Realismen började ta form i romantikens djup i början av 1800-talet. Denna nya vändning förknippades med progressiva offentliga känslor och intensifieringen av bildandet av nationer, nationella kulturer, intresse för etnisk historia och kultur, främst i nationell litteratur. Vi kommer att prata om romantik och symbolik senare, på något sätt inom ramen för ett separat ämne. För närvarande är det viktigt och tillräckligt att säga att romantiken har avskaffat och förkastat klassicismens och akademismens ledande roll i utvecklingen av konst.
För första gången realism i mitten av 1800-talet introducerades av en fransk författare och litteraturkritiker J. Chanfleurie. Realismen uppfattades som en fullständig och korrekt representation av omgivningen verkliga livet, som oavsiktligt avslöjade lasterna och problemen med den borgerliga verkligheten i eran.
J. Chanfleurie
Emellertid var realism som ett estetiskt fenomen i konstnärlig kultur inte absoluta nyheter, utan användning av lämplig terminologi, det kändes redan i renässansen - "renässansrealism" och under upplysningen - "upplysningsrealism". Men på 1800-talet hade det olika egenskaper i olika länder.
I Frankrike kallades realism kritisk realism , var förknippad med pragmatism och övervägande av materialistiska åsikter, vetenskapens och den nationella franska litteraturens dominerande roll för att definiera uppgifterna för utvecklingen av konst. Bland de största representanterna för fransk kritisk realism i litteraturen var O. Balzac, V. Hugo och G. Flaubert, vars verk var välkända bland den utbildade delen av det ryska samhället och har redan översatts delvis.
Honore de Balzac
Victor Hugo Gustave Flaubert
De viktigaste företrädarna för kritisk realism i fransk målning var Honore Daumier, Gustave Courbet, François Millet, Camille Corot och Theodore Rousseau.
Revolutionen 1830 öppnade ett nytt steg i utvecklingen av konst, karikatyr, särskilt lysande, uttrycksfulla bilder O. Daumier (1818-1879) gjorde satirisk grafik till en sann konst.
Honore Daumier porträtt av O. Daumier i karikatyrgenren
Daumiers grafik- och målningsverk betecknas av serier eller cykler: Don Quijote och People of Justice (domare och advokater), men den första var en revolutionär serie bestående av två delar: 1830 och 1848. De viktigaste verken i denna cykel är "Uprising" och "Legislative Assembly".
Genom att endast skildra några få personer på en diagonal fick konstnären intrycket av en stor folkmassa som rör sig. Tyngdpunkten ligger på figuren av en ung man i en lätt skjorta, som både är underordnad den allmänna rörelsen och leder honom och visar vägen till målet med upphöjd hand.
Uppror. 1830 g.
På en gravyr / litografi, lagstiftande församlingen eller lagstiftningsvården av ministrar och regeringsmedlemmar avbildades konstnären som ett ful och moraliskt eländigt företag.
Lagstiftande livmodern
I serien "Judges and Lawyers" - visar den skrämmande kontrasten mellan utseendet, en persons yttre utseende och hans väsen. Daumiers advokater och domare är i grunden falskhet, hyckleri och vice, personifieringen av inte bara den borgerliga domstolen utan en del av samhället som helhet.
Domstolsförsvarsråd
Tolkningen av bilderna från hjältarna från Don Quijote-cykeln - som visar den tragiska motsättningen mellan människans själs två sidor har inga analoger i världskonsten. Don Quijote, utmattad, otroligt lång, rider bland det dystra kuperade landskapet på den monströst beniga Rocinante, följer alltid framåt, trogen sin dröm, han stoppas inte av hinder, inte lockad av livets välsignelser, han är alla i rörelse, på jakt efter. Bakom honom är hans motsats - på en åsna, alltid eftersläpande, feg Sancho Panza, som så att säga: tillräckligt med ideal, tillräcklig kamp, \u200b\u200bdet är dags att slutligen sluta.
Don Quijote Sancho Panza och Don Quijote
Det centrala temat för konstnärens arbete var vanliga människor: arbetare, små anställda, hantverkare, tvättvakter, som han målade, vilket inte bara återspeglar deras situation utan också värdet av deras arbete och personlighet. Hans slagord, "du måste vara en tid av din tid", återspeglade den allmänna riktningen för kritisk realism.
Nosha eller Laundress skriver ut älskare
3: e klassens vagn
Huvudfiguren i fransk kritisk realism är Gustave Courbet (1819-1877).
Gustave Courbet
Han var den första västeuropeiska konstnären som öppet utropade realism som sin kreativa metod: skildrar livets mest fula aspekter utan utsmyckning, idealisering och sentimentalitet. Karaktärerna i hans målningar var representanter för alla skikt i befolkningen, inklusive de lägsta - arbetare, tiggare, prostituerade.
Det viktigaste i Courbets verk var hans förmåga att, när han skildrade specifika människor, ge sina utseende drag av typisk betydelse, och enkla genrescener i Courbets tomter förvärvade monumentalitet.
Windbreakers Stone Crushers
Begravning i Ornans
Även porträtt ger konstnären ofta en genrekaraktär som visar modellen i en specifik vardaglig miljö. Ett sådant exempel är scenen som visar konstnärens far och vänner som vilar i ett litet lokalt kafé.
Eftermiddag Ornane
Andra exempel på Courbets porträtt är skildringen av en person som en symbol för en viss riktning i konstnärligt skapande.
vänster - ett porträtt av Hector Berlioz - grundaren av programsymfonin
till höger - ett porträtt av Charles Baudelaire, en klassiker av fransk poesi (Flowers of Evil, etc.) - grundaren av dekadens och symbolik.
Den mest avslöjande målningen av Courbet Atelier eller Artist's Workshop är en komplex allegorisk komposition, där bakom varje realistisk, porträttigenkännbar bild finns en viss typ, höjd av konstnären till en symbol.
Atelier eller Artist's Workshop
Samtidigt betonade konstnären att det här är en ny typ av allegori, realistisk, som inte har något att göra med romantisk fantasi eller symbolismens tårande sentimentalitet.
För Courbet var den viktigaste kvaliteten på realistisk konst inte sympati för missgynnade och förtryckta, utan skildring av deras användbarhet som samhällsmedlemmar; inte en återspegling av den inre världen utan de sociala egenskaperna hos modeller.
Courbet trodde att realismens väsen är förnekandet av idealet, som sådant bör förnuftet råda i allt som berör en person. Endast en sådan position, trodde konstnären, leder till individens befrielse och i slutändan till demokrati.
Kommer från en bondefamilj F. Hirse (1814-1875) gjorde en bondes liv och arbete till huvudtemat för hans målningar, och visade arbetet på landsbygden som ett naturligt tillstånd hos människan, en form av hans varelse.
Jean-Francois Millet
Konstnären trodde att det är i arbetet att sambandet mellan människan och naturen manifesteras, vilket utbildar och adlar honom.
Plantering av potatis Skördare
I mitten av 1800-talet dök målare upp i Frankrike och arbetade främst inom det nationella landskapet. Den ledande rollen i det realistiska landskapet tillhör Camille Corot (1796-1875).
Camille Corot
Corot försökte skapa en realistisk generaliserad bild av naturen och försökte uttrycka sina känslor och stämningar i den. Konstnären ansåg att huvudverktyget var det lugna, diffusa, subtilaste ljuset från molniga dagar. Han arbetade mycket med överföringen av ljus i bilden och letade efter många olika nyanser av samma färg, de så kallade valrarna, och försökte ge vördnad för sina landskap.
Vindens vindkälla
Utsikt över Riva. Italienska Tyrolen Tivoli, trädgårdar av Villa d Este, nära Rom, Italien
Realism, symbolik. Presentationen kommer att bekanta sig med de franska konstnärernas Courbet, Daumier, Millet.
Realism i fransk målning
Klassicismstilen som regerade i upplysningens konst, redan i slutet av 1700-talet, ersattes av en ny stil, som var resultatet av de omvälvningar som orsakades av den borgerliga revolutionen i Frankrike och besvikelse över dess resultat. Romantiken blev denna stil. Jag har ägnat flera anteckningar åt romantikens konst. Idag ska vi prata om realism, som började bildas i djupet av romantisk konst. Den franska litteraturkritikern Jules François Chanfleurie, som först använde termen "realism", kontrasterade den med symbolik och romantik. Men den realistiska konstnärliga inriktningen blev inte en absolut antagonist för romantiken utan snarare dess fortsättning.
Den franska realismen, som strävade efter en sanningsfull återspegling av verkligheten, visade sig naturligtvis vara förknippad med den revolutionära rörelsen och fick namnet "kritisk realism". Attraktionskraften till moderniteten i alla dess manifestationer, reproduktionen av typiska karaktärer under typiska omständigheter, som förlitar sig på bildens vitala tillförlitlighet är det viktigaste kravet på realism.
"Konsten att måla kan inte vara något annat än att skildra föremål som är synliga och påtagliga av konstnären ... en realistisk konstnär måste förmedla tullen, idéerna och utseendet på sin tid"
Gustave Courbet
Det är osannolikt att jag kunde berätta om arbetet och ödet för Gustave Courbet, som ofta kallas grundaren realism i fransk målning, bättre än skaparna gjorde film "Liberty Courbet" från serien "My Pushkin"
I sin presentation "Realism i fransk målning" Jag försökte också presentera verk av underbara franska konstnärer Francois Millet och Ärade Daumier... För dem som är intresserade av det här ämnet vill jag rekommendera att titta på webbplatsen Gallerix.ru
Som alltid, liten lista över böcker där du kan läsa om fransk realism och franska realistiska artister:
- Uppslagsverk för barn. T.7. Konst. Del två. - M.: Avanta +, 2000.
- Beckett V. Målningshistoria. - M .: LLC "Astrel Publishing House": LLC "AST Publishing House", 2003.
- Dmitrieva N.A. En kort konsthistoria. Utgåva III: Länder Västeuropa XIX-talet; Ryssland från XIX-talet. - M.: Konst, 1992
- Emohonova L.G. Världskonstkultur: lärobok. En guide för studenter. Onsdag ped. studie. institutioner. - M.: Publishing Center "Academy", 1998.
- Lvova E.P., Sarabyanov D.V., Borisova E.A., Fomina N.N., Berezin V.V., Kabkova E.P., Nekrasova L.M. Världskonst. XIX-talet. Konst, musik, teater. - SPb.: Peter, 2007.
- Samin D.K. Hundra fantastiska artister. - M .: Veche, 2004.
- Freeman J. Konsthistoria. - M.: "Astrel Publishing House", 2003.
Realistisk inriktning på 1800-talets konst och litteratur.
På 1800-talet börjar samhället utvecklas snabbt. Ny teknik dyker upp, medicin, kemisk industri, kraftteknik och transport utvecklas. Befolkningen börjar gradvis flytta från gamla byar till städer och strävar efter komfort och modernt liv.
Den kulturella sfären kunde inte annat än svara på alla dessa förändringar. Trots allt började förändringar i samhället - både ekonomiska och sociala - skapa nya stilar och konstnärliga riktningar. Således ersattes romantiken av en stor stilistisk trend - realism. Till skillnad från sin föregångare antog denna stil återspeglingen av livet i den form den är i, utan utsmyckning och snedvridning. Denna strävan var inte ny i konsten - den finns i antiken, och i medeltida folklore och i upplysningstiden.
Realismen får sitt tydligare uttryck sedan slutet av 1600-talet. Den ökade medvetenheten hos människor som är trötta på att leva med obefintliga ideal ger upphov till en objektiv reflektion - realism, som på franska betyder "material". Några tendenser av realism är tydliga i målningen av Michelangelo Caravagg och Rembrandt. Men realism blir först den mest integrerade strukturen i livssynen på 1800-talet. Under denna period når den sin mognad och utvidgar sina gränser till hela det europeiska territoriet och naturligtvis Ryssland.
Hjälten i den realistiska riktningen blir en person som förkroppsligar förnuftet och försöker döma de negativa manifestationerna av det omgivande livet. I litterära verk utforskas sociala motsägelser och missgynnade människors liv framställs alltmer. Daniel Defoe anses vara grundaren av den europeiska realistiska romanen. Kärnan i hans verk är en människas goda början. Men omständigheterna kan förändra honom, han är föremål för externa faktorer.
I Frankrike blev Frederic Stendhal grundaren av en ny riktning. Han simmade bokstavligen mot strömmen. Faktum är att under den första hälften av 1800-talet regerade romantiken i konsten. Huvudpersonen var den "extraordinära hjälten". Och plötsligt har Stendhal en helt annan bild. Hans hjältar lever faktiskt sina liv inte bara i Paris, utan i provinserna. Författaren bevisade för läsaren att beskrivningen av vardagen, sanna mänskliga upplevelser, utan överdrift och utsmyckning, kan föras till konstnivån. G. Flaubert gick ännu längre. Han avslöjar redan hjältens psykologiska karaktär. Detta krävde en helt exakt beskrivning av de minsta detaljerna, en uppvisning av livets yttre sida för en mer detaljerad överföring av dess väsen. Guy de Maupassant blev hans följare i denna riktning.
Författare som Ivan Krylov, Alexander Griboyedov, Alexander Pushkin var ursprunget till utvecklingen av realism i 1800-talets konst i Ryssland. De första ljusaste elementen av realism uppträdde redan 1809 i debutkollektionen av fabler av I.A. Krylov. Det viktigaste i alla hans fabler är ett konkret faktum. En karaktär bildas av den, denna eller den andra beteendesituationen är född, vilket förvärras av användningen av etablerade idéer om djurkaraktärernas natur. Tack vare den valda genren visade Krylov livliga motsättningar i det moderna livet - kollisionen mellan de starka och de svaga, de rika och de fattiga, förlöjligande tjänstemän och adelsmän.
I Griboyedovs verk manifesterar sig realismen i användningen av typiska karaktärer som befinner sig i typiska omständigheter - huvudprincipen för denna trend. Tack vare denna teknik är hans komedi "Woe from Wit" relevant idag. Karaktärerna som han använde i sina verk kan alltid hittas.
Realistiska Pushkin presenterar ett lite annorlunda konstnärligt koncept. Hans karaktärer letar efter mönster i livet och förlitar sig på utbildningsteorier, universella mänskliga värden. Historia och religion spelar en viktig roll i hans verk. Detta för hans verk närmare folket och deras karaktär. En ännu skarpare och djupare nationalitet manifesterade sig i verk av Lermontov och Gogol, och senare i verk av representanter för "naturskolan".
Om vi \u200b\u200btalar om måleri var 1800-talets huvudmotto en objektiv skildring av verkligheten. Så började franska konstnärer, i mitten av 30-talet på 1800-talet, under ledning av Theodore Rousseau, måla landsbygdens landskap. Det visade sig att den vanligaste naturen, utan utsmyckning, kan bli ett unikt material för skapandet. Oavsett om det är en dyster dag, en mörk himmel före åskväder, en trött plogman - allt detta är ett slags porträtt av det verkliga livet.
Gustave Courbet, en fransk målare under andra hälften av 1800-talet, orsakade ilska i borgerliga kretsar med sina målningar. När allt kommer omkring skildrade han ett sant liv, vad han såg omkring sig. Dessa kan vara genrescener, porträtt och stilleben. Hans mest kända verk inkluderar "The Burial at Ornans", "Fire", "Deer by the Water" och de skandalösa dukarna "The Origin of the World" och "Sleepers".
I Ryssland var grundaren av realismen inom 1800-talets konst P.A. Fedotov (Major's Matchmaking). I sina verk, på grund av satir, fördömer han ond moral och sympatiserar med de fattiga. Hans arv är fullt av karikatyrer och porträtt.
Under andra hälften av 1800-talet togs temat ”folkliv” upp av I.Ye. Repin. I hans berömda målningar "Refusal of Confession" och "Barge Haulers on the Volga" avslöjas det grymma utnyttjandet av folket och protesten som bryter ut bland massorna.
Realistiska trender fortsatte att existera under 1900-talet i författarnas och konstnärernas arbete. Men under inflytande från nya tider började de förvärva andra, mer moderna funktioner.
Fransk realism.
Realism 30-40-talet
Realism är en sann, objektiv återspegling av verkligheten. Realism uppstod i Frankrike och England under villkoren för den borgerliga ordningens triumf. Sociala motsättningar och brister i det kapitalistiska systemet bestämde realistiska författares starkt kritiska inställning till det. Οʜᴎ fördömde pengar-grubbning, flagrant social ojämlikhet, själviskhet, hyckleri. I sin ideologiska målmedvetenhet blir det kritisk realism. Tillsammans med idéerna om humanism och social rättvisa. I Frankrike, på 30- och 40-talet, skapade Oporet de Balzac sina bäst realistiska verk, som skrev en 95-volym "Human Comedy"; Victor Hugo - "Notre Dame Cathedral", "Ninety-third year", "Approved", etc.
Upplagt på ref.rf
Gustave Flaubert - "Madame Bovary", "Senseens utbildning", "Salammbo" Prosper Merimo - mästare av noveller "Mateo Falcone", "Colomba", "Carmen", författare till pjäser, historiska krönikor "Chronicle of the times of Charles 10", etc.
Upplagt på ref.rf
På 30-40-talet i England. Charles Dickens är en enastående satiriker och humorist, verk av "Dombie and Son", "Hard Times", "Great Expectations", som är höjdpunkten för realismen. William Makepeace Thackeray i romanen "Vanity Fair", i det historiska verket "The Story of Henry Esmond", en samling satiriska uppsatser "The Book of Snobs", visade figurativt de laster som finns i det borgerliga samhället. Under den sista tredjedelen av 1800-talet. litteraturen i de skandinaviska länderna får ett världsomspännande rykte. Detta är först och främst verk av norska författare: Heinrich Ibsen - dramorna "Doll House" ("Nora"), "Ghosts", "Folkets fiende" krävde en frigörelse av den mänskliga personen från den hypokritiska borgerliga moral. Bjernsons drama "Bankruptcy", "Over Our Power" och poesi. Knut Hamsun - psykologiska romaner "Hunger", "Mysteries", "Pan", "Victoria", som visar en personlighetsuppror mot den filistinska miljön.
Revolutionen 1789ᴦ., En tid av akut politisk kamp. I Frankrike förändras fem politiska regimer: 1.) 1795 - 1799-katalogen, 2.) 1799 - 1804 period av Napoleons konsulat. 3) 1804 - 1814 - Napoleonrikets period och krig. 4) 1815 - 1830 - Återställningsperioden. 5) 1830 - 1848 - Juli-monarkins period, 6) Revolutionen 1848, förstärkning av den borgerliga. Realismen i Frankrike tog form teoretiskt och ordet. Litteraturen är uppdelad i två steg: Balzac och Flaubert. I) 30 -Årrealism betyder reproduktion av olika naturfenomen. 40-talet, realism - installationen av bilden av det moderna livet, baserat inte bara på fantasi utan också på direkt observation. Funktioner: 1) analys av livet, 2) principen om typisering bekräftas; 3) principen om cyklisering; 4) orientering mot vetenskap; 5) manifestation av psykologi. Den ledande genren är romanen. II) 50-taleten vändpunkt i begreppet realism, som var förknippad med Courbets pittoreska kreativitet, formulerade han och Chanfleury ett nytt program. Prosa, uppriktighet, objektivitet i det observerade.
BERANGE Pierre-Jean - Fransk låtskrivare. De första betydelsefulla verken av B. i detta slag är hans broschyrer Napoleon I: "King Iveto", "Political Treatise". Men B. satirens storhetstid faller på återställningens era. Bourbonernas återgång till makten och med dem emigranterna-aristokraterna, som under revolutionens år inte har lärt sig någonting och inte har glömt någonting, väcker i B. en lång serie låtar, broschyrer, där hela det sociala och politiska systemet i eran finner en lysande satirisk reflektion. Deras fortsättning är pamflettlåtar riktade mot Louis Philippe som företrädare för den finansiella bourgeoisin på tronen. I dessa sånger kallade to-rye B. själv pilar som skjutits in i tronen, kyrkan, byråkratin, bourgeoisin, poeten framträder som en politisk tribun genom poetisk kreativitet, som försvarar den arbetande bourgeoisiens intressen, som spelade en revolutionär roll i B.s tid, som därefter slutligen gick över till proletariatet. Att vara i opposition till Napoleon under hans regeringstid, hävdar B. att han minns kulten under Bourbons och Louis Philippe. I låtarna i denna cykel idealiseras Napoleon som en representant för den revolutionära makten som är associerad med massorna. Huvudmotiven i denna cykel: tro på idéernas kraft, frihet som något slags abstrakt nytta, och inte som ett verkligt resultat av klasskampen, vilket är extremt viktigt i samband med våld ("Idé", "Tanke"). I en av låtarna i denna cykel kallar B. sina lärare: Owen, La Fontaine, Fourier... Således har vi framför oss en anhängare av den utopiska före-marxiska socialismen. Den första diktsamlingen berövar honom nåd från sina överordnade vid universitetet, där han sedan tjänstgjorde. Den andra samlingen ger B. åtal som slutar i tre månader i fängelse för förolämpande moral, kyrka och kungligheter. Den fjärde samlingen resulterade i ett andra fängelse för författaren, den här gången i 9 månader. För allt detta strömmade B.: s deltagande i det politiska livet i ordets rätta mening (om inte för att beröra sångernas revolutionära handling) till exempel i ganska måttliga former.
Upplagt på ref.rf
i form av stöd till liberalerna under revolutionen 1830. De senaste åren drog B. sig ur det offentliga livet, bosatte sig nära Paris, flyttade i sitt arbete från politiska till sociala motiv och utvecklade dem i en anda av populism ('' Red Zhannaʼʼ, '' Brodyaga '', '' Zhak '', etc.) ...
BALZAC, ONORE(Balzac, Honoré de) (1799-1850), fransk författare som återskapade en fullständig bild av det sociala livet i sin tid. Ett försök att tjäna pengar på förlags- och tryckverksamheten (1826-1828) ledde Balzac till stora skulder. Återgå till att skriva publicerade han 1829 romanen Senaste Shuang... Det var den första boken som publicerades under hans eget namn, tillsammans med en humoristisk handbok för män. Äktenskapets fysiologi 1829) uppmärksammade hon allmänheten på den nya författaren. Samtidigt började hans livs huvudsakliga arbete: 1830 det första Privata scener , ett otvivelaktigt mästerverk Hus av en katt som spelar boll 1831 den första Filosofiska berättelser och berättelser ... I flera år arbetade Balzac deltid som frilansjournalist, men huvudkrafterna från 1830 till 1848 fick en omfattande cykel av romaner och berättelser, kända för världen som Mänsklig komedi.År 1834 hade Balzac en plan att länka vanliga hjältar skriven sedan 1829 och framtida verk och kombinera dem till en episk, senare kallad "The Human Comedy". Balzac förkroppsligade idén om universella ömsesidiga beroenden i världen och tänkte en heltäckande konstnärlig studie av det franska samhället och människan. Den filosofiska ramen för denna konstnärliga byggnad är 1700-talets materialism, moderna naturvetenskapliga teorier till Balzac, speciellt smälta delar av mystiska läror. The Human Comedy har tre sektioner. I. Moralstudier: 1) scener i privatlivet; 2) scener från provinslivet; 3) scener från det parisiska livet; 4) scener från det politiska livet; 5) Militärlivet; 6) scener på landsbygden. II. Filosofiska studier. III. Analytiska studier. Det är som sagt tre cirklar av en spiral som stiger upp från fakta till orsaker och grundvalar (se Förordet till The Human Comedy, Sobr.
Upplagt på ref.rf
cit., vol. 1, M., I960). "Human Comedy" innehåller 90 verk. Balzac fhan var den första stora författaren som ägde stor uppmärksamhet åt hans karaktärers materiella bakgrund och "utseende"; före honom hade ingen skildrat pengarnas och hänsynslösa karriärism som de viktigaste stimuli i livet. Gobseck 1830), i Okänt mästerverk (1831), Evgenia Grande, Brev till en främling om kärlek till den polska karaffen.
100 RUR första ordningens bonus
Välj typ av arbete Diplomarbete Termarbete Abstrakt Examensarbete Övningsrapport Artikel Rapport Granskning Examination Arbete Monografi Problemlösning Affärsplan Svar på frågor Kreativt arbete Uppsatser Ritning Uppsatser Översättning Presentationer Typning Övrigt Förbättra textens unika doktorsavhandling Laborationer Arbeta Hjälp online
Ta reda på priset
På 1830- och 1840-talet, särskilt i Balzacs verk, dyker realismens karaktäristiska drag. Realister ser sin huvuduppgift i konstnärlig reproduktion av verkligheten, i kunskapen om de lagar som bestämmer dess dialektik och olika former.
”Historikern själv måste vara ett franskt samhälle, jag kunde bara vara dess sekreterare,” påpekade Balzac i förordet till The Human Comedy och proklamerade principen om objektivitet i metoden att skildra verkligheten som den viktigaste principen för realistisk konst. Tillsammans med detta noterar den stora författaren: "Konstens uppgift är inte att kopiera naturen utan att uttrycka den!" I själva verket som en konst som ger en mångfacetterad bild av verkligheten; realismen är långt ifrån begränsad till moralisk beskrivning och beskrivning av vardagen, dess uppgifter inkluderar även den analytiska studien av livets objektiva lagar - historiska, sociala, etiska, psykologiska, samt en kritisk bedömning av den moderna människan och samhället å ena sidan och identifieringen av en positiv början i den levande verkligheten - å andra sidan. ...
Ett av de viktigaste postulaten för realism - påståendet om principerna för realistisk typisering och deras teoretiska förståelse - är också främst associerat med fransk litteratur, med Balzacs arbete. Principen om cyklisering, introducerad av Balzac, var också nyskapande under första hälften av 1800-talet och betydelsefull för realismens öde. Human Comedy är den första upplevelsen av att skapa en serie romaner och berättelser kopplade till en komplex kedja av orsaker och effekter och karaktärernas öden, som varje gång uppträder i ett nytt skede av deras öde och moraliska och psykologiska utveckling. Cykliseringen svarade på realismens önskan om en heltäckande, analytisk och systemisk konstnärlig studie av verkligheten.
Redan i Balzacs estetik avslöjas en inriktning mot vetenskap, främst mot biologi. Denna trend utvecklas vidare i arbetet med Flaubert, som försöker tillämpa principerna för vetenskaplig forskning i den moderna romanen. Således manifesterar sig den "vetenskapliga" attityden som kännetecknar den positivistiska estetiken i realisternas konstnärliga praktik långt innan den blir den ledande i naturalismen. Men både Balzac och Flauberts strävan efter "vetenskaplig" är fri från den naturliga tendensen att absolutisera naturlagar och deras roll i samhällslivet.
Den starka och ljusa sidan av realismen i Frankrike är psykologin, där den romantiska traditionen framträder djupare och mer mångfacetterad. Utbudet av kausala motivationer av psykologi, karaktär och mänskliga handlingar, som i slutändan bildar hans öde, i realismens litteratur expanderar betydligt, tonvikten läggs lika på historisk och social determinism och på personlig och individuell början. Tack vare detta uppnås den största tillförlitligheten i den psykologiska analysen.
Den ledande genren av realism i Frankrike, som i andra länder, blir romanen i sina varianter: moralisk beskrivande, sociopsykologisk, psykologisk, filosofisk, fantastisk, äventyr, historisk.
Nya teman återspeglas i realisternas arbete: utvecklingen av det moderna samhället, framväxten av nya typer och relationer, ny moral och nya estetiska åsikter. Dessa teman förkroppsligas i verk av Stendhal, Balzac och Mérimée. Den franska realismens nationella identitet återspeglades i dessa författares önskan att förstå kärnan i den rika sociala erfarenheten som samlats av det franska samhället under den turbulenta perioden som började med revolutionen 1789 och fortsatte under författarnas livstid.
Beväpnade inte bara med sin talang utan också med en djup kunskap om verkligheten skapade realisterna ett gigantiskt panorama av det franska livet och visade det i rörelse. Verk från Stendhal, Balzac, Mérimée och Beranger vittnade om att den franska adeln närmade sig fullständig nedgång under den historiska processen. Realister såg också regelbundenheten av uppkomsten av nya mästare i livet - representanter för bourgeoisin, som de märkte i bilderna av Valno eller Gobsek.
Funktionerna i framväxande realism manifesterar sig omedelbart på olika sätt i olika författares verk. Trots det faktum att problematiken med verk av Balzac och Stendhal på många sätt liknar varandra skiljer sig de individuella egenskaperna hos deras kreativa metod avsevärt: Stendhal är först och främst en mästare i den psykologiska romanen, som strävar efter att djupt utforska den enskilda människans inre värld. Balzac skapar en enorm duk av fransk verklighet, en hel värld bebodd av många figurer.
Både Stendhal och Balzac är historism. Idén att samhället befinner sig i ett ständigt förändringsförlopp går igenom deras verk, och de letar efter orsakerna till denna utveckling. Historism är också inneboende i Merima. För honom är samhällets liv en ständig förändring i balansen mellan sociala krafter som påverkar människans karaktär. I ett antal av hans verk visar Merimee sina samtida, vansyrade och korrumperade av det borgerliga samhället ("Double Error", "Etruscan Vase", etc.).
Alla ovanstående funktioner i fransk realism manifesterade sig redan på 1830-40-talet, främst i verk av Balzac och Stendhal. Emellertid är realismens grundläggande nyhet som en konstnärlig metod fortfarande dåligt förstått av författare och kritiker på den tiden. Stendhals teoretiska föreställningar (inklusive Racine och Shakespeare, Walter Scott och The Princess of Cleves) är helt i linje med kampen för romantik. Balzac, även om han känner av den grundläggande nyheten i metoden för The Human Comedy, ger den ingen konkret definition. I sina kritiska verk skiljer han sig från Stendhal och Mérimée och erkänner samtidigt den närhet som förbinder honom med dessa författare. I sin "Study of Bale" (1840) försöker Balzac klassificera fenomenen i samtida litteratur, men hänvisar samtidigt sig själv (till den "eklektiska") och Stendhal (till "idélitteraturen") till olika strömmar. För "idéskolan" ansåg Balzac en analytisk princip som syftade till att avslöja komplexa kollisioner i den inre världen som karakteristisk. Med den "eklektiska skolan" menade han konst och strävade efter en bred episk täckning av verkligheten och sociala generaliseringar som finns i de många typer som skapats av konstnärer baserat på observationer av livet. Till och med en sådan auktoritativ kritiker från 1800-talet som Sainte-Beuve, i sin artikel "Tio år senare i litteraturen" (1840) avstår från termen "realism", och i "Den mänskliga komedin" ser han bara en manifestation av överdriven och förkastlig sanning, och jämför dess författare med " en läkare som på ett anspråkslöst sätt avslöjar sina patients skamliga sjukdomar. " Kritikern behandlar Stendhals verk med samma grundhet. Och bara med utseendet på "Madame Bovary" (1857) förklarar Flaubert Saint-Beuve: "... Jag verkar fånga tecken på ny litteratur, funktioner som tydligen är distinkta för företrädare för nya generationer" ("Madame Bovary" av Gustave Flaubert "(1857).
Allt detta indikerar att bildandet av det teoretiska konceptet för en ny konstnärlig metod i det första steget av dess utveckling ligger långt efter praktiken. Generellt sett är det första steget i fransk realism skapandet av en ny metod, vars teoretiska underbyggnad kommer att börja något senare.
Den växande kritiska tendensen i fransk litteratur fortsatte längs en stigande linje och intensifierades när den antipopulära kärnan i Louis Philippes borgerliga monarki avslöjades. Som bevis på detta uppstod Balzacs Lost Illusions under andra halvan av 30-talet, tillägnad temat desillusion med den borgerliga verkligheten.
I Frankrike fick den realistiska estetiken en mer uttalad teoretisk formulering än i andra länder, och själva ordet "realism" användes först som ett uttryck som uttrycker ett komplex av konstnärliga principer, vars anhängare skapade något som en skola.
Som tidigare nämnts började termen "realism" att dyka upp på franska tidningars sidor redan på 1820-talet, men först på 1840-talet befriades detta ord från dess negativa utvärderingsbetydelse. Djupa förändringar i attityder till begreppet "realism" kommer att äga rum något senare, i mitten av 1950-talet, och kommer att förknippas med J. Chanfleuries och L. E. Durantys och deras medarbetares aktiviteter.
Det bör noteras att de tidiga franska realisternas väg var långt ifrån smidig. Det borgerliga samhället jagade och förföljde dem som skrev sanningen om det. Beranger, Stendhal, Balzacs biografier är rika på fakta som vittnar om hur smart de borgerliga härskande kretsarna använde de olika sätten för att bli av med de författare de ogillade. Beranger ställdes inför rätta för sina verk. Stendhal var nästan okänd under sin livstid, Balzac, allmänt känd utomlands, dog utan vederbörligt erkännande i Frankrike. Merimees servicekarriär var ganska framgångsrik, men han bedömdes också som författare först efter hans död.
1830- och 40-talen representerade en viktig period i Frankrikes historia och dess litteratur. Vid slutet av denna period, det vill säga inför 1848-revolutionen, hade det redan blivit klart att det mest väsentliga, det senaste i den rika litterära upplevelsen på 30- och 40-talet, är förknippat med den realistiska trenden, vars representanter kunde skapa de mest levande och sanningsenliga bilderna i det franska livet. mellan de två revolutionerna för att lägga en solid grund för vidareutveckling av den nationella franska litteraturen.
Den franska konstskolan vid början av 1600- och 1700-talet kan kallas den ledande europeiska skolan, det var i Frankrike vid den tiden som konststilar som rokoko, romantik, klassicism, realism, impressionism och postimpressionism har sitt ursprung.
Rokoko (Fransk rokoko, från rocaille - ett dekorativt motiv i form av ett skal) - en stil i europeisk konst från första hälften av 1700-talet. Rokoko kännetecknas av hedonism, ett tillbakadragande till idyllisk teaterlek, ett beroende av pastorala och sensuellt erotiska ämnen. Karaktären av rokoko-inredningen förvärvade eftertryckligt graciösa, sofistikerade komplicerade former.François Boucher, Antoine Watteau, Jean Honore Fragonard arbetade i rokokostil.
Klassicism - stil i europeisk konst från 1700 - början av 1800-talet, vars karakteristiska drag var överklagandet av formerna av antik konst som en idealisk estetisk och etisk standard.Jean Baptiste Greuze, Nicolas Poussin, Jean Baptiste Chardin, Jean Dominique Ingres, Jacques-Louis David arbetade i stil med klassicism.
Romantik - stilen för europeisk konst på 18--1900-talet, vars karakteristiska egenskaper var påståendet om det inneboende värdet av individens andliga och kreativa liv, bilden av starka och ofta upproriska passioner och karaktärer.Francisco de Goya, Eugene Delacroix, Theodore Gericault, William Blake arbetade i romantikstil.
|
Edouard Manet. Frukost på verkstaden. 1868 g. |
Realismens födelse i målningen är oftast förknippad med arbetet av den franska konstnären Gustave Courbet, som öppnade sin personliga utställning "The Pavilion of Realism" i Paris 1855, även om konstnärerna från Barbizon-skolan Theodore Rousseau, Jean-Francois Millet, Jules Breton redan före honom arbetade på ett realistiskt sätt. ... På 1870-talet. realismen delades in i två huvudområden - naturalism och impressionism.
Realistisk målning har blivit utbredd i hela världen. Wanderers arbetade i stil med realism med en akut social inriktning i Ryssland på 1800-talet.
Impressionism (från det franska intrycket - intryck) - en stil i konsten under den sista tredjedelen av 1800 - början av 1900-talet, vars karakteristiska drag var önskan att på ett naturligt sätt fånga den verkliga världen i sin rörlighet och variation, att förmedla dess flyktiga intryck. Impressionismen tog inte upp filosofiska frågor utan fokuserade på ögonblickets rörlighet, stämning och belysning. Livet i sig blir impressionisternas ämnen, som en kö med små semestrar, fester, trevliga picknick i naturen i en vänlig miljö. Impressionisterna var bland de första att måla utomhus, utan att slutföra sitt arbete i studion.Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Georges Seurat, Alfred Sisley och andra arbetade i stil med impressionism.
Postimpressionism - en konststil som uppstod i slutet av 1800-talet. Postimpressionisterna strävade efter att fritt och i allmänhet förmedla världens väsentlighet och tillgripa dekorativ stilisering.Postimpressionismen gav upphov till sådana områden av konst som expressionism, symbolik och modernitet.
Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cezanne, Toulouse-Lautrec arbetade i stil med postimpressionismen.
Låt oss ta en närmare titt på impressionismen och postimpressionismen med exemplet från arbetet från enskilda mästare i Frankrike på 1800-talet.
|
Edgar Degas. Självporträtt. 1854-1855 |
Från och med den strikta sammansättningen av historiska målningar och porträtt blev Degas på 1870-talet nära impressionismens representanter och vände sig till skildringen av det moderna stadslivet - gator, kaféer, teaterföreställningar.
I Degas målningar är en noggrann genomtänkt och verifierad dynamisk, ofta asymmetrisk komposition, exakt flexibel ritning, oväntade vinklar, interaktionsaktiviteten mellan figur och rymd.
|
E. Degas. Badrum. 1885 g. |
Favoritpastelltekniken gjorde det möjligt för Edgar Degas att till fullo demonstrera sin talang som föredragande. Mättade toner och "skimrande" pastellstreck hjälpte konstnären att skapa den speciella färgglada atmosfären, den iriserande luftigheten som så skiljer alla hans verk.
Under sina mogna år vänder Degas ofta till ämnet balett. Bräckliga och viktlösa figurer av ballerinor dyker upp framför betraktaren antingen i skymningen av dansklasser, eller i ljuset av strålkastare på scenen eller i korta stunder av avkoppling. Den uppenbara slumpmässigheten i kompositionen och författarens opartiska position skapar intrycket av en spion på någon annans liv, konstnären visar oss världen av nåd och skönhet, utan att falla i överdriven sentimentalitet.
Edgar Degas kan kallas en subtil färgist, hans pasteller är överraskande harmoniska, ibland mjuka och lätta, ibland byggda på skarpa färgkontraster. Degas sätt var anmärkningsvärt för hans frihet, han applicerade pasteller med djärva, trasiga streck, ibland lämnade papperstonen genom pastellfärgen eller tillsatte streck med olja eller akvarell. Färg i Degas målningar uppstår från en skimrande utstrålning, från en strömmande ström av regnbågslinjer som ger upphov till form.
Degas senare verk kännetecknas av färgens intensitet och rikedom, som kompletteras med effekterna av konstgjord belysning, förstorade, nästan plana former, tätheten i rymden, vilket ger dem en intensivt dramatisk karaktär. I det
period skrev Degas ett av sina bästa verk - "Blue Dancers". Konstnären arbetar här i stora färgfläckar och prioriterar den dekorativa organisationen av målningens yta. Genom skönheten i färgharmonin och kompositionslösningen kan målningen "Blue Dancers" betraktas som den bästa utföringsformen av temat för balett av Degas, som uppnådde i den här målningen den ultimata rikedomen av struktur och färgkombinationer.
|
P.O. Renoir. Självporträtt. 1875 g. |
|
P.O. Renoir. Plaskdamm. 1869 g. |
|
P.O. Renoir. Porträtt av skådespelerskan Jeanne Samary. 1877 g. |
Det bör noteras att användningen av gröna, gula, ockra, rosa och röda toner för att skildra hud chockade allmänheten på den tiden, oförberedd för uppfattningen om att skuggor ska färgas, fyllda med ljus.
På 1880-talet börjar den så kallade "Ingres-perioden" i Renoirs arbete. Mest kända verk denna period - "Stora badare". För att bygga en komposition började Renoir först använda skisser och skisser, ritningens linjer blev tydliga och tydliga, färgerna tappade sin tidigare ljushet och mättnad, målningen som helhet började se mer återhållen och kallare ut.
I början av 1890-talet skedde nya förändringar i Renoir-konst. På ett målarfärgat sätt uppträder färgskimrande, varför denna period ibland kallas "pärlemorskärm", då viker denna period för "röd", så kallad på grund av preferensen för nyanser av rödaktiga och rosa färger.
Eugene Henri Paul Gauguin (levnadsår 1848-1903) - Fransk målare, skulptör och grafiker. Tillsammans med Cezanne och Van Gogh var han den största representanten för postimpressionismen. Han började måla i vuxen ålder, den tidiga kreativitetsperioden är förknippad med impressionism. De bästa verken från Gauguin skrevs på öarna Tahiti och Hiva-Oa i Oceanien, där Gauguin lämnade den "onda civilisationen". De karaktäristiska dragen i Gauguins stil inkluderar skapandet på stora platta dukar av statiska och kontrasterande kompositioner i färg, djupt känslomässiga och samtidigt dekorativa.I Den gula Kristus skildrade Gauguin korsfästelsen mot bakgrunden av ett typiskt franskt lantligt landskap, den lidande Jesus omgiven av tre bretonska bondekvinnor. Pacificeringen som spillts i luften, kvinnornas lugna undergivna hållningar, landskapet mättat med solgul färg med träd i rött höstlövverk, bonden som är upptagen med sina egna affärer i fjärran, kan bara komma i konflikt med vad som händer på korset. Miljön står i kontrast till Jesus, på vars ansikte det lidande stadiet visas, som gränsar till apati, likgiltighet för allt omkring honom. Motsättningen mellan den gränslösa plågan som accepteras av Kristus och "osynligheten" för detta offer av människor är huvudtemat för detta arbete av Gauguin.
|
P. Gauguin. Är du avundsjuk? 1892 g. |
på stranden två systrar - de badade bara, och nu är deras kroppar utspridda på sanden i avslappnade vällustiga positioner - talar om kärlek, ett minne orsakar strid: ”Hur? Är du avundsjuk!".
När Gauguin målade den läckra fullblodiga skönheten i tropisk natur, naturliga människor, oförstörda av civilisationen, skildrade han en utopisk dröm om ett jordiskt paradis, om människolivet i harmoni med naturen. Gauguins polynesiska dukar liknar paneler i termer av dekorativ färg, planhet och monumentalitet i kompositionen, generalisering av stiliserad teckning.
P. Gauguin. Var kommer vi ifrån? Vilka är vi? Vart är vi på väg? 1897-1898
Bilden ”Var kom vi ifrån? Vilka är vi? Vart är vi på väg?" Gauguin betraktade den sublima kulminationen av sina reflektioner. Enligt konstnärens avsikt ska målningen läsas från höger till vänster: tre huvudgrupper av figurer illustrerar frågorna i titeln. Gruppen kvinnor med ett barn på höger sida av bilden representerar livets början; medelgruppen symboliserar mognadens dagliga existens; i den extremt vänstra gruppen skildrade Gauguin mänsklig ålderdom närmar sig döden; den blå idolen i bakgrunden symboliserar den andra världen. Denna målning är toppen av Gauguins banbrytande postimpressionistiska stil; i hans stil kombinerades en tydlig användning av färger, dekorativa färg- och kompositionslösningar, planhet och monumentalitet av bilder med emotionell uttrycksförmåga.
Gauguins arbete förutsåg många funktioner i jugendstil som utvecklades under denna period och påverkade bildandet av mästarna i Nabis-gruppen och andra målare från början av 1900-talet.
|
V. Van Gogh. Självporträtt. 1889 g. |
1888 flyttade Van Gogh till Arles, där originalet av hans kreativa sätt äntligen bestämdes. Ett brinnande konstnärligt temperament, en smärtsam impuls för harmoni, skönhet och lycka och samtidigt rädsla för krafter som är fientliga mot människan, förkroppsligas antingen i landskap som lyser med soliga färger i söder ("The Yellow House", "Harvest. La Cro valley") eller i olycksbådande bilder som påminner om en mardröm ("Night Cafe Terrace"); dynamik i färg och utstrykning
|
V. Van Gogh. Nattcaféterrass. 1888 g. |
Van Goghs ansträngande arbete de senaste åren åtföljdes av anfall av psykisk sjukdom, vilket ledde honom till ett sjukhus för psykiskt sjuka i Arles, sedan till Saint-Remy (1889-1890) och till Auvers-sur-Oise (1890), där han begick självmord. Arbetet under de senaste två åren av konstnärens liv präglas av extatisk besatthet, extremt förhöjt uttryck för färgkombinationer, plötsliga humörsförändringar - från frenetisk förtvivlan och dyster visionär ("Vägen med cypresser och stjärnor") till den darrande känslan av upplysning och pacifiering ("Landskap i Auvers efter regnet") ...
|
V. Van Gogh. Iris. 1889 g. |
V. Van Gogh. Vetefält med kråkor. 1890 g.
"Wheat Field with Crows" är en målning av Van Gogh, målad av konstnären i juli 1890 och är en av hans mest kända verk. Målningen slutfördes förmodligen den 10 juli 1890, 19 dagar före hans död i Auvers-sur-Oise. Det finns en version att Van Gogh begick självmord i processen att måla den här bilden (efter att ha gått ut i det fria med material för att rita, sköt han sig själv från en pistol som köpts för att skrämma bort fågelflockar i hjärtområdet, då kom han självständigt till sjukhuset, där han dog av förlust blod).
Konsten i Frankrike, ett mycket politiserat land, svarade alltid på händelser som påverkade världsordningens djupa grundvalar. Därför landet i XIX-talet. överlevde imperiets fall, återupprättandet av Bourbons, två revolutioner, som deltog i många krig, behövdes inte längre konstnärlig presentation myndigheterna. Människor ville se och mästare skapa tygdukar bebodda av samtida och agera under verkliga omständigheter. Verket av den stora konstnären Honore Daumier (1808 - 1879) speglade 1800-talets era, mättad med sociala omvälvningar. Grafiken av Daumier, en mästare av politisk karikatyr, som fördömde monarkin, social orättvisa och militarism, blev allmänt känd, efter att ha blivit en slags krönika om era liv och seder. Daumiers konstnärliga talang avslöjades på 1840-talet. Konstnären själv försökte inte ställa ut sina målningar. Hans dukar sågs bara av några nära människor - Delacroix och Baudelaire, Corot och Daubigny, Balzac och Michelet. De var de första som mycket uppskattade Daumiers bildtalang, som ofta kallas "skulpturell". I ett försök att perfektionera sina skapelser skulpterade konstnären ofta figurer från lera, förbättrade karakteristiska drag eller överdrivna naturliga proportioner. Sedan tog han en pensel och skapade pittoreska bilder med den här "naturen". I Daumiers målning skiljer de vanligtvis groteska-satiriska, lyriska, heroiska, episka linjer.
Sedan slutet av 1700-talet. Frankrike spelade en viktig roll i det sociala och politiska livet i Västeuropa. XIX-talet. markerad av en bred demokratisk rörelse som omfamnade nästan alla franska samhällelag. Revolutionen 1830 följdes av revolutionen 1848. 1871 gjorde folket som utropade Pariskommunen det första försöket i Frankrikes och hela Västeuropas historia för att ta politisk makt i staten.
Den kritiska situation som rådde i landet kunde bara påverka människors attityd. Under den här eran försöker den progressiva franska intelligensen hitta nya vägar i konst och nya former av konstnärligt uttryck. Därför avslöjades realistiska tendenser i fransk målning mycket tidigare än i andra västeuropeiska länder.
Revolutionen 1830 gav demokratiska friheter liv i Frankrike, som grafiker inte misslyckades med att dra nytta av. Skarpa politiska karikatyrer riktade mot de härskande kretsarna, liksom de rådande rådande i samhället, fyllde sidorna i tidningarna "Sharivari", "Karikatyr". Illustrationer för tidskrifter gjordes med litografiteknik. I karikatyrgenren arbetade artister som A. Monier, N. Charlet, J. I. Granville, liksom den underbara franska grafikern O. Daumier.
En viktig roll i fransk konst under perioden mellan revolutionerna 1830 och 1848 spelades av den realistiska trenden i landskapsmålning - den så kallade. barbizon skola. Denna term kommer från namnet på den lilla pittoreska byn Barbizon nära Paris, där på 1830-1840-talet. många franska konstnärer kom för att studera naturen. Otillfredsställda med traditionerna för akademisk konst, saknar levande konkretitet och nationell identitet, stred de till Barbizon, där de noggrant undersökte alla förändringar som ägde rum i naturen och målade bilder som visar blygsamma hörn av fransk natur.
Även om mästarna på Barbizon-skolan kännetecknas av sin sanning och objektivitet känns författarens humör, hans känslor och känslor alltid i dem. Naturen i Barbizon-folks landskap verkar inte majestätisk och avskild, den är nära och förståelig för människan.
Ofta målade konstnärer samma plats (skog, flod, damm) vid olika tidpunkter på dagen och under olika väderförhållanden. De bearbetade skisser gjorda utomhus i verkstaden och skapade en bild som var integrerad i kompositionskonstruktionen. Mycket ofta i den färdiga målningen försvann färskheten i färgerna som är inneboende i skisser, så dukarna hos många Barbizonians utmärkte sig med en mörk färg.
Den största representanten för Barbizon-skolan var Theodore Rousseau, som redan var en berömd landskapsmålare, drog sig tillbaka från akademisk målning och kom till Barbizon. Protesterar mot den barbariska avskogningen, ger Rousseau naturen mänskliga egenskaper. Han sa själv att han hör trädens röster och förstår dem. En utmärkt skogskännare, konstnären förmedlar mycket träffs struktur, art, skala ("Fontainebleau-skogen", 1848-1850; "Ekar i Agremont", 1852). Samtidigt visar Rousseaus verk att konstnären, vars stil bildades under inflytande av akademisk konst och målning av de gamla mästarna, inte kunde, oavsett hur hårt han försökte, lösa problemet med att förmedla ljus-luftmiljön. Därför är ljus och färg i hans landskap oftast villkorade.
Rousseaus konst påverkade starkt unga franska konstnärer. Representanter för akademin, som var inblandade i valet av målningar för salongerna, försökte förhindra Rousseaus arbete på utställningar.
Berömda mästare på Barbizon-skolan var Jules Dupre, vars landskap innehåller särdrag av romantisk konst (The Big Oak, 1844-1855; Landscape with Cows, 1850), och Narcis Diaz, som bebodde skogen i Fontainebleau med nakna figurer av nymfer och antika gudinnor (Venus med amor ", 1851).
Charles Daubigny, som började sin karriär med illustrationer, var en representant för Barbizonians yngre generation, men på 1840-talet. tillägnad landskapet. Hans lyriska landskap, tillägnad anspråkslösa naturhörn, är fyllda med solljus och luft. Mycket ofta målade Daubigny från naturen inte bara skisser utan också färdiga målningar. Han byggde en båtverkstad där han seglade längs floden och stannade på de mest attraktiva platserna.
Den största franska konstnären på 1800-talet ligger nära Barbizon-folket. K. Corot.
Jean Baptiste Camille Corot
Camille Corot - fransk målare och grafiker, mästare i porträtt och landskap, är en av grundarna till den franska landskapskolan i XIX-talet.
Född i Paris 1796 var han student av A. Mishallon och J. V. Bertin - akademiska konstnärer. Ursprungligen följde han den allmänt vedertagna synvinkeln att endast landskap med en historisk tomt, huvudsakligen hämtad från antik historia eller mytologi, är högkonst. Men efter att ha besökt Italien (1825) förändrades hans åsikter dramatiskt och han började söka efter en annan inställning till verkligheten, vilket redan återspeglas i hans tidiga verk (View of the Forum, 1826; View of the Colosseum, 1826). Det bör noteras att etoder från Corot, där han ändrar sin attityd till ljusets natur och färggraderingar, förmedlar dem mer realistiskt, är en slags drivkraft i utvecklingen av ett realistiskt landskap.
Trots den nya skrivprincipen skickar Corot dock målningar till salongen som möter alla kanoner för akademisk målning. Vid den här tiden, i Corots verk, finns det ett gap mellan skiss och måleri, vilket kommer att prägla hans konst under hela sitt liv. Således visar de verk som skickats till salongen (inklusive Hagar i öknen, 1845; Homer och herdinnorna, 1845) att konstnären inte bara vänder sig till antika ämnen utan också bevarar kompositionen av det klassiska landskapet, vilket inte är mindre hindrar inte betraktaren från att känna igen det franska landskapets särdrag i det avbildade området. Generellt sett var en sådan motsägelse helt i andan av den eran.
Mycket ofta, de innovationer som Corot gradvis kommer till, misslyckas med att gömma sig för juryn, så hans målningar avvisas ofta. Innovation känns särskilt starkt i mästarens sommarskisser, där han försöker förmedla olika naturtillstånd vid en eller annan tid och fylla landskapet med ljus och luft. Ursprungligen var detta främst urbana vyer och kompositioner med arkitektoniska monument i Italien, dit han åkte igen 1834. Till exempel, i landskapet "Morgon i Venedig" (c. 1834) återges perfekt solljus, blå himmel och transparens i luften. Samtidigt bryter inte kombinationen av ljus och skugga arkitektoniska former utan tvärtom modellerar dem som det var. Mänskliga figurer med långa skuggor i bakgrunden ger landskapet en nästan verklig känsla av rymd.
Senare kommer målaren att vara mer återhållsam, han kommer att vara intresserad av en mer blygsam natur, men han kommer att ägna mer uppmärksamhet åt dess olika tillstånd. För att uppnå önskad effekt kommer Koros färgschema att bli tunnare, ljusare och börja stämma över variationen i samma färg. I detta avseende är sådana verk som "Klocktornet vid Argenteuil" karakteristiska, där den känsliga grönskan i den omgivande naturen och luftens fuktighet är mycket subtila, men samtidigt med stor tillförlitlighet förmedlar vårens charm, "Carrying the Hay", där livets glada spänning känns.
Det är anmärkningsvärt att Corot utvärderar naturen som en plats där vanliga människor lever och agerar. Ett annat inslag i hans landskap är att han alltid återspeglar mästarens emotionella tillstånd. Därför är landskompositioner lyriska (ovan nämnda "Bell Tower at Artangeuil") eller omvänt dramatiska (studera "Wind of Wind", c. 1865-1870).
Corots beräknade kompositioner är fulla av poetisk känsla. Om en person i tidiga verk verkar vara något avskild från världen omkring sig ("Reaper with a sickle", 1838), så fungerar senare bilderna av människor
oupplösligt kopplade till den miljö de är i ("The Reaper's Family", c. 1857). Förutom landskap skapade Corot också porträtt. Kvinnors bilder är särskilt bra, charmiga med sin naturlighet och livlighet. Konstnären målade bara människor som var andligt nära sig själv, så hans porträtt kännetecknas av författarens uppriktiga sympati för modellen.
Corot var inte bara en begåvad målare och grafiker, utan också en bra lärare för unga konstnärer, en pålitlig
kamrat. Anmärkningsvärt är faktum: när O. Daumier inte hade medel för att betala hyran för sitt hus köpte Corot detta hus och presenterade det för en vän.
Corot dog 1875 och lämnade ett enormt kreativt arv - cirka 3000 målningar och grafiska verk.
Ärade Daumier
Honore Daumier, fransk grafiker, målare och skulptör, föddes 1808 i Marseille i familjen till en glasmästare som skrev poesi. År 1814, när Daumier var sex år gammal, flyttade hans familj till Paris.
Den framtida konstnären började sin karriär som kontorist och arbetade sedan som säljare i en bokhandel. Men han var inte alls intresserad av detta arbete, han föredrog att vandra på gatorna och göra skisser hela sin fritid. Snart börjar den unga konstnären besöka Louvren, där han studerar antik skulptur och verk från gamla mästare, av vilka Rubens och Rembrandt fascinerar honom i större utsträckning. Daumier inser att genom att studera målningskonsten på egen hand kommer han inte att kunna avancera långt, och sedan (sedan 1822) börjar ta ritlektioner från Lenoir (administratör av Kungliga museet). Men all undervisning reducerades till enkel kopiering av gipsgjutningar, och detta uppfyllde inte alls den unge människans behov. Därefter lämnar Daumier verkstaden och åker till Ramola för att studera litografi och jobbar samtidigt som en leveranspojke.
De första verk som Daumier gjorde inom illustrationsområdet går tillbaka till 1820-talet. De har knappt överlevt, men vad som har kommit ned till oss tillåter oss att tala om Daumier som en konstnär i opposition till den officiella makt som representeras av Bourbons.
Det är känt att den unga konstnären från de första dagarna av Louis Philippes regeringstid drar skarpa karikatyrer både av sig själv och av sitt följe och skapar därmed ett rykte för sig själv som en politisk kämpe. Som ett resultat uppmärksammas Daumier av utgivaren av veckovisa "Karikatyr" Charles Philippe och inbjuder honom att samarbeta, vilket han samtycker till. Det första arbetet, publicerat i karikatyren den 9 februari 1832, The Petitioners of Places, förlöjligar Louis Philippes hantlangare. Efter henne, en efter en, började satyrer dyka upp på kungen själv.
Av de tidigaste litografierna av Daumier förtjänar Gargantua (15 december 1831) särskild uppmärksamhet, där konstnären skildrade en fet Louis Philippe som slukade guld från ett hungrigt och fattigt folk. Det här bladet, som visas i Aubert-företagets fönster, samlade en hel publik åskådare, för vilka regeringen hämnade sig på mästaren och dömde honom till sex månaders fängelse och en böter på 500 franc.
Trots det faktum att Daumiers tidiga verk fortfarande är ganska kompositionellt överbelastade och inte påverkas så mycket av bildens uttrycksförmåga som av berättelsen, har de redan en stil som beskrivs. Daumier själv är väl medveten om detta och börjar arbeta inom genren av karikatyrporträtt, medan han använder en mycket märklig metod: först skulpterar han porträttbyster (där de karakteristiska dragen förts till det groteska), vilket sedan kommer att vara hans natur när man arbetar med litografi. Som ett resultat fick han siffror som var extremt omfattande. Det var på detta sätt som litografin "Legislative Womb" (1834) skapades, som visar följande bild: precis framför betraktaren på bänkarna i en amfiteater, är ministrarna och parlamentsledamöterna i Juli Monarchy lokaliserade. Varje ansikte förmedlar en porträttlikhet med dödlig noggrannhet, med den mest uttrycksfulla gruppen, där Thiers representeras och lyssnar på Guizots anteckning. Befälhavaren exponerar den härskande elitens fysiska och moraliska underlägsenhet och kommer till skapandet av porträtttyper. Ljus spelar en speciell roll i dem, det betonar författarens strävan efter den största uttrycksförmågan. Därför ges alla figurer under hård belysning (det är känt att under arbetet med denna komposition satte befälhavaren modellbysten under ett starkt ljus från en lampa).
Det är inte förvånande att Daumier med ett sådant ihållande arbete hittade en stor monumental stil i litografi (detta känns mycket starkt i verket "Dra ner gardinen, fars spelas", 1834). Inverkan är lika hög i de verk som avslöjar arbetarnas roll i kampen mot förtryckare: "Han är inte längre farlig för oss", "Stör dig inte", "Transnonen Street den 15 april 1834". När det gäller det sista bladet är det ett direkt svar på arbetarnas uppror. Nästan alla människor som faktiskt bodde i ett av husen på Transnonen Street (inklusive barn och äldre) dödades eftersom en del av arbetarna vågade skjuta en polis. Konstnären fångade det mest tragiska ögonblicket. Litografin visar en fruktansvärd bild: på golvet, bredvid en tom säng, ligger en arbetares lik och krossar ett dött barn under honom; i ett mörkt hörn är en mördad kvinna. Till höger syns huvudet på en död gammal man tydligt. Bilden som presenteras av Daumier framkallar en dubbel känsla hos betraktaren: en känsla av skräck över vad han har gjort och en upprörd protest. Det arbete som utförs av konstnären är inte en likgiltig kommentar till händelserna, utan en arg fördömande.
Dramat förstärks av den starka kontrasten mellan ljus och skugga. Samtidigt klargör detaljerna, även om de går tillbaka i bakgrunden, samtidigt situationen där en sådan grymhet ägde rum och betonade att pogrom genomfördes vid en tidpunkt då människor sov lugnt. Det är karakteristiskt att detta arbete redan avslöjar funktionerna i Daumiers senare målningar, där också en enda händelse generaliseras, vilket ger kompositionen en monumental uttrycksförmåga i kombination med "slumpmässigheten" i det fångade livsmomentet.
Sådana verk påverkade till stor del antagandet av "septemberlagarna" (som trädde i kraft i slutet av 1834), riktade mot pressen. Detta ledde till att det blev omöjligt att till fullo arbeta inom politisk satir. Därför byter Daumier, precis som många andra mästare i politisk karikatyr, till ämnen relaterade till vardagen, där han letar efter och tar upp ytan brinnande sociala frågor. Vid denna tid publicerades hela samlingar av tecknade serier i Frankrike, som skildrar samhällets liv och seder i den tiden. Daumier skapar tillsammans med konstnären Travies en serie litografier med titeln "French Types" (1835-1836). Precis som Balzac i litteraturen exponerar Daumier i måleriet samhället för sin tid, där pengar styr.
Minister Guizot förkunnar slogan "Bli rik!" Daumier svarar på honom genom att skapa bilden av Robert Macair - en bedragare och en skurk, nu döende, nu återuppväckt igen (serie "Karikatyr", 1836-1838). På andra sidor hänvisar han till temat för den borgerliga filantropin ("Modern Philanthropy", 1844-1846), den franska domstolens venalitet ("Figures of Justice", 1845-1849), den pompösa självbelåtenheten för stadsborna (arket "Det är fortfarande mycket smickrande att se ditt porträtt på utställningen , en del av serien "Salon of 1857"). Andra serier av litografier utfördes också på ett anklagande sätt: "Bachelorns dag" (1839), "Marital Manners" (1839-1842), "The Best Days of Life" (1843-1846), "Pastorals" (1845-1846).
Med tiden förändras Daumiers ritning något, stroke blir mer uttrycksfullt. Enligt hans samtida använde mästaren aldrig nya slipade pennor och föredrog att rita in fragment. Han trodde att detta uppnådde mångfalden och livligheten i linjerna. Kanske är det därför som hans verk får en grafisk karaktär över tiden och förskjuter deras tidigare plasticitet. Det måste sägas att den nya stilen passade bättre för grafiska cykler, där berättelsen introducerades, och själva handlingen ägde rum antingen i interiören eller i landskapet.
Men Daumier är fortfarande mer benägen för politisk satir, och så snart möjligheten uppstår tar han återigen sitt favoritfördriv och skapar lakan fyllda med ilska och hat mot den härskande eliten. 1848 inträffade en ny revolutionär uppsving, men den undertrycktes och hotet om bonapartism hängde över republiken. Som svar på dessa händelser skapar Daumier Ratapual, en listig Bonapartist-agent och förrädare. Denna bild fängslade mästaren så mycket att han överförde den från litografi till skulptur, där han kunde uppnå stor uttrycksfullhet med en djärv tolkning.
Inte överraskande hatar Daumier Napoleon III lika mycket som Louis Philippe. Konstnären gör sitt bästa för att få sina förnekande verk att känna det onda som kommer från den privilegierade klassen och naturligtvis linjalen. Efter kuppen som ägde rum den 2 december 1852 förbjöds dock politisk karikatyr igen. Och först i slutet av 1860-talet, när regeringen blev mer liberal, vände Daumier sig till denna genre för tredje gången. Så på det ena arket kunde betraktaren se hur konstitutionen förkortar frihetens klädsel, och på den andra - Thiers, avbildad som en uppmanare, vilket uppmanar varje politiker vad man ska säga och vad man ska göra. Konstnären ritar många antimilitaristiska satyrer ("The World Swallows the Sword", etc.).
Från 1870 till 1872 skapade Daumier en serie litografier som avslöjade de kriminella handlingarna från de ansvariga för Frankrikes katastrofer. Till exempel på ett blad med titeln ”Det dödade det” får han betraktaren att förstå att valet av Napoleon III markerade början på många problem. Litografin "Empire is the World" är anmärkningsvärd, som visar ett fält med kors och gravstenar. Inskriptionen på den första gravstenen lyder: "Dödsfall på Boulevard of Montmartre den 2 december 1851", på den sista - "Dödsfall vid Sedan 1870". Detta blad vittnar vältaligt om att Napoleon IIIs imperium inte förde fransmännen annat än döden. Alla bilder i litografier är symboliska, men symbolerna här är inte bara rikt på idéer utan också mycket övertygande.
En annan berömd litografi av Daumier, tillverkad 1871, är anmärkningsvärd, där den stympade stammen på ett en gång kraftigt träd blir svart mot bakgrunden av en formidabel och molnig himmel. Endast en gren överlevde, men den gav inte upp och fortsätter att motstå stormen. Det finns en karakteristisk signatur under laken: "Fattiga Frankrike, stammen är trasig, men rötterna är fortfarande starka." På detta symboliska sätt visade mästaren inte bara resultaten av den tragedi han hade genomgått, utan med hjälp av svartvita kontraster och dynamiska linjer tog han fram en levande bild som förkroppsligar landets makt. Detta arbete antyder att befälhavaren inte tappade tron \u200b\u200bpå Frankrikes styrka och förmågan hos sitt folk, som kan göra sitt hemland lika stort och kraftfullt som tidigare.
Det bör noteras att Daumier skapade inte bara litografier. Sedan 1830-talet. han arbetar också med måleri och akvareller, men hans tidiga målningar (Graveraren, 1830-1834; självporträtt, 1830-1831) kännetecknas av avsaknaden av ett utvecklat sätt; ibland är det svårt att skilja dem från andra konstnärers verk. Senare finns det en förfining av stilen, utvecklingen av vissa ämnen. Så till exempel på 1840-talet. befälhavaren har skrivit en serie kompositioner under den enda titeln "Advokater". I dessa målningar visas samma groteska bilder som i Daumiers grafiska verk.
Hans oljemålningar och akvareller, liksom litografier, är genomsyrade av sarkasm. Daumier målar figurerna av advokater med teatraliska gester som framträder framför allmänheten (The Defender, 1840-talet) eller diskuterar smidigt deras smutsiga rörelser utanför någon annans blick (De tre advokaterna). När han arbetar på duk, tar målaren ofta till närbilder, skildrar de mest nödvändiga föremålen och beskriver bara detaljerna i interiören. Med särskild omsorg ritar han ansikten, ibland dum och likgiltig, ibland listig och hycklerisk, ibland föraktlig och självtillfredsställd. Att skildra svarta advokatrockar mot en gyllene bakgrund uppnår författaren en unik effekt genom kontrasterande ljus och mörker.
Med tiden lämnar satir Daumiers målning. I kompositionerna i slutet av 1840-talet. den centrala platsen är upptagen av andliga och heroiska bilder av människor från folket, utrustade med styrka, inre energi och hjältemod. Ett slående exempel på sådana verk är målningarna "Family on the Barricade" (1848-1849) och "Uprising" (c. 1848).
Den första duken visar revolutionära händelser och människor som deltar i dem. Hjältarna är så nära ramen att endast en del av figurerna är synliga. Konstnären försöker rikta betraktarens uppmärksamhet mot ansikten skulpterade av ljus. Den gamla kvinnan och mannen är markerade med svårighetsgrad och koncentration, den unga kvinnan är ledsen och ledsen, och den unge mannen tvärtom överflödar av desperat beslutsamhet. Det är anmärkningsvärt att karaktärernas huvuden visas i olika vändningar, vilket ger intrycket att figurerna rör sig, vilket ytterligare betonar kompositionens spänning.
Den andra kompositionen ("Uprising") är en bild av en rusande folkmassa, uppslukad av en revolutionär impuls.
Händelsernas dynamik förmedlas inte bara genom en upplyft hand och figurer som rusar framåt, utan också av en ljusremsa.
Ungefär samtidigt målar Daumier bilder av flyktingar och utvandrare, men dessa bilder finns inte ofta i hans arbete. Han hittade alla ämnen för sina målningar i vardagsliv: en tvättkvinna som sjunker ner till vattnet; en pråm som drar en båt; arbetare som klättrar upp på taket. Det är anmärkningsvärt att alla verk återspeglar separata verklighetsfragment och påverkar betraktaren inte med en berättelse utan med bildmedel som skapar en uttrycksfull, i vissa fall tragisk bild.
I denna anda gjordes målningen "Nosha", som har flera alternativ. Handlingen är enkel: en kvinna går långsamt längs vallen; med en hand drar hon en enorm tvättkorg; bredvid henne, som håller fast vid kjolen, väver ett barn i små steg. En hård vind blåser i hjältarnas ansikten, vilket gör det mycket svårare att gå, och bördan verkar tyngre. Daumiers vanliga vardagliga motiv får nästan heroiska drag. Kvinnan ser avskild från alla bekymmer. Dessutom utelämnar befälhavaren alla landskapsdetaljer och skisserar bara vardagens konturer av staden på andra sidan floden. De dämpade och kalla nyanser som används för att måla landskapet förstärker känslan av drama och förtvivlan. Det är anmärkningsvärt att tolkningen av kvinnans bild inte bara motsäger de klassiska kanonerna utan också idealen för mänsklig skönhet bland romantiker; den ges med stort uttryck och realism. Ljus och skugga spelar en viktig roll i skapandet av bilder: tack vare belysningen i en jämn remsa verkar kvinnans figur överraskande uttrycksfull och plastisk; den mörka silhuetten av barnet sticker ut mot den ljusa båren. Skuggan från båda figurerna smälter samman till en enda plats. En sådan scen, observerad många gånger av Daumier i verkligheten, presenteras inte i genre utan i monumentala termer, vilket underlättas av den kollektiva bild han skapade.
Trots sin allmänna behåller varje verk av Daumier en extraordinär vitalitet. Befälhavaren kan fånga vilken gest som helst som kännetecknar den person han skildrar, förmedla en pose osv. Duken "Prints Lover" hjälper till att verifiera detta.
Fast under 1850-1860-talet. Daumier arbetar mycket fruktbart i måleriet, men problemet med plein air, som ockuperade många målare från den tiden, intresserar honom inte alls. Även i fallet när han skildrar sina karaktärer utomhus, använder han fortfarande inte diffust ljus. I sina målningar har ljuset en annan funktion: det bär en känslomässig belastning som hjälper författaren att placera kompositionens accenter. Daumiers favoriteffekt är konturen, där förgrunden mörknar mot en ljus bakgrund (Before Bathing, c. 1852; Curious at the Window, c. 1860). I vissa målningar vänder målaren sig emellertid till en annan teknik, när bakgrunds halvmörket verkar försvinna till förgrunden och vita, blå och gula färger börjar låta med större intensitet. En liknande effekt kan ses på sådana dukar som Leaving School (c. 1853-1855), Third Class Carriage (c. 1862).
Daumier gjorde inte mindre målning än grafik. Han introducerade nya bilder och tolkade dem med stor uttrycksfullhet. Ingen av hans föregångare skrev så djärvt och flytande. Det är för denna egenskap som Daumiers progressiva sinnesgenerer uppskattade hans målningar. Men under konstnärens livstid var hans målning lite känd, och den postumiska utställningen 1901 blev en verklig upptäckt för många.
Daumier dog 1879, i staden Valmondois nära Paris, i ett hus som Corot gav honom.
Revolutionen 1848 ledde till en extraordinär uppsving i Frankrikes offentliga liv, i dess kultur och konst. Vid den här tiden arbetade två stora representanter för realistisk målning i landet - J.-F. Millet och G. Courbet.
Jean Francois Millet
Jean François Millet, en fransk målare och grafiker, föddes 1814 i staden Gruchy nära Cherbourg till en stor bondefamilj med en liten tomt i Normandie. Från barndomen var den unga hirs omgiven av en atmosfär av hårt arbete och fromhet. Pojken var väldigt snäll och hans talang märktes av den lokala prästen. Därför, förutom skolarbete, började pojken, under ledning av en kyrkans predikant, studera latin, och efter ett tag, tillsammans med Bibeln, blev Virgils verk hans favoritläsning, ett beroende som målaren upplevde under hela sitt liv.
Fram till 18 års ålder bodde Millet i byn och var den äldste sonen och utförde olika bondearbeten, inklusive de som rör jordodlingen. Eftersom förmågan till bildkonst vaknade mycket tidigt i Milla målade han allt som omgav honom: åkrar, trädgårdar, djur. Havet väckte dock den unga konstnärens största intresse. Det är vattenelementet som Millet ägnar sina första skisser.
Millet utmärkte sig genom sin subtila observation, och från hans blick, som märkte naturens skönhet, olyckorna som en person som ingick i konfrontation med inte inte fly undan. Under hela sitt liv bar befälhavaren ett tragiskt minne, en hemsk storm som krossade och sjönk dussintals fartyg, som han observerade i tidig barndom.
Senare åkte den unga målaren till Cherbourg, där han studerade måleri först med Mushel och sedan med Langlois de Chevreville (en student och anhängare av Gros). På begäran av den senare fick han ett stipendium från kommunen och fortsatte sina studier i Paris. När han lämnade sitt hemland lyssnade Millet på instruktionerna från sin mormor, som sa till honom: "François, skriv aldrig något obscent, även om det var på uppdrag av kungen själv."
Anländer till Paris gick konstnären in i Delaroches verkstad. Han studerade där från 1837 till 1838. Samtidigt med sina studier vid Millets verkstad deltog han i Louvren, där han studerade berömda dukar, av vilka Michelangelos verk imponerade mest. Millet hittade inte omedelbart sin väg inom konsten. Hans första verk, skapade för försäljning, utfördes på samma sätt som A. Watteau och F. Boucher, kallad maniere fleurie, vilket betyder ”blommigt sätt”. Och även om denna skrivmetod kännetecknas av yttre skönhet och nåd, skapar det faktiskt ett falskt intryck. Framgång kom till konstnären i början av 1840-talet tack vare hans porträttarbete (Självporträtt, 1841; Mademoiselle It, 1841; Armand It, 1843; Deleuze, 1845).
I mitten av 1840-talet arbetade Millet med att skapa en serie porträtt av sjömän, där hans stil helt befriades från mannerism och imitation, vilket var karakteristiskt för konstnärens tidiga verk ("Naval Officer", 1845, etc.). Befälhavaren målade flera dukar om mytologiska och religiösa ämnen (St. Jerome, 1849; Hagar, 1849).
År 1848 var Millet nära konstnärerna N. Diaz och F. Jeanron och ställde för första gången ut på salongen. Den första
bilden han presenterade - "The Winner" visar landsbygdslivet. Sedan dess överlämnar mästaren en gång för alla mytologiska tomter och bestämmer sig för att bara skriva det som är närmare honom.
För att genomföra hans plan flyttade han och hans familj till Barbizon. Det är här konstnären är helt nedsänkt
in i livet på landsbygden och skapar verk som motsvarar hans uppfattning om världen. Sådana är Såaren (1849), Den sittande bondekvinnan (1849) och andra. I dem visar Millet med stor övertygelse uppriktigt representanterna för bondeklassen och fokuserar huvudsakligen på figuren, som ett resultat av vilket man ibland får intrycket att landskapet i hans målningar gör bakgrundens roll.
I verk av Millet i början av 1850-talet. domineras också av de ensamma figurerna av bönder som bedriver vanliga affärer. Genom att skapa dukar strävade konstnären för att upphöja det mest prosaiska arbetet. Han var övertygad om att "sann mänsklighet" och "stor poesi" endast kan förmedlas genom att skildra arbetare. Karaktärsdrag dessa verk - gesternas enkelhet, enkel hållning, volymetriska plastfigurer och långsam rörelse.
Tittar på berömd målning Millet "The Seamstress" (1853) ser betraktaren bara de mest nödvändiga attributen hos en klädtillverkare: sax, en stiftkudde och strykjärn. Det finns inget överflödigt på duken, det finns lika mycket utrymme som nödvändigt - så här gör mästaren bilden betydande och till och med monumental. Trots den till synes statiska kompositionen är bilden av en kvinna full av inre rörelse: det verkar som att hennes hand som håller nålen gör fler och fler nya stygn, och hennes bröst svänger rytmiskt. Arbetaren tittar noga på sin produkt, men hennes tankar svävar någonstans långt borta. Trots ordinariet och viss intimitet hos motivet kännetecknas bilden av högtidlighet och storhet.
I samma anda framfördes duken "Rest of the Reapers", utställd av mästaren i salongen 1853. Trots viss generalisering av rytmiska figurer väcker kompositionen, fylld med ljus, en känsla av integritet. Böndernas bilder passar harmoniskt in i den övergripande bilden av naturen.
Det är karaktäristiskt att naturen i många av Millets verk hjälper till att uttrycka hjältens stämning. Så i målningen "Sittande bondekvinna" förmedlar den ogästvänliga skogen perfekt sorgens tjej, djupt nedsänkt i hennes rastlösa tankar.
Med tiden började Millet, som målade bilder där monumentala bilder visades mot bakgrund av ett landskap, att skapa något annorlunda verk. Landskapsrummet i dem expanderar, landskapet, som fortfarande spelar rollen som en bakgrund, börjar spela en mer betydelsefull, semantisk roll. Således ingår i kompositionen "The Harvesters of Wheat" (1857) figurer av bönder som samlar grödor i landskapet i bakgrunden.
Hirse ger en djupare betydelse för naturmålningen i den lilla duken "Angelus" ("Venus ringning", 1858-1859). Figurerna av en man och en kvinna som ber mitt på ett fält till de tysta ljuden från en kyrklig klocka verkar inte främmande från det lugna kvällslandskapet.
När mästaren frågades varför de flesta av hans målningar kännetecknas av en sorglig stämning svarade han:
”Livet har aldrig vänt sig mot mig med en glad sida: Jag vet inte var hon är, jag har aldrig sett henne. Det roligaste jag vet är freden, tystnaden, som man njuter så härligt i skogen eller i åkrarna, oavsett om de är lämpliga för odling eller inte; håller med om att detta alltid förfogar över drömmande, ledsen, om än söt. " Dessa ord förklarar fullständigt hans böndernas drömmande sorg, så bra i harmoni med freden och tystnaden på åkrarna och skogarna.
En helt motsatt stämning observeras i Millets programkomposition "The Man with a Hoe", som ställdes ut på Salongen 1863. Författaren var medveten om att detta verk skiljer sig från allt som redan hade skrivits. Det är inte för ingenting som Millet i ett av hans brev från 1962 konstaterade: "" Mannen med hackan "kommer att ge mig kritik mot många människor som inte gillar att vara upptagen med affärer som inte hör till deras krets, när de störs ...". Hans ord var verkligen profetiska. Kritiker godkände sin dom och beskrev konstnären som en man "farligare än Courbet." Och även om betraktaren på den här bilden bara ser en bonde som lutar sig på en hacka, räcker det med en blick att känna: han har precis gått med en tung slitbana och slår marken med sitt instrument. En man som är trött på arbetet tas fram med stor uttrycksfullhet: både i ansiktet och i figuren kan man tydligt se livets trötthet och hopplöshet - allt som hundratusentals franska bönder faktiskt upplevt.
Men bland verk av denna typ (särskilt i slutet av 1860-talet - början av 1870-talet) finns verk genomsyrade av optimism. Det här är målningar där mästaren fokuserar sin uppmärksamhet på ett landskap badat i solljus. Sådana är målningarna "Badande herdegässen" (1863), "Badning av hästarna" (1866), "Ung herdinna" (1872). I det sista förmedlar Millais mycket subtilt en solstråle som passerar genom trädens lövverk och smekar lekfullt flickans klänning och ansikte.
Under den sista perioden av sitt kreativa arbete försöker konstnären fånga och fånga livets korta ögonblick på duken. Denna önskan att fånga ögonblicket orsakades av önskan att direkt spegla verkligheten. Till exempel, i pastellhösten, Cranes Fly (1865-1866), kommer en herdflickas gest att titta på en kranflocks flygning att förändras; och om man tittar på kompositionen "Gäss", som ställdes ut på salongen 1867, verkar det som om ett annat ögonblick kommer det flimrande ljuset att förändras. Denna princip skulle senare få sitt uttryck i verk av impressionistiska konstnärer.
Det bör dock noteras att i Millets sista verk, särskilt i hans figurkompositioner, känns igen sökandet efter monumentalitet. Detta syns särskilt tydligt på duken ”Återvänd från fältet. Kväll ”(1873), där en grupp bönder och djur sticker ut mot bakgrunden av kvällshimlen som en sammanslagande generaliserad silhuett.
Så från 1848 till slutet av sitt liv begränsade Millet sig till att skildra byn och dess invånare. Och även om han inte alls strävade efter att ge sina verk en akut social mening, utan bara ville bevara patriarkala traditioner till varje pris, upplevdes hans arbete som en källa till revolutionära idéer.
Millet avslutade sitt liv i Barbizon 1875.
Gustave Courbet
Gustave Courbet, fransk målare, grafiker och skulptör, föddes 1819 i södra Frankrike, i Ornans, i en rik bondfamilj. Han tog sina första målningskurser i sin hemstad, sedan studerade han en tid vid College of Besançon och vid ritskolan i Flajoulo.
År 1839, med stora svårigheter att övertyga sin far om riktigheten i den valda vägen, åkte Courbet till Paris. Där deltog han samtidigt i den berömda Suisse-workshopen, där han arbetade hårt med den levande naturen och Louvren, kopierade de gamla mästarna och beundrade deras verk. Den unga konstnären var särskilt imponerad av spanjorernas arbete - D. Velazquez, J. Ribera och F. Zurbaran. Courbet besöker sina hemland då och då och målar landskap med stort nöje och skulpterar volymer med ett tjockt lager färg. Dessutom arbetar han i porträttgenren (oftast är han själv en modell) och skriver dukar om religiösa och litterära tomter ("Lot med en dotter", 1841).
Courbet skapar självporträtt och romantiserar något sitt utseende ("The Wounded", 1844; "Happy Lovers", 1844-1845; "Man with a Pipe", 1846). Det var detta självporträtt som han först ställde ut på salongen (självporträtt med en svart hund, 1844). Poesi och sentimental vördnad genomsyras av målningen "Efter middagen på Ornans" (1849). Med denna målning verkar konstnären försvara sin rätt att skildra vad han vet väl, vad han observerade i en bekant miljö: i köket, där, efter avslutad middag, sitter konstnären själv, hans far, musiker Promaye och Marlay. Alla karaktärer avbildas exakt som de såg ut i verkligheten. Samtidigt lyckades Courbet förmedla den allmänna stämningen som skapats av musiken som bildens hjältar lyssnar på. Genom att ordna figurerna på en stor duk i stor skala skapade konstnären dessutom generaliserade bilder och uppnådde monumentalitet och betydelse trots den till synes vanliga vardagen. Denna omständighet tycktes för allmänheten hos den moderna målaren oöverträffad oförskämdhet.
Courbet stannar dock inte där. I de verk som ställdes ut på nästa salong (1850-1851) går hans djärvhet ännu längre. Så i målningen "Stone Crushers" (1849-1850) lades den sociala betydelsen medvetet av målaren. Han satte ett mål med hänsynslös sanning att skildra det franska böndernas återbrytande arbete och hopplösa fattigdom. Det är inte för ingenting som Courbet skrev i sin förklaring av målningen: "Så här börjar de och så slutar de." För att förbättra intrycket sammanfattar befälhavaren de bilder som presenteras. Trots vissa konventioner när det gäller överföring av ljus uppfattas landskapet väldigt sanningsenligt, liksom människornas figurer. Förutom "Stone Crushers" ställde målaren ut på salongen målningarna "Funeral at Ornans" (1849) och "Peasants Returning from the Fair" (1854). Alla dessa målningar var så annorlunda än andra deltagares verk i utställningen att de förvånade samtiden till Courbet.
Således är "Funeral at Ornans" en storformat duk, ovanlig i design och betydelsefull i konstnärlig skicklighet. Allt i det verkar ovanligt och ovanligt: \u200b\u200btemat (begravningen till en av invånarna i en liten stad) och hjältarna (småborgerliga och rika bönder, realistiskt skrivna). Courbets kreativa princip, förkunnad i denna bild - att sanningsenligt visa livet i all sin fulhet, gick inte obemärkt förbi. Inte undra på att vissa moderna kritiker kallade henne för "förhärligning av de fula", medan andra tvärtom försökte rättfärdiga författaren, för "det är inte konstnärens fel om materiella intressen, livet i en liten stad, provinsiell smålighet lämnar spår av deras klor i ansikten, gör deras ögon tråkiga, skrynkliga pannan och meningslöst munuttryck. De borgerliga är som följer. M. Courbet skriver den borgerliga. "
Och faktiskt, även om karaktärerna som visas på duken inte är märkta med någon speciell skönhet och andlighet, ändå ges de sanningsenligt och uppriktigt. Befälhavaren var inte rädd för monotoni, hans figurer är statiska. Men genom uttrycken av deras ansikten medvetet vänd mot betraktaren kan man lätt gissa hur de relaterar till den pågående händelsen, om det upphetsar dem. Det bör noteras att Courbet inte omedelbart kom till en sådan komposition. Ursprungligen var det tänkt att inte rita varje enskilt ansikte - detta framgår av skissen. Men senare förändrades idén och bilderna får tydliga porträttfunktioner. Så till exempel kan du i massan känna igen ansikten till fadern, mamman och systern till konstnären själv, poeten Max Bushon, den gamla Jacobins Plata och Cardo, musiken Promaye och många andra invånare i Ornans.
På bilden kombinerades som det var två stämningar: dyster högtidlighet, motsvarande ögonblicket och vardagen. Den svarta färgen på sorgkläder är majestätisk, ansiktsuttrycken är svåra och hållningarna hos dem som ser dem till sin sista resa är orörliga. Begravningsritens dystra stämning betonas av de hårda steniga avsatserna. Men även i denna extremt upphöjda stämning är livets prosa sammanvävd, vilket betonas av likgiltigheten hos tjänarpojken och tjänstemännen, men ansiktet på den som stöder korset verkar särskilt vanligt, till och med likgiltigt. För närvarande bryter hundens högtid med svansen mellan benen, avbildad i förgrunden.
Alla dessa förtydligande detaljer är mycket viktiga och betydelsefulla för en konstnär som försöker motsätta sig sitt arbete mot salongens officiella konst. Denna önskan kan spåras i Courbets ytterligare verk. Till exempel i duken "badare" (1853), som orsakade en storm av indignation på grund av det faktum att de feta representanterna för den franska borgarklassen visade sig visa sig vara olik de genomskinliga nymferna från salongmästarnas målningar, och deras nakenhet presenteras av konstnären på ett extremt påtagligt och omfattande sätt. Allt detta välkomnades inte bara, utan orsakade tvärtom en storm av indignation, vilket dock inte hindrade konstnären.
Med tiden inser Courbet att han behöver leta efter en ny konstnärlig metod. Han kunde inte längre vara nöjd med det som upphörde att motsvara hans mönster. Snart kom Courbet till tonalmålning och modellering av volymer med ljus. Han säger själv om det på detta sätt: "Jag gör i mina målningar vad solen gör i naturen." Samtidigt skriver konstnären i de flesta fall på en mörk bakgrund: först sätter han mörka färger, går gradvis till ljusa och tar dem till den ljusaste höjdpunkten. Färgen appliceras säkert och kraftigt med en spackel.
Courbet fastnar inte i något ämne, han söker ständigt. 1855 ställde målaren ut "Artist's Workshop", vilket är en slags deklaration. Han kallar det själv "en riktig allegori som definierar den sjuåriga perioden av hans konstnärliga liv." Och även om den här bilden inte är det bästa av Courbet, talar dess färgschema i silvergrå toner om målarens koloristiska skicklighet.
1855 arrangerade konstnären en personlig utställning, som blev en verklig utmaning inte bara för akademisk konst utan för hela det borgerliga samhället. Förordet skrivet av författaren till katalogen för denna unika utställning är vägledande. Så när han avslöjar begreppet "realism" förklarar han direkt sina mål: "Att kunna förmedla tullar, idéer, min tids era utseende enligt min bedömning - med ett ord att skapa levande konst - det var mitt mål." Courbet såg alla sidor av verkligheten, dess mångfald och försökte förkroppsliga den i sitt arbete med maximal sanning. Oavsett om det arbetar med ett porträtt, landskap eller stilleben, förmedlar mästaren överallt med samma temperament den verkliga världens materialitet och densitet.
På 1860-talet raderades gränserna mellan porträtt och genuskomposition i målarens verk (i framtiden kommer denna trend att vara karakteristisk för E. Manet och andra impressionistiska målare). I detta avseende är de mest vägledande dukarna "Little Englishwomen at a open window at the beach" (1865) och "Girl with seagulls" (1865). Ett utmärkande inslag i dessa verk är att målaren inte är så intresserad av karaktärernas komplexa upplevelser som av skönheten i den materiella världen.
Det är karakteristiskt att konstnären efter 1855 i allt högre grad vänder sig till landskapet med stor uppmärksamhet och observerar luft- och vattenelementen, grönska, snö, djur och blommor. Många landskap av denna tid är tillägnad jaktscener.
Utrymmet och objekten som presenteras i dessa kompositioner känns mer och mer verkliga.
Arbetar på detta sätt, Courbet ägnar stor uppmärksamhet åt belysning. Så i "Kozuli vid strömmen" kan vi se följande bild: även om träd uppfattas mindre voluminösa och djur nästan smälter samman med landskapets bakgrund, känns rymden och luften ganska realistiskt. Denna funktion noterades omedelbart av kritiker, som skrev att Courbet gick in i ett nytt kreativitetsskede - "vägen till en ljus ton och ljus." Särskilt anmärkningsvärt är havslandskap ("Sea off the Normandy kust", 1867; "Wave", 1870, etc.). Man kan inte jämföra olika landskap
märker inte hur färgerna varierar beroende på belysningen. Allt detta antyder att Courbet i slutet av sitt arbete inte bara försöker fånga världens volym och väsentlighet utan också att förmedla den omgivande atmosfären.
Avslutande av samtalet om Courbet kan man inte säga att han, efter att ha vänt sig till landskapsarbeten, inte slutade arbeta på dukar med sociala teman. Här är det nödvändigt att särskilt notera "Return from the Conference" (1863) - en målning som var en slags satir på prästerskapet. Tyvärr har duken inte överlevt till denna dag.
Sedan 1860-talet. i den borgerliga allmänhetens cirklar ökar intresset för konstnärens arbete. Men när regeringen beslutar att tilldela Courbet vägrar han priset, eftersom han inte vill bli officiellt erkänd och tillhöra någon skola. Under Pariskommunens dagar deltog Courbet aktivt i revolutionära händelser, för vilka han sedan fängslades och utvisades från landet. Medan han är bakom galler, skapar konstnären många teckningar som visar scener av kommunardmassaken.
Efter att ha förvisats från Frankrike fortsätter Courbet att skriva. Så till exempel i Schweiz skapade han flera realistiska landskap, av vilka "Hut in the mountains" (c. 1874) väcker speciell beundran. Trots att landskapet är känt för sin lilla storlek och motivets särdrag, har det en monumental karaktär.
Fram till slutet av sitt liv förblev Courbet trogen mot principen om realism, i den anda som han arbetade under hela sitt liv. Målaren dog långt från sitt hemland i La Tour de Pels (Schweiz) 1877.
Den viktigaste platsen i utvecklingen av västeuropeisk realism tillhör fransk konst. Och detta är ingen slump. Sedan slutet av 1700-talet spelade Frankrike en ledande roll i Europas sociala och politiska liv, och klasskampen mellan adeln, borgarklassen och proletariatet antog tydliga klassiska former i den. Dölj bakom de kungliga och kejserliga kläderna eller hävda sin makt i en öppen form, segrade bourgeoisin. ”Industri och handel har vuxit till enorma proportioner,” skrev K. Marx om Frankrike på 1950- och 60-talet, ”aktiemarknadsspekulationer firade sina kosmopolitiska orgier; massornas fattigdom stod kraftigt vid sidan av den fräcka prakten av upplöst lyx som förvärvats av fusk och brott. "
Den demokratiska och proletära rörelsen i mitten av 1800-talet tar i stor skala i Frankrike. Revolutionen 1830 följs av revolutionen 1848; på den politiska arenan växer proletariatet fram mer och mer beslutsamt och leder folkets breda massor. I juni 1848 stod han öppet upp mot bourgeoisin och 1871, efter att ha utropat Pariskommunen, gjorde han det första heroiska försöket i historien för att ta politisk makt i egna händer.
Förvärringen av sociala motsättningar, grandiosa klassstrider, nya sociala problem, frågor om demokratisk omorganisation av samhället kunde inte misslyckas med att excitera de progressiva sinnen och tvinga dem att analysera verklighetens fenomen, att leta efter nya sätt inom konsten. I Frankrike, som ger den tydligaste bilden av bildandet och utvecklingen av de viktigaste trenderna under 1800-talet, observeras uppkomsten av realism tidigare än i andra länder, den realistiska trenden visar sig vara närmast kopplad till det sociala och politiska livet, det ger fram de största representanterna för 1800-talets konst.
Julirevolutionen 1830 var en viktig milstolpe i utvecklingen av fransk konst. Under dess inflytande elimineras romantiska illusioner, intresset för sociala ämnen växer, ett oberoende teoretiskt program för realism utvecklas. De viktigaste kraven för den nya konsten formulerades av Laviron och Galbaccio i "Salongen 1833". De fick sin vidareutveckling i skrifterna från stora teoretiker och realismförsvarare: Tore-Burger, Chanfleri, Duranty, Castagnari och andra. Alla dessa kritiker - företrädare för 1848-generationen - lyfte fram frågan om konstens pedagogiska roll. Konst, hävdade de, skulle bidra till samhällets utveckling längs vägen för framsteg, bör vara en "livslärare" och för detta måste den vara relevant, socialt rik, förståelig för folket. Konst bör hjälpa människor att känna världen omkring sig, att förstå dess motsättningar. Det kan göra detta genom att kasta bort all idealisering, utsmyckning av livet. Bildens sanning framförs som ett av de nödvändiga förutsättningarna för kreativitet - konstnären skriver vad han vet, vad han ser framför sig. Uppmaningen att avvisa allmänt vedertagna modeller och att bekräfta sanningen om livet i konsten hjälpte ledande konstnärer att behärska nya metoder och sätt att konstnärligt uttrycka, öppnade stora möjligheter för kreativa syften. Samtidigt minskade ibland vissa kritiker från mitten av 1800-talet begreppet realism till bildens externa tillförlitlighet, den illusoriska karaktären av överföringen av den synliga världen, vilket naturligtvis desorienterade konstnärerna.
Philippe Jeanron. Bland föregångarna till de stora realistmålarna förtjänar några mindre mästare att nämnas. Eftersom deras anhängare saknar begåvning sätter de scenen för dem. Dessa inkluderar Philippe Jeanron (1809-1877). Han deltog i revolutionerna 1830 och 1848 och uppträdde ofta i tryck för att försvara realistiska principer. Redan i sitt tidiga arbete Children on the Barricade (1831, Museum at Canet) vände Jeanron sig till en direkt skildring av revolutionära händelser. I senare arbeten gav han en social analys av verkligheten och motsatte sig företrädare för olika klasser av det moderna samhället: adeln, borgarklassen och proletariatet. När han skildrade arbetare betonade konstnären deras fattigdom och lidande, utan att undvika viss sentimentalitet. Jeanron är också känd som en porträttmålare. Han lämnade uttrycksfulla porträtt av det progressiva folket på sin tid - representanter för den republikanska intelligentsiaen.
Realism i Frankrike och England (litteratur och konst på 1800-talet)
I mitten av seklet blir realismen den dominerande trenden i europeisk kultur.
Realism uppstod i Frankrike och England under villkoren för etablerade kapitalistiska relationer. Sociala motsättningar och brister i det kapitalistiska systemet bestämde realistiska författares starkt kritiska inställning till det. De fördömde pengar-grubbning, uppenbar ojämlikhet, själviskhet, hyckleri. I sin ideologiska målmedvetenhet blir det kritisk realism. Samtidigt genomsyras de stora realistiska författarnas arbete av idéerna om humanism och social rättvisa.
Frankrikes litteratur. Exemplet på realistisk fransk poesi på 1800-talet var poeten Pierre Jean de Beranger (1780-1857). Han uppträdde under Napoleon-monarkin och 1813 i låten "King Iveto" fördömde han Napoleons militära äventyr och hans skattepolitik. Under restaureringen blev han en riktig stridsdichter. Hans underbara sånger under denna period förlöjligar den rika och välmående bourgeoisin. Berangers politiska sång är mättad med demokrati, markerad med en livlig nationell humor.
En lysande representant för kritisk realism var Stendhal (Egna Henri Beyle, 1783-1842). Författarens beundran orsakades av människor med en aktiv, stark karaktär. Han såg sådana hjältar bland figurerna från renässansen ("Italian Chronicles"), bland Shakespeare, bland hans samtida.
En av de största romanerna Stendhal- "Rött och svart" (1830). Romanens hjälte är Julien Sorel, en passionerad beundrare av Napoleontiden, en man med en sublim och känslig själ som strävar efter att erövra en inert social miljö. Men han lyckas inte, eftersom de härskande klasserna inte accepterade honom - en plebeian av födseln. I romanen "Parma Abode" fördömer författaren den reaktionära eran, som förutbestämde tragedin hos intelligenta, begåvade, djupt känsliga människor.
Höjdpunkten, den högsta punkten i utvecklingen av västeuropeisk realism - Honore de Balzac (1799 -1850). Enligt Balzacs plan skulle hans huvudverk - den episka "The Human Comedy" bestå av 143 böcker, som speglar alla aspekter av det franska samhällets liv. Balzac gav all sin styrka till detta titaniska arbete, han skapade 90 romaner och noveller.
I detta epos är romanerna länkade med ett gemensamt koncept och många karaktärer. Den innehåller sådana romaner som "Okänt mästerverk", "Shagreen Skin", "Eugene Grande", "Father Goriot", "Caesar Biroto", "Lost Illusions", "Cousin Betta" och många andra. Epiken är en realistisk bild av ett storslaget omfång, vilket återspeglar sed och motsättningar i det offentliga livet i Frankrike. Balzac ger sina hjältar intelligens, talang och stark karaktär. Hans verk är djupt dramatiska och skildrar kraften i den "monetära principen", som förstör gamla patriarkala band och familjebanden och tänder flammorna av själviska passioner.
Prosper var romanens mästare Merimee (1803-1870), en enastående realistisk författare. Hans noveller är lakoniska, strikta, eleganta. De är starka och ljusa karaktärer, hela karaktärer, kapabla till starka känslor - "Carmen" (fungerade som grund för Bizet med samma namn), "Colomba", "Falk". Även i de noveller där författaren skildrar romantiska hjältar och romantiska situationer översätts inte handlingen till ett romantiskt plan utan ger en realistisk motivation.
Skrev Merimee och spelar. Ett av författarens enastående verk är lek-kröniken "Jacqueria", som skildrar bondrörelsen under XIV-talet. Han skrev den enda stora romanen "The Chronicle of the Times of Charles IX", som berättar om katolikernas och protestanternas kamp och händelserna under St. Bartholomews Night. Författaren debunker fanatisk intolerans.
I samband med förändringen av bourgeoisiens politiska ställning efter 1848-revolutionen och dess vägran att samarbeta med arbetarklassen framträder en ny typ av kritisk realism i fransk litteratur - författare vägrar att skapa kraftfulla bilder, och begreppet typiskt reduceras till det mest utbredda, vanliga. I allmänhet är konsten ännu närmare livet.
Den största representanten för det nya realismstadiet var Gustave Flaubert (1821-1880). Författarens inställning till befolkningens sociala skikt var motstridig: han hatade borgarklassen hela sitt liv, han behandlade massorna med förakt och ansåg politisk verksamhet meningslös. Därför uppmanar Flaubert konstnären att "gå till elfenbenstornet", för att tjäna skönhet. Trots denna ståndars inkonsekvens gav Flaubert en anmärkningsvärd skildring av den borgerliga vulgariteten, utan att hålla sig borta från den sociala kampen. Ett av de enastående verken Flaubert- romanen "Madame Bovary". I mitten av romanen är bilden av en kvinna från en borgerlig miljö. Uppvuxen av romantisk litteratur försvinner hon i en kollision med den borgerliga verkligheten. Romanen "Sinnets utbildning" skildrar provinsens och Paris moral, den borgerliga moraliska obetydligheten. I denna roman utvecklas temat för en ung man, trög, inert, oförmögen till kraftfull aktivitet. Romanerna "Salammbo", "Legenden om St. Julian den barmhärtiga" och "Herodias" bygger på historiska tomter, där situationen för avlägsna epoker återställs med vetenskaplig objektivitet. Författaren har uppnått en noggrann återgivning av realistiska detaljer, djupet av psykologisk analys, avslöjad genom en intern monolog.
England:
Englands litteratur. Den skotska författaren Walter Scott (1771-1832) var nära romantiker av sitt intresse för medeltiden. I början av dess kreativ väg han samlade skotsk folklore och skrev romantiska dikter. Realistisk prosa gav honom världsberömmelse.
Walter Skol är skaparen av den historiska romangenren som kombinerar romantiska och realistiska tendenser. Skottens familjeklans död återspeglas av författaren i romanerna "Weverley", "Rob Roy". Romanerna "Ivanhoe" och "Quentin Dorward" målar en bild av medeltida England och Frankrike. Romanerna "The Puritans" och "The Legend of Monrose" belyser klasskampen som utvecklades i England under 17--1800-talen.
W.Scottens arbete kännetecknas av en speciell komposition av romaner, förutbestämd av betoning på beskrivningen av folks liv, liv och seder och inte av kungar, generaler, adelsmän. Samtidigt, som skildrar privatlivet, återger författaren en bild av historiska händelser.
En av världens stora konstnärer - Charles Dickens (1812-1870), han är grundaren och ledaren för kritisk realism i engelsk litteratur, en enastående satiriker och humorist. Hans tidiga arbete, The Pickwick Papers, visar fortfarande det patriarkala England. Dickens skrattar åt hans hjältes godhjärtighet, trovärdighet och naivitet och sympatiserar med honom och skuggar hans ointresse, ärlighet, tro på godhet.
Nästa roman, The Adventures of Oliver Twist, skildrar en kapitalistisk stad med sina slumområden och de fattigas liv. Författaren, som tror på rättvisans triumf, får sin hjälte att övervinna alla hinder och uppnå personlig lycka.
Men fungerar Dickens är fulla av djupt drama. Författaren gav ett helt galleri av bärare av social ondska, som är representanter för den borgerliga klassen. Detta är usurören Ralph Nickleby, den grymma läraren Oakwiers, den hycklare Pecksniff, misantropen Scrooge, den kapitalistiska Bounderby. Dickens största prestation är bilden av Mr. Dombey (romanen "Dombey och Son") - en man vars känslor har dött, och hans självbelåtenhet, dumhet, själviskhet, ödmjukhet skapas genom att tillhöra ägarvärlden.
Sådana kvaliteter hos Dickens som oåterkallelig optimism, ljus och mycket nationell humor, nykter, realistisk syn på livet - allt detta gör honom till den största folkförfattaren i England efter Shakespeare.
Dickens samtida - William Thackeray (1811-1863) i den bästa romanen "Vanity Fair" avslöjar levande och bildligt de borgerliga samhällets laster. I detta samhälle spelar alla sin avsedda roll. Thackeray ser inte godsaker, han har bara två kategorier karaktärer - bedragare eller lurade. Men författaren strävar efter psykologisk sanning, undviker det groteska och överdrivna i Dickens. Thackeray behandlar den borgerliga adeleliten med förakt för samhället, men han är likgiltig för de lägre klassernas liv. Han är en pessimist, en skeptiker.
I slutet av XIX-talet. den realistiska inriktningen av engelsk litteratur representerades huvudsakligen av tre världsberömda författares verk: John Galsworthy (1867-1933), George Bernard Shaw (1856-1950), Herbert George Wells (1866-1946).
Så, D. Galsworthy i trilogin "The Forsyte Saga" och "The Modern Comedy" gav en episk bild av det borgerliga Englands moral. sent XIX- tidigt XX århundraden. avslöja den destruktiva rollen som ägande i både offentligt och privatliv. Han skrev drama. Han var engagerad i journalistik, där han försvarade realismens principer. Men slutet på ett kapitel-trilogi visade konservativa tendenser.
D. B. Shaw är en av grundarna och de första medlemmarna av det socialistiska "Fabian Society", skaparen av dramadiskussioner som är inriktade på konflikten mellan fientliga ideologier, en kompromisslös lösning på socioetiska problem ("Widower's Houses", "Mrs. Warren's Profession", " Applecart "). Shaws kreativa metod kännetecknas av en paradox som ett medel för att störta dogmatism och fördomar (Androcles and the Lion, Pygmalion), traditionella föreställningar (historiska pjäser Caesar och Cleopatra, St. John).
HD Wells är en klassiker av science fiction-litteratur. I romanerna "The Time Machine", "The Nividimka Man", "The War of the Worlds" litade författaren på de senaste vetenskapliga begreppen. Författaren kopplar de problem som uppstår inför människor i samband med vetenskapliga och tekniska framsteg med sociala och moraliska prognoser om samhällets utveckling: "Människans historia blir alltmer en konkurrens mellan utbildning och katastrof."
Musikalisk konst. I It och l och på XIX-talet. under förhållandena för politisk reaktion visade sig opera vara den mest utbredda och demokratiska genren inom teaterkonst. Höjdpunkten för realism i 1800-talets musikopera - arbetet med den stora italienska kompositören Giusete Verdi (1813-1901), nära förknippad med den italienska befrielsesrörelsen (Nabucco, Lombardiet i första korståget). I sådana operaverk som "Hernani", "Macbeth", "Slaget vid Legnano" uttrycks protester mot allt våld och förtryck. Föreställningarna för Verdis operaer, genomsyrade av idéerna om kampen för Italiens befrielse och enande, åtföljdes av stormiga patriotiska demonstrationer.
Operarealismens mästerverk är Verdis operaer Aida, Othello och Falstaff. Dessa är musikdrama med en kontinuerlig utveckling av action. Scenerna är konstruerade fritt, med en flexibel övergång från recitativ till monolog, från solo till ensemble. En viktig plats ges till orkestern. Verdi har en komplett fusion av musik med dramatisk action. Demokrati, djup mänsklighet av Verdis kreativitet gav honom stor popularitet. Hans operor finns ständigt i repertoaren operahus världen.
Italienska operaer gav liv till nya principer för sång- och scenuppträdande: sångens dramatiska uttrycksförmåga, sångarens skådespelande, den historiska noggrannheten i scener och kostymer. Sångarna A. Patti, J. Pasta, I. Kolbran och andra, sångarna M. Battistini, F. Galdi och andra var anmärkningsvärda sångare, representanter för bel canto med världsberömmelse.
Under samma period uppträdde en ny riktning i opera - den rätta (nt. Verismo, från vero - sant, sanningsenligt). Dess representanter är kompositörer R. Leoncavallo (1857-1919), P. Mascagni (1863-1945), Um. Giordano (1867-1948), G. Puccini (1858-1924). Dessa mästares verk är baserade på viktiga tomter; sanningsenlig uppvisning av vanliga människors andliga värld; känslomässigt uttrycksfull musik, brist på en hög social idé. En viss utföringsstil utvecklades också - överdrivet uttryck, sentimental ångest, akut drama. Det bästa fungerar denna riktning - "Lantlig ära" Mascagni, "Pagliacci" Leoncavallo. Tack vare det psykologiska djupet övervinner G. Puccinis arbete, som skrev "Böhmen", "Tosca" "Chio-cio-san", ramarna för verism.
I Frankrike utvecklades lyrikopera, som skiljer sig från stor opera i mer intima teman och tomter lånade från klassisk litteratur. Dessa är operaerna "Manon" och "Werther" av J. Massenet, "Faust" och "Romeo och Julia" av C. Gounod, "Hamlet" av A. Thomas och andra. Lyriska operaer skapades på exotiska orientaliska teman. Dessa är "Lakme" av L. Delibes, "Pearl Seekers" och "Jamile" av J. Bizet, "Samson och Delilah" av C. Saint-Saens. I lyriska operaer är mänskliga upplevelser sanningsenligt och subtilt förkroppsliga. Poetism är kännetecknande för skildringen av vardagen. Dessa operas musikalspråk är demokratiskt, nära urban folklore.
Höjdpunkten för realism i Frankrikes operakonst erkänns som J. Bizets opera Carmen. Bizets kreativitet kännetecknas av förfining av former, tydlighet i presentationen. Operans hjältar är vanliga människor med starka och motstridiga karaktärer. Denna opera förkroppsligar den spanska nationella musikalsmaken. Den innehåller en spänd kurs av dramatiska händelser, en mängd olika folkscener. Detta är en av de mest populära operaerna i världen. PI. Tsjajkovskij erkände det som "ett mästerverk i ordets fulla mening."
Mitten av 1800-talet blev tidpunkten för födelsen av en ny musikgenre - operett - en lätt opera, inklusive både dans och dialog (härledd från komisk opera). Operettens hemland är Frances, och grundarna var kompositörerna F. Herve och J. Offenbach.
I A v s t r och i början av XIX-talet. Tillsammans med Wien, Salzburg, Seisenstadt, Esterhaza och andra blev musikcentra. Vienna Court Opera öppnades 1869 och denna teater blev landets ledande musikteater. Hans repertoar dominerades av franska och italienska operaer. Under den sista tredjedelen av XIX-talet. venetoperetten utvecklades. Grundarna: F. Suppe (1819-1895), som skrev "Vackra Galatea", "Boccaccio" och en av hans bästa operetter - "Donna Juanita"; I. Strauss (son) (1825-1849) - hans bästa skapelser "The Gypsy Baron", "The Bat" m.fl. ”,” Stackars Jonathan ”.
I dessa kompositörers arbete används folkmelodier, dansrytmer i stor utsträckning, operetter är melodiska.
De wienska valsarna ("Blue Donau", "Tales of the Vienna Woods", etc.), tack vare vilket han fick namnet "King of Waltzes", förde också världsberömmelse till I. Strauss.
Trots det faktum att för arbetet av engelska kompositörer från XIX-talet. i allmänhet frånvaron av en uttalad nationell karaktär, operakultur i Angl och växte intensivt. Covent Garden Theatre var den största i England och var värd för föreställningar av italienska Royal Opera. 1856 bildades Royal English Opera. I slutet av XIX-talet. den period som gick in i historien under namnet på den engelska musikaliska renässansen börjar - kompositörernas intresse för nationella teman ökar.
Konst. I denna konstform är realismens huvuddrag förståelsen av en persons sociala karaktär. Men i målningen är realism närmare associerad med visuella medel, vilket skapar en illusion av visuell äkthet.
Den realistiska trenden i målning av Franz och stärkte sin position i mitten av 1800-talet. efter revolutionen 1848 I den franska konstens historia har det aldrig varit en kamp mellan två läger, två i grunden motsatta konstnärliga kulturer var inte lika akut som under denna period. De bästa egenskaperna hos det franska folket och deras avancerade konst förkroppsligades av artister som Millet, Courbet, Manet, Carpa. De fick inte delta i utställningarna, jagade i tidningar och tidskrifter. De motsattes av massan av konsthandlare, favoriter av Napoleon III och hela reaktionär bourgeoisi i andra imperiet.
J. F. Mimet (1814-1875) i sina episka monumentala och fulla av sanningsbilder visade det franska bönderiet, dess arbete, dess moraliska styrka ("Vetens skördare", "Angelus").
Millet och Courbet blev föregångarna till impressionismen. Edouard Manets verk (1832-1883) är tillägnad Paris. Han är en av de strålande färgarna i konstvärlden. I hans målningar, med fantastisk vaksamhet och friskhet, förmedlas den sanna karaktäriseringen av alla slags invånare i Paris ("Frukost i studion", "Läsning", "I en båt", "Dana"), som förmedlar utseendet på dåvarande Frankrike fram till i dag. Även om Manet i sina första målningar försökte tänka om de gamla mästarnas bilder och tomter i modernitetens anda ("Frukost på gräset", "Olympia"), började han skapa målningar på vardagliga, historiska, revolutionära teman. Den mest kraftfulla sidan i den franska kritiska realismens historia är hans sista målning, Baren vid Folies-Bergeres, om ensamheten i den mänskliga existensen. I väntan på impressionismen vände han sig mot ljus utomhusmålning ("Argenteuil") (Plein air (fransk plein air, bokstavligen - utomhus) - i målning, reproduktion av förändringar i luftmiljön orsakad av solljus och atmosfärens tillstånd).
Glans- och y-målningens glansdag är på 1800-talet. för århundradets första tredjedel. Det är förknippat med utvecklingen av lysande landskapsmålning.
En av de mest utmärkande konstnärerna på hans tid var William Termou (1775-1851). Han reste mycket i Europa och hans landskap fick en romantisk inriktning ("Shipwreck"). Fet i koloristiska och lätta luftiga sökningar, med en förvrängd skala av föremål, är hans målningar som de var föregångarna till impressionismen ("Regn, ånga och hastighet"). Han blev också känd som en historisk målare som skapade landskap med mytologiska eller historiska scener ("The Garden of Hesperides", "Dido Building Carthage", etc.)
F. Goyas arbete. Efter Velázquez död 1660 var spansk konst i djup nedgång i hundra år. Och bara i slutet av 1700 - början av 1800-talet. bakåt Spanien oväntat fram lysande konstnärFrancisco Goya (1746 - 1828), som inte bara blev en av Spaniens största målare och grafiska konstnärer utan också hade ett djupt inflytande på all europeisk konst under 1800- och 1900-talet. Han skapade ett stort antal vackra fresker, målningar, etsningar, litografier, teckningar. (Etsning (från fransk salpetersyra) är en typ av gravyr där en ritning repas med en gravyrnål i ett lager av syrabeständig lack som täcker en metallplatta. De repade platserna etsas med syra och den resulterande djupbilden fylls med färg och dras på papper.)
Teater. I det politiskt fragmenterade Herman koncentrerades teatralivet i små städer där domsteatrarna spelade den klassiska repertoaren.
Avskaffandet av monopolet på domstolsteatern 1869 ledde till att många kommersiella teatrar uppstod och att repertoarens konstnärliga nivå minskade. Meiningen-teatern, som 1871 blev en stadsteater, inledde kampen för att skapa föreställningar som ett enda scenverk. De största aktörerna i Tyskland i mitten och slutet av 1800-talet. var B. Davison, A. Mashkovsky, E. Possart.
I pjäserna av G. Ibsen, G. Hauptmann, strålade de stora tragedierna I. Caina och A. Zorma.
Vid sekelskiftet blev Berlin Tysklands teatercentrum. År 1883 öppnades Tysk teater, 1889 - Free Theatre, som främjade dramat för Ibsen, Hauptmann, E. Zola, L. Tolstoy.
I början av XIX-talet. teaterliv A i st r och präglades av en stor kreativ blomning av teatrarna i förorterna, som var förknippad med aktiviteterna av dramatiker F. Raimund och skådespelaren I. N. Pestrai. Men efter revolutionen 1848 förlorade dessa teatrar sin demokratiska karaktär; underhållande pjäser dominerar i deras repertoar.
Under andra hälften av XIX-talet. den ledande platsen i teaterlivet i Österrike ockuperades av "Burg-Theater". Dess ledare G. Laube godkände klassikerna på scenen. I 70-8Q-e. teatern regisserades av F. Dilgenstedt, som arrangerade en cykel av Shakespeares tragedier, pjäser av Ibsen, Gogol, Turgenev, L. Tolstoy.
Balett. Födelseplatsen för modern europeisk balett är I t och l. Italiensk balett baserades på traditionerna från forntida pantomime och dans och den rika kulturen inom folkdans. Vid början av XVIII-XIX århundraden. i utvecklingen av den italienska baletten började en ny etapp som sammanföll med det italienska folkets befrielsekamp. Föreställningar skapades baserat på principen om effektiv balett, mättad med drama, dynamik och uttryck. Sådana baletter arrangerades av G. John och S. Vshit; dansare-pantomimister uppträdde i dem.
La Scala-teatern ansågs vara det största centrumet för balettkonst i Europa. 1813 inrättades en balettskola på teatern.
Under andra hälften av XIX-talet. i Italien, liksom i andra länder i Västeuropa, skedde en nedgång i balettkonst. Vid denna tidpunkt etablerades en virtuos prestationsstil. Uppmärksamheten är inriktad på att övervinna tekniska svårigheter, och dramatisk uttrycksförmåga kastas tillbaka i bakgrunden. På 80-talet av XIX-talet. huvudsakligen förtrollande föreställningar arrangerades, utmärkte sig av deras besvärlighet och som regel saknade ideologiskt innehåll.
BODLER Charles - Fransk poet. B.s poetiska aktivitet sammanföll med blomningen av romantiska och parnassiska trender i fransk litteratur. Efter stormen i den franska revolutionen och epiken i Napoleonskriget upprättades en borgerlig ordning i Frankrike, som inte bara uppfyllde de breda massornas ambitioner, utan också de mellanliggande straternas ambitioner, den småborgarklassen, som producerade det största antalet konstnärer i allmänhet och författare och poeter i synnerhet.
Det bör också noteras att Baudelaire verkade vakna under epoken 1848, när en stark revolutionär krampan skakade den borgerliga världen. Vid denna tid tillhör hans verk - "Twilight", "Dawn" och "Rag-pickers 'Revel". Demokratiska och lite revolutionära anteckningar började dyka upp i B.s poesi, men de bleknade snart bort i ännu mörkare besvikelse.
Hans huvudverk är Flowers of Evil (Les fleurs du mal, 1857; det finns ryska översättningar av Yakubovich-Melshin och Ellis; många andra poeter översatte det också: Sologub, Vyacheslav Ivanov, etc.). "Blommor av ondska" är de viktigaste stämningarna som vi pratade om ovan. En samtida av parnassierna, som krävde en extraordinär filigran poetisk form, strukturens fasthet, ekonomi i ord, strikt rytm och val av bilder och djup korrespondens av uttryck till dem, B. inte bara följde alla dessa villkor, men visade sig vara en av de största mästarna i en sådan klassiker på sin egen sätt form. vers. B. tillhör rasen av skulptörpoeter. Han snider eller smider sina dikter. Hans verk är solida, varje ord står definitivt på sin plats. Färdigheten är modig här.
Realismen som en självständig trend etablerades på 1840-talet, som senare övergick till formen av kritisk realism (den högsta punkten för realism - exponering av samhällets laster). Utvecklingen av realism åtföljdes av utvecklingen av det kapitalistiska produktionssättet och följaktligen av tillväxten av sociala motsättningar, vilket återspeglades i den tiden av konsten.
Realism i 1800-talets konst kombinerar med romantik
Besvikelse över resultatet av revolutionerna
Negativ inställning till den borgerliga verkligheten
Överklagande till en persons andliga värld
Kampen för självbekräftelse
Nationalitetens tema är nära
Men till skillnad från romantiker, flyr från verkligheten, med tanke på nödsituationer, extraordinära personligheter, heroiska situationer, stormiga passioner i livet, realism tränger djupt in i verkligheten, i det offentliga livet.
Nya tillvägagångssätt från 1800-talets realistiska artister i att återspegla vad som verkligen händer "här och nu".Konstnärerna var övertygade om möjligheten att känna den objektivt existerande världen med hjälp av konst. De vände sig till scener från det borgerliga livet, belyste böndernas liv, de urbana lägre klassens vardag.
En av de första realisterna i fransk målning var Gustave Courbet, som tog upp ämnet arbete ("Stone Crushers"), skrev sociala dukar baserat på verkliga motiv ("Begravning vid Ornans"). Courbets "proseism" är en öppen utmaning för officiell kritik.
Francois Millet - en bondegenre utan melodramatiska och etnografiska nyanser, men genom överföring av poser, gester, kroppsrörelser avslöjade den arten av arbetsprocessen, styrkan och skickligheten hos bönderna ("bondekvinnor med borstved", "samlare av öron") - episka monumentala dukar fulla av vitalitet och sanning ...
Honore Daumier är en konstnär av kritisk realism som, precis som O. Balzac, skapade tidens "mänskliga komedi" i tusentals litografier, teckningar och målningar - karikatyrer av kung Louis-Philippe i de satiriska tidningarna "Karikatyr" och "Sharivari" ("Sänk gardinen" ), dess huvudsakliga genre är moralens satir: den filistinska världen av bedragare, dårar, provinser i huvudstaden ("Figures of Justice"). "Laundress" är inte ett porträtt, utan en kollektiv bild av alla parisiska tvätterier; ett porträtt där författaren uttryckte all sin kärlek till folket. En serie illustrationer för Don Quijote, där i bilden av huvudpersonen konstnären försökte återspegla sin egen position i samhället, temat för mänskligt lidande. Hans sociala skärpa är en motvikt mot den förbjudna censuren.
Franska nationella landskapet:
Jean Baptiste Camille Corot - naturens poetiska andlighet; favoritmotiv - "efter regnet", dvs. förändrad natur; den silverfärgade tonaliteten i hans målning "Koro's Grey Haze".
Barbizon-skolan - huvudmålet: bilden av det nationella landskapets originalitet, överföringen av de förändrade naturtillstånden, avvisandet av kompositionskanoner. Theodore Russo - "Landskap med en bro" - ett landskap från naturen, särskild uppmärksamhet på form, alla träd är individuella, bildmodellering gör dem omfattande och nästan skulpturella, deras monumentalitet betonas av en låg horisont.
Jules Dupre - "Autumn Landscape" - effekten av den nedgående solen betonar kontrasten i höstlandskapets färger efter regnet, träden som dominerar i kompositionen är särskilt högtidliga.
Charles Daubigny - flodlandskap ("Oise-bankerna"), önskan att fånga de minsta förändringarna i naturens tillstånd, en subtil bildöverföring av ljusomslutande föremål.
Sedan slutet av 1700-talet. Frankrike spelade en viktig roll i det sociala och politiska livet i Västeuropa. XIX-talet. markerad av en bred demokratisk rörelse som omfamnade nästan alla franska samhällelag. Revolutionen 1830 följdes av revolutionen 1848. 1871 gjorde folket som utropade Pariskommunen det första försöket i Frankrikes och hela Västeuropas historia för att ta politisk makt i staten.
Den kritiska situation som rådde i landet kunde bara påverka människors attityd. Under den här eran försöker den progressiva franska intelligensen hitta nya vägar i konst och nya former av konstnärligt uttryck. Därför avslöjades realistiska tendenser i fransk målning mycket tidigare än i andra västeuropeiska länder.
Revolutionen 1830 gav demokratiska friheter liv i Frankrike, som grafiker inte misslyckades med att dra nytta av. Skarpa politiska karikatyrer riktade mot de härskande kretsarna, liksom de rådande rådande i samhället, fyllde sidorna i tidningarna "Sharivari", "Karikatyr". Illustrationer för tidskrifter gjordes med litografiteknik. Sådana artister som A. Monier, N. Charlet, J. I. Granville, liksom den underbara franska grafikern O. Domier arbetade inom karikatyrgenren.
En viktig roll i fransk konst under perioden mellan revolutionerna 1830 och 1848 spelades av den realistiska trenden i landskapsmålning - den så kallade. barbizon skola. Denna term kommer från namnet på den lilla pittoreska byn Barbizon nära Paris, där på 1830--1840-talet. många franska konstnärer kom för att studera naturen. Otillfredsställda med traditionerna för akademisk konst, saknar levande konkretitet och nationell identitet, stred de till Barbizon, där de noggrant undersökte alla förändringar som ägde rum i naturen och målade bilder som visar blygsamma hörn av fransk natur.
Även om mästarna på Barbizon-skolan kännetecknas av sin sanning och objektivitet känns författarens humör, hans känslor och känslor alltid i dem. Naturen i Barbizon-folks landskap verkar inte majestätisk och avskild, den är nära och förståelig för människan.
Ofta målade konstnärer samma plats (skog, flod, damm) vid olika tidpunkter på dagen och under olika väderförhållanden. De bearbetade skisser gjorda utomhus i verkstaden och skapade en bild som var integrerad i kompositionskonstruktionen. Mycket ofta i den färdiga målningen försvann färskheten i färgerna som är inneboende i skisser, så dukarna hos många Barbizonians utmärkte sig med en mörk färg.
Den största representanten för Barbizon-skolan var Theodore Rousseau, som redan var en berömd landskapsmålare, drog sig tillbaka från akademisk målning och kom till Barbizon. Protesterar mot den barbariska avskogningen, ger Rousseau naturen mänskliga egenskaper. Han sa själv att han hör trädens röster och förstår dem. En utmärkt skogskännare, konstnären förmedlar mycket träffs struktur, art, skala ("Fontainebleau-skogen", 1848-1850; "Ekar i Agremont", 1852). Samtidigt visar Rousseaus verk att konstnären, vars stil bildades under inflytande av akademisk konst och målning av de gamla mästarna, inte kunde, oavsett hur hårt han försökte, lösa problemet med att förmedla ljus-luftmiljön. Därför är ljus och färg i hans landskap oftast villkorade.
Rousseaus konst påverkade starkt unga franska konstnärer. Representanter för akademin, som var inblandade i valet av målningar för salongerna, försökte förhindra Rousseaus arbete på utställningar.
Berömda mästare på Barbizon-skolan var Jules Dupre, vars landskap innehåller särdrag av romantisk konst (The Big Oak, 1844-1855; Landscape with Cows, 1850) och Narcis Diaz, som bebodde skogen i Fontainebleau med nakna figurer av nymfer och antika gudinnor (Venus med amor ", 1851).
Charles Daubigny, som började sin karriär med illustrationer, var en representant för Barbizonians yngre generation, men på 1840-talet. tillägnad landskapet. Hans lyriska landskap, tillägnad anspråkslösa naturhörn, är fyllda med solljus och luft. Mycket ofta målade Daubigny från naturen inte bara skisser utan också färdiga målningar. Han byggde en båtverkstad där han seglade längs floden och stannade på de mest attraktiva platserna.
Den största franska konstnären på 1800-talet var nära Barbizonians. K. Corot.
Revolutionen 1848 ledde till en extraordinär uppsving i Frankrikes offentliga liv, i dess kultur och konst. Vid den här tiden arbetade två stora representanter för realistisk målning i landet - J.-F. Millet och G. Courbet.
Fransk realism är främst associerad med namnen på Stendhal och Balzac, och detta är historiskt sant. Vi får emellertid inte glömma att de hade begåvade föregångare, i vars verk de realistiska skrivprinciperna var mycket tydliga. Vi talar om poeten Pierre-Jean Beranger, allmänt känd för sina sånger, och prosaskribenten Paul-Louis Courier, den berömda broschyren, som återvände det franska språket med Stendhals ord "till dess tidigare enkelhet." Berangers sånger och Couriers broschyrer bidrog till utvecklingen av realistisk poetik. Samma mål eftersträvades av vardagliga, moraliskt beskrivande och "fysiologiska" uppsatser, som blev den franska realismens massskola.
Under första hälften av 1800-talet uppträdde stora författare på Frankrikes litterära arena, som gav henne världsberömmelse: Frederic Stendhal (pseudonym för Henri-Marie Beyle; 1783-1842), Honore de Balzac (riktigt namn Balsa; 1799-1850) och Prosper Mérimée (1803 -1870).
Stendhal (romaner "Armane", "Red and Black", "Parma Cloister", "Lucien Leuven", "Lamiel", berättelsen "Memoirs of an Egoist", novellen "Vanina Vanini", böckerna "The Life of Haydn, Mozart and Metastasio", " Historien om måleri i Italien "," Rom, Neapel och Florens "," Om kärlek "," Rossinis liv "," Racine och Shakespeare "och andra verk) skapade en realistisk psykologisk roman. Detta var hans huvudsakliga förtjänst, som världens litterära rörelse inte gick förbi.
Stendhal var en demokrat som letade efter orsakerna till fenomen i den omgivande verkligheten. Han hade ett exceptionellt intresse för det mänskliga sinnet och dess förbindelser med sinnena. Stendhal var van vid att tänka att grunden för alla mänskliga handlingar är en personlig, egoistisk önskan, som emellertid måste underordnas moralisk känsla. Han fäste stor vikt vid viljan och ansåg den vara en av personlighetens huvudkrafter.
I konstverk Stendhal lägger, till skillnad från andra realister, särskilt från Balzac, en starkare tonvikt på människans inre värld än på samhället och hjälten. En person lockar honom inte så mycket som en social produkt, som hans medvetandes liv. Ändå överger inte Stendhal den sociohistoriska determinismen. Så, kring Pietro, hjälten i romanen "Vanina Vanini", med en romantisk gloria, motiverar Stendhal sin passion med nationalitet (italienska), religionens speciella roll i hans sinne (efter nederlag, han, en patriot, känner sig straffad och tillgriper religionens hjälp), social känsla, befaller honom att föredra en kvinnas kärlek framför att älska för hemlandet. Förklarar principerna för kreativitet använder Stendhal sin erfarenhet och drar karaktärerna som han skildrade bland de människor som är bekanta för honom: ”Jag tar en av de människor jag kände och säger till mig själv: den här personen har fått vissa vanor och går varje morgon på jakt efter lycka, och sedan ger jag honom lite mer intelligens. " Stendhal trodde att en person (och på många sätt ett samhälle) styrs av passioner. Den viktigaste av dem är kärleken, som har blivit centrum för hans konstnärliga intresse.
Stendhal pekar ut fyra kärlekspassioner (On Love): "passion-love", "passion-ambition", "passion-attraktion", "fysisk passion". Primär uppmärksamhet ägnas åt de två första, varav "passion-love" är sann och evig, och "passion-ambition" är hycklerisk och född på 1800-talet.
Stendhals psykologi bygger på kontrasten mellan "passion-love" och "passion-ambition", å ena sidan, och på kontrasten mellan passion och förnuft, å andra sidan. Stendhals hjälte, som Pechorin senare i Lermontovs, märker att det finns två i honom i en person: den ena lever och agerar, och den andra observerar honom. Från upplevelsen av kontemplation drar författaren en viktig slutsats: "Själen har bara tillstånd, den har inga stabila egenskaper." Det mest djupgående sättet att avslöja den inre världen, själens liv, är den inre monolog som är karakteristisk för alla författarens huvudpersoner - Julien Sorel, Lucien Leuven, Fabrizio del Dongo, etc.
I Stendhals mentala liv är han intresserad av tankens rörelse, eftersom passioner är genomsyrade av en rationell princip. Författaren stannar innan han undersöker mentala tillstånd och pekar bara på dem. Men karaktärernas handlingar porträtteras alltid av honom i samband med reaktioner på dem, och detta ger en uppfattning om den oändliga individualiteten hos människors rationella och sensoriska upplevelse.