є відповіді на всі ці питання. Наводимо ази, з чого починати заняття живописом. Дотримуйтесь цих порад, виконайте вправи і ви вже не будете боятися чистого аркуша. Ви отримаєте необхідні знання та базові навички. Живопис стане ближче, зрозуміліше і буде доставляти море задоволення.
Частина 1. Підготовча
1. Знайдіть надихаючий об'єкт для малювання
Буває так, що ви вже все приготували, але не можете знайти об'єкт, який надихнув би вас. Про це варто подбати заздалегідь. Що-небудь цікаве напевно завалялося в шафах і ящиках столу. Доглядайте об'єкти на розпродажах, в комісійних і продуктових магазинах. Вивчайте картини улюблених художників.
В добірку повинні входити предмети, на які приємно дивитися: це важливо для створення успішної роботи.
Інтерес до кольору і формі буде вас мотивувати в процесі роботи над картиною. Існує зв'язок між почуттями до об'єкту і можливістю розкрити свій творчий хист. Ви зможете більше, ніж вам здається.
Для першої картини згодиться простий одноколірний симетричний посудину, наприклад звичайна кавова чашка. Ілюстрація з книги
2. Познайомтеся з кистями і фарбами
Візьміть в руки м'яку круглу і щетинну кисті і порівняйте їх ворс. Видавіть на палітру трохи акрилової фарби з тюбика. Спробуйте нанести нерозбавлену фарбу різними кистями на полотно або акварельний папір. мазки повинні вийти яскравими і рельєфними. Відчуйте відмінності в мазках різними кистями. Додайте трохи води і нанесіть мазки ще раз. Середня консистенція фарби має таку ж інтенсивність кольору, як і нерозбавлена, але її фактура при цьому згладжена. І зробіть цю вправу ще раз зі слабким розчином фарби. Відзначте, як швидко висихають фарби в перший, другий і третій раз.
Ілюстрація з книги
Спробуйте наносити фарбу різними кистями - овальної м'якою, синтетичної тонкої, щетинистою плоскою. Пробуйте кожну кисть, поки не будете впевнені в тому, що знаєте, який пензлем скористатися, щоб реалізувати задуманий малюнок.
Ілюстрація з книги
3. Корисні прийоми роботи з палітрою
Кольори на картинах, які ми бачимо, як правило, отримані за допомогою змішування: чистий колір з туби зазвичай занадто інтенсивний. Ці прийоми полегшать вам отримання потрібного кольору.
- 1Видавлівайте фарбу з туби на край палітри, залишаючи відстань між квітами. Центр палітри використовуйте для змішування. Заміси робіть подалі один від одного, щоб запобігти небажаному змішування.
- Чистий колір на кисть набирайте з краю палітри, а не зверху і не з середини видавленою «ковбаски».
- Інтенсивні темні кольори, такі як чорний (хоча він і не вважається кольором з наукової точки зору), додавайте з обережністю: навіть невелика його кількість може значно змінити змішуваний колір.
- Перемішувати кольору між собою потрібно до тих пір, поки заміс не стане повністю однорідним.
- Не шкодуйте фарбу. Видавлюйте стільки, скільки потрібно, - зазвичай це коло розміром з рубльову монету (для білил - з п'ятирублеву). Витрата фарби - невід'ємна частина процесу живопису. Будете надмірно економити - так і не навчитеся користуватися фарбою.
4. Навчіться отримувати нейтральні кольори
У будь-якій картині присутні нейтральні кольори - «візуально сірі». Через низької інтенсивності на перший погляд вони непомітні, але це найкорисніший інструмент для створення гармонійної колірної композиції. Давайте подивимося, як цього домогтися.
Змішайте синій і помаранчевий в будь-якій пропорції. Тепер давайте спробуємо змінити колірну температуру за рахунок пропорційного співвідношення теплого і холодного квітів в суміші. Якщо результат швидше фіолетовий, спробуйте зробити іржавий колір, додавши більше помаранчевої фарби, а потім білил для більш світлого персикового кольору. Якщо на першому етапі утворився іржавий колір, додайте синього, щоб вийшов холодний колір, близький до фіолетового, а потім білил, щоб вийшов світлий фіолетово-сірий.
Повторіть попередні кроки для іншої пари додаткових квітів - жовтого і фіолетового, червоного і зеленого.
Короткими вертикальними штрихами з'єднані пари додаткових квітів. Кольори кожної пари змішані один з одним для отримання двох нейтральних кольорів, в кожному з яких домінуючим був один з батьківських квітів, - вони розташовані праворуч від відповідного батька. Ілюстрація з книги
5. Основні, вторинні і третинні кольори
Намалюйте коло, потім розбийте його на три однакових сектора. Верхній сектор зафарбуйте кадмієм жовтим середнім, правий нижній - синім ультрамарином, а потім змішайте основний червоний з нафтола малинового і кадмію червоного світлого і зафарбуйте їм лівий нижній сектор.
На колірному колі з основних кольорів намалюйте півкола з центрами в перетині кордонів сектора з зовнішнім контуром колірного кола. Зафарбуйте ці півкола вторинними квітами, розташувавши над «батьками»: кадмій червоний світлий над кордоном між червоним і жовтим, фіолетовий діоксазіновий над кордоном між червоним і синім. Додайте жовтий в зелену ФЦ і зафарбуйте зелений півколо над кордоном між жовтим і синім.
Основний колір при змішуванні з лежачим поруч вторинним дає третинний. Додайте по одному трикутнику з кожного боку півкола, всього їх вийде шість. Зафарбуйте кожен трикутник, орієнтуючись на підписи.
Основні, вторинні і третинні кольори. Ілюстрація з книги
Частина 2. Рісовательная
6. Почніть з абстракцій
Абстракція - цікавий і простий спосіб підготовки до роботи над реалістичним твором. Важливо вибирати 3-4 кольори, які вам подобаються, щоб відчувати емоційний зв'язок з картиною. Намалюйте по всій поверхні листа простим олівцем безперервну незграбну або округлу лінію. Вона може перетинатися кілька разів.
Зафарбуйте фігури на малюнку тими квітами і відтінками, консистенцією фарби і пензлем, які вам подобаються. Слухайте свій внутрішній голос. Головне завдання - зробити так, як вам подобається, забувши про все інше.
Ілюстрація з книги
7. Схема мазків
Початківці часто не впевнені, як наносити мазки. На малюнку стрілочками показано напрямок, яке допоможе домогтися гарної глибини зображуваного простору на прикладі гуртки.
Схема мазків і результат. Ілюстрація з книги
8. Як наносити тіні
Ключову роль у створенні об'ємного зображення грають тіні: їх-то в першу чергу потрібно навчитися бачити і писати. Всього є чотири типи тіней:
- власні тіні, Розташовані на об'єктах. Це області темного тону, що контрастують з освітленими частинами зображуваної форми. Зазвичай у них різка межа на зовнішньому контурі і плавний перехід на кордоні з областями світлого тону об'єкта. Їм належить головна роль у створенні обсягу.
- області півтони - вузькі, з м'яким контуром, розташовані на кордоні між власною тінню і освітленим ділянкою об'єкта. Ці тіні є середнім тоном між контрастними темними і світлими тонами об'єкта.
- падаючі тіні - силуети об'єкта, «впали» або відкидаються їм на будь-яку поверхню, крім себе. Вони створюють враження, що об'єкт знаходиться на якій-небудь поверхні.
- Т єни в точці дотику - найтемніша область падаючої тіні, що лежить поруч з об'єктом. Вони відповідають за «стійкість» і масу об'єкта. Ці тіні також називаються акцентом - найтемнішої областю серед темних тонів. Акцент - темний двійник відблиску, найяснішої області серед світлих тонів.
Щоб намалювати тінь, покладіть чорну фарбу або фарбу більш темного кольору, ніж основний колір. А другим етапом покрийте цей затемнений ділянку основним кольором. Чорний колір в півтоні повинен просвічувати під новим шаром фарби, створюючи кольорову тінь. Якщо хочете зробити тінь темніше, нанесіть ще чорного від чіткої межі тіні і змішайте з кольором на півтоні.
Тінь на прикладі циліндра. Ілюстрація з книги
9. Як наносити відблиски
Щоб створити реалістичний відблиск, позначте сухим пензлем з білилами найсвітліший ділянку на предмет стільки раз, скільки потрібно для достатньої яскравості. В середині відблиску покладіть невеликий мазок густий фарби для більшої яскравості.
Два приклади накладення відблисків. Ілюстрація з книги
10. Пишіть картини в уяві
Займаючись повсякденними справами, пишіть картини в уяві. Подумки шукайте відповідність між поверхнями і текстурами, які бачите навколо себе, і способами роботи з пензлем і накладенням фарби.
1) Вибір теми:
в своїй дипломній роботі я звернулася до одного з видів образотворчого мистецтва - живопису. Темою роботи був обраний пейзаж. Доречно навести висловлювання відомого російського художника-пейзажиста І.І. Шишкіна: «Картина повинна бути повною ілюзією, а це неможливо досягти без всебічного вивчення обраних мотивів, до яких художник відчуває найбільше потяг, які залишилися в його спогадах дитинства, т. Е. Пейзаж повинен бути не тільки національним, а й місцевим.» (Абельдяева І. Г. Школа образотворчого мистецтва. Вип.5. - М., 1962).
Критерієм у виборі теми послужило моє особисте ставлення до місцевого морського пейзажу. Бажання передати в картині сонячне стан, знайомий з дитинства вид Цемеської бухти, доповнений сучасними будівлями морського порту.
2) Збір матеріалу:
картина - це створення цілісного образу природи, це художнє узагальнення, перетворення природи за допомогою уяви художника. Неможливо живописно перетворити те, про що не маєш уявлення. Тому створення пейзажу завжди передує тривала робота над етюдами з натури. «Слід дивитися на природу просто, уважно, намагаючись зрозуміти її загальне враження, і від нього йти до деталей ...» (Майстри радянського мистецтва про пейзаж, 1965).
Для виконання роботи було проведено збір підготовчого матеріалу. Це замальовки, начерки олівцем, мальовничі короткочасні і тривалі етюди, виконані з натури.
(Додаток А, рис. А1-А6). Основні переваги пейзажного етюду - передача певного стану освітленості природи, впливу повітряного середовища і значного простору. Етюди були виконані в різні пори року, різний час доби.
3) композиційно- колористичне рішення:
Композиційна цілісність живописного етюду залежить від взаємини головного і другорядного, від ув'язки всього зображення в єдиний твір. При виділенні композиційного центру художнику доводиться свідомо узагальнювати деталі, послабити тон і силу кольору віддаляються від композиційного центру предметів, підпорядкувати головному все тонові і колірні відносини.
4) картон (підготовчий малюнок):
уточнивши в етюдах і ескізах задум, знайшовши лінійну і колірну композицію, потрібно приступати до малювання всієї композиції на картоні або папері (Додаток А, ріс.А7). Картон виконується в натуральну величину олівцем, вугіллям. У ньому вигострюються і доводяться до завершеності композиційне рішення, характер форми і пропорції предметів, завдання повітряної і лінійної перспективи, визначається плановість пейзажу, опрацьовується композиційний центр. Після цього малюнок з картону (через кальку або пріпорохом) переноситься на полотно.
5) Живопис на полотні:
після композиційних пошуків і виконання картону можна приступити і до живопису на полотні, почавши з подмалевка, уточнюючи тональні і колірні відносини, прокладаючи тіні, опрацьовуючи деталі. Далі йде узагальнення і завершення роботи (Додаток А, рис. А8-А14).
Анна Климова
Проект «Дивовижні можливості живопису»
проект« Дивовижні можливості живопису»
актуальність проекту
Передовий педагогічний досвід показує, що на сучасному етапі розвитку суспільства недостатньо просто чому - або навчити дитину. Активність, самостійність, ініціативність, творчість є провідними у визначенні спрямованості розвитку особистості в сучасних умовах. Реалізація самостійної, практичної і творчої діяльності дітей в області художньо - естетичного розвитку націлена, насамперед, на всебічний розвиток особистості дитини.
Вплив мистецтва на становлення особистості людини, його розвитку дуже велике. В. О. Сухомлинський писав: «У період дитинства розумові процеси повинні бути якомога тісніше пов'язані з живими, яскравими, наочними предметами навколишнього світу. Емоційна насиченість сприйняття - це духовний заряд дитячої творчості ».
Знайомлячись з видатними художніми творами, Дошкільнята вчаться розуміти гармонію природи, пізнають культуру і історію Росії, засвоюють норми поведінки та духовні цінності, прийняті в суспільстві, знайомляться з побутом і працею людей в різних сферах діяльності, особливе місце живопис займає в розвитку мови. За допомогою живопису розвивається розумова діяльність: Вміння робити узагальнення на основі аналізу, порівнювати і пояснювати, розвивати внутрішню мова (внутрішня мова допомагає дитині спланувати і висловити свої судження, співвіднести умовиводи, що виникли в результаті сприйняття задуму художника, так само вона сприяє прояву власних інтелектуальних і емоційних асоціацій). Мистецтво сприяє сприйняттю різних почуттів і формування первинних основ світогляду. Діти збагачують свій моральний досвід, у них формується моральну свідомість. Вони вчаться порівнювати свій досвід з досвідом людей, зображених художником, і переносити сприйняті в жанрової живопису способи взаємовідносин між людьми в реальні життєві ситуації.
Важливим є те, що формування всебічно розвиненої особистості дошкільника відбувається в єдиному процесі ознайомлення дітей з образотворчим мистецтвом, з народною творчістю, культурою, естетичними цінностями, з природою рідного краю. твір, добуток живопису багаті за своїм ідейним змістом і досконалі за художньою формою. З цього вони формують художній смак дошкільнят, здатність зрозуміти і оцінити прекрасне, не тільки в мистецтві, але і в житті, природі, побуті. живопис відтворює все багатство і розмаїття світу з просторової глибиною, обсягом, кольором, світлом і повітрям.
Таким чином, виникає протиріччя між можливостями живопису як засобу всебічного розвитку особистості дошкільника і недостатнім його використанні в педагогічному процесі.
мета проекту: Всебічний розвиток дошкільнят у процесі ознайомлення з живописом.
завдання проекту:
1. Ознайомити дітей з російськими художниками і їх творами і викликати у дітей стійкий інтерес до живопису;
2. Спонукати батьків і дітей до активної взаємодії з педагогами, стимулюючи бажання шукати додаткову інформацію по темі;
3. Розробити систему занять з ознайомлення дітей з живописом(Перспективне планування на навчальний рік);
4. Підвищити рівень знань педагогів і батьків про можливостях впливу живопису на всебічний розвиток дитини.
Тип проекту
За часом - довгостроковий;
тривалість проекту - вересень - квітень (2013-2014 уч. Р)
За домінуючою в проект діяльності - практико - орієнтований;
За характером контактів - внутрішньогруповий;
За кількістю учасників - колективний;
Вік дітей - 5-6 років;
Учасники проекту - педагоги, Діти старшої групи, батьки;
продукт проектної діяльності - перспективне планування, цикл занять, матеріали та додаткова інформація за темою.
Очікувані результати
1. Формування у дітей системи знань про художників та їхні твори;
2. Систематизація методичної інформації;
3. Підбір літератури та розробка перспективного плану по ознайомленню дітей з живопис;
4. Систематичне використання в роботі циклів занять з ознайомлення дітей з живописом;
5. Насичення методичної бази додатковою інформацією та матеріалами до занять по ознайомленню дітей з живописом.
Основні етапи проекту
1 - створення практико - орієнтованої проблеми
Прийшовши на заняття по ознайомленню дітей з живописом, Виставляю репродукції із зображенням осіннього пейзажу. Під час заняття слухаємо музику, зачитуємо уривки з віршів, які допомагають сприйняттю живописної картини. Діти співвідносять музичні та літературні твори з репродукцією і обгрунтовують свій вибір, але є одна репродукція (Саврасов А. К., «Осінь. Сільце біля струмка », До якої немає підходящої музики і поезії. постає питання: "Що ж робити?".
2 - висування гіпотез для розв'язання проблеми
Діти пропонують залучити бібліотекаря, який щотижня приходить до них і попросити його допомогти зробити добірку віршів про осінь. А так же, звернутися до музичного керівника з проханням підібрати музичні твори. Несподівано Валя згадує, що не так давно її сестра - школярка вчила дуже гарний вірш про осінь і обіцяє попросити маму, щоб вона його нам записала і т. Д.
3 - розподіл на групи
Після того як ми визначилися, що нам необхідно для подальшої роботи, пропоную дітям обговорити цю проблему вдома з батьками і залучити їх до спільного пошуку інформації, а може бути і доповнення нашого плану вирішення проблеми. Тим самим, обговоривши проблему та шляхи її вирішення ще раз, діти зі своїми батьками об'єднуються в мікро-групи, для збору необхідної інформації.
4 - практичне вирішення проблеми:
Створення фонотеки класичної музики, дитячих пісень;
Добірка творів літератури (оповідань і віршів, російського фольклору (прислів'я та приказки);
Підбірка ілюстрацій для розглядання;
Виставка дитячих робіт з малювання, аплікації, ліплення і ручної праці;
Екскурсії в Виставковий зал, Зимовий сад КДЦ «Арктика»;
Прогулянки та екскурсії;
Формування електронного каталогу творів живопису;
конкурс малюнків "Пори року";
5 - представлення результатів
Вся зібрана, за допомогою батьків, педагогів, бібліотекаря інформація накопичувалася, узагальнювати і систематизувалася. Після обробки зібраної інформації:
Написаний перспективний план по ознайомленню дітей з живописом, Із зазначенням джерел та підбіркою додаткових матеріалів;
Розроблено ряд конспектів занять: «Про що і як говорить живопис» , «Фарби вечірніх пейзажів. Розгляд картини І. І. Левітана "Літній вечір", "золота осінь. Розгляд картини І. І. Левітана "Золота осінь", «Така різна осінь. Розгляд і порівняння пейзажних картин "Золота осінь" І. І. Левітана і "Жовтень" Е. Е. Волкова », «Зима» І. І. Шишкіна »і ін.;
підготовлено тематичні презентації: «Здрастуй осінь золота», «Прикмети осені», «Осінь очима художників», «Російська пейзажна живопис» , «Натюрморт», «Первісне мистецтво», «Пейзажна живопис. Російські художники пейзажисти » та ін. ;
Проведено консультація для педагогів про вплив живопису на розвиток дитини: «Російська пейзажна живопис» , «Організація сприйняття натюрморту дітьми дошкільного віку» , «Осінь, оспівана поетами і живописцями в творах мистецтва »та ін.;
Семінар - практикум для педагогів «Природа зими в творах художників»;
тематичний тиждень "Зимові забави", «Осінні етюди»;
Для батьків виставлялися папки - пересування «Поетичний образ природи в дитячому малюнку», «Мистецтво і виховання», «Вчимося спостерігати за природою» та ін. ;
Відкрите заняття для батьків, із застосуванням зібраної інформації «Йде чарівниця Зима ...»;
Моніторинг збагачення знань дітей та рівня сформованості уявлень про живопису.
Список літератури
1. Ашиков В. Дошкільне виховання в новому столітті // Дошкільне виховання. -2000. - №1. - С. 8-11.
2. Виховання і навчання дітей шостого року життя. / Под ред. Ушакової О. С., Парамонова Л. А. - М .: Просвещение, 2001. - 160с.
3. Григор'єва Г. Г. Образотворча діяльність дошкільників. - СПб .: Дитинство-Прес, 1997. - 224с.
4. Діти і пейзажна живопис. Пори року. Вчимося бачити, цінувати, створювати красу. - СПб .: ДИТИНСТВО - ПРЕС, 2004. - с. 272 / Бібліотека програми «Дитинство»
5. Зубарєва Н. М. Діти і образотворче мистецтво. Натюрморт і пейзаж в естетичному вихованні дітей 5 - 7 років. М., «Просвещение», 1969. - 111 с.
6. Казакова Т. Г. Розвивайте у дошкільників творчість. - М .: Просвещение, 2005. - 146с.
7. Комарова, Т. С. Дитяче художня творчість. - М., 2005. - 160 с.
8. Краснушкин Е. В. Образотворче мистецтво для дошкільнят: Натюрморт, пейзаж, портрет. Для роботи з дітьми 4 -9 років. - М .: МОЗАЇКА-СИНТЕЗ, 2012. - 80 с.
9. Медведєв Л. Г. Формування графічного художнього образу на заняттях з рисунка, 1986.
10. Михайлова Т. Почуття і колір. Технологія "емоційного настрою" дітей в процесі освоєння техніки живопису. // Мистецтво в школі. с. 39, 2010 року.
11. Панксенов Г. І. живопис. Форма, колір, зображення: Навчальний посібник для студ. вищ. худ. учбових закладів. - М .: Видавничий центр "Академія", 2008.
12. Психологія обдарованості дітей і підлітків: Навчальний посібник / Ю. Д. Бабаєва, Н. С. Лейтес. - М .: "Академія", 2000.
13. Сакулина Н. П., Комарова Т. С. Образотворча діяльність в дитячому садку. - М .: Просвещение, 2003. - 208с
14. Чумічева Р. М. Дошкільнятам про живопису: Кн. для вихователів дет. саду. - М .: «Просвещение», 1992. - 126 с., 16 л. мул.
15. Федеральний державний освітній стандарт дошкільної освіти (затв. Наказом Міністерства освіти і науки РФ від 17 жовтня 2013 р №1155)
1У статті розглядаються деякі питання роботи акварельними фарбами на заняттях з живопису. Акварель приваблива своєю доступністю, чистотою колірних відносин. При уявній простоті роботи акварель - складна техніка станкового живопису. Особлива увага приділяється матеріалам, інструментів, технологічних аспектів акварельного живопису: методам лессировки, «алла прима», «по сирому». У роботі над тривалими етюдами частіше застосовують перший. Для живопису на пленері, в швидких етюдах більш підходить метод «алла прима». Необхідно розуміти, що оволодіння майстерністю акварельного живопису пізнається не з книжок. Все пізнається в тривалій практичній роботі, на особистому досвіді. Тому практика є найкращим методом оволодіння технікою акварельного живопису.
інструменти
матеріали для живопису
метод письма
акварельний живопис
1. Біда Г.В. Основи образотворчої грамоти: Малюнок. Живопис. Композиція. Вид. 2-е, перераб. і доп. М .: Просвещение, - 1981. - 239 с.
2. Васильєв А.А. Живопис натюрморту: акварель: Учеб. Посібник. Вид. 3-е, перераб. і доп. Краснодар: Вид-во Кубанського держ. ун-ту, 2004. - 98 с.
3. Волков Ю.В. Робота над мальовничими етюдами. М .: Просвещение, 1984. - 31 с.
4. Скрипникова Є.В. Натюрморт: композиція, малюнок, живопис: навчальний посібник / Є.В. Скрипникова, А.І. Сухарєв, Н.П. Головачова, Г.С. Баймуханов. - Омськ: Изд-во ОмГПУ, 2015. - 150 с.
5. Скрипникова Є.В., Головачова Н.П., Сухарєв А.І. Живопис натюрморту: Навчальний посібник. - Омськ: БОУДПО «ІРООО», 2015. - 92 с.
6. Щетинін І.Д. Акварель: Практичний посібник. Курган: Изд-во «ФОРТ ДІАЛОГ - КУРГАН», 2009. - 31 с.
Постановка проблемиТехніка акварелі вивчається студентами на факультетах мистецтв педагогічних вузів на першому курсі. На заняттях з живопису перед студентами ставляться не тільки живописні завдання: знаходження спільної колориту постановки, цветотонових відносин предметів і фону, передачі обсягу предметів в певних світлових умовах, вивчення законів і правил повітряної перспективи, а й композиції і малюнка. По-перше, ставиться завдання навчитися компонувати постановку: визначати пропорції формату листа, знаходити розмір зображення в ньому, розміщувати предмети на образотворчої площині один відносно одного. По-друге, навчитися розуміти і малювати предмети різної конструкції і форми з урахуванням ракурсу і лінії горизонту, вивчити закони і правила лінійної перспективи. У нашій статті ми розглядаємо тільки питання технології акварельного живопису: матеріали, інструменти, різні технологічні прийоми.
Акварель приваблива своєю доступністю, чистотою колірних відносин. При уявній простоті роботи акварель - складна техніка станкового живопису. Щоб освоїти і зрозуміти її, необхідно уважне вивчення матеріалів та інструментів (фарби, паперу, пензлів). Адже з цього починається будь-який творчий процес.
Акварель (від лат. aqua- «вода») - фарби, розводь-мі водою, а в професійній мистецькому середовищі - і твори живопису, виконані такими фарбами. Барвисті пігменти, використовувані для приготування аква-рельной фарб, такі ж, як і в інших фарбах. Але пігмент акварелі виключно тонко змолоти, доведений до стану, коли, перебуваючи у воді, він довго не осідає на дно. Клей - речовина, що пов'язує цього пігменту - повинен розчинятися у воді, бути безбарвним, еластичним. В якості сполучного в акварельних фарбах викорис-ся різні рослинні клейкі речовини (гумміара-бик, декстрин, вишневий клей, мед і ін.), Також в них міститься пластифікатор у вигляді гліцерину. Гліцерин не дає фарбі ставати тендітною і пересихати, так як утримує вологу. У акварель іноді додають бичачу жовч, щоб вона легко лягала на паперову поверхню і не скочувалася під час письма, антисептик (фенол), що запобігає руйнування фарби від цвілі.
Акварельні фарби легко розчиняються у воді, піддаються смивке і дають прозорий шар, що не перешкоджає віддзеркаленню світла від паперу. Але одні фарби володіють більшою прозорості-ністю (кармін, червона, смарагдова зелена і ін.), Вони повніше раство-ряют в воді і рівніше лягають на папір. Інші (кадмій жел-тий, лимонний і ін.) Мають щільність, «укривітостью», утворюючи поверхневі покриття.
Зберігати акварельні фарби краще в прохолодному місці, без доступу прямих сонячних променів, щоб вони не затвердевали від сухого повітря.
Сучасна промисловість випускає акварельні фарби в великому асортименті. І, як би не була багата палітра фарб, їх не вистачило б для передачі різноманіття кольорів оточуючого нас світу. Художник розширює колірну палітру змішуванням фарб, як механічним шляхом, так і оптичним - накладенням одного шару фарби на інший. Треба вивчити властивості різних фарб, перевірити їх криють можливості, кольорово і светоустойчивость. Необхідно випробувати всі можливі комбінації фарб, як окремо, так і в смешениях один з одним; зрозуміти, які роблять «бруд» в сумішах, а на які відтінки варто звернути увагу.
«Чистий» акварельний живопис - це живопис фарбами без застосування білил. Так як акварельні фарби прозорі, то «білилами» служить сам папір (рідше картон). Папір для акварельного живопису виготовляють різних сортів по щільності і за фактурою. Колір, щільність, фактура паперу мають велике значення. Кращою для акварелі є щільний папір з зернистою по-поверхнею, яка добре проклеєний і вибілена. Є сорти від дрібнозернистої до грубої фактури, що нагадувала мішковину. Фактура сприяє глибині звучання кольору, дає можливість акварельного фарбі легко лягати на поверхню листа рівними і прозорими шарами, довше утримувати вологу в порах. На такому папері можна виконувати багатогодинні етюди, вона дозволяє також змивати невдалі місця. На папір з гладкою поверхнею фарби ло-жатся погано і легко змиваються пензлем при накладенні подальші-щих верств, вести тривалий етюд на ній важко.
Рівномірному розподілу акварельного фарби на поверхні паперу заважає присутність жирових плям. Тому перед живописом папір необхідно промивати дистильованою водою з використанням декількох крапель нашатирного спирту. Пожовклий папір можна вибілювати, якщо промити її тампоном, змоченим перекисом водню.
Під час роботи слід берегти білизну паперу в світлих місцях (відблиски, білі поверхні предметів і т.д.). Для збереження світлих місць можна проскаблівать записані місця лезом бритви, ножем, а на сирій поверхні - і живцем кисті. Інший спосіб - по-крити зберігається світлі місця і відблиски гумовим клеєм. Після закінчення роботи над етюдом клей легко знімається м'якою олівцевої гумкою.
Колір паперу є фоном, завжди беруть участь в побудові колориту всієї картини. Доброю папером для акварельного живопису є папір, що має високий рівень білизни, так як її поверхню добре відбиває світло через шари фарб і надає їм яскравість, виявляє нюанси тони. У акварельного живопису застосовується і попередню оплату-ве тонування білого паперу. Тонований папір об'єднує живопис, створює колористичний фундамент етюду. Її тон залежать від розв'язуваних художником завдань. В акварелі часто тонують папір відварами кави або цикорію різної міцності. Красиві відтінки дає чай.
Щоб папір не коробилася від вологи, її необхідно наклеїти на планшет. На планшет накладається зволожена папір, яка закріплюється зверху рамкою. При висиханні папір натягається рівно і не жолобиться. Для більш тривалого зберігання вологості паперу під неї можна підкласти вологий матеріал. Для невеликих розмірів акварельного паперу можна використовувати «стіратор». Стіратор - це планшет певного розміру і охоплює його рамка більшого розміру.
На пленері зручно працювати на так званих склейках. Склеювання - це пачка листів, що має в основі щільний кар-тон або фанеру. Аркуші паперу, проклеєні між собою на тор-цах, утворюють блок. Використаний верхній лист знімається, від-Крива новий для роботи.
Акварелісти традиційно користуються білячими, колонковими і щетини кистями, але в даний час є хороші кисті зі штучним волоссям. Ці кисті практичні в роботі, їх волосся не поступається колонковим, при цьому вони мають підвищену ізноустойчівостью, більшою довговічністю. За формою вони можуть бути як круглі, так і плоскі. В акварелі найбільше застосування мають круглі кисті. Кращими вважаються колонкові кисті, вони міцніші і пружні, менше мнуться. Якість кисті перевіряється таким способом. Кисть опускають у воду, потім, вийнявши з води, її струшують. Якщо кінчик пензля виявився гострим, то кисть вважається придатною для роботи.
Для живопису аквареллю потрібно мати кисті різних розмірів (від № 8 до № 16). Велика кругла кисть є основним інструментом в живопису аквареллю. Нею можна наносити великі обсяги фарби або писати кінчиком пензля. На перших порах можна обходитися великий пензлем, за допомогою якої художник працює вільно і широко, великими відносинами. У міру того як накопичується досвід роботи аквареллю і ускладнюються навчальні та творчі завдання, художник повинен розширювати і набір кистей.
Велике значення для роботи аквареллю належить палітрі. Палітра повинна мати чистий білий колір. Щоб фарба не вбиралася, палітра повинна бути твердою, рівною і гладкою. Користуються палітрою з білого скла в дерев'яному обрамленні, знизу покритої білою олійною фарбою, або з білого фарфору, фаянсу. Використовувати в якості палітри можна білу керамічну плитку, тарілку, металеві пластини, пофарбовані білою фарбою; також можуть підійти пластмасові палітри, вони є в деяких наборах акварельних фарб.
Часто студенти в якості палітри використовують папір. Папір для цих цілей не годиться. Від води папір швидко приходить в непридатність, розмокає і ускладнює виконання роботи. Недоліком при роботі з такою палітрою є те, що пухка розмокла папір забирає з барвистою суміші найцінніше - добре розчинилися пігменти, сполучні компоненти, в барвисту суміш потрапляють частинки паперу, клею та небажаних хімічних речовин, що позбавляє її прозорості і дає в живопису «бруд ».
Спеціальних мольбертів і етюдник для акварельного живопису не існує. Фарби можна носити в будь-яких плоских ящиках. Кисті бажано носити, окремо звернув в ганчірочку або укласти в «кістеноску». При носінні кистей в етюднику вони псуються, втрачають форму. Воду можна носити під фляжках з широкою шийкою.
Копітка, грунтовна підготовка матеріалів та інструментів для акварельного живопису не повинна бути тягарем.
Існує кілька технологічних способів роботи акварельними фарбами. Але основними є два способи: метод лесси-ровок і метод «алла прима». У роботі над тривалими етюдами частіше застосовують перший. Для живопису на пленері, в швидких етюдах більш підходить метод «алла прима».
Лесировка як метод багатошарової живопису заснований на використанні прозорості акварельного фарби, її властивості оптичного складання квітів при нанесенні одного прозорого шару фарби на інший. Шляхом накладення одного шару фарби на інший можна отримувати більш насичені відтінки одного кольору, а також обра-зовивать складні складові кольору. При методі лессировок глибина і насиченість кольору досягаються шляхом послідовного пере-криття добре просохла прозорого шару іншим шаром фарби.
Тривалий етюд методом лессировок ведуть в певній послідовності. Спочатку роблять легкий лінійний малюнок олівцем або тонким пензлем будь-яким одним кольором, потім пензлем прокладають великі площини зображення, але не в пів-ву силу, а як попередню колористичну підготовку для подальшої живопису. З самого початку роботи над етюдом треба намагатися якомога точніше передати всі відносини натури. Необхідно встановити зв'язок між усіма коль-тами натури, весь час порівнювати тон фарби по насиченості і світлин.
Під час роботи слід постійно порівнювати між собою колірні відносини зображуваних предметів як в натурі, так і в етюді, причому по спорідненості взаємних ознак: світло одного предмета порівнювати зі світлом іншого, тінь з тінню і т.д. Необхідно визначити в натурі основні контрасти - місця і предмети найбільш світлі і найбільш темні по силі тону, щоб відразу встановити відмінність між найсвітлішим і самим темним ділянкою натури. Найчастіше це буває на передньому плані або спеціально виділених «головних» об'єктах натури. Виконуючи етюд, не можна обмежуватися роботою над одним яким-небудь його місцем, намагаючись відразу закінчити його, без будь-якого зв'язку з іншим оточенням. У природі все взаємопов'язано, і не можна правдиво взяти колір зображуваного предмета ізольовано від навколишнього його середовища.
Вести етюд треба завжди за принципом - від загального до конкретного. Розкривши легкими широкими прокладками весь етюд (крім світлих місць і відблисків), переконавшись в правиль-ності взятих відносин, можна приступати до даль-дальшої роботи - ліпити форму предметів, прокладати напів-тони, тіні, рефлекси. У роботі з аквареллю доцільно вести роботу від світлого до темного. Зазвичай спочатку зображувані предмети покривають широко легкими шарами фарб, які по силі тону відповідають найсвітлішим освітленим місцям зображуваних предметів. Потім наносять тіні. Після цього визначають півтони, порівнюючи їх між собою.
При методі лессировок барвистий шар при всій його багатошаровості (бажано не більше трьох шарів, інакше фарби втрачають прозорість, виходить так звана бруд) повинен залишатися тонким і прозорим, щоб пропускати через себе відбитий від поверхні паперу світло. Вже при першій прописку необхідно чітко окреслити контрасти - найбільші відмінності по світлосилі і співвідношенню теплих і холодних тонів.
Корпусні, криють фарби бажано використовувати в кінці роботи для створення більшої матеріальності, предметності, тя-жерсті. Слід пам'ятати, що при виси-Ханії акварельні фарби кілька втрачають силу кольору - вони світлішають приблизно на одну третину своєї початкової сили. Тому треба складати потрібні кольори більш насиченими, яр-кими, для того щоб уникнути млявості живопису.
Інший метод акварельного живопису - метод «алла прима», при якому пишуть відразу, без послідовного накладення шарів фарби, кожна деталь починається і закінчується в один прийом. Всі кольори беруться відразу в повну силу, що дозволяє вико-ти механічні суміші фарб, тобто складати потрібний колір з декількох фарб на палітрі. При роботі методом «алла прима" не при-змінюються багаторазові прописки. Такий метод більш прийнятний на пленері. Найчастіше художники-акварелісти застосовують обидва методи.
Для створення легких переходів кольору, особливо в ті-невих місцях, в тих, що стосуються предметів та площин треба, щоб краю наносяться мазків зливалися. Для цього папір попередньо змочують водою. Такий спосіб називається роботою «по сирому».
Для уповільнення висихання фарб при роботі можна користу-тися розчинами гліцерину, мила або меду у воді, на якій раз-водять фарби.
Необхідно розуміти, що оволодіння майстерністю акварельного живопису пізнається не з книжок. Все пізнається в тривалій практичній роботі, на особистому досвіді. Тому практика є найкращим методом в оволодінні технікою акварельного живопису.
рецензенти:
Медведєв Л.Г., д.п.н., професор, декан факультету мистецтв ОмГПУ, Омськ;
Шаляпін О.В., д.п.н., професор, завідувач кафедри рисунка, живопису та художньої освіти Інституту мистецтв ФГБОУ ВПО «МДПУ», Новосибірськ.
бібліографічна посилання
Сухарєв А.І., Щетинін І.Д. ТЕХНОЛОГІЯ акварельного живопису // сучасні проблеми науки і освіти. - 2015. - № 2-2 .;URL: http://science-education.ru/ru/article/view?id\u003d21931 (дата звернення: 01.02.2020). Пропонуємо вашій увазі журнали, що видаються у видавництві «Академія природознавства»
минулого заворожують своїми барвами, грою світла й тіні, доречністю кожного акценту, загальним станом, колоритом. Але те, що ми бачимо зараз в галереях, що збереглося до наших днів, відрізняється від того, що бачили сучасники автора. Олійний живопис має властивість змінюватися з часом, на це впливає підбір фарб, техніка виконання, фінішне покриття роботи та умови зберігання. Це не враховуючи дрібних помилок, які міг допустити талановитий майстер, експериментуючи з новими методами. З цієї причини враження від полотен і опис їх виду з роками може відрізнятися.
Техніка старих майстрів
Техніка олійного живопису дає величезну перевагу в роботі: картину можна писати роками, поступово моделюючи форму і прописуючи деталі тонкими шарами фарби (лесуванням). Тому корпусне лист, де відразу ж намагаються додати закінченість картині, не характерно для класичної манери роботи з маслом. Продумана поетапність нанесення фарб дозволяє домогтися дивовижних відтінків і ефектів, оскільки кожен попередній шар при лесуваннями просвічується крізь наступний.
Фламандський метод, який так любив застосовувати Леонардо да Вінчі, складався з таких етапів:
- На світлому грунті робилася пропис малюнка в одному кольорі, сепією - контур і основні тіні.
- Потім робився тонкий подмалевок з ліпленням обсягу.
- Завершальним етапом були кілька лессіровочних шарів рефлексів і деталізації.
Але темно-коричнева пропис Леонардо згодом, незважаючи на тонкий шар, стала сильно проступати крізь барвисте зображення, що призвело до потемніння картини в тінях. В основному шарі він часто використовував палену умбру, жовту охру, берлінську блакить, жовтий кадмій і палену сиену. Його остаточне нанесення фарб було настільки тонким, що його неможливо було вловити. власне розроблений метод сфумато (Затушовування) дозволяв це робити з легкістю. Її секрет в сильно розведеної фарбі і роботі сухим пензлем.
Рембрандт - Нічний дозор В італійському методі працювали Рубенс, Веласкес і Тіціан. Йому характерні такі етапи роботи:
- Нанесення кольорового грунту на полотно (з додаванням будь-якого пігменту);
- Перенесення контуру малюнка на грунт крейдою або вугіллям і фіксації його підходящої фарбою.
- Подмалевок, місцями щільний, особливо в освітлених місцях зображення, а місцями повністю відсутній - залишали колір грунту.
- Остаточна робота в 1 або 2 прийоми полулессіровкамі, рідше тонкими лессировками. У Рембрандта куля верств картини міг досягати сантиметра в товщину, але це швидше виняток.
У цій техніці особливе значення приділялося застосуванню перекривають додаткових квітів, які дозволяли нейтралізувати місцями насичений грунт. Наприклад, червоний грунт можна було нівелювати сіро-зеленим подмалевком. Робота в цій техніці велася швидше, ніж у фламандському методі, що більше подобалося замовникам. Але неправильний підбір кольору грунту і фарб завершального шару міг зіпсувати картину.
колорит картини
Щоб досягти гармонії в мальовничому творі використовують всю силу рефлексів і взаємодоповнення квітів. Є також такі невеликі хитрощі, як застосування кольорового грунту, як прийнято в італійській методі, або покриття картини лаком з пігментом.
Кольорові грунти можуть бути клейовими, емульсійними та олійними. Останні являють собою пастозний шар олійної фарби необхідного кольору. Якщо біла основа дає ефект світіння, то темна надає глибину фарб.
Рубенс - Союз Землі і Води Рембрандт писав по темно-сірому грунту, Брюллов - на основі з пігментом умбри, Іванов тонував полотна жовтої охрою, Рубенс використовував пігменти англійської червоною і умбри, Боровиковський вважав за краще для портретів сірий грунт, а Левицький -Серія-зелений. Потемніння полотна чекало всіх, хто в надлишку використовував земляні фарби (Сієна, умбра, темна охра).
Буше - ніжний колорит всвітлу-блакитних і рожевих відтінках Для тих, хто робить копії картин великих художників в цифровому форматі буде цікавий цей ресурс, де представлені веб-палітри митців.
покриття лаком
Крім земляних фарб, темніють з часом, покривні лаки на основі смол (каніфоль, копав, бурштин) також змінюють світлість картини, надаючи їй жовті відтінки. Щоб штучно надати старовину полотну, в лак спеціально додають пігмент охри або будь-який інший схожий. Але сильне потемніння швидше викличе надлишок олії в роботі. Він може спричинити за собою ще і тріщини. хоча такий ефект кракелюра частіше пов'язаний з роботою по напівсирої фарбі, Що для олійного живопису неприпустимо: пишуть тільки по висохлому або ще сирому шару, в іншому випадку необхідно зішкребти його і прописати заново.
Брюллов - Останній день Помпеї