術家の作品には、20世紀も現実的な傾向が存在し続けました。 しかし、現代の影響下で、彼らは他のより現代的な機能を獲得し始めました。
フランスのリアリズム。
リアリズム30〜40代
リアリズムは、現実の真の客観的な反映です。 ブルジョア秩序の勝利の条件の下で、フランスとイギリスでリアリズムが生まれました。 資本主義システムの社会的対立と欠点は、それに対する現実主義の作家の鋭く批判的な態度を決定しました。 Οʜᴎは金儲け、甚だしい社会的不平等、利己主義、偽善を非難した。 そのイデオロギー的な目的において、それは批判的なリアリズムになります。 人道主義と社会正義の考えと一緒に。 フランスでは、30年代と40年代に、Oporet de Balzacが最もリアルな作品を作成し、95巻の「HumanComedy」を執筆しました。 ビクターヒューゴ-「ノートルダム大聖堂」、「93年目」、「承認済み」など。
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Gustave Flaubert-「MadameBovary」、「Education of the Senses」、「Salammbo」Prosper Merimo-短編小説のマスター「MateoFalcone」、「Colomba」、「Carmen」、演劇の作者、歴史的記録「Charles10の時代のクロニクル」など。
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イギリスでは30代から40代。 チャールズ・ディケンズは、リアリズムの頂点である「ドンビーと息子」、「ハード・タイムズ」、「大いなる期待」の作品である、卓越したサティリスト兼ユーモリストです。 ウィリアム・メイクピース・サッカレーは、小説「バニティ・フェア」、歴史的作品「ヘンリー・エズモンドの物語」、風刺的なエッセイ「スノブの本」のコレクションで、ブルジョア社会に固有の悪徳を比喩的に示しました。 19世紀の最後の3分の1。 スカンジナビア諸国の文献は世界的な評判を得ています。 これはまず第一に、ノルウェーの作家、ハインリッヒ・イブセンの作品です。ドラマ「人形の家」（「ノラ」）、「ゴースト」、「人々の敵」は、偽善的なブルジョアの道徳から人間を解放することを求めました。 Bjernsonのドラマ「Bankruptcy」、「Over Our Power」、そして詩。 Knut Hamsun-哲学の環境に対する人格の反乱を描いた心理小説「ハンガー」、「ミステリー」、「パン」、「ビクトリア」。
1789年の革命。、激しい政治的闘争の時代。 フランスでは、5つの政治体制が変化しています：1。）ディレクトリの1795-1799期間、2。）ナポレオン領事館の1799-1804期間。 3）1804年-1814年-ナポレオン帝国と戦争の期間4）1815年-1830年-回復の期間5）1830年-1848年-7月の君主制の期間6）1848年の革命、ブルジョアの強化。 フランスのリアリズムは理論的に形になり、その言葉が生まれました。 文学は、バルザックとフローベールの2つの段階に分けられます。 I）30 -年のリアリズムとは、さまざまな自然現象の再現を意味します。 40年代、リアリズム-想像力だけでなく、直接観察にも基づいた現代生活のイメージのインスタレーション。 特徴：1）生命の分析、2）類型化の原則が確認されている、3）環化の原則、4）科学への志向、5）心理学の発現。 主要なジャンルは小説です。 II）50代クールベの絵のような創造性に関連したリアリズムの概念のターニングポイントとして、彼とシャンフルーリーは新しいプログラムを策定しました。 観察されたものの改宗者、誠実さ、客観性。
BERANGEピエールジャン -フランスのソングライター。 この種のBの最初の重要な作品は、彼のパンフレットです。 ナポレオン I：「イヴェト王」、「政治的御馳走」。 しかし、B。satireの全盛期は、回復の時代にあります。 ブルボンの権力への復帰、そして彼らと共に革命の年の間に何も学ばず、何も忘れなかった移民-貴族は、B。で、時代の社会的および政治的システム全体が見事な風刺的な反映を見つける長い一連の歌、パンフレットを呼び起こします。 彼らの続きは、 ルイフィリップ 王位に就いた金融ブルジョアジーの代表として。 これらの曲では、to-rye B.自身が王位に打ち込まれた矢、教会、官僚、ブルジョアジーと呼ばれ、詩人は詩を通して政治的トリビューンのように見え、B。の時代に革命的な役割を果たした労働ブルジョアジーの利益を擁護しました。 彼の治世中にナポレオンに反対していたB.は、ブルボンとルイフィリップの間に彼の記憶のカルトを主張します。 このサイクルの曲では、ナポレオンは大衆に関連する革命的な力の代表として理想化されています。 このサイクルの主な動機は、アイデアの力への信念、ある種の抽象的な善としての自由であり、暴力に関連して非常に重要な階級闘争の実際の結果としてではありません（「アイデア」、「思考」）。 このサイクルの曲の1つで、B。は教師に次のように呼びかけます。 オーウェン、ラフォンテーヌ、フーリエ..。 したがって、私たちの前には、ユートピアのマルクス以前の社会主義の信奉者がいます。 詩の最初のコレクションは、彼が大学で上司の慈悲を奪い、そこで奉仕しました。 2番目のコレクションは、道徳、教会、王族を侮辱したとして、B。を起訴し、3か月の投獄で終わります。 4番目のコレクションは、著者に2回目の投獄をもたらしました。今回は9か月間です。 それでも、B。の適切な意味での政治生活への参加（曲の革命的な行動に触れない場合）は、たとえば、かなり穏やかな形に注がれました。
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1830年の革命でリベラル派への支援という形で。近年、B。は公的生活から撤退し、パリ近郊に\u200b\u200b定住し、政治的動機から社会的動機に移り、ポピュリズムの精神でそれらを発展させた（ЖRyzhayaZhannaʼʼ、Brodyagaʼʼ、ʼʼZhakʼなど）。 ..。
バルザック、オノア（Balzac、Honoréde）（1799-1850）、彼の時代の社会生活の全体像を再現したフランスの作家。 出版および印刷事業（1826-1828）で大金を稼ごうとする試みは、バルザックに多額の借金をもたらしました。 執筆に戻り、彼は1829年に小説を出版しました 最後のShuang..。 夫のためのユーモラスなマニュアルとともに、彼自身の名前で出版された最初の本でした。 結婚の生理学 1829）彼女は新しい作者に世間の注目を集めました。 同時に、彼の人生の主な仕事が始まりました：1830年に最初の プライベートシーン 、間違いなく傑作 ボールを弾く猫の家 、1831年に最初の 哲学的な物語と物語 ..。 さらに数年間、バルザックはフリーランスのジャーナリストとしてパートタイムで働いていましたが、1830年から1848年までの主力は、世界に知られている小説や物語の広範なサイクルに与えられました。 人間のコメディ。1834年、バルザックはリンクする計画を立てました 一般的なヒーロー 1829年以降に書かれ、将来の作品は、後に「ヒューマンコメディ」と呼ばれる叙事詩にまとめられています。 世界の普遍的な相互依存の考えを具体化して、バルザックはフランスの社会と人間の包括的な芸術的研究を考案しました。この芸術的な建物の哲学的枠組みは、18世紀の物質主義、バルザックへの現代の自然科学理論、神秘的な教えの独特に溶けた要素です。 ヒューマンコメディには3つのセクションがあります。 I.道徳の研究：1）私生活の場面。 2）地方の生活のシーン。 3）パリの生活のシーン。 4）政治生活のシーン。 5）軍事生活のシーン。 6）田舎の生活のシーン。 II。 哲学的研究。 III。 分析研究。 それは、いわば、事実から原因と基礎へと上昇する、らせん状の3つの円です（人間の喜劇の序文、Sobrを参照してください）。
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cit。、vol。1、M。、I960）。 「ヒューマンコメディ」には90作品が収録されています。 バルザックb彼は彼のキャラクターの素材の背景と「見た目」に細心の注意を払った最初の偉大な作家でした。 彼の前には、誰もお金を奪うことや冷酷なキャリア主義を人生の主な刺激として描写していませんでした。 ゴブセック 1830）、 未知の傑作 (1831), エフゲニアグランデ, 見知らぬ人への手紙 ポーランドのデカンターへの愛について。
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1830年代と1840年代、特にバルザックの作品では、リアリズムの特徴が現れます。 現実主義者は、その方言と形式の多様性を決定する法則の知識において、現実の芸術的再現における彼らの主な任務を見ています。
「歴史家自体はフランス社会でなければならず、私はその秘書にしかなれませんでした」とバルザックはヒューマンコメディの序文で指摘し、現実を現実芸術の最も重要な原則として描写するアプローチにおける客観性の原則を宣言しました。 これに加えて、偉大な小説家は、「芸術の仕事は自\u200b\u200b然を模倣することではなく、それを表現することです！」と述べています。 確かに、現実の多面的な絵を与える芸術として。 リアリズムは、道徳的な説明や日常生活の説明に限定されるものではなく、そのタスクには、人生の客観的な法則の分析的研究（歴史的、社会的、倫理的、心理的、そして現代人と社会の批判的評価）、そして生きている現実の前向きな始まりの特定も含まれます ..。
リアリズムの重要な仮定の1つである現実的な類型化の原則とその理論的理解の主張も、バルザックの作品とともに、主にフランスの文学に関連しています。 Balzacによって導入された環化の原理は、19世紀前半にも革新的であり、リアリズムの運命にとって重要でした。 「ヒューマンコメディ」は、原因と結果の複雑な連鎖とキャラクターの運命によって接続された一連の小説と小説を作成する最初の経験であり、毎回彼らの運命と道徳的および心理的進化の新しい段階に現れます。 循環化は、現実の包括的で分析的かつ体系的な芸術的研究に対するリアリズムの欲求に応えました。
すでにバルザックの美学において、科学、主に生物学への志向が明らかにされています。 この傾向は、現代の小説に科学的研究の原則を適用しようとしているFlaubertの研究でさらに発展しています。 このように、ポジティブな美学に特徴的な「科学的な」態度は、それが自然主義の主要なものになるずっと前に、現実主義者の芸術的実践に現れます。 しかし、バルザックとフラウバートの「科学性」への取り組みは、自然主義者が自然法則と社会生活におけるその役割を絶対化する傾向から解放されています。
フランスのリアリズムの強くて明るい側面は心理学であり、ロマンチックな伝統がより深く、より多面的に見えます。 最終的に彼の運命を形成する心理学、性格、人間の行動の原因となる動機の範囲は、リアリズムの文献で大幅に拡大し、歴史的および社会的決定主義、そして個人的および個人的な原則に等しく重点が置かれています。 これのおかげで、心理分析の最大の信頼性が達成されます。
他の国と同様に、フランスのリアリズムの主要なジャンルは、その種類の小説になりつつあります：道徳的記述、社会心理的、心理的、哲学的、幻想的、冒険、歴史的。
新しいテーマは現実主義者の仕事に反映されています：現代社会の発展、新しいタイプと関係の出現、新しい道徳と新しい美的見解。 これらのテーマは、Stendhal、Balzac、Mériméeの作品に具体化されています。 フランスのリアリズムの国民的アイデンティティは、1789年の革命から始まり、作家の生涯にわたって続いた激動の時代にフランス社会によって蓄積された豊かな社会的経験の本質を理解したいというこれらの作家の願望に反映されました。
彼らの才能だけでなく、現実についての深い知識も備えた現実主義者たちは、フランスの生活の巨大なパノラマを作成し、それが動いていることを示しました。 Stendhal、Balzac、Mérimée、Berangerの作品は、歴史的過程の過程でフランスの貴族が完全に衰退しつつあることを証言しました。 現実主義者たちはまた、新しい生命の巨匠、つまり彼らがヴァルノまたはゴブセックと名付けたブルジョアジーの代表者の出現の規則性を見ました。
初期のリアリズムの特徴は、さまざまな作家の作品にさまざまな方法ですぐに現れます。 BalzacとStendhalの作品の問題は多くの点で類似しているという事実にもかかわらず、それらの創造的な方法の個々の特徴は大きく異なります。Stendhalはまず第一に、心理小説の達人であり、個人の内面を深く探求しようと努めています。 バルザックは、多くの人物が住む全世界であるフランスの現実の巨大なキャンバスを作成します。
StendhalとBalzacはどちらも歴史主義です。 彼らの作品を通して、社会は絶え間なく変化しているという考えが生まれ、彼らはこの進化の理由を探しています。 歴史主義もメリマに固有のものです。 彼にとって、社会の生活は人間の性格に影響を与える社会的勢力のバランスの絶え間ない変化です。 メリミーは多くの作品の中で、ブルジョア社会によって傷つけられ、堕落した同時代の人々を示しています（「ダブルエラー」、「エトルリアの花瓶」など）。
フランスのリアリズムの上記の特徴はすべて、主にバルザックとスタンダールの作品で、1830年代から40年代にすでに現れました。 しかし、芸術的な方法としてのリアリズムの根本的な目新しさは、当時の作家や批評家にはまだよく理解されていません。 Stendhalの理論的パフォーマンス（RacineとShakespeare、Walter Scott、The Princess of Clevesを含む）は、ロマン主義の闘争と完全に一致しています。 Balzacは、The Human Comedyの方法の根本的な目新しさを感じていますが、具体的な定義はしていません。 彼の批評的な作品では、彼はスタンダールとメリメから離れ、同時にこれらの作家との親密さを認識しています。 彼の「ベールの研究」（1840）で、バルザックは現代文学の現象を分類しようとしていますが、同時に自分自身（「折衷主義者」）とスタンダール（「アイデアの文学」）を異なる流れに言及しています。 「アイデアの学校」について、バルザックは、内面世界の複雑な衝突を明らかにすることを目的とした分析の始まりを特徴と見なしました。 「折衷的な学校」とは、芸術を意味し、人生の観察に基づいてアーティストによって作成された多数のタイプに含まれる現実と社会的一般化の幅広い壮大な報道を目指しました。 サントブーブのような19世紀の権威ある批評家でさえ、彼の記事「10年後の文学」（1840）では「リアリズム」という用語を省略し、「人間の喜劇」では、その作者を「 患者の恥ずべき病気をさりげなく明かす医者。」 批評家はスタンダールの作品を同じ浅さで扱います。 そして、「マダム・ボヴァリー」（1857年）の登場によってのみ、フラウベール・サン・ブーブは次のように宣言します。「...私は新しい文学の兆候を捉えているようです。新世代の代表者にとって明らかに特徴的な特徴です」 Flaubert "（1857））。
これはすべて、その進化の最初の段階での新しい芸術的方法の理論的概念の形成が実践よりもはるかに遅れているという事実を証明しています。 全体として、フランスのリアリズムの最初の段階は、新しい方法の作成であり、その理論的実証はやや遅れて始まります。
フランス文学における批判的な傾向の高まりは、上昇線に沿って進み、ルイ・フィリップのブルジョア君主制の反人気の本質が明らかになるにつれて激化した。 その証拠として、30年代後半に、ブルジョアの現実との幻滅をテーマにしたバルザックのロストイリュージョンが登場しました。
フランスでは、現実的な美学は他の国よりも明確な理論的定式化を受け、「現実主義」という言葉自体は、芸術的原則の複合体を表す用語として最初に使用され、その支持者は学校のようなものを作成しました。
先に述べたように、「リアリズム」という用語は早くも1820年代にフランスの雑誌のページに登場し始めますが、1840年代になって初めて、この単語は否定的な評価の意味から解放されます。 「リアリズム」の概念に対する態度の大きな変化は、1950年代半ばのやや後期に起こり、J。ChanfleurieとL. E.Durantyおよびその仲間の活動に関連するでしょう。
初期のフランスの現実主義者の道は決してスムーズではなかったことに注意する必要があります。 ブルジョワ社会は、それについて真実を書いた人々を追い詰め、迫害しました。 Beranger、Stendhal、Balzacの伝記は、ブルジョアの支配サークルが嫌いな作家を追い払うために最もさまざまな手段をいかに巧妙に使用したかを証明する事実が豊富です。 ベレンジャーは彼の作品のために裁判にかけられた。 スタンダールは生涯ほとんど知られていませんでしたが、海外で広く知られているバルザックは、フランスで正当な承認を受けずに亡くなりました。 メリミーの奉仕のキャリアは大成功でしたが、彼は死後初めて作家としても評価されました。
1830年代と40年代は、フランスとその文学の歴史において重要な時期を表しています。 この期間の終わりまでに、つまり1848年の革命の前夜までに、30年代と40年代の豊かな文学体験の中で最も重要で最新のものが現実的な傾向に関連していることがすでに明らかになり、その代表者はフランスの生活の最も鮮やかで真実の絵を作成することができました 2つの革命の間に、国のフランス文学のさらなる発展のための確固たる基盤を築くために。
17世紀から18世紀にかけてのフランスの芸術学校は、ヨーロッパを代表する学校と言えます。ロココ、ロマン主義、古典主義、リアリズム、印象主義、ポスト印象主義などの芸術スタイルが生まれたのは当時のフランスでした。
ロココ （フランスのロココ、ロカイユから-貝殻の形をした装飾的なモチーフ）-18世紀前半のヨーロッパの芸術のスタイル。 ロココは、快楽主義、牧歌的な演劇の世界への撤退、牧歌的で官能的にエロティックな主題への依存症によって特徴付けられます。 ロココの装飾の特徴は、強調された優雅で洗練された複雑な形を獲得しました。FrançoisBoucher、Antoine Watteau、Jean HonoreFragonardはロココスタイルで働いていました。
古典主義 -17世紀のヨーロッパ美術のスタイル-19世紀初頭、その特徴は、理想的な美的および倫理的基準としての古代美術の形態への魅力でした。Jean Baptiste Greuze、Nicolas Poussin、Jean Baptiste Chardin、Jean Dominique Ingres、Jacques-Louis Davidは、古典主義のスタイルで働いていました。
ロマン主義 -18〜19世紀のヨーロッパの芸術のスタイル。その特徴は、個人の精神的で創造的な生活の本質的な価値の主張、強くてしばしば反抗的な情熱と性格のイメージでした。フランシスコ・デ・ゴヤ、ユージーン・デラクロワ、セオドア・ジェリコー、ウィリアム・ブレイクはロマン主義のスタイルで働きました。
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エドゥアールマネ。 ワークショップで朝食。 1868グラム |
絵画におけるリアリズムの誕生は、1855年にパリで彼の個人的な展示会「リアリズムのパビリオン」を開いたフランスのアーティストGustave Courbetの作品に関連していることが最も多いですが、彼の前でさえ、バルビゾン学校のセオドア・ルソー、ジャン・フランソワ・ミレー、ジュール・ブルトンのアーティストは現実的な方法で働いていました ..。 1870年代に。 リアリズムは、自然主義と印象主義の2つの主要な領域に分けられました。
リアルな絵画が世界中に広まりました。 放浪者たちは、19世紀のロシアにおける鋭い社会志向のリアリズムのスタイルで働きました。
印象主義 （フランスの印象から-印象）-19世紀の最後の3分の1の芸術のスタイル-20世紀初頭、その特徴的な特徴は、そのつかの間の印象を伝えるために、その可動性と変動性で現実世界を最も自然に捉えたいという願望でした。 印象主義は哲学的な問題を提起しませんでしたが、瞬間の流動性、気分と照明に焦点を合わせました。 小さな休日、パーティー、フレンドリーな環境での自然の中での楽しいピクニックのように、人生自体が印象派の主題になります。 印象派は、スタジオでの作業を完了することなく、屋外で最初にペイントした人の1人でした。Edgar Degas、Edouard Manet、Claude Monet、Camille Pissarro、Auguste Renoir、Georges Seurat、AlfredSisleyなどが印象主義のスタイルで働きました。
ポスト印象主義 -19世紀の終わりに登場したアートスタイル。 ポスト印象派は、装飾的な様式に頼って、世界の重要性を自由にそして一般的に伝えるために努力しました。ポスト印象主義は、表現主義、象徴主義、現代性などの芸術分野を生み出しました。
Vincent van Gogh、Paul Gauguin、Paul Cezanne、Toulouse-Lautrecは、ポスト印象主義のスタイルで働きました。
19世紀のフランスの個々の巨匠の作品の例を使用して、印象主義とポスト印象主義を詳しく見てみましょう。
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エドガーデガス。 自画像。 1854-1855 |
歴史的な絵画や肖像画の厳密な構成から始まり、1870年代のデガスは印象主義の代表に近づき、現代の都市生活の描写に目を向けました-通り、カフェ、演劇。
デガスの絵画では、ダイナミックで、しばしば非対称の構図、正確で柔軟な描画、予想外の角度、人物と空間の間の相互作用の活動が慎重に考えられ、検証されています。
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E.デガス。 バスルーム。 1885グラム。 |
お気に入りのパステルテクニックにより、エドガーデガスはドラフトマンとしての才能を十分に発揮することができました。 彩度の高いトーンとパステルの「きらめく」ストロークは、アーティストがその特別なカラフルな雰囲気、彼のすべての作品を際立たせる虹色の風通しの良さを作り出すのに役立ちました。
彼の成熟した年に、デガスはしばしばバレエの話題に目を向けます。 壊れやすく無重力のバレリーナの姿は、ダンスクラスの夕暮れ、ステージ上のスポットライトの光、またはリラックスした瞬間のいずれかで、視聴者の前に現れます。 作曲のランダムさや作者の公平な位置は、他人の人生にスパイの印象を与え、過度の感情に陥ることなく、優雅さと美しさの世界を見せてくれます。
エドガー・デガスは微妙な色彩主義者と呼ぶことができます。彼のパステルは驚くほど調和がとれていて、時には穏やかで軽く、時には鋭い色のコントラストに基づいています。 デガスの態度は彼の自由のために注目に値しました、彼は大胆で壊れたストロークでパステルを適用しました、時々パステルを通して見える紙のトーンを残したり、オイルや水彩でストロークを追加しました。 デガスの絵画の色は、虹色の輝きから、形を生む虹の線の流れる流れから生じます。
デガスの後期の作品は、色の濃さと豊かさによって区別され、人工照明の効果、拡大されたほぼ平らな形、空間の狭さによって補完され、緊張した劇的な特徴を与えます。 その中で
デガスは彼の最高の作品の1つである「ブルーダンサー」を書いた。 アーティストはここで大きな色のスポットで作業し、絵画の表面の装飾的な構成を優先します。 色の調和と構成の解決の美しさの観点から、絵画「ブルーダンサー」は、この絵画で究極の質感と色の組み合わせの豊かさを達成したデガスによるバレエのテーマの最良の具現化と見なすことができます。
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P.O.ルノワール。 自画像。 1875グラム。 |
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P.O.ルノワール。 子ども用プール。 1869グラム |
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P.O.ルノワール。 女優ジャンヌサマリーの肖像画。 1877g。 |
肌を描くために緑、黄、黄土色、ピンク、赤の色調を使用することは、影が色付けされ、光で満たされるべきであるという事実の認識に備えていない当時の人々に衝撃を与えたことに注意する必要があります。
1880年代に、いわゆる「イングレス期間」がルノワールの仕事から始まります。 最も 有名な作品 この期間-「BigBathers」。 構図を作成するために、ルノワールは最初にスケッチとスケッチを使い始め、図面の線が明確で明確になり、色が以前の明るさと彩度を失い、絵画全体がより抑制されて冷たく見え始めました。
1890年代初頭、ルノワールの芸術に新たな変化が起こりました。 絵画のように、虹色の色が現れます。そのため、この期間は「真珠光沢」と呼ばれることもあります。その後、この期間は「赤」に変わります。これは、赤みがかったピンク色の色合いを好むことからこのように名付けられました。
ユージンアンリポールゴーギャン （生涯1848-1903）-フランスの画家、彫刻家、グラフィックアーティスト。 セザンヌとヴァンゴッホと並んで、彼は印象後の最大の代表者でした。 彼は成人期に絵画の研究を始めました。創造性の初期は印象主義と関連しています。 ゴーギャンの最高の作品は、ゴーギャンが「悪質な文明」を去ったオセアニアのタヒチ島とヒバオア島で書かれました。 ゴーギャンのスタイルの特徴は、静的で対照的な色の構成の大きな平らなキャンバス上での作成に起因する可能性があり、深く感情的であると同時に装飾的です。黄色いキリストの中で、ゴーギャンは、典型的なフランスの田園風景を背景にした十字架刑、3人のブルトン農民の女性に囲まれた苦しんでいるイエスを描いた。 空中にこぼれた鎮静、女性の穏やかな従順な姿勢、赤い紅葉の木々で日当たりの良い黄色で飽和した風景、遠くで自分の事柄で忙しい農民は、十字架で起こっていることと衝突せざるを得ません。 環境は、彼の周りのすべてに無関心で無関心である、苦しみの段階が表示されているイエスとははっきりと対照的です。 キリストによって受け入れられた限りない苦痛と人々によるこの犠牲の「不可視性」との間の矛盾は、ゴーギンのこの作品の主要なテーマです。
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P.ゴーギャン。 やきもちやいてるの？ 1892g。 |
海岸で二人の姉妹-彼らはちょうど入浴しました、そして今彼らの体はカジュアルな官能的な位置で砂の上に広げられます-愛について話します、1つの記憶は論争を引き起こします：「どうやって？ やきもちやいてるの！"。
文明に甘んじていない熱帯の自然、自然の人々の甘美な血なまぐさい美しさを描く際に、ゴーギャンは、自然と調和した人間の生活の、地上の楽園のユートピアの夢を描きました。 Gauguinのポリネシアンキャンバスは、色の装飾性、構成の平坦性と記念碑性、様式化された描画の一般化という点でパネルに似ています。
P.ゴーギャン。 どこから来たの？ 私たちは誰ですか？ 私達はどこに行くの？ 1897-1898
「私たちはどこから来たの？ 私たちは誰ですか？ 私達はどこに行くの？" Gauguinは、彼の反省の崇高な集大成を検討しました。 アーティストの意図に従って、絵は右から左に読む必要があります。3つの主要な図のグループは、タイトルで提起された質問を示しています。 写真の右側に子供がいる女性のグループは、人生の始まりを表しています。 真ん中のグループは、成熟の日々の存在を象徴しています。 左端のグループでは、Gauguinは人間の老後を描写し、死に近づいています。 背景の青いアイドルは異世界を象徴しています。 この絵は、ゴーギャンの画期的なポスト印象主義者のスタイルの頂点です。 彼のスタイルでは、ペイントの明確な使用、装飾的な色と構成の解決策、感情的な表現力を備えた画像の平坦さと記念碑性が組み合わされました。
Gauguinの作品は、この時期に発展していたArt Nouveauスタイルの多くの特徴を予期し、20世紀初頭のNabisグループのマスターや他の画家の形成に影響を与えました。
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V.ヴァンゴッホ。 自画像。 1889g。 |
1888年、ヴァン・ゴッホはアルルに移り、そこで彼の創造的なマナーの独創性がついに決定されました。 燃えるような芸術的な気質、調和、美しさ、幸福への痛みを伴う衝動、そして同時に人間に敵対する力への恐れは、南の日当たりの良い色で輝く風景（「イエローハウス」、「ハーベスト。ラクロバレー」）または不吉なもののいずれかで具現化されます 悪夢を彷彿とさせる画像（「ナイトカフェテラス」）。 色と塗抹標本のダイナミクス
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V.ヴァンゴッホ。 ナイトカフェテラス。 1888g。 |
近年のヴァン・ゴッホの精力的な仕事は精神病の発作を伴い、それが彼をアルルの精神病のための病院に導き、次にサンレミー（1889-1890）そしてオーヴァーズ・シュル・オワーズ（1890）に導き、そこで彼は自殺した。 アーティストの人生の最後の2年間の作品は、恍惚とした執着、色の組み合わせの非常に高められた表現、気分の突然の変化によって特徴付けられます-熱狂的な絶望と暗い幻想（「ヒノキと星のある道」）から啓発と鎮静の震える感覚（「雨の後のオーヴァーズの風景」）まで ..。
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V.ヴァンゴッホ。 アイリス。 1889g。 |
V.ヴァンゴッホ。 カラスのいる麦畑。 1890グラム。
「カラスのいる麦畑」は、1890年7月にアーティストが描いたヴァンゴッホの絵で、彼の最も有名な作品の1つです。 この絵は、オーヴァース・シュル・オワーズで亡くなる19日前の1890年7月10日に完成したと思われます。 ヴァン・ゴッホがこの絵を描く過程で自殺したバージョンがあります（描画用の材料を持って野外に出た後、彼は心臓部の鳥の群れを追い払うために購入したピストルから自分自身を撃ち、その後独立して病院に到着し、そこで彼は喪失で亡くなりました 血液）。
高度に政治化された国であるフランスの芸術は、世界秩序の深い基盤に影響を与える出来事に常に反応しました。 したがって、XIX世紀の国。 帝国の崩壊、ブルボンの回復、多くの戦争に参加した2つの革命を生き延びたが、もはや必要ではなかった 芸術的なプレゼンテーション 当局。 人々は見たいと思っていました、そしてマスターは実際の状況で行動する同時代の人々が住むキャンバスを作成しました。 偉大な芸術家ホノレ・ドーミエ（1808-1879）の作品は、社会の激変に満ちた19世紀の時代を反映しています。 君主制、社会的不公正、軍事主義を非難する政治風刺画の達人であるドーミエのグラフィックは広く人気を博し、時代の生活と習慣の一種の記録となった。 Daumierの芸術的才能は1840年代に明らかにされました。 アーティスト自身は彼の絵を展示しようとはしませんでした。 彼のキャンバスは、DelacroixとBaudelaire、CorotとDaubigny、BalzacとMicheletなどの少数の親しい人々だけが見ました。 彼らは、しばしば「彫刻」と呼ばれるドーミエの絵画的才能を高く評価した最初の人物でした。 彼の作品を完成させるために、アーティストはしばしば粘土から置物を彫刻し、特徴的な特徴を強調したり、自然なプロポーションを誇張したりしました。 それから彼はブラシを取り、この「自然」を使用して、絵のような画像を作成しました。 Daumierの絵画では、グロテスクなサティリカル、叙情的、英雄的、叙事詩的なラインが通常区別されます。
XVIII世紀の終わり以来。 フランスは西ヨーロッパの社会的、政治的生活において主要な役割を果たしました。 XIX世紀。 フランス社会のほぼすべての層を包含した幅広い民主主義運動が特徴です。 1830年の革命に続いて1848年の革命が起こりました。1871年、パリコミューンを宣言した人々は、フランスと西ヨーロッパ全体の歴史の中で、州の政治的権力を掌握する最初の試みをしました。
国内で発生した危機的状況は、人々の態度に影響を与えるしかない。 この時代に、進歩的なフランスのインテリは、芸術の新しい道と芸術的表現の新しい形を見つけようとしています。 そのため、フランスの絵画では他の西ヨーロッパ諸国よりもはるかに早く現実的な傾向が明らかになりました。
1830年の革命は、フランスで民主的な自由をもたらしました。グラフィックアーティストはそれを利用することに失敗しませんでした。 与党を狙った鋭い政治風刺画や社会に蔓延する悪徳が、雑誌「シャリヴァリ」「風刺画」のページを埋め尽くした。 定期刊行物のイラストは、リソグラフィーの技術を使用して作成されました。 似顔絵のジャンルでは、A。モニエ、N。シャーレット、J。I。グランビル、そして注目に値するフランスのグラフィックアーティストO.ドーミエなどのアーティストが活躍しました。
1830年から1848年の革命の間のフランスの芸術における重要な役割は、風景画の現実的な傾向、いわゆる。 バルビゾンスクール。 この用語は、1830年から1840年代にかけて、パリ近郊の絵のように美しい小さな村バルビゾンの名前に由来しています。 多くのフランス人アーティストが自然を学ぶようになりました。 アカデミックアートの伝統に満足せず、生きた具体性と国民性を欠いて、彼らはバルビゾンに向かいました。そこでは、自然の中で起こっているすべての変化を注意深く調べ、フランスの自然のささやかなコーナーを描いた絵を描きました。
バルビゾン学校の巨匠の作品は、その真実性と客観性によって際立っていますが、常に作者の気分、感情、感情を感じています。 バルビゾンの人々の風景の中の自然は、荘厳でよそよそしいようには見えません。それは人間に近く、理解できるものです。
多くの場合、アーティストは同じ場所（森、川、池）を1日のさまざまな時間に、さまざまな気象条件でペイントしました。 彼らはワークショップで野外で作られたスケッチを処理し、構図の構築に不可欠な絵を作成しました。 完成した絵画では、エチュードに固有の色の鮮度が失われることが非常に多いため、多くのバルビゾニア人のキャンバスは暗い色で区別されていました。
バルビゾン学校の最大の代表者はセオドア・ルソーでした。セオドア・ルソーはすでに有名な風景画家であり、学術絵画を引退してバルビゾンに来ました。 野蛮な森林伐採に抗議して、ルソーは自然に人間の資質を授けます。 彼自身、木の声を聞いて理解していると言っていました。 森の優れた愛好家であるアーティストは、各木の構造、種、規模を非常に正確に伝えています（「フォンテーヌブローの森」、1848〜 1850年、「アグレモントのオーク」、1852年）。 同時に、ルソーの作品は、アカデミックアートと昔の巨匠の絵の影響を受けてスタイルが形成されたアーティストが、どんなに努力しても、光と空気の環境を移すという問題を解決できなかったことを示しています。 したがって、彼の風景の光と色はほとんどの場合条件付きです。
ルソーの芸術は若いフランス人アーティストに大きな影響を与えました。 サロンの絵画の選択に携わったアカデミーの代表は、ルソーの作品が展示されないように努めました。
バルビゾン学校の有名な巨匠は、その風景にロマンチックな芸術の特徴が含まれているジュール・デュプレ（ビッグオーク、1844-1855;牛のいる風景、1850）と、ニンフと古代の女神の裸体でフォンテーヌブローの森に住んでいたナルシス・ディアス（ヴィーナス）でした。 キューピッド付き」、1851）。
イラストでキャリアをスタートさせたチャールズ・ドービニーは、バルビゾニア人の若い世代の代表でしたが、1840年代になりました。 風景に捧げます。 気取らない自然の片隅に捧げられた彼の叙情的な風景は、日光と空気で満たされています。 非常に多くの場合、ドービニーはスケッチだけでなく、完成した絵画も自然から描いています。 彼はボートワークショップを建設し、その上で川に沿って航海し、最も魅力的な場所に立ち寄りました。
19世紀最大のフランス人アーティストはバルビゾンの人々の近くにいます。 K.コロット。
ジャン・バプティスト・カミーユ・コロット
カミーユ・コロー-フランスの画家兼グラフィックアーティストであり、肖像画と風景の達人であり、XIX世紀のフランスの風景学校の創設者の1人です。
彼は1796年にパリで生まれ、A。ミシャロンとJ.V.バーティンの学生でした。 当初、彼は、ハイアートは主に古代の歴史や神話から取られた歴史的なプロットのある風景にすぎないという一般的に受け入れられている見解に固執しました。 しかし、イタリアを訪れた後（1825）、彼の見解は劇的に変化し、彼は現実への別のアプローチを探し始めました。それはすでに彼の初期の作品に反映されています（フォーラムの眺め、1826;コロッセオの眺め、1826）。 コロットのスケッチは、照明の性質と色のグラデーションに対する態度を変え、それらをより現実的に伝えるものであり、現実的な風景の開発における一種の推進力であることに注意する必要があります。
しかし、新しい執筆の原則にもかかわらず、コロットはアカデミックな絵画のすべての規範を満たす絵画をサロンに送ります。 現時点で、コローの作品では、スケッチと絵画の間にギャップがあり、それは彼の生涯を通して彼の芸術を特徴づけるでしょう。 したがって、サロンに送られた作品（Hagar in the Desert、1845; Homer and the Shepherdesses、1845を含む）は、アーティストが古代の主題に目を向けるだけでなく、古典的な風景の構成を保持していることを示しています。 lessは、描写された領域のフランスの風景の特徴を視聴者が認識することを妨げません。 一般的に、そのような矛盾はその時代の精神にかなりありました。
非常に頻繁に、コロットが徐々にやってくる革新は、彼が審査員から隠れることに失敗するので、彼の絵はしばしば拒絶されます。 マスターの夏のスケッチでは、革新が特に強く感じられます。マスターは、さまざまな自然の状態を一度に伝えようとし、風景を光と空気で満たします。 当初、これらは主に都市の景色とイタリアの建築記念碑を備えた構図であり、1834年に再び行きました。たとえば、「ヴェネツィアの朝」（1834年頃）の風景では、日光、青い空、空気の透明度が完全に再現されています。 同時に、光と影の組み合わせは建築形態を壊しませんが、逆に、いわばそれらをシミュレートします。 背景に長い影のある人物像は、風景にほぼリアルな広がりを与えます。
後で、画家はより拘束され、より控えめな性質に興味を持つようになりますが、彼はそのさまざまな状態にもっと注意を払うでしょう。 希望の効果を出すために、コロの配色は薄く、薄くなり、同じ色のバリエーションに並び始めます。 この点で、「アルジャントゥイユの鐘楼」などの作品は、周囲の繊細な緑と空気の湿気が非常に微妙であると同時に、生命の喜びを感じる春の魅力「干し草を運ぶ」を高い信頼性で伝えているのが特徴です。
コロットが自然を一般の人々が住み行動する場所として評価していることは注目に値します。 彼の風景のもう一つの特徴は、彼が常にマスターの感情的な状態を反映していることです。 したがって、風景の構成は叙情的（前述の「Artangeuilのベルタワー」）または逆に劇的です（「Gustof Wind」の研究、1865-1870年頃）。
コロットの構図は詩的な感覚に満ちています。 初期の作品で人が周囲の世界から少し離れているように見える場合（「鎌を持った刈り取り」、1838年）、後の作品では人々のイメージ
彼らがいる環境と密接に関連している（「死神の家族」、1857年頃）。 風景に加えて、コロットは肖像画も作成しました。 女性のイメージは特に良く、その自然さと活気で魅力的です。 アーティストは精神的に自分に近い人だけを描いたので、彼の肖像画はモデルに対する作者の心からの共感によって特徴づけられます。
コロットは才能のある画家でありグラフィックアーティストであるだけでなく、若いアーティストにとっても優れた教師であり、信頼できる人物でした。
同志。 注目すべきは、O。Daumierが彼の家の家賃を支払う資金を持っていなかったとき、Corotはこの家を購入し、それを友人に提示したという事実です。
コロットは1875年に亡くなり、約3,000の絵画とグラフィック作品という巨大な創造的遺産を残しました。
ホノレ・ドーミエ
フランスのグラフィックアーティスト、画家、彫刻家であるHonore Daumierは、1808年にマルセイユで、詩を書いたグラジエの家族に生まれました。 1814年、ドーミエが6歳のとき、彼の家族はパリに引っ越しました。
将来のアーティストは店員としてキャリアをスタートさせ、その後書店でセールスマンとして働きました。 しかし、彼はこの作品にはまったく興味がなく、自由な時間に通りをさまよってスケッチをすることを好みました。 すぐに、若い芸術家はルーブルを訪れ始め、そこで彼はアンティークの彫刻と古い巨匠の作品を研究します。その中でルーベンスとレンブラントは彼をより魅了します。 Daumierは、自分で絵画の芸術を学ぶことによって、彼は遠くまで進むことができないことを認識し、その後（1822年以降）Lenoir（王立博物館の管理者）から描画のレッスンを受け始めます。 しかし、すべての教えは石膏の型の単純なコピーに限定され、これは若い男のニーズをまったく満たしていませんでした。 その後、Daumierはワークショップを離れ、Ramolaに行ってリソグラフィーを研究し、配達員と同時に働きます。
Daumierがイラストの分野で最初に行った作品は1820年代にさかのぼります。 彼らはほとんど生き残れませんでしたが、私たちに降りかかったのは、ブルボンに代表される公式の権力に反対している芸術家としてのドーミエについて話すことを可能にします。
ルイ・フィリップの治世の最初の日から、若い芸術家は彼自身と彼の側近の両方の鋭い似顔絵を描き、それによって彼自身の政治的戦闘機としての評判を生み出したことが知られています。 その結果、ドーミエは毎週の「似顔絵」チャールズ・フィリップの出版社に気づかれ、彼に協力するように勧め、彼はそれに同意します。 1832年2月9日の風刺画に掲載された最初の作品、The Petitioners of Placesは、ルイ・フィリップの手先を嘲笑します。 彼女の後、次々と、サティルが王自身に現れ始めました。
Daumierの最も初期のリトグラフの中で、Gargantua（1831年12月15日）は特別な注目に値します。そこでは、アーティストは空腹で貧しい人々から取った金をむさぼり食う太ったルイフィリップを描きました。 オーバート社の窓に飾られたこのシートは、観客の群衆全体を集め、政府はマスターに復讐し、6ヶ月の刑務所と500フランの罰金を宣告した。
Daumierの初期の作品はまだかなり構成的に過負荷であり、物語よりもイメージの表現力にあまり影響されていないという事実にもかかわらず、スタイルはすでにそれらに概説されています。 Daumier自身はこれをよく知っており、似顔絵の肖像画のジャンルで働き始めますが、彼は非常に独特な方法を使用します。最初に肖像画の胸像（特徴的な特徴がグロテスクにもたらされる）を彫刻します。 その結果、彼は非常にボリュームのある数字を手に入れました。 このようにして、リトグラフ「Legislative Womb」（1834年）が作成されました。これは、視聴者の目の前、円形劇場にあるベンチに、7月の君主制の大臣と議員でした。 それぞれの顔は、ギゾットのメモを聞いてティアーズが表現されている最も表現力豊かなグループで、致命的な精度で肖像画の類似性を伝えます。 支配するエリートの肉体的および道徳的な劣等性を明らかにして、マスターは肖像画タイプの作成に来ます。 光はそれらの中で特別な役割を果たし、それは最大の表現力に対する作者の願望を強調します。 したがって、すべての図は過酷な照明の下で与えられます（この構成に取り組んでいる間、マスターはモデルバストをランプの明るい光の下に置いたことが知られています）。
そのような執拗な仕事で、Daumierがリソグラフィーで素晴らしい記念碑的なスタイルを見つけたことは驚くべきことではありません（これは「カーテンを下ろし、ファルスが演奏される」、1834年の作品で非常に強く感じられます）。 抑圧者との闘いにおける労働者の役割を明らかにする作品においても、影響力は同様に高い。「彼はもはや私たちにとって危険ではない」、「干渉しない」、「1834年4月15日のトランスノネン通り」。 最後の葉は、労働者の蜂起への直接の反応です。 トランスノネン通りの家の1つに実際に住んでいるほとんどすべての人々（子供と高齢者を含む）は、何人かの労働者があえて警察官を撃ったために殺されました。 アーティストは最も悲劇的な瞬間を捉えました。 リトグラフはひどい絵を描いています。床の空のベッドの隣に、労働者の死体が横たわり、死んだ子供を彼の下に押しつぶしています。 暗い隅に殺された女性がいます。 右側には、死んだ老人の頭がはっきりと見えています。 Daumierによって提示された画像は、視聴者に二重の感情を呼び起こします。彼が行ったことに対する恐怖感と憤慨した抗議です。 アーティストが演じる作品は、出来事についての無関心な解説ではなく、怒った非難です。
ドラマは、光と影のはっきりとしたコントラストによって強化されています。 同時に、細部は背景に後退しているものの、そのような残虐行為が起こった状況を明らかにし、人々が安らかに眠っているときにポグロムが行われたことを強調しています。 この作品は、ダウミエの後期の絵画の特徴をすでに明らかにしているのが特徴であり、単一のイベントも一般化され、それによって、キャプチャされた人生の瞬間の「ランダムさ」と組み合わせて、構成に記念碑的な表現力を与えます。
このような作業は、マスコミに向けられた「9月の法律」（1834年の終わりに施行された）の採択に大きな影響を与えました。 これは、政治的風刺の分野で完全に働くことが不可能になったという事実につながりました。 したがって、Daumierは、他の多くの政治風刺の達人と同様に、日常生活に関連するトピックに切り替え、そこで彼は燃えている社会問題を探して表面に出します。 この時、フランスではその時代の社会の生活や習慣を描いた漫画の全コレクションが出版されました。 Daumierは、アーティストTraviesと協力して、French Types（1835-1836）というタイトルの一連のリトグラフを作成します。 文学のバルザックのように、絵画のダウミエは、お金が支配する彼の時代の社会を明らかにします。
ギゾット大臣は「金持ちになる！」というスローガンを宣言します。 Daumierは、Robert Macairのイメージを作成することで彼に応答します-詐欺師と詐欺師、現在は死にかけ、その後再び復活しました（Caricature series、1836-1838）。 他のページでは、彼はブルジョアの慈善活動（「現代の慈善活動」、1844-1846）、フランスの法廷の血統（「正義の図」、1845-1849）、町民の豪華な自己満足（シート「展示会であなたの肖像画を見るのはまだとてもお世辞です」）のテーマに言及しています 、シリーズ「1857年のサロン」に含まれています）。 他の一連のリトグラフも非難の方法で実行されました：「独身の日」（1839）、「結婚マナー」（1839-1842）、「人生の最高の日」（1843-1846）、「牧歌」（1845-1846）。
時間が経つにつれて、Daumierの描画は多少変化し、ストロークはより表現力豊かになります。 同時代の人によると、マスターは新しい鋭利な鉛筆を使用したことはなく、断片を描くことを好みました。 彼はこれがラインの多様性と活気を達成したと信じていました。 おそらくそれが彼の作品が時間の経過とともにグラフィックキャラクターを獲得し、以前の可塑性に取って代わった理由です。 新しいスタイルは、ストーリーが導入され、アクション自体がインテリアまたはランドスケープのいずれかで開発されたグラフィックサイクルに適していたと言わなければなりません。
しかし、ドーミエは依然として政治的風刺に陥りやすく、機会があればすぐに再びお気に入りの娯楽を取り、支配するエリートの怒りと憎しみに満ちたシートを作成します。 1848年、新たな革命的な盛り上がりが起こりましたが、それは抑制され、ボナパルティズムの脅威が共和国にかかっていました。 これらのイベントに対応して、Daumierは狡猾なBonapartistエージェントおよび裏切り者であるRatapualを作成します。 このイメージはマスターを非常に魅了したので、彼はそれをリソグラフィーから彫刻に移し、そこで彼は大胆な解釈で素晴らしい表現力を達成することができました。
当然のことながら、ドーミエはルイ・フィリップと同じくらいナポレオンIIIを嫌っています。 アーティストは、彼の非難の作品に特権階級、そして当然のことながら支配者から来る悪を感じさせるために最善を尽くします。 しかし、1852年12月2日に起こったクーデターの後、政治的風刺は再び禁止されました。 そして、1860年代の終わりまでに、政府がより自由になったとき、ドーミエは3度目にこのジャンルに目を向けました。 したがって、一方のシートでは、憲法が自由の服装をどのように短縮するかを見ることができ、もう一方のシートでは、プロンプトとして描かれたティアーズが、すべての政治家に何を言い、何をすべきかを促します。 アーティストは多くの反軍事主義者のサティルを描きます（「世界は剣を飲み込む」など）。
1870年から1872年にかけて、ドーミエはフランスの災難の加害者の犯罪行為を暴露する一連のリトグラフを作成しました。 たとえば、「それはそれを殺した」というシートで、彼は視聴者にナポレオンIIIの選挙が多くの問題の始まりを示したことを理解させます。 十字架と墓石のあるフィールドを示すリトグラフ「EmpireistheWorld」は注目に値します。 最初の墓石の碑文には、「1851年12月2日にモンマルトル大通りで殺された」、最後に「セダン1870年に殺された」と書かれています。 このシートは、ナポレオンIIIの帝国がフランス人に死以外の何ももたらさなかったという事実を雄弁に証明しています。 リトグラフのすべての画像は象徴的ですが、ここの記号はアイデアが豊富であるだけでなく、非常に説得力があります。
1871年に作られたDaumierによるもう1つの有名なリトグラフは注目に値します。ここでは、かつて強力だった木の切断された幹が、手ごわい曇り空を背景に黒くなります。 生き残ったのは1つの枝だけでしたが、その枝はあきらめず、嵐に抵抗し続けています。 シートの下には、「貧しいフランス、幹は壊れているが、根はまだ強い」という特徴的な署名があります。 この象徴的な方法で、マスターは彼が耐えた悲劇の結果を示しただけでなく、白黒のコントラストとダイナミックなラインの助けを借りて、国の力を体現する鮮やかなイメージを引き出しました。 この作品は、マスターがフランスの強さと彼女の人々の能力への信頼を失っていなかったことを示唆しています。
Daumierはリトグラフだけでなく作成したことに注意してください。 1830年代から。 彼は絵画や水彩画にも取り組んでいますが、彼の初期の絵画（The Engraver、1830-1834;自画像、1830-1831）は、発達した方法がないことを特徴としています。 他のアーティストの作品と区別するのが難しい場合があります。 その後、スタイルの改良、特定のトピックの開発があります。 したがって、たとえば、1840年代に。 マスターは「Lawyers」という単一のタイトルで一連の作曲を書きました。 これらの絵画では、ドーミエのグラフィック作品と同じグロテスクなイメージが現れています。
彼の油絵や水彩画、そしてリトグラフには、皮肉が染み込んでいます。 Daumierは、大衆の前で演じる演劇のジェスチャー（The Defender、1840s）や、他の誰かの視線の届かない汚い策略についてこっそりと話し合う（The Three Lawyers）ことで、弁護士の姿を描きます。 キャンバスで作業するとき、画家はしばしばクローズアップに頼り、最も必要なオブジェクトを描写し、内部の詳細のみを概説します。 彼は特別な注意を払って、時には愚かで無関心で、時には狡猾で偽善的で、時には軽蔑的で自己満足の顔を描きます。 金色の背景に黒い弁護士のローブを描いた作者は、明暗を対比することで独特の効果を実現しています。
時間が経つにつれて、satireはDaumierの絵を離れます。 1840年代後半の作曲で。 中心的な場所は、力、内なるエネルギー、そして英雄主義に恵まれた、人々からの人々の精神的で英雄的なイメージによって占められています。 そのような作品の顕著な例は、「バリケードの家族」（1848-1849）と「蜂起」（1848年頃）の絵画です。
最初のキャンバスは、革命的なイベントとそれに参加する人々を描いています。 ヒーローはフレームに非常に近いため、フィギュアの一部しか見えません。 アーティストは、光によって彫刻された顔に視聴者の注意を向けようとします。 老婆と男は厳しさと集中力があり、若い女は悲しくて悲しく、逆に若い男は必死の決意で溢れています。 キャラクターの頭が異なるターンで表示されていることは注目に値します。これは、フィギュアが動いているような印象を与え、構図の緊張をさらに強調します。
2番目の構成（「蜂起」）は、革命的な衝動に巻き込まれた、急いでいる群衆のイメージです。
イベントのダイナミクスは、上げられた手のジェスチャーと前に急いでいる人物によってだけでなく、光のストリップによっても伝えられます。
同じ頃、ドーミエは難民や移民の絵を描いていますが、これらの絵は彼の作品にはあまり見られません。 彼は彼の絵画のすべての主題をで見つけました 日常生活：水に降りる洗濯婦; ボートを引っ張るはしけ運搬人。 屋上に登る労働者。 すべての作品が現実の別々の断片を反映し、物語ではなく、表現力のある、場合によっては悲劇的なイメージを生み出す絵画的手段によって視聴者に影響を与えることは注目に値します。
この精神で、いくつかの選択肢がある「野社」の絵が作られました。 仕事の筋書きは単純です。女性は堤防に沿ってゆっくりと歩きます。 彼女は片手で巨大な洗濯物のかごを引きずります。 彼女の隣で、彼女のスカートにしがみついて、子供は小さなステップで織ります。 ヒーローの顔に激しい風が吹くため、歩きにくくなり、負担が重く見えます。 Daumierの通常の日常の動機は、ほとんど英雄的な特徴を獲得します。 女性はすべての心配から切り離されているように見えます。 さらに、マスターはすべての風景の詳細を省略し、川の反対側にある街の輪郭をさりげなくスケッチするだけです。 風景を描くために使用される落ち着いた冷たい色合いは、ドラマと絶望の感覚を高めます。 女性のイメージの解釈が古典的な規範だけでなく、ロマン派の間の人間の美しさの理想とも矛盾することは注目に値します。 それは素晴らしい表現とリアリズムで与えられます。 光と影は画像の作成に重要な役割を果たします。均一なストリップの照明のおかげで、女性の姿は驚くほど表現力豊かでプラスチックのように見えます。 子供の暗いシルエットは、明るいパラペットに対して際立っています。 両方の図の影が1つのスポットに統合されます。 Daumierが実際に何度も観察したこのようなシーンは、ジャンルではなく、彼が作成した集合的なイメージによって促進される記念碑的な用語で提示されます。
一般化されているにもかかわらず、Daumierの各作品には並外れた活力が残っています。 マスターは、彼が描く人物に特徴的なジェスチャーをキャッチしたり、ポーズを伝えたりすることができます。キャンバス「Prints Lover」は、これを確認するのに役立ちます。
1850年から1860年代を通してですが。 ドーミエは絵画で非常に実り多い仕事をしていますが、当時多くの画家を占めていたプレインエアの問題は彼にはまったく興味がありません。 野外でキャラクターを描いている場合でも、拡散光は使用していません。 彼の絵画では、光は異なる機能を果たします。それは、作者が作曲のアクセントを付けるのを助ける感情的な負荷を運びます。 Daumierのお気に入りの効果は輪郭で、前景が明るい背景に対して暗くなります（入浴前、1852年頃、Curious at the Window、1860年頃）。 ただし、一部の絵画では、背景の半暗さが前景に消えていくように見え、白、青、黄色の色がより強く響き始めると、画家は別の手法に目を向けます。 同様の効果は、Leaving School（c。1853-1855）、Third Class Carriage（c。1862）などのキャンバスでも見ることができます。
Daumierは、グラフィックスよりもペイントの方が優れていました。 彼は新しい画像を紹介し、それらを非常に表現力豊かに解釈しました。 彼の前任者の誰も、それほど大胆かつ流暢に書いていませんでした。 ドーミエの進歩的な志向の同時代人が彼の絵を高く評価したのは、この品質のためです。 しかし、アーティストの生涯の間、彼の絵はほとんど知られておらず、1901年の死後の展示会は多くの人にとって本当の発見となりました。
Daumierは、1879年に、パリ近郊のValmondoisの町で、Corotから彼に与えられた家で亡くなりました。
1848年の革命は、フランスの公的生活、その文化と芸術に異常な盛り上がりをもたらしました。 現時点では、現実的な絵画の2つの主要な代表者が国内で働いていました-J.-F. ミレットとG.クールベ。
ジャン・フランソワ・ミレット
フランスの画家兼グラフィックアーティストであるジャンフランソワミレーは、1814年にチェルブール近郊のグルーシーの町で、ノルマンディーに小さな土地を持つ大規模な農民の家族に生まれました。 幼い頃から、若いミレットは勤勉と敬虔な雰囲気に囲まれていました。 その少年は非常に機知に富み、彼の才能は地元の司祭に気づかれました。 そのため、学業に加えて、教会の牧師の指導の下、少年はラテン語を学び始め、しばらくすると、聖母の作品は聖書とともに彼のお気に入りの読書となり、画家は生涯を通じて経験した中毒になりました。
ミレットは18歳まで村に住み、長男として土地の耕作など様々な農民の仕事をしていました。 ミラでは非常に早い段階で視覚芸術の能力が目覚めたので、彼は自分を取り巻くすべてのものを描きました：畑、庭、動物。 しかし、海は若い芸術家の最大の関心を呼び起こしました。 ミレットが最初のスケッチを捧げるのは水の要素です。
ミレットは微妙な観察と、自然の美しさに気づいた視線から、対峙した人が逃げられなかった災難が逃げられなかったことで際立っていました。 マスターは生涯を通じて、悲劇的な記憶を運びました。それは、幼い頃に観察した数十隻の船を壊して沈めた恐ろしい嵐でした。
その後、若い画家はチェルブールに向けて出発し、そこで最初にムシェル、次にラングロワ・ド・シェブルヴィル（グロスの学生で信者）に絵を学びました。 後者の要請で、彼は自治体から奨学金を受け取り、パリで勉強を続けました。 ミレットは故郷を離れ、祖母の指示に耳を傾け、「フランソワ、王の命令によるものであっても、卑猥なことは決して書かないでください」と言った。
パリに到着したアーティストは、デラロッシュのワークショップに参加しました。 彼は1837年から1838年までそこで勉強しました。ミレットのワークショップでの勉強と同時に、彼はルーブルに出席し、ミケランジェロの作品が彼に最も感銘を与えた有名なキャンバスを勉強しました。 ミレットはすぐに芸術の道を見つけませんでした。 彼の最初の作品は、売りに出されており、A。WatteauとF. Boucherの方法で実行されました。これは、「花のように」を意味するmanierefleurieと呼ばれます。 そして、この書き方は外見の美しさと優雅さによって区別されますが、実際には誤った印象を与えます。 彼の肖像画作品のおかげで、1840年代初頭に成功を収めました（自画像、1841年;マドモアゼル小野、1841年;アルマンド小野、1843年;デリューズ、1845年）。
1840年代半ば、ミレットは船員の一連の肖像画の作成に取り組みました。この肖像画では、彼のスタイルは、アーティストの初期の作品（「海軍士官」、1845年など）の特徴であるマナーと模倣から完全に解放されました。 マスターは、神話的および宗教的な主題についていくつかのキャンバスを描きました（St. Jerome、1849; Hagar、1849）。
1848年、ミレットはアーティストのN.ディアスとF.ジャンロンと親しくなり、サロンに初めて出展しました。 最初
彼が提示した写真-「勝者」は田舎の生活を描いています。 その時以来、マスターは一度限り神話の陰謀を放棄し、彼に近いものだけを書くことにしました。
彼の計画を実行するために、彼と彼の家族はバルビゾンに引っ越しました。 これは、アーティストが完全に没頭している場所です
田舎の生活の世界に飛び込み、彼の世界観に合った作品を生み出します。 The Sower（1849）、The Seated Peasant Woman（1849）などがあり、説得力のあるミレットは、主に人物を中心に農民階級の代表者を正直に展示しているため、絵画の風景が演じているような印象を受けることもあります。 背景の役割。
1850年代初頭のミレットの作品。 また、通常の業務に従事している農民の孤独な人物によって支配されています。 彼のキャンバスを作成することによって、アーティストは最も無作法な作品を高めるために努力しました。 彼は、「真の人間性」と「偉大な詩」は、労働者を描写することによってのみ伝えられると確信していました。 キャラクターの特性 これらの作品-ジェスチャーのシンプルさ、姿勢のしやすさ、ボリュームのあるプラスチックのフィギュア、動きの遅さ。
見つめている 有名な絵画 ミレット「TheSeamstress」（1853）、視聴者はドレスメーカーの最も必要な属性だけを見る：はさみ、ピンクッションとアイロン。 キャンバス上に余分なものは何もありません。必要なだけのスペースがあります。これが、マスターが画像を重要で記念碑的なものにする方法です。 一見静的な構図にもかかわらず、女性のイメージは内面の動きに満ちています。針を持っている彼女の手はますますステッチを作り、彼女の胸はリズミカルにうねっているようです。 労働者は彼女の製品を注意深く見ていますが、彼女の考えはどこか遠くに浮かんでいます。 平凡さと動機のいくらかの親密さにもかかわらず、絵は厳粛さと壮大さによって特徴付けられます。
同じ精神で、1853年のサロンで主人が展示したキャンバス「Rest of the Reapers」が演奏され、リズミカルな姿が一般化されているにも関わらず、光に満ちた構図は一体感を呼び起こします。 農民のイメージは、自然の全体像に調和して適合しています。
特徴的に、ミレットの作品の多くでは、自然が主人公の気分を表現するのに役立ちます。 ですから、「着席した農民の女」の絵では、人を寄せ付けない森が、落ち着きのない思いに深く没頭している少女の悲しみを完璧に伝えています。
時が経つにつれ、風景を背景に記念碑的な画像が表示された絵を描いたミレットは、やや異なる作品を作り始めました。 それらの中の風景空間が拡大し、背景として機能している風景が、より重要で意味的な役割を果たし始めます。 このように、作曲「小麦の収穫者」（1857年）では、作物を集める農民の姿が背景の風景に含まれています。
ミレットは、小さなキャンバス「Angelus」（「Ringing of Venus」、1858-1859）の自然の絵画に深い意味を与えます。 教会の鐘の静かな音にフィールドの真ん中で祈っている男性と女性の姿は、穏やかな夜の風景から疎外されているようには見えません。
マスターが彼の絵のほとんどが悲しい気分によって特徴づけられる理由を尋ねられたとき、彼は答えました：
「人生は私に楽しい面を向けたことは一度もありません。私は彼女がどこにいるのかわかりません。私は彼女を見たことがありません。 私が知っている最もおかしなことは、耕作に適しているかどうかにかかわらず、森や耕作地でとても楽しく楽しむ平和、沈黙です。 これは、甘いとはいえ、常に夢のようなものになり、悲しいものになることに同意します。」 これらの言葉は、彼の農民の夢のような悲しみを完全に説明しており、畑や森の平和と沈黙と非常によく調和しています。
1863年のサロンで展示されたミレットの番組構成「鍬を持つ男」には全く逆のムードが見られます。作者自身もこの作品がこれまでに書かれたものとは一線を画していることを知っていました。 ミレットは1962年の彼の手紙の1つで、「「くわのある男」は、邪魔されたときに、自分のサークルの外の事柄に没頭することを好まない多くの人々の批判を私にもたらすだろう...」と述べたのは当然です。 確かに、彼の言葉は予言的でした。 批評家は彼らの評決を通過し、アーティストを「クールベよりも危険な」男だと説明した。 そして、この写真では、見る人は鍬に寄りかかっている農民だけを見ていますが、一目見れば十分です。彼は重い踏み板を持って歩いたばかりで、楽器で地面を叩きました。 仕事にうんざりしている男性は、非常に表現力豊かに引き出されます。顔と図の両方で、彼の人生の疲れと絶望をはっきりと見ることができます。これは、数十万人のフランスの農民が実際に経験したすべてのことです。
しかし、この種の作品（特に1860年代後半から1870年代初頭）の中には、楽観的な作品があります。 太陽の光が降り注ぐ風景に主人が注目する絵です。 これらは、羊飼いのガチョウを浴びる（1863）、馬を浴びる（1866）、そして若い羊飼い（1872）の絵です。 最後のミレーでは、木の葉を通り抜ける太陽光線を非常に微妙に伝え、女の子のドレスと顔をふざけて愛撫します。
彼の創造的な仕事の最後の期間に、アーティストはキャンバス上の人生の短い瞬間をキャプチャしてキャプチャしようとします。 瞬間を捉えたいというこの願望は、現実を直接反映したいという願望によって引き起こされました。 たとえば、パステルカラーの秋、クレーンフライ（1865-1866）では、羊飼いの女の子がクレーンの群れの飛行を見ているジェスチャーが変わりつつあります。 1867年のサロンで展示された「ガチョウ」の構図を見ると、また別の瞬間に明滅する光が変わるようです。 この原則は、後に印象派の画家の作品に表現されるでしょう。
しかし、ミレットの最後の作品、特に彼の比喩的な構成では、記念碑性の探求が再び感じられることに注意する必要があります。 これは、キャンバス「フィールドから戻る」で特にはっきりと見ることができます。 夕方の空を背景に、農民や動物の群れが融合した一般的なシルエットとして際立っている「イブニング」（1873年）。
それで、1848年から彼の人生の終わりまで、ミレットは村とその住民を描くことに自分自身を制限しました。 そして、彼は自分の作品に鋭い社会的意味を与えるように全力を尽くしたのではなく、家長の伝統を何としても維持したかっただけでしたが、彼の作品は革命的なアイデアの源として認識されました。
ミレットは1875年にバルビゾンでの生活を終えました。
グスタフ・クールベ
フランスの画家、グラフィックアーティスト、彫刻家であるグスタフクールベは、1819年にフランス南部のオルナンで、裕福な農民の家族に生まれました。 彼は故郷で最初の絵画のレッスンを受け、その後しばらくの間、ベサンソン大学とフラジューロの絵画学校で学びました。
1839年、選択した道の正しさを父親に納得させるのに非常に苦労して、クールベはパリに行きました。 そこで彼は同時に、当時の有名なスイスのワークショップに参加し、そこで彼は生きた自然と一生懸命働き、ルーブルは古い巨匠を真似て彼らの作品を賞賛しました。 若いアーティストは、スペイン人の作品、D。ベラスケス、J。リベラ、F。ズルバランに特に感銘を受けました。 時々彼の故郷を訪れ、クールベは大きな喜びで風景を描き、厚い絵の具の層でボリュームを彫刻します。 さらに、彼は肖像画のジャンルで働いており（ほとんどの場合、彼自身がモデルです）、宗教的なものと 文学的なプロット （「娘と一緒にたくさん」、1841年）。
自画像を作成して、クールベは彼の外見を幾分ロマンチックにします（「負傷者」、1844年;「幸せな恋人たち」、1844- 1845年;「パイプを持つ男」、1846年）。 彼がサロンで最初に展示したのは自画像でした（黒犬との自画像、1844年）。 「オルナンスでの夕食後」（1849年）の絵には、詩と感傷的な夢のようなものが染み込んでいます。 この絵で、アーティストは自分がよく知っていること、慣れ親しんだ環境で観察したことを描く権利を擁護しているようです。キッチンでは、夕食を終えた後、アーティスト自身、父親、ミュージシャンのプロメイとマーレイが座っています。 すべてのキャラクターは、実際に見たとおりに正確に描かれています。 同時に、クールベは、写真のヒーローが聞く音楽によって作成されたムードの一般性を伝えることができました。 さらに、大きなキャンバスにフィギュアを大規模に配置することで、一見普通の日常のプロットにもかかわらず、アーティストは一般化されたイメージを作成し、記念碑的で重要性を実現しました。 この状況は、現代の画家の一般の人々には、前代未聞の無礼のように見えました。
しかし、クールベはそれだけではありません。 次のサロン（1850-1851）に展示された作品では、彼の大胆さはさらに進んでいます。 それで、キャンバス「ストーンクラッシャーズ」（1849-1850）では、社会的意味は画家によって意識的に定められました。 彼は、フランスの農民の画期的な仕事と絶望的な貧困を描写するために、容赦ない誠実さで目標を設定しました。 クールベが絵の説明の中で書いたのは、「これが彼らの始まりであり、これが彼らの終わりである」ということです。 印象を高めるために、マスターは提示された画像を要約します。 光の伝達にはいくつかの慣習がありますが、風景は人々の姿のように非常に真実に認識されています。 「ストーンクラッシャーズ」に加えて、画家はサロンで「オルナンスの葬儀」（1849年）と「フェアから戻ってきた農民」（1854年）の絵を展示しました。 これらの絵画はすべて、展示会の他の参加者の作品とは非常に異なっていたため、クールベの同時代人を驚かせました。
このように、「Funeral at Ornans」は、デザインが珍しく、芸術的スキルが重要な大判キャンバスです。 テーマ（小さな町の住民の一人の葬式）と英雄（現実的に書かれた小さなブルジョアと裕福な農民）：その中のすべては珍しくて珍しいようです。 この写真で宣言されているクールベの創造的な原則は、その醜いすべての中で人生を正直に示すために、見過ごされませんでした。 現代の批評家の中には彼女を「醜いものの栄光」と呼んだ人もいれば、逆に著者を正当化しようとした人もいるのも不思議ではありません。 無意味な口の表情。 ブルジョアは以下の通りです。 M.クールベはブルジョアを書いています。」
そして確かに、キャンバスに表示されているキャラクターは特別な美しさと精神性でマークされていませんが、それでも彼らは誠実かつ誠実に与えられています。 マスターは単調さを恐れていませんでした、彼の姿は静的です。 しかし、意図的に視聴者に向けられた顔の表情によって、彼らが興奮しているかどうかにかかわらず、進行中のイベントとどのように関係しているかを簡単に推測できます。 クールベがすぐにそのような構成に到達したわけではないことに注意する必要があります。 当初は、すべての面を描画するわけではないはずでした。これはスケッチからわかります。 しかし、後にアイデアが変わり、画像は明らかに肖像画の特徴を帯びています。 したがって、たとえば、大衆の中で、アーティスト自身の父、母、姉妹、詩人のマックス・ブション、古いジャコビン・プラタとカルド、ミュージシャンのプロメイ、そして他の多くのオルナンの住人の顔を認識することができます。
写真では、いわば、その瞬間に対応する憂鬱な厳粛さと日常生活の2つのムードが組み合わされています。 喪服の黒い色は雄大で、顔の表情は厳しく、最後の旅に見送る人の姿勢は動かない。 葬儀の憂鬱なムードは、険しい岩だらけの棚によって強調されています。 しかし、この非常に高揚したムードの中でも、しもべの少年と店員の顔の無関心によって強調される人生の詩は織り交ぜられていますが、十字架を支える人の顔は特に普通のようで、無関心ですらあります。 瞬間の厳粛さは、前景に示されているように、足の間に尻尾を持った犬によっても侵害されています。
これらすべての明確な詳細は、サロンの公式アートに反対しようとしているアーティストにとって非常に重要で重要です。 この欲求は、クールベのさらなる作品でたどることができます。 たとえば、キャンバス「Bathers」（1853）では、そこに示されているフランスのブルジョアジーの太った代表者がサロンマスターの絵画の透明なニンフとは異なり、その裸が非常に具体的でボリュームのある方法でアーティストによって提示されているという事実のために憤慨の嵐を引き起こしました。 これはすべて歓迎されただけでなく、逆に憤慨の嵐を引き起こしましたが、それはアーティストを止めませんでした。
時間が経つにつれて、クールベは彼が新しい芸術的な方法を探す必要があることに気づきます。 彼はもはや彼の計画に対応しなくなったものに満足することができませんでした。 すぐにCourbetは、光によるボリュームの色調のペイントとモデリングに着手しました。 彼自身はそれについてこのように言っています：「私は私の絵の中で太陽が自然の中ですることをします」。 同時に、ほとんどの場合、アーティストは暗い背景に書き込みます。最初に彼は暗い色を入れ、徐々に明るい色に移り、それらを最も明るいまぶしさにします。 ペイントはパテナイフで自信を持って勢いよく塗られます。
クールベは1つのトピックにとらわれることはなく、常に検索を続けています。 1855年、画家は一種の宣言である「芸術家のワークショップ」を展示しました。 彼自身はそれを「彼の芸術的生活の7年間を定義する本当の寓話」と呼んでいます。 そして、この写真はクールベの最高の作品ではありませんが、シルバーグレーの色調で維持されたその配色は、画家の色彩のスキルを物語っています。
1855年、アーティストは個人的な展示会を開催しました。これは、学術芸術だけでなく、ブルジョア社会全体にとっても大きな挑戦となりました。 このユニークな展示会のカタログに著者が書いた序文は参考になります。 それで、「リアリズム」の概念を明らかにし、彼は自分の目標を直接宣言します。「私の評価に従って、私の時代の習慣、アイデア、外観を伝えることができるようにすること、つまり、生きている芸術を作成することは、私の目標でした。」 クールベは現実のあらゆる側面とその多様性を見て、最大限の誠実さをもって彼の作品にそれを具現化しようとしました。 肖像画、風景、静物のいずれで作業していても、同じ気質のマスターは、現実世界の物質性と密度を伝えます。
1860年代に、画家の作品では肖像画とジャンル構成の境界線が消えました（将来、この傾向はE.マネや他の印象派の画家の作品の特徴となるでしょう）。 この点で、最も指標となるキャンバスは、「海岸の開いた窓にいる小さな英国人女性」（1865年）と「カモメの少女」（1865年）です。 これらの作品の特徴は、画家が素材の世界に内在する美しさほど、キャラクターの複雑な体験に興味を持っていないことです。
1855年以降、芸術家はますます風景に目を向け、空気と水の要素、緑、雪、動物、花を観察することに大きな注意を払うのが特徴です。 この時期の多くの風景は、狩猟シーンに捧げられています。
これらの構成で提示される空間とオブジェクトは、ますますリアルに感じられます。
このように作業することで、クールベは照明に多くの注意を払っています。 ですから、「小川沿いのコズリ」では、木々のボリューム感は少なく、動物は風景の背景とほぼ融合しているものの、空間と空気はかなりリアルに感じられます。 この特徴は、クールベが創造性の新しい段階に入ったと書いた批評家によってすぐに注目されました-「明るいトーンと光への道」。 特に注目すべきは海景です（「ノルマンディー沖の海」、1867年、「波」、1870年など）。 異なる風景を比較すると、できません
照明によって色の範囲がどのように変化するかに気づかないでください。 これはすべて、彼の仕事の後半に、クールベが世界のボリュームと重要性を捉えるだけでなく、周囲の雰囲気を伝えることも目指していることを示唆しています。
クールベについての会話を締めくくると、彼は風景作品に目を向けた後、社会をテーマにしたキャンバスでの作業をやめなかったと言わざるを得ません。 ここで特に注意する必要があるのは、「会議からの復帰」（1863）-聖職者の一種の風刺であった絵です。 残念ながら、キャンバスは今日まで生き残っていません。
1860年代から。 ブルジョアの人々のサークルでは、アーティストの作品への関心が高まっています。 しかし、政府がクールベに授与することを決定したとき、彼は公式に認められてどの学校にも所属することを望まないので、授与を拒否します。 パリコミューンの時代、クールベは革命的なイベントに積極的に参加し、その後、投獄されて国から追放されました。 バーの後ろにいる間、アーティストはコミュナードの虐殺のシーンを描いた多くの絵を作成します。
フランスから追放された後、クールベは書き続けています。 それで、例えば、スイスで彼はいくつかの現実的な風景を作りました、その中で「山の中の小屋」（1874年頃）は特別な賞賛を呼び起こします。 風景はその小さなサイズと特定の動機で注目に値するという事実にもかかわらず、それは記念碑的な特徴を持っています。
彼の人生の終わりまで、クールベはリアリズムの原則に忠実であり続け、その精神で彼は彼の人生を通して働きました。 画家は1877年に故郷から遠く離れたラトゥールドゥペル（スイス）で亡くなりました。
西ヨーロッパのリアリズムの発展において最も重要な場所はフランスの芸術に属しています。 そして、これは偶然ではありません。 すでに18世紀の終わりから、フランスはヨーロッパの社会政治的生活において主導的な役割を果たし、貴族、ブルジョアジー、プロレタリアの間の階級闘争はその中で明確な古典的形態を取りました。 王室と帝国のローブの後ろに隠れたり、オープンな形で彼らの力を主張したりして、ブルジョアジーは勝利を収めました。 「産業と貿易は莫大な割合に成長しました」とK.マルクスは1950年代と60年代にフランスについて書いています。「株式市場の憶測はその国際的な組織を祝いました。 大衆の貧困は、不正行為と犯罪によって獲得された毅然とした贅沢の傲慢な素晴らしさと並んで際立っていました。」
19世紀半ばの民主的でプロレタリア的な運動は、フランスで大規模に行われています。 1830年の革命の後に1848年の革命が続きます。 政治の場では、プロレタリアがますます決定的に出現し、人々の幅広い大衆をリードしています。 1848年6月、彼はブルジョアジーに対して公然と立ち上がった。1871年、パリコミューンを宣言した後、彼は政治的権力を自分の手に委ねるという史上初の英雄的な試みを行った。
社会的矛盾の悪化、壮大な階級の戦い、新しい社会問題、社会の民主的な再編成の問題は、進歩的な心を興奮させ、現実の現象を分析し、芸術の新しい方法を探すことを余儀なくさせました。 19世紀の主要なトレンドの形成と発展を最も明確に示しているフランスでは、リアリズムの上昇が他の国よりも早く観察され、現実的なトレンドは社会的および政治的生活と最も密接に関連していることが判明し、19世紀の芸術の最大の代表者を提唱しています。
1830年の7月の革命は、フランスの芸術の発展における重要なマイルストーンでした。 その影響下で、ロマンチックな幻想が排除され、社会的トピックへの関心が高まり、リアリズムの独立した理論的プログラムが開発されています。 新しいアートの主な要件は、「1833年のサロン」でLavironとGalbaccioによって策定されました。 彼らは、主要な理論家やリアリズムの擁護者であるTore-Burger、Chanfleri、Duranty、Castagnariなどの著作でさらに発展しました。 これらすべての批評家（1848世代の代表者）は、芸術の教育的役割の問題を浮き彫りにしました。 アートは、進歩の道に沿って社会の発展に貢献し、「人生の教師」である必要があり、そのためには、関連性があり、社会的に豊かで、人々に理解できる必要があると彼らは主張しました。 アートは、人々が自分の周りの世界を知り、その矛盾を理解するのに役立つはずです。 それはすべての理想化、人生の装飾を捨てることによってこれを行うことができます。 画像の信憑性は、創造性に必要な条件の1つとして提唱されています。アーティストは、自分が知っていること、自分の目の前で見ていることを書きます。 一般的に受け入れられているモデルを放棄し、芸術における人生の真実を主張するという呼びかけは、芸術的表現の新しい方法と手段を習得する上で一流の芸術家を助け、創造的な追求の幅広い展望を開きました。 同時に、19世紀半ばの批評家の中には、リアリズムの概念を画像の外部の信頼性、つまり目に見える世界の伝達の幻想的な性質にまで低下させることがあり、それはもちろんアーティストを混乱させました。
フィリップ・ジャンロン。 偉大な現実主義の画家の先駆者の中で、いくつかのより少ないマスターは言及に値します。 彼らの信者の才能を欠いて、彼らは彼らのための舞台を設定しました。 これらには、Philippe Jeanron（1809-1877）が含まれます。 彼は1830年と1848年の革命の参加者であり、現実的な原則を擁護する印刷物にしばしば登場しました。 すでに初期の作品「バリケードの子供たち」（1831年、カネットの博物館）で、ジャンロンは革命的な出来事の直接的な描写に目を向けました。 後の作品で、彼は現実の社会的分析を行い、現代社会のさまざまなクラスの代表者、つまり貴族、ブルジョアジー、プロレタリアに反対しました。 労働者を描写するとき、芸術家は彼らの貧困と苦しみを強調しましたが、いくらかの感情を避けませんでした。 ジャンロンは肖像画家としても知られています。 彼は当時の進歩的な人々、つまり共和国の知性の代表者の表現力豊かな肖像画を残しました。
フランスとイギリスのリアリズム（19世紀の文学と芸術）
世紀の半ばまでに、リアリズムはヨーロッパ文化の支配的な傾向になりつつあります。
確立された資本主義関係の条件下で、フランスとイギリスでリアリズムが生まれました。 資本主義システムの社会的矛盾と欠点は、それに対する現実主義の作家の鋭く批判的な態度を決定しました。 彼らは金儲け、露骨な不平等、利己主義、偽善を非難した。 そのイデオロギー的な目的において、それは批判的なリアリズムになります。 同時に、偉大な現実主義の作家の作品には、人道主義と社会正義の考えが浸透しています。
フランスの文学。 19世紀の現実的なフランスの詩の例は、詩人ピエールジャンドベレンジャー（1780-1857）でした。彼はナポレオンの君主制の間に演奏し、1813年に「イヴェト王」の歌でナポレオンの軍事冒険と彼の税務政策を非難しました。 修復の間、彼は本当の戦闘機の詩人になりました。 この時期の彼の熱烈な歌は、豊かで繁栄したブルジョアジーを嘲笑します。 ベレンジャーの政治的な歌は民主主義で飽和しており、活気のある国民的ユーモアの印が付いています。
批判的なリアリズムの見事な代表は スタンダール （Own Henri Beyle、1783-1842）。 作家の称賛は、活発で強い性格を持つ人々によって引き起こされました。 彼はそのような英雄をルネッサンスの人物（「イタリアのクロニクル」）、シェイクスピア、同時代の人々の中に見ました。
最高の小説の1つ スタンダール-「赤と黒」（1830）。 小説の主人公は、ナポレオン時代の情熱的な崇拝者であり、不活性な社会環境を征服しようと努力している、崇高で敏感な魂を持った男、ジュリアン・ソレルです。 しかし、支配クラスが彼を受け入れなかったので、彼は成功しません-生まれつきのプレビアン。 小説「パルマ・アボード」の中で、作家は、知的で才能があり、深く感じている人々の悲劇を事前に決定した反応の時代を非難します。
西ヨーロッパのリアリズムの発展の最高点である頂点-Honoredeの作品 バルザック （1799-1850）。 バルザックが考案したように、彼の主な作品である叙事詩「ヒューマンコメディ」は、フランス社会の生活のあらゆる側面を反映した143冊の本で構成されているはずでした。 バルザックはこの巨大な作品に全力を注ぎ、90の小説と短編小説を作成しました。
この叙事詩では、小説は共通の概念と多くのキャラクターによってリンクされています。 「TheUnknownMasterpiece」、「Shagreen Skin」、「Eugenia Grande」、「Father Goriot」、「Caesar Biroto」、「Lost Illusions」、「CousinBetta」などの小説が含まれています。 叙事詩は壮大なスコープの現実的な絵であり、フランスの公的生活の詳細と矛盾を反映しています。 バルザックは彼のヒーローに知性、才能、そして強い性格を授けています。 彼の作品は非常にドラマチックで、古い家長の絆と家族の絆を分解し、エゴイスティックな情熱の炎を燃やす「金銭の原則」の力を描いています。
繁栄は小説のマスターでした メリミー （1803-1870）、優れた現実主義の作家。 彼の短編小説は、簡潔で、厳格で、エレガントです。 彼らは強くて明るいキャラクターであり、自然全体であり、強い感情を抱くことができます-「カルメン」（ビゼーの名を冠したオペラの基礎となった）、「コロンバ」、「フォーク」。 作家がロマンティックなヒーローやロマンティックな状況を描いた短い物語でも、アクションはロマンティックな面に変換されませんが、現実的な動機が与えられます。
書きました メリミー と再生します。 作家の傑出した作品の一つは、XIV世紀の農民運動を描いたプレイクロニクル「ジャックリア」です。 彼は唯一の大きな小説「チャールズIXの時代のクロニクル」を書きました。それはカトリックとプロテスタントの闘争と聖バーソロミューの夜の出来事について語っています。 著者は狂信的な不寛容を暴く。
1848年の革命後のブルジョアジーの政治的立場の変化と労働者階級との協力の拒否に関連して、新しいタイプの批判的なリアリズムがフランスの文学に現れています-作家は強力なイメージを作成することを拒否し、典型的な概念は最も普及した普通のものに縮小されます。 一般的に、アートはさらに人生に近いものです。
リアリズムの新しい段階の最大の代表者はグスタフでした Flaubert （1821-1880）。 人口の社会的階層に対する作家の態度は矛盾していた。彼は生涯ブルジョワジーを憎み、大衆を軽蔑して扱い、政治活動は無意味だと考えた。 したがって、Flaubertは芸術家に「象牙の塔に行き」、美しさを提供するように呼びかけます。 この立場の矛盾にもかかわらず、Flaubertは社会的闘争から離れることなく、ブルジョアの下品さの素晴らしい批判的なイメージを与えました。 傑出した作品のひとつ Flaubert-小説「マダムボヴァリー」。 小説の中心には、ブルジョア環境の女性のイメージがあります。 ロマンチックな文学によって育てられた彼女は、ブルジョアの現実との衝突で死にます。 小説「感覚の教育」は、ブルジョアの道徳的無意味さである、州とパリの詳細を描いています。 この小説では、鈍く、不活性で、活発な活動ができない若者のテーマが展開されています。 小説「Salammbo」、「The Legend of St. Julian the Merciful」、「Herodias」は、遠い時代の状況が科学的な客観性で復元された歴史的なプロットに基づいています。 作家は、内部の独り言を通して明らかにされた、現実的な詳細の再現の綿密な正確さ、心理的分析の深さを達成しました。
イングランド：
イギリスの文学。 スコットランドの作家ウォルター・スコット（1771-1832）は、中世への関心からロマン派に近かった。 その初めに クリエイティブパス 彼はスコットランドの民俗学を集め、ロマンチックな詩を書いた。 現実的な詩は彼に世界的な名声をもたらしました。
Walter Skolは、ロマンチックな傾向と現実的な傾向を組み合わせた歴史的な小説のジャンルの作成者です。 スコットランドの家族の一族の死は、小説「ウェバリー」、「ロブロイ」の作家によって反映されています。 小説「Ivanhoe」と「QuentinDorward」は中世のイギリスとフランスの絵を描いています。 小説「ThePuritans」と「TheLegendof Monrose」は、17〜18世紀にイギリスで繰り広げられた階級闘争を明らかにしています。
V.スコットの作品は、王、軍の指導者、貴族ではなく、人々自身の生活、生活、習慣の描写に重点を置いて事前に決定された、特別な小説の構成によって特徴付けられます。 同時に、私生活を描いて、作家は歴史的な出来事の写真を再現します。
世界文学の偉大な芸術家の一人-チャールズ ディケンズ （1812-1870）、彼は英国文学における批判的リアリズムの創設者でありリーダーであり、卓越したサティリストでありユーモリストです。 彼の初期の作品、The Pickwick Papersは、まだ家長のイギリスを描いています。 ディケンズは、彼のヒーローの心のこもった、騙されやすさ、素朴さを笑いながら、彼に同情し、彼の無関心、正直さ、善への信仰を覆い隠します。
次の小説、オリバーツイストの冒険は、スラム街と貧しい人々の生活のある首都主義の都市を描いています。 正義の勝利を信じる作家は、彼のヒーローにすべての障害を克服させ、個人的な幸せを達成させます。
しかし、作品 ディケンズ 深いドラマがいっぱいです。 作家は、ブルジョア階級の代表である社会的悪のキャリアのギャラリー全体を提供しました。 これは、罵倒者のラルフ・ニクルビー、残酷な教師のオークウィアーズ、偽善者のペックスニフ、人道主義者のスクルージ、資本家のバウンダービーです。 ディケンズの最大の功績は、感情が死んだ男、ドンビー氏（小説「ドンビーと息子」）のイメージであり、彼の自己満足、愚かさ、利己心、冷淡さは、所有者の世界に属することによって生み出されます。
根絶できない楽観主義、明るく非常に国民的なユーモア、冷静で現実的な人生観などのディケンズの資質-これらすべてが彼をシェイクスピアに次ぐイギリスで最も偉大なフォークライターにしています。
ディケンズのコンテンポラリー-ウィリアム サッカレー （1811-1863）最高の小説「バニティフェア」では、ブルジョア社会の悪徳を鮮やかにそして比喩的に公開しています。 この社会では、誰もが本来の役割を果たしています。 サッカレーはグッズを見ていません。彼には2つのカテゴリーのキャラクターしかありません-欺瞞者と騙された者です。 しかし、作家は心理的な真実を求めて努力し、ディケンズに固有のグロテスクで誇張を避けます。 サッカレーはブルジョアの高貴な社会のエリートを軽蔑しますが、彼は下層階級の生活に無関心です。 彼は悲観論者であり、懐疑的です。
XIX世紀の終わりに。 イギリス文学の現実的な方向性は、主に3人の世界的に有名な作家、ジョン・ガルスワーシー（1867-1933）、ジョージ・バーナード・ショー（1856-1950）、ハーバート・ジョージ・ウェルズ（1866-1946）の作品によって表されました。
それで、三部作「The ForsyteSaga」と「TheModernComedy」のD.Galsworthyはブルジョアイングランドのモレスの壮大な絵を与えました xIX後期-XX世紀初頭。 公的および私的生活の両方における所有の破壊的な役割を明らかにする。 彼はドラマを書いた。 彼はジャーナリズムに従事し、リアリズムの原則を擁護しました。 しかし、章の終わりの三部作は保守的な傾向を示しました。
D. B. Shawは、社会倫理問題の妥協のない解決策である敵対的なイデオロギーの衝突を中心としたドラマディスカッションの作成者である社会主義者「FabianSociety」の創設者の1人であり、最初のメンバーです（「Widower's Houses」、「Mrs。Warren's Profession」、「 Applecart」）。 ショーの創造的な方法は、独断と偏見（アンドロクルとライオン、ピグマリオン）、伝統的なパフォーマンス（歴史的な演劇シーザーとクレオパトラ、セントジョン）を打倒する手段としてのパラドックスによって特徴付けられます。
HDウェルズはサイエンスフィクション文学の古典です。 小説「タイムマシン」、「ニビディムカマン」、「世界の戦争」では、作家は最新の科学的概念に依存していました。 作家は、科学技術の進歩に関連して人々の前に生じる問題を、社会の発展の社会的および道徳的予測と結び付けています。「人類の歴史はますます教育と災害の間の競争になりつつあります。」
ミュージカルアート。 それとlとXIX世紀に。 政治的反応の条件下で、オペラは演劇芸術の最も広範で民主的なジャンルであることが証明されました。 19世紀のミュージカルオペラにおけるリアリズムの頂点 -イタリアの偉大な作曲家GiuseteVerdi（1813-1901）の作品で、イタリアの解放運動（Nabucco、最初の十字軍のロンバルディ）と密接に関連しています。 「ヘルナニ」、「マクベス」、「レグナーノの戦い」などのオペラ作品では、あらゆる暴力と抑圧に対する抗議が表現されています。 イタリアの解放と統一のための闘争のアイデアを染み込ませたヴェルディのオペラのパフォーマンスは、嵐の愛国的なデモンストレーションを伴っていました。
オペラのリアリズムの傑作は、ヴェルディのオペラ、アイーダ、オセロ、ファルスタッフです。 これらは、アクションの継続的な発展を伴う音楽ドラマです。 シーンは自由に構築され、レシテーションからモノローグへ、ソロからアンサンブルへと柔軟に移行します。 オーケストラには重要な場所が与えられています。 ヴェルディは音楽と劇的なアクションの完全な融合を持っています。 民主主義、ヴェルディの創造性の深い人間性は彼に大きな人気をもたらしました。 彼のオペラは常にレパートリーにあります オペラハウス 世界。
イタリアのオペラは、ボーカルとステージパフォーマンスの新しい原則を実現しました：歌の劇的な表現力、歌手の演技スキル、セットと衣装の歴史的な正確さ。 歌手のA.Patti、J。Pasta、I。Kolbranなど、歌手のM. Battistini、F。Galdiなどは注目に値するボーカリストであり、世界的に有名なベルカントの代表でした。
同じ時期に、オペラに新しい方向性が現れました-正しい方向性（nt.verismo、ベロから-真実、真実）。 その代表者は、作曲家R. Leoncavallo（1857-1919）、P。Mascagni（1863-1945）、Umです。 ジョルダーノ（1867 -1948）、G。プッチーニ（1858-1924）。 これらのマスターの作品は、重要なプロットに基づいています。 普通の人々の精神世界の真実の表示; 感情的に表現力豊かな音楽、高い社会的アイデアの欠如。 誇張された表現、感傷的な苦悩、鋭いドラマなど、特定の演奏スタイルも発達しました。 最高の作品 この方向-「地方の名誉」Mascagni、「Pagliacci」Leoncavallo。 心理的な深みのおかげで、「ボヘミア」、「トスカ」、「チオチオさん」を書いたG.プッチーニの作品は、ヴェリズムの枠組みを克服しています。
フランスでは、古典的な文学から借りたより親密なテーマとプロットで大きなオペラとは異なる叙情的なオペラが開発されました。 J. Massenetのオペラ「Manon」と「Werther」、C。Gounodの「Faust」と「Romeoand Juliet」、A。Thomの「Hamlet」などです。リリックオペラは、エキゾチックな東洋をテーマに作成されました。 これらは、L。Delibesの「Lakme」、J。Bizetの「PearlSeekers」と「Jamile」、C。Saint-Saensの「SamsonandDelilah」です。 叙情的なオペラでは、人間の経験は真実にそして微妙に具体化されます。 詩は日常生活の描写の特徴です。 これらのオペラの音楽言語は民主的で、都会の民俗学に近いものです。
フランスのオペラ芸術におけるリアリズムの頂点は、J。ビゼーのオペラカルメンとして認識されています。 ビゼーの創造性は、形の鋭さと表現の明瞭さによって特徴付けられます。 オペラのヒーローは、強くて矛盾した性格を持つ普通の人々です。 このオペラは、スペインの国民的音楽の味を体現しています。 ドラマチックなイベントの緊張したコース、さまざまなフォークシーンが含まれています。 これは、世界で最も人気のあるオペラの1つです。 P.I. チャイコフスキーはそれを「言葉の意味での傑作」と認めました。
19世紀半ば 新しい音楽ジャンル、オペレッタ、ダンスと対話の両方を含む軽いオペラ（コミックオペラから派生）の誕生の時となりました。 オペレッタの故郷はFrとIであり、創設者は作曲家のF.HerveとJ.Offenbachです。
A v s trおよびXIX世紀の初めに。 ウィーンとともに、ザルツブルク、セイゼンシュタット、エスターハザなどが音楽の中心地となり、1869年にウィーンコートオペラがオープンし、国内有数の音楽劇場となった。 彼のレパートリーはフランスとイタリアのオペラによって支配されていました。 XIX世紀の最後の3分の1。 venetoperettaが開発されました。 その創設者：「BeautifulGalatea」、「Boccaccio」、そして彼の最高のオペレッタの1つである「DonnaJuanito」を書いたF. Suppe（1819-1895）。 I.シュトラウス（息子）（1825-1849）-彼の最高の作品「ジプシー男爵」、「バット」など。このジャンルの主要な作曲家-K。ミアーカー（1842-1899）-オペレッタ「乞食の学生」、「ガスパロン」の著者 」、「貧しいジョナサン」。
これらの作曲家の作品では、民謡、ダンスリズムが広く使われ、オペレッタはメロディックです。
ウィーンのワルツ（「青いドナウ川」、「ウィーンの森の物語」など）は、「ワルツの王」という名前を付けられたおかげで、I。シュトラウスにも世界的な名声をもたらしました。
XIX世紀の英国の作曲家の仕事のためにという事実にもかかわらず。 一般的に、顕著な不在 国民性、Anglのオペラ文化と集中的に成長しました。 コベントガーデンシアターはイギリスで最大で、イタリア王立オペラによる公演が行われました。 1856年にロイヤルイングリッシュオペラが設立されました。 XIX世紀の終わりに。 イングリッシュミュージカルルネッサンスの名の下に歴史に刻まれた時代が始まります-国のテーマへの作曲家の関心が高まっています。
アート。 この芸術形式では、リアリズムの主な特徴は、人の社会的性格の理解です。 ただし、絵画では、リアリズムは絵画的手段とより密接に関連しており、視覚的な信憑性の幻想を生み出します。
フランシスによる絵画の現実的な傾向は、XIX世紀の半ばにその地位を強化しました。 1848年の革命後フランスの芸術の歴史の中で、2つのキャンプの間で争いは一度もありませんでした。 芸術文化 この期間ほど深刻ではありませんでした。 フランス人の最高の特徴と彼らの高度な芸術は、ミレット、クールベ、マネ、カルパなどのアーティストによって具現化されました。 彼らは、新聞や雑誌に掲載された展示会への参加を許可されていませんでした。 彼らは、アートディーラーの大衆、ナポレオンIIIのお気に入り、そして第二帝国の反抗的なブルジョアジー全体から反対されました。
J. F.ミメット（1814-1875）は、彼の壮大な記念碑的で生命に満ちた真実の写真で、フランスの農民、彼の労働、彼の道徳的強さ（「小麦の収穫者」、「アンゲルス」）を示しました。
ミレットとクールベは印象主義の先駆者となった。 Edouard Manet（1832-1883）の作品はパリに捧げられています。 彼は芸術の世界の素晴らしいカラーリストの一人です。 彼の絵画では、驚くべき警戒と新鮮さで、パリのあらゆる種類の住民の真の特徴（「スタジオでの朝食」、「読書」、「ボートで」、「ダナ」）が伝えられ、当時のフランスの外観を現代に伝えています。 マネは最初の絵画で、現代の精神（「草の上の朝食」、「オリンピア」）で古い巨匠のイメージとプロットを再考しようとしましたが、その後、日常の歴史的で革命的なテーマの絵画を作り始めました。 フランスの批判的リアリズムの歴史の中で最も強力なページ-彼の最後の絵、Folies-Bergeresのバー-は人間の存在の孤独についてです。 印象主義を予期して、彼は明るい野外絵画（「Argenteuil」）に目を向けました（絵画では、プレインエア（フランスのプレインエア、文字通り-オープンエア）-日光と大気の状態によって引き起こされる空気環境の変化の再現）。
アングルとイの絵画の全盛期は19世紀です。 世紀の最初の3分の1の間。 それは、鮮やかな風景画の開発に関連しています。
彼の時代の最も特徴的なアーティストの一人はウィリアム・テルモウ（1775-1851）でした。 彼はヨーロッパを広範囲に旅し、彼の風景はロマンチックな焦点を獲得しました（「シップレック」）。 色彩的で明るく風通しの良い検索で大胆に、オブジェクトのスケールが歪んでいる彼の絵画は、いわば印象主義（「雨、蒸気、速度」）の前身です。 彼はまた、神話的または歴史的なシーン（「ヘスペライドの庭」、「ディドビルカルタゴ」など）で風景を作成した歴史的な画家として有名になりました。
F.ゴヤの作品。 1660年にベラスケスが亡くなった後、スペインの芸術は100年間深く衰退していました。 そして、18世紀の終わり-19世紀の初めにのみ。 後方スペインは予想外に提唱 素晴らしいアーティストフランシスコ・ゴヤ（1746-1828）は、スペインで最も偉大な画家およびグラフィックアーティストの一人となっただけでなく、19世紀および20世紀のすべてのヨーロッパの芸術に多大な影響を与えました。 彼は膨大な数の美しいフレスコ画、絵画、エッチング、リトグラフ、図面を作成しました。 （エッチング（フランスの硝酸から）は、金属板を覆う耐酸性ワニスの層に彫刻針で図面を引っ掻くタイプの彫刻です。引っかいた場所は酸でエッチングされ、得られた詳細な画像はペイントで塗りつぶされ、紙にドラッグされます。）
劇場。 政治的に細分化されたハーマンでは、劇場生活は小さな町に集中し、そこでは裁判所の劇場が古典的なレパートリーを演じました。
1869年に法廷劇場の独占が廃止されたため、多くの商業劇場が出現し、レパートリーの芸術的レベルが低下しました。 1871年にシティシアターとなったマイニンゲンシアターは、シングルステージ作品としてのパフォーマンスを生み出すための闘いを始めました。 19世紀半ばから後半にかけてドイツで最大の俳優。 B. Davison、A。Mashkovsky、E。Possartでした。
G.イブセン、G。ハウプトマンの演劇では、偉大な悲劇のI.カイナとA.ゾルマが輝いていました。
世紀の変わり目に、ベルリンはドイツの劇場の中心地になりました。 1883年にオープンしました ドイツ劇場、1889年-イブセン、ハウプトマン、E。ゾラ、L。トルストイのドラマを宣伝したフリーシアター。
XIX世紀の初めに。 A in st rの演劇生活は、劇作家F.Raimundと俳優I.N. Pestraiの活動に関連した、郊外の劇場の素晴らしい創造的な繁栄によって特徴づけられました。 しかし、1848年の革命後、これらの劇場は民主的な性格を失いました。面白い演劇がレパートリーで支配的です。
XIX世紀の後半に。 オーストリアの演劇生活の第一人者は「バーグシアター」で占められていました。 そのリーダーであるG.ラウベはステージでクラシックを承認しました。 70-8Q-eで。 劇場はシェイクスピアの悲劇のサイクルを上演したF.ディルゲンシュテットが監督し、イブセン、ゴゴル、トゥルゲネフ、L。トルストイが演じました。
バレエ。 現代のヨーロッパのバレエの発祥の地はItとlです。 イタリアのバレエは、古代のパントマイムとダンスの伝統とフォークダンスの豊かな文化に基づいていました。 XVIII-XIX世紀の変わり目に。 イタリアのバレエの開発に新たな段階が始まり、それはイタリアの人々の解放闘争の時期と一致しました。 パフォーマンスは、ドラマ、ダイナミクス、表現に満ちた効果的なバレエの原則に基づいて作成されました。 そのようなバレエは、ダンサーであるパントミミストであるG.JohnとS.Vshitによって上演されました。
スカラ座はヨーロッパ最大のバレエアートの中心地と見なされていました。1813年にバレエスクールが劇場に設立されました。
XIX世紀の後半に。 イタリアでは、西ヨーロッパの他の国々と同様に、バレエアートが減少しました。 この時、名人スタイルのパフォーマンスが確立されました。 技術的な困難を克服することに注意が向けられ、劇的な表現力は背景に委ねられています。 XIX世紀の80年代。 主に魅惑的なパフォーマンスが上演され、その煩わしさによって区別され、原則として、イデオロギー的な内容が欠けていました。
ボドラーチャールズ -フランスの詩人。 B.の詩的な活動は、フランスの文学におけるロマンチックでパルナシアの傾向の繁栄と一致しました。 フランス革命の嵐とナポレオン戦争の叙事詩の後、ブルジョアの秩序がフランスで確立されました。それは、幅広い大衆の願望だけでなく、中層の願望も実現しました。
1848年の時代、強力な革命的痙攣がブルジョアの世界を揺るがしたとき、ボーデレールは目覚めたようだったことにも注意する必要があります。 この時までに彼の作品、「トワイライト」、「ドーン」、「ラグピッカーズレベル」が所属しています。 民主的でわずかに革命的なメモがB.の詩に現れ始めましたが、それらはすぐにさらに暗い失望で消えていきました。
彼の主な作品はFlowersof Evil（Les fleurs du mal、1857; Yakubovich-MelshinとEllisのロシア語訳があります;他の多くの詩人もそれを翻訳しました：Sologub、Vyacheslav Ivanovなど）。 「FlowersofEvil」は、私たちが上で話したそれらのムードの真髄です。 並外れたフィリグリーの詩的な形、構造の堅さ、言葉の経済性、厳格なリズムとイメージの選択、そしてそれらへの表現の深い対応を要求したパルナシアンの現代人、B。はこれらすべての条件に従っただけでなく、彼自身の方法でそのような古典の最も偉大なマスターの一人であることが判明しました 詩。 B.は彫刻家の詩人の品種に属しています。 彼は自分の詩を彫ったり偽造したりします。 彼の作品はしっかりしていて、すべての言葉が間違いなくその場所に立っています。 ここでのスキルは勇気があります。
独立したトレンドとしてのリアリズムは1840年代に確立され、後に批判的なリアリズム（リアリズムの最高点-社会の悪徳の暴露）の形になりました。 リアリズムの発達は、資本主義の生産様式の発達を伴い、その結果、社会的矛盾の成長を伴い、それは当時の芸術に反映されていました。
19世紀の芸術におけるリアリズム ロマン主義と組み合わせる
革命の結果に対する失望
ブルジョアの現実に対する否定的な態度
人の精神世界にアピールする
自己肯定のための戦い
国籍のテーマは近い
しかし、ロマン派とは異なり、現実から逃れ、緊急事態、異常な性格、英雄的な状況、人生の嵐の情熱を考慮すると、リアリズムは現実に深く浸透し、公共の生活に浸透します。
19世紀のリアリストアーティストの新しいアプローチ 「今ここで」実際に起こっていることを反映することで。アーティストたちは、芸術によって客観的に存在する世界を知る可能性を確信していました。 彼らはブルジョアの生活の場面に目を向け、農民の生活、都会の下層階級の日常生活を照らしました。
フランス絵画の最初の現実主義者の一人は グスタフ・クールベ労働の話題に取り組んだ（「ストーンクラッシャーズ」）は、本当の動機に基づいたソーシャルキャンバスを書いた（「オルナンの葬儀」）。 クールベの「プロセズム」は、公式の批判に対するオープンな挑戦です。
フランソワミレット -メロディアスで民族的な色合いのない農民のジャンルですが、ポーズ、ジェスチャー、体の動きの伝達を通じて、労働プロセスの性質、農民の強さと器用さを明らかにしました（「ブラシウッドの農民の女性」、「耳のコレクター」）-活力と真実に満ちた壮大な記念碑的なキャンバス ..。
Honore Daumierは、O。Balzacのように、何千ものリトグラフ、図面、絵画で時代の「ヒューマンコメディ」を作成した批評的リアリズムのアーティストです。風刺雑誌「Caricature」と「Sharivari」（「Lowerthe Curtain」 ）、その主なジャンルは道徳の風刺です：首都の詐欺師、愚か者、地方の哲学の世界（「正義の図」）。 「Laundress」は肖像画ではなく、すべてのパリのlaundressesの集合的なイメージです。 著者が人々へのすべての愛を表現した肖像画。 ドン・キホーテの一連のイラスト。主人公のイメージで、アーティストは人間の苦しみをテーマにした社会における自分の立場を反映しようとしました。 彼の陰謀の社会的鋭敏さは、禁じられた検閲との釣り合いです。
フランスの国民的景観：
ジャン・バプティスト・カミーユ・コロット -自然の詩的な精神性; 好きな動機-「雨の後」、すなわち 自然の変化する状態; 彼の絵「コロの灰色の霞」の銀色の色調。
バルビゾンスクール -主な目標：国の風景の独創性のイメージ、変化する自然の状態の移転、構成上の規範の拒絶。 セオドア・ルッソ -「橋のある風景」-自然からの風景、形への特別な注意、すべての木は個性的であり、絵画的モデリングはそれらをボリュームがあり、ほとんど彫刻的であり、その記念碑性は低い地平線によって強調されています。
ジュール・デュプレ -「秋の風景」-夕日の影響で、雨上がりの秋の風景の色のコントラストが強調され、特に厳粛な木々が構成されています。
チャールズ・ドービニー -川の風景（「オワーズの土手」）、自然の状態のわずかな変化を捉えたいという願望、光を包む物体の微妙な絵画的伝達。
XVIII世紀の終わり以来。 フランスは西ヨーロッパの社会的、政治的生活において主要な役割を果たしました。 XIX世紀。 フランス社会のほぼすべての層を包含した幅広い民主主義運動が特徴です。 1830年の革命に続いて1848年の革命が起こりました。1871年、パリコミューンを宣言した人々は、フランスと西ヨーロッパ全体の歴史の中で、州の政治的権力を掌握する最初の試みをしました。
国内で発生した危機的状況は、人々の態度に影響を与えるしかない。 この時代に、進歩的なフランスのインテリは、芸術の新しい道と芸術的表現の新しい形を見つけようとしています。 そのため、フランスの絵画では他の西ヨーロッパ諸国よりもはるかに早く現実的な傾向が明らかになりました。
1830年の革命は、フランスで民主的な自由をもたらしました。グラフィックアーティストはそれを利用することに失敗しませんでした。 与党を狙った鋭い政治風刺画や社会に蔓延する悪徳が、雑誌「シャリヴァリ」「風刺画」のページを埋め尽くした。 定期刊行物のイラストは、リソグラフィーの技術を使用して作成されました。 似顔絵のジャンルでは、A。モニエ、N。シャーレット、J。I。グランビル、そして素晴らしいフランスのグラフィックアーティストO.ドミエなどのアーティストが活躍しました。
1830年から1848年の革命の間のフランスの芸術における重要な役割は、風景画の現実的な傾向、いわゆる。 バルビゾンスクール。 この用語は、1830年から1840年代にかけて、パリ近郊の絵のように美しい小さな村バルビゾンの名前に由来しています。 多くのフランス人アーティストが自然を学ぶようになりました。 アカデミックアートの伝統に満足せず、生きた具体性と国民性を欠いて、彼らはバルビゾンに向かいました。そこでは、自然の中で起こっているすべての変化を注意深く調べ、フランスの自然のささやかなコーナーを描いた絵を描きました。
バルビゾン学校の巨匠の作品は、その真実性と客観性によって際立っていますが、常に作者の気分、感情、感情を感じています。 バルビゾンの人々の風景の中の自然は、荘厳でよそよそしいようには見えません。それは人間に近く、理解できるものです。
多くの場合、アーティストは同じ場所（森、川、池）を1日のさまざまな時間に、さまざまな気象条件でペイントしました。 彼らはワークショップで野外で作られたスケッチを処理し、構図の構築に不可欠な絵を作成しました。 完成した絵画では、エチュードに固有の色の鮮度が失われることが非常に多いため、多くのバルビゾニア人のキャンバスは暗い色で区別されていました。
バルビゾン学校の最大の代表者はセオドア・ルソーでした。セオドア・ルソーはすでに有名な風景画家であり、学術絵画を引退してバルビゾンに来ました。 野蛮な森林伐採に抗議して、ルソーは自然に人間の資質を授けます。 彼自身、木の声を聞いて理解していると言っていました。 森の優れた愛好家であるアーティストは、各木の構造、種、規模を非常に正確に伝えています（「フォンテーヌブローの森」、1848〜 1850年、「アグレモントのオーク」、1852年）。 同時に、ルソーの作品は、アカデミックアートと昔の巨匠の絵の影響を受けてスタイルが形成されたアーティストが、どんなに努力しても、光と空気の環境を移すという問題を解決できなかったことを示しています。 したがって、彼の風景の光と色はほとんどの場合条件付きです。
ルソーの芸術は若いフランス人アーティストに大きな影響を与えました。 サロンの絵画の選択に携わったアカデミーの代表は、ルソーの作品が展示されないように努めました。
バルビゾン学校の有名な巨匠は、その風景にロマンチックな芸術の特徴が含まれているジュール・デュプレ（ビッグオーク、1844-1855;牛のいる風景、1850）と、ニンフと古代の女神の裸体でフォンテーヌブローの森に住んでいたナルシス・ディアス（ヴィーナス）でした。 キューピッド付き」、1851）。
イラストでキャリアをスタートさせたチャールズ・ドービニーは、バルビゾニア人の若い世代の代表でしたが、1840年代になりました。 風景に捧げます。 気取らない自然の片隅に捧げられた彼の叙情的な風景は、日光と空気で満たされています。 非常に多くの場合、ドービニーはスケッチだけでなく、完成した絵画も自然から描いています。 彼はボートワークショップを建設し、その上で川に沿って航海し、最も魅力的な場所に立ち寄りました。
19世紀の最大のフランス人アーティストはバルビゾニア人の近くにいました。 K.コロット。
1848年の革命は、フランスの公的生活、その文化と芸術に異常な盛り上がりをもたらしました。 現時点では、現実的な絵画の2つの主要な代表者が国内で働いていました-J.-F. ミレットとG.クールベ。
フランスのリアリズムは主にStendhalとBalzacの名前に関連付けられており、これは歴史的に真実です。 しかし、彼らには才能のある前任者がいたことを忘れてはなりません。彼らの作品には、書くことの現実的な原則が非常に明確に示されていました。 私たちは、彼の歌で広く知られている詩人ピエール・ジャン・ベレンジャーと、スタンダールの言葉でフランス語を「以前の単純さ」に戻した有名なパンフレット家である詩人作家ポール・ルイ・クーリエについて話している。 ベレンジャーの歌とクーリエのパンフレットは、現実的な詩の発展に貢献しました。 同じ目標が、フランスのリアリズムの大衆学校となった、日常的、道徳的、そして「生理学的」なエッセイによって追求されました。
19世紀の前半、フランスの文学界に偉大な作家が登場し、彼女の世界的な名声をもたらしました。フレデリックスタンダール（アンリマリーベイルの仮名; 1783-1842）、オノレデバルザック（本名バルサ; 1799-1850）、プロスパーメリメ（1803 -1870）。
Stendhal（novels "Armane"、 "Red and Black"、 "Parma Cloister"、 "Lucien Leuven"、 "Lamiel"、ストーリー "Memoirs of a Egoist"、ショートストーリー "Vanina Vanini"、本 "The Life of Haydn、Mozart and Metastasio"、 " イタリアの絵画の歴史」、「ローマ、ナポリ、フィレンツェ」、「愛について」、「ロッシーニの生涯」、「ラシーンとシェイクスピア」などの作品は、現実的な心理小説の作成者でした。 これが彼の主なメリットであり、世界の文学運動はそれを通過しませんでした。
スタンダールは、周囲の現実の現象の原因を探した民主主義者でした。 彼は人間の心とその感覚とのつながりに並外れた関心を持っていました。 Stendhalは、すべての人間の行動の基礎は個人的でエゴイスティックな欲求であると考えることに慣れていましたが、それは道徳的な感情に従属している必要があります。 彼は意志を非常に重要視し、それを人格の主要な力の1つと見なしました。
に 芸術作品 Stendhalは、他の現実主義者、特にBalzacの現実主義者とは異なり、社会や主人公の外部環境よりも、人の内的世界に重点を置いています。 人は、彼の意識の生活として、社会的な産物としてではなく、彼を引き付けます。 それでも、Stendhalは社会歴史的決定論を放棄していません。 だから、ロマンティックなハローで小説「ヴァニーナ・ヴァニーニ」のヒーローであるピエトロを取り巻くスタンダールは、国籍（イタリア語）、彼の心の中での宗教の特別な役割（敗北後、愛国者である彼は罰せられ、宗教の助けに頼る）、社会的感情、 祖国を愛するよりも女性の愛を好むように彼に命じた。 スタンダールは、創造性の原則を概説する際に、彼の経験を利用して、彼に精通している人々の中から彼が描いたキャラクターを描きます。「私は知っている人の1人を連れて行き、自分に言い聞かせます。 それから私は彼にもう少し知性を与えます。」 Stendhalは、人（そして多くの点で社会）は情熱によって支配されていると信じていました。 それらの中で最も重要なのは愛であり、それは彼の芸術的関心の中心となっています。
Stendhalは、「情熱-愛」、「情熱-野心」、「情熱-魅力」、「肉体的情熱」の4つの愛の情熱（「愛について」）を選び出します。 最初の2つに主な注意が払われます。そのうち、「情熱-愛」は真実で永遠であり、「情熱-野心」は偽善的で19世紀に生まれました。
スタンダールの心理学は、一方では「情熱愛」と「情熱-野心」の対比に基づいており、他方では情熱と理性の対比に基づいています。 Stendhalのヒーローは、後にLermontovのPechorinのように、彼の中に2人が存在しているように見えることに気づきます。1人は生きて行動し、もう1人は彼を観察します。 熟考の経験から、作家は重要な結論を導き出します：「魂には状態しかなく、安定した特性はありません」。 内なる世界、魂の生命を明らかにする最も深遠な方法は、作家のすべての主人公、ジュリアン・ソレル、ルシアン・ルーベン、ファブリツィオ・デル・ドンゴなどの特徴である内なる独り言です。
スタンダールの精神生活では、情熱が合理的な原則で浸透しているので、彼は思考の動きに興味を持っています。 作家は精神状態を調査する前に立ち止まり、それらを指摘するだけです。 しかし、キャラクターの行動は常に彼らへの反応と一緒に彼によって描かれています、そしてこれは人々の合理的で感覚的な経験の無限の個性のアイデアを与えます。