VI - Niederlande 15. Jahrhundert

Petrus Christus

Petrus Christus. Geburt Christi (1452). Berliner Museum.

Die Werke der Niederländer im 15. Jahrhundert sind bei weitem nicht erschöpft von den zerlegten Werken und im Allgemeinen den Mustern, die uns überliefert wurden, und zu einer Zeit war dieses Werk einfach fabelhaft in Bezug auf Produktivität und hohe Fähigkeiten. Für die Geschichte der Landschaft sind jedoch nur wenige Werke von Interesse für das Material einer sekundären Kategorie (und dennoch von wie hoher Qualität!), Das uns zur Verfügung steht und das oft nur eine geschwächte Widerspiegelung der Kunst der Hauptmeister darstellt; der Rest wiederholt ohne persönliches Gefühl die gleichen Schemata. Unter diesen Gemälden stechen mehrere Werke von Petrus Christus (geboren um 1420, gestorben in Brügge 1472) hervor, die kürzlich als Schüler von Jan van Eyck galten und ihn mehr als jeder andere nachahmten. Wir werden uns später mit Christus treffen - wenn wir die Geschichte der alltäglichen Malerei studieren, in der er eine wichtigere Rolle spielt; aber in der Landschaft verdient er eine gewisse Aufmerksamkeit, obwohl alles, was er getan hat, einen etwas trägen, leblosen Schatten hat. Eine wunderschöne Landschaft breitet sich nur hinter den Figuren der Brüsseler "Klage über den Leib des Herrn" aus: eine typisch flämische Ansicht mit weichen Hügellinien, auf denen Burgen stehen, mit Baumreihen, die in den Tälern gepflanzt sind oder in schlanken Silhouetten entlang der Hänge der abgegrenzten Hügel klettern; Genau dort ist ein kleiner See, eine Straße, die sich zwischen Feldern windet, eine Stadt mit einer Kirche in einer Mulde - alles unter dem klaren Morgenhimmel. Leider wirft die Zuschreibung dieses Gemäldes an Christus ernsthafte Zweifel auf.

Hugo van der Goes. Landschaft auf dem rechten Flügel des Portinari-Altars (um 1470) in den Uffizien in Florenz

Es ist jedoch zu beachten, dass in den authentischen Gemälden des Meisters im Berliner Museum vielleicht gerade Landschaften das Beste sind. Besonders attraktiv ist die Landschaft in der Anbetung des Kindes. Der Schattenrahmen hier ist ein schmutziger Baldachin, der an den Felsblöcken befestigt ist, als wäre er vollständig aus der Natur kopiert worden. Hinter diesem "Vorhang" und den dunkel gekleideten Figuren der Muttergottes umkreisen Joseph und die Hebamme von Sibylle die Hänge zweier Hügel, zwischen denen sich ein Hain junger Bäume in einem kleinen grünen Tal schmiegt. Am Rande des Waldes hören die Hirten dem Engel zu, der über sie fliegt. Eine Straße führt an ihnen vorbei zur Stadtmauer, und ihr Ast kriecht zum linken Hügel hinauf, wo man unter einer Reihe von Weiden einen Bauern sieht, der Esel mit Säcken jagt. Alles atmet eine wundervolle Welt; Es muss jedoch zugegeben werden, dass im Wesentlichen kein Zusammenhang mit dem dargestellten Moment besteht. Vor uns liegt der Tag, der Frühling, und es gibt keinen Versuch, etwas "Weihnachtsstimmung" zu bedeuten. In "Flemal" sehen wir zumindest etwas Feierliches in der gesamten Komposition und den Wunsch, einen niederländischen Dezembermorgen darzustellen. In Christus atmet alles mit pastoraler Anmut, und man spürt die völlige Unfähigkeit des Künstlers, sich mit dem Thema auseinanderzusetzen. Wir werden die gleichen Merkmale in den Landschaften aller anderen kleinen Meister der Mitte des 15. Jahrhunderts finden: Dare, Meire und Dutzende namenloser.

Gertchen Sant Jans. "Das Verbrennen der Überreste von Johannes dem Täufer". Museum in Wien.

Deshalb ist es wunderbar brillantes Bild Hugo van der Goes "Der Portinari-Altar" (in Florenz in den "Uffizien"), in dem der Künstler-Dichter als erster unter den Niederländern auf entscheidende und konsequente Weise versucht, eine Verbindung zwischen der Stimmung der dramatischen Handlung selbst und dem landschaftlichen Hintergrund herzustellen. Wir haben etwas Ähnliches im Dijon-Gemälde "Flemal" gesehen, aber wie weit ging er dieser Erfahrung seines Vorgängers Hugo van der Goes voraus, der an einem Gemälde arbeitete, das vom wohlhabenden Bankier Portinari (dem Vertreter der Medicis in Brügge) in Auftrag gegeben wurde und nach Florenz geschickt werden sollte. Es ist möglich, dass Gus in Portinari selbst Gemälde seiner Lieblingskünstler der Medici sah: Beato Angelico, Filippo Lippi, Baldovinetti. Es ist auch möglich, dass der edle Ehrgeiz, Florenz die Überlegenheit der russischen Kunst zu zeigen, in ihm sprach. Leider wissen wir nichts über Gus, außer einer ziemlich detaillierten (aber auch unklaren) Geschichte über seinen Wahnsinn und seinen Tod. Woher er kam, wer sein Lehrer war, was er neben dem "Portinari-Altar" schrieb, bleibt all dies unter dem Deckmantel der Geheimhaltung. Eines wird erst durch das Studium seiner Malerei in Florenz deutlich: Dies ist die Leidenschaft, Spiritualität und Vitalität seiner Arbeit, die für einen Niederländer außergewöhnlich ist. In Huss wurden Rogers dramatische Plastizität und van Eycks tiefes Naturbewusstsein zu einem untrennbaren Ganzen vereint. Hinzu kam seine persönliche Besonderheit: eine Art schöne erbärmliche Note, eine Art sanfter, aber keineswegs entspannter Sentimentalismus.

Es gibt nur wenige Gemälde in der Geschichte der Malerei, die voller Ehrfurcht sind, in denen die Seele der Künstlerin, all die wunderbare Komplexität ihrer Erfahrungen, durchscheinen würde. Auch wenn wir nicht wussten, dass Hus von der Welt in ein Kloster gegangen war, dass er dort ein seltsames halbsäkulares Leben führte, geehrte Gäste besetzte und mit ihnen schlemmte, dass er dann von der Dunkelheit des Wahnsinns besessen war - ein "Portinari-Altar" würde es uns sagen über die kranke Seele seines Autors, über seine Anziehungskraft auf mystische Ekstase, über die Verflechtung der verschiedensten Erfahrungen darin. Der graue, kalte Ton des Triptychons, der in der gesamten niederländischen Schule einsam ist, klingt nach wunderbarer und zutiefst trauriger Musik.

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Niederländischer Maler, normalerweise identifiziert mit dem flämischen Meister - einem unbekannten Künstler, der den Ursprung der Tradition der frühen niederländischen Malerei hat (die sogenannten "flämischen Primitiven"). Mentor Rogier van der Weyden und einer der ersten Porträtmaler der europäischen Malerei.

(Die liturgischen Gewänder des Ordens vom Goldenen Vlies - Die Cope der Jungfrau Maria)

Als Zeitgenosse der Miniaturisten, die an der Beleuchtung von Manuskripten arbeiteten, gelang es Kampen dennoch, ein solches Maß an Realismus und Beobachtung zu erreichen wie kein anderer Maler vor ihm. Seine Werke sind jedoch archaischer als die seiner jüngeren Zeitgenossen. Demokratie macht sich in alltäglichen Details bemerkbar, manchmal gibt es eine Haushaltsinterpretation religiöser Themen, die später für die niederländische Malerei charakteristisch sein wird.

(Jungfrau und Kind in einem Innenraum)

Kunstkritiker haben lange versucht, die Ursprünge der nördlichen Renaissance zu finden, um herauszufinden, wer der erste Meister war, der diesen Stil legte. Es wurde lange geglaubt, dass Jan van Eyck der erste Künstler war, der leicht von den Traditionen der Gotik abwich. Aber zu spätes XIX Jahrhundert wurde klar, dass van Eyck ein anderer Künstler vorausging, dessen Pinsel zum Triptychon mit der Verkündigung gehört, die zuvor Gräfin Merode (das sogenannte "Triptychon Merode") gehörte, sowie das sogenannte. Flämischer Altar. Es wurde angenommen, dass beide Werke der Hand des flämischen Meisters gehörten, dessen Identität zu diesem Zeitpunkt noch nicht bekannt war.

(Die Hochzeit der Jungfrau)

(Heilige Jungfrau in Herrlichkeit)

(Werl Altarbild)

(Dreifaltigkeit des gebrochenen Körpers)

(Christus segnen und Jungfrau beten)

(Die Hochzeit der Jungfrau - St. James the Great und St. Clare)

(Jungfrau und Kind)

Gertgen an Sint Jans (Leiden 1460-1465 - Haarlem bis 1495)

Der früh verstorbene Künstler, der in Haarlem arbeitete, ist eine der bedeutendsten Figuren der nordholländischen Malerei des späten 15. Jahrhunderts. Möglicherweise in Haarlem in der Werkstatt von Albert van Auvater studiert. War mit der Arbeit der Künstler von Gent und Brügge vertraut. In Haarlem lebte er als Malerlehrling unter dem Orden der Johanniter - daher der Spitzname "aus [dem Kloster] des hl. Johannes" (tot Sint Jans). Hertgens Malstil zeichnet sich durch eine subtile Emotionalität bei der Interpretation religiöser Themen, die Beachtung der Phänomene des Alltags und eine nachdenkliche, poetisch inspirierte Ausarbeitung von Details aus. All dies wird in der niederländischen realistischen Malerei der folgenden Jahrhunderte entwickelt.

(Geburt Christi, nachts)

(Jungfrau und Kind)

(Der Baum von Jesse)

(Gertgen zu Sint Jans St. Bavon)

Van Eycks Rivale um den Titel des einflussreichsten Meisters der frühen niederländischen Malerei. Der Künstler sah das Ziel der Kreativität darin, die Individualität des Individuums zu verstehen. Er war ein profunder Psychologe und ein ausgezeichneter Porträtmaler. Unter Wahrung des Spiritualismus der mittelalterlichen Kunst füllte er die alten Bildschemata mit dem Renaissance-Konzept einer aktiven menschlichen Persönlichkeit. Am Ende seines Lebens, so TSB, "gibt er den Universalismus von van Eycks künstlerischer Wahrnehmung der Welt auf und konzentriert seine ganze Aufmerksamkeit auf die innere Welt des Menschen."

(Entdeckung der Reliquien des Heiligen Hubert)

Geboren in die Familie eines Holzschnitzers. Die Werke des Künstlers zeugen von einer tiefen Bekanntschaft mit der Theologie, und bereits 1426 wurde er "Meister Roger" genannt, was die Annahme ermöglicht, dass er eine Universitätsausbildung hatte. Er begann als Bildhauer zu arbeiten und begann im reifen Alter (nach 26 Jahren) bei Robert Campen in Tournai Malerei zu studieren. Er verbrachte 5 Jahre in seiner Werkstatt.

(Lesung Maria Magdalena)

Die Periode der kreativen Bildung von Rogier (zu der anscheinend der Louvre "Verkündigung" gehört) wird von Quellen schlecht beleuchtet. Es gibt eine Hypothese, dass er in seiner Jugend Werke geschaffen hat, die dem sogenannten zugeschrieben werden. Flämischer Meister (ein wahrscheinlicherer Kandidat für ihre Urheberschaft ist sein Mentor Kampen). Der Schüler hat Kampins Wunsch, biblische Szenen mit den gemütlichen Details des häuslichen Lebens zu sättigen, so sehr aufgenommen, dass es fast unmöglich ist, zwischen ihren Werken aus den frühen 1430er Jahren zu unterscheiden (beide Künstler haben ihre Werke nicht signiert).

(Porträt von Anton Burgund)

Die ersten drei Jahre von Rogiers unabhängiger Arbeit sind in keiner Weise dokumentiert. Vielleicht verbrachte er sie in Brügge mit van Eyck (mit dem er wahrscheinlich zuvor in Tournai die Wege gekreuzt hatte). In jedem Fall ist seine berühmte Komposition "Lukas der Evangelist, der die Madonna malt" vom offensichtlichen Einfluss van Eycks durchdrungen.

(Evangelist Lukas malt die Madonna)

1435 zog der Künstler im Zusammenhang mit seiner Heirat mit einem Eingeborenen dieser Stadt nach Brüssel und übersetzte seinen richtigen Namen Roger de la Pasture vom Französischen ins Niederländische. Er wurde Mitglied der Stadtgilde der Maler, wurde reich. Er arbeitete als Stadtmaler im Auftrag des herzoglichen Hofes Philipps des Guten, Klöster, Adliger, italienischer Kaufleute. Er malte das Rathaus mit Bildern der Justizverwaltung berühmter Persönlichkeiten der Vergangenheit (die Fresken gehen verloren).

(Porträt einer Dame)

Zu Beginn der Brüsseler Zeit gehört die grandiose Emotionalität "Abstieg vom Kreuz" (jetzt im Prado). In dieser Arbeit gab Rogier den bildlichen Hintergrund radikal auf und lenkte die Aufmerksamkeit des Betrachters auf die tragischen Erfahrungen zahlreicher Charaktere, die den gesamten Raum der Leinwand ausfüllen. Einige Forscher neigen dazu, die Verbreitung seiner Arbeit durch seine Faszination für die Lehre von Thomas dem Kempis zu erklären.

(Abstieg vom Kreuz mit Spender Pierre de Ranchicourt, Bischof von Arras)

Rogiers Rückkehr vom rohen Kampin-Realismus und der Raffinesse der Vaneik-Proto-Renaissance zur mittelalterlichen Tradition zeigt sich am deutlichsten im Polyptychon des Jüngsten Gerichts. Es wurde in den Jahren 1443-1454 geschrieben. im Auftrag von Bundeskanzler Nicolas Rolen für den Altar der von diesem in der burgundischen Stadt Beaune gegründeten Kapelle des Krankenhauses. An die Stelle komplexer Landschaftshintergründe tritt das goldene Leuchten, das von Generationen seiner Vorgänger geprüft wurde und das den Betrachter nicht von der Ehrfurcht vor den heiligen Bildern ablenken kann.

(Altar des Jüngsten Gerichts in Bonn, rechter Außenflügel: Hölle, linker Außenflügel: Paradies)

Im Jubiläum 1450 unternahm Rogier van der Weyden eine Reise nach Italien und besuchte Rom, Ferrara und Florenz. Er wurde von italienischen Humanisten herzlich begrüßt (es gibt eine lobenswerte Rezension von Nikolai von Cusansky über ihn), aber er selbst interessierte sich hauptsächlich für konservative Künstler wie Fra Angelico und Gentile da Fabriano.

(Enthauptung Johannes des Täufers)

In der Kunstgeschichte ist es üblich, diese Reise mit der ersten Bekanntschaft der Italiener mit der Technik der Ölmalerei zu verbinden, die Rogier perfekt beherrschte. Im Auftrag der italienischen Dynastien Medici und d'Este führten die Flamen die "Madonna" der Uffizien und das berühmte Porträt von Francesco d'Este aus. Italienische Eindrücke spiegelten sich in Altarkompositionen ("Altar Johannes des Täufers", Triptychen "Sieben Sakramente" und "Anbetung der Könige") wider sie nach ihrer Rückkehr nach Flandern.

(Anbetung der Könige)

Rogiers Porträts haben einige Gemeinsamkeiten, was vor allem darauf zurückzuführen ist, dass fast alle Vertreter des höchsten Adels des Burgunds darstellen, auf deren Aussehen und Art sie durch das allgemeine Umfeld, die Erziehung und die Traditionen geprägt waren. Der Künstler zeichnet detailliert die Hände von Models (insbesondere Fingern), verfeinert und verlängert die Gesichtszüge.

(Porträt von Francesco D "Este)

In den letzten Jahren arbeitete Rogier in seiner Brüsseler Werkstatt, umgeben von zahlreichen Studenten, unter denen sich anscheinend so prominente Vertreter der nächsten Generation wie Hans Memling befanden. Sie verbreiteten seinen Einfluss in Frankreich, Deutschland und Spanien. In der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts setzte sich in Nordeuropa Rogiers Ausdrucksstil gegen die technisch komplexeren Lehren von Kampen und van Eyck durch. Auch im 16. Jahrhundert blieben viele Maler unter seinem Einfluss, von Bernart Orlais bis Quentin Massey. Gegen Ende des Jahrhunderts begann sein Name in Vergessenheit zu geraten, und bereits im 19. Jahrhundert wurde der Künstler nur in speziellen Studien zur frühen niederländischen Malerei in Erinnerung gerufen. Wiederherstellen kreativer Weg kompliziert durch die Tatsache, dass er keine seiner Werke signierte, mit Ausnahme des Washingtoner Porträts einer Frau.

(Verkündigung an Maria)

Hugo van der Goes (um 1420-25, Gent - 1482, Odergem)

Flämischer Künstler. Albrecht Dürer betrachtete ihn neben Jan van Eyck und Rogier van der Weyden als den größten Vertreter der frühen niederländischen Malerei.

(Porträt eines Gebetsmannes mit Johannes dem Täufer)

Geboren in Gent oder Ter Gus in Zeeland. Das genaue Geburtsdatum ist nicht bekannt, aber es wurde ein Dekret von 1451 gefunden, das es ihm ermöglichte, aus dem Exil zurückzukehren. Infolgedessen hatte er zu diesem Zeitpunkt etwas falsch gemacht und war einige Zeit im Exil gewesen. Trat der Gilde von St. Luke. 1467 wurde er Meister der Gilde und 1473-1476 Dekan in Gent. Er arbeitete ab 1475 in Gent im Augustinerkloster Rodendal bei Brüssel. An derselben Stelle wurde er 1478 zum Mönch geweiht. Seine letzten Jahre waren von psychischen Erkrankungen geprägt. Er arbeitete jedoch weiter und erteilte Aufträge für Porträts. Im Kloster wurde er vom zukünftigen Kaiser des Heiligen Römischen Reiches Maximilian Habsburg besucht.

(Die Kreuzigung)

Er setzte die künstlerischen Traditionen der niederländischen Malerei der ersten Hälfte des 15. Jahrhunderts fort. Die künstlerischen Aktivitäten sind vielfältig. Der Einfluss von Bouts macht sich in seinen frühen Arbeiten bemerkbar.

Er war als Dekorateur an der Dekoration der Stadt Brügge anlässlich der Hochzeit des Herzogs von Burgund, Karl dem Kühnen und Margarete von York im Jahr 1468 beteiligt, später an der Dekoration der Feierlichkeiten in der Stadt Gent anlässlich des Eintritts in die Stadt Karl der Kühne und der neuen Gräfin von Flandern im Jahr 1472. Offensichtlich war seine Rolle in diesen Werken führend. denn nach den erhaltenen Unterlagen erhielt er ein höheres Gehalt als der Rest der Künstler. Leider sind die Gemälde, die Teil der Dekoration waren, nicht erhalten. Die kreative Biografie weist viele Unklarheiten und Lücken auf, da keines der Gemälde vom Künstler datiert oder signiert ist.

(Benediktinermönch)

Das bekannteste Werk ist das große Altarbild "Anbetung der Hirten" oder "Altar von Portinari". 1475 im Auftrag von Tommaso Portinari - dem Vertreter der Medici-Bank in Brügge - und hatte einen tiefen Einfluss auf die Florentiner Maler: Domenico Ghirlandaio, Leonardo da Vinci usw.

(Altar von Portinari)

Jan Provost (1465-1529)

Der Meister Provost wird in Dokumenten aus dem Jahr 1493 erwähnt, die im Antwerpener Rathaus aufbewahrt werden. Und 1494 zog der Meister nach Brügge. Wir wissen auch, dass er 1498 die Witwe des französischen Malers und Miniaturisten Simon Marmion heiratete.

(Das Martyrium der heiligen Katharina)

Wir wissen nicht, bei wem Provost studierte, aber seine Kunst entwickelte sich eindeutig unter dem Einfluss der letzten Klassiker der frühen niederländischen Renaissance, Gerard David und Quentin Massey. Und wenn David sich bemühte, eine religiöse Idee durch das Drama der Situation und der menschlichen Erfahrungen auszudrücken, dann werden wir in Quentin Masseys etwas anderes finden - ein Verlangen nach idealen und harmonischen Bildern. Zunächst wirkte sich hier der Einfluss von Leonardo da Vinci aus, mit dessen Werk sich Massys während seiner Italienreise traf.

In den Gemälden von Provost werden die Traditionen von G. David und C. Masseis zu einer zusammengefasst. In der Sammlung der Eremitage befindet sich ein Werk von Provost, Maria in Glory, das mit Ölfarbe auf ein Holzbrett geschrieben wurde.

(Die Jungfrau Maria in Herrlichkeit)

Dieses riesige Gemälde zeigt die Jungfrau Maria, umgeben von einem goldenen Schein, die auf einem Halbmond in den Wolken steht. In ihren Armen liegt das Christkind. Gott der Vater, St. Ein Geist in Form einer Taube und vier Engeln. Unten - der kniende König David mit einer Harfe in den Händen und der Kaiser Augustus mit einer Krone und einem Zepter. Darüber hinaus zeigt das Gemälde die Sibyllen (Charaktere der antiken Mythologie, die die Zukunft vorhersagen und Träume interpretieren) und Propheten. Eine der Geschwister hält eine Schriftrolle mit der Aufschrift "Der Busen der Jungfrau wird das Heil der Nationen sein."

In den Tiefen des Bildes kann man eine Landschaft sehen, die in ihrer Subtilität und Poesie mit Stadtgebäuden und einem Hafen auffällt. All diese komplexe und theologisch komplizierte Handlung war traditionell für die niederländische Kunst. Selbst die Anwesenheit antiker Charaktere wurde als eine Art Versuch einer religiösen Rechtfertigung der antiken Klassiker wahrgenommen und überraschte niemanden. Was uns schwierig erscheint, wurde von den Zeitgenossen des Künstlers mit Leichtigkeit wahrgenommen und war eine Art Alphabet in seinen Gemälden.

Der Provost macht jedoch einen gewissen Schritt vorwärts auf dem Weg, dieses religiöse Thema zu meistern. Er vereint alle seine Charaktere in einem einzigen Raum. Er kombiniert in einer Szene das Irdische (König David, Kaiser Augustus, die Sibyllen und die Propheten) und das Himmlische (Maria und die Engel). Traditionell zeigt er dies alles vor dem Hintergrund einer Landschaft, was den Eindruck von der Realität des Geschehens weiter verstärkt. Provost übersetzt die Handlung fleißig in sein zeitgenössisches Leben. In den Figuren von David und Augustus können Sie die Kunden des Gemäldes, die wohlhabenden Holländer, leicht erraten. Alte Sibyllen, deren Gesichter fast porträtiert sind, ähneln lebhaft den reichen Stadtbewohnern dieser Zeit. Sogar die herrliche Landschaft ist bei aller Fantastik zutiefst realistisch. Er synthetisiert sozusagen die Natur Flanderns, idealisiert sie.

Die meisten Gemälde von Provost sind religiöser Natur. Leider ist ein bedeutender Teil seiner Werke nicht erhalten, und es ist fast unmöglich, ein vollständiges Bild seiner Arbeit zu erstellen. Nach Aussagen von Zeitgenossen wissen wir jedoch, dass Provost an der Gestaltung des zeremoniellen Eintritts von König Karl nach Brügge beteiligt war. Dies spricht vom Ruhm und den großen Verdiensten des Meisters.

(Jungfrau und Kind)

Laut Dürer, mit dem Provost einige Zeit in den Niederlanden gereist ist, war der Eingang mit großer Pracht eingerichtet. Der ganze Weg von den Stadttoren bis zu dem Haus, in dem der König wohnte, war überall mit Arkaden an den Säulen geschmückt, Kränze, Kronen, Trophäen, Inschriften und Fackeln. Es gab auch viele lebende Gemälde und allegorische Darstellungen der "Talente des Kaisers".
Der Provost war maßgeblich an der Gestaltung beteiligt. Die niederländische Kunst des 16. Jahrhunderts, für die Jan Provost ein typischer Vertreter war, brachte Werke hervor, die laut B.R.Vipper „nicht so sehr faszinieren wie die Kreationen herausragender Meister, sondern als Beweis für ein hohes und vielfältiges künstlerische Kultur».

(Christliche Allegorie)

Jerun Antonison van Acken (Hieronymus Bosch) (um 1450-1516)

Der niederländische Maler, einer der größten Meister der nördlichen Renaissance, gilt als einer der rätselhaftesten Maler in der Geschichte der westlichen Kunst. In Boschs Heimatstadt 's-Hertogenbosch wurde das Kreativzentrum von Bosch eröffnet, in dem Kopien seiner Werke ausgestellt sind.

Jan Mandijn (1500/1502, Haarlem - 1559/1560, Antwerpen)

Niederländischer Künstler der Renaissance und des nördlichen Manierismus.

Jan Mundane gehört zur Gruppe der Antwerpener Künstler-Anhänger von Hieronymus Bosch (Peter Hayes, Herri Meth de Bles, Jan Wellens de Kokk), der die Tradition fantastischer Bilder fortsetzte und im Gegensatz zum Italienischen den Grundstein für den sogenannten nördlichen Manierismus legte. Die Werke von Jan Mundane mit seinen Dämonen und bösen Geistern kommen dem Erbe des Mysteriösen am nächsten.

(Heiliger Christophorus (Eremitage, St. Petersburg))

Die Urheberschaft von Gemälden, die Mandain zugeschrieben werden, mit Ausnahme von "The Temptations of St. Anthony “wurde nicht mit Sicherheit festgestellt. Es wird angenommen, dass Mundane Analphabet war und daher keine gotischen Unterschriften auf seinen Versuchungen hinterlassen konnte. Kunstkritiker schlagen vor, dass er einfach die Unterschrift aus dem fertigen Muster kopiert.

Es ist bekannt, dass Mundane um 1530 Meister in Antwerpen wurde. Seine Schüler waren Gillis Mostert und Bartholomeus Spranger.

Martin van Heemskerk (richtiger Name Martin Jacobson van Ven)

Martin van Ven wurde in Nordholland in eine Bauernfamilie geboren. Gegen den Willen seines Vaters ging er nach Haarlem, um den Künstler Cornelis Willems zu studieren, und wurde 1527 als Student an Jan van Scorell weitergegeben. Gegenwärtig können Kunstkritiker nicht immer die genaue Zugehörigkeit einzelner Gemälde von Scorel oder Heemskerk feststellen. Zwischen 1532 und 1536 lebt und arbeitet der Künstler in Rom, wo seine Werke sehr beliebt sind. In Italien schafft van Heemskerk seine Bilder in künstlerischer Stil Manierismus.
Nach seiner Rückkehr in die Niederlande erhielt er von der Kirche zahlreiche Aufträge sowohl für die Altarmalerei als auch für die Herstellung von Buntglasfenstern und Wandteppichen. War eines der führenden Mitglieder der Gilde des Heiligen Lukas. Von 1550 bis zu seinem Tod im Jahr 1574 war Martin van Heemskerk Kirchenleiter in der Kirche St. Bavo in Haarlem. Van Heemskerk ist unter anderem bekannt für seine Gemäldeserie Sieben Weltwunder.

(Porträt von Anna Codde 1529)

(Lukas malt die Jungfrau und das Kind 1532)

(Mann der Leiden 1532)

(Das unglückliche Los der Reichen 1560)

(Selbstporträt in Rom mit dem Kolosseum1553)

Joachim Patinir (1475/1480, Dinan in der Provinz Namur, Wallonien, Belgien - 5. Oktober 1524, Antwerpen, Belgien)

Flämischer Maler, einer der Begründer der europäischen Landschaftsmalerei. Er arbeitete in Antwerpen. Er machte die Natur zum Hauptbestandteil des Bildes in Kompositionen zu religiösen Themen, in denen er nach der Tradition der Brüder Van Eyck, Gerard David und Bosch, einen majestätischen Panoramaraum schuf.

Er arbeitete mit Quentin Masseys zusammen. Vermutlich sind viele der Werke, die jetzt Patinir oder Masseis zugeschrieben werden, tatsächlich ihre gemeinsamen Werke.

(Schlacht von Pavia)

(Wunder der heiligen Katharina)

(Landschaft mit der Flucht nach Ägypten)

Herri meth de Bles (1500/1510, Bouvigne-sur-Meuse - um 1555)

Der flämische Künstler ist zusammen mit Joachim Patinir einer der Begründer der europäischen Landschaftsmalerei.

Über das Leben des Künstlers ist fast nichts sicher bekannt. Insbesondere ist sein Name unbekannt. Mit dem Spitznamen "Meth de Bles" - "mit einem weißen Fleck" - hatte er wahrscheinlich eine weiße Locke im Haar. Er trug auch den italienischen Spitznamen "Civetta" (italienisch: Civetta) - "Eule" - als sein Monogramm, das er als Signatur für seine Gemälde verwendete, eine kleine Figur einer Eule war.

(Landschaft mit einer Flugszene nach Ägypten)

Herri Meth de Bles verbrachte den größten Teil seiner Karriere in Antwerpen. Es wird angenommen, dass er der Neffe von Joachim Patinir war und der wirkliche Name des Künstlers Herry de Patinir (niederländisch. Herry de Patinir) war. Auf jeden Fall trat 1535 ein gewisser Gerry de Patinir der Antwerpener Gilde des Heiligen Lukas bei. Herri meth de Bles gehört ebenfalls zur Gruppe der südholländischen Künstler - Anhänger von Hieronymus Bosch, zusammen mit Jan Mundane, Jan Wellens de Kock und Peter Gays. Diese Meister setzten die Tradition der fantastischen Malerei von Bosch fort, und ihre Arbeit wird manchmal als "nordischer Manierismus" bezeichnet (im Gegensatz zum italienischen Manierismus). Nach einigen Quellen starb der Künstler in Antwerpen, nach anderen - in Ferrara am Hofe des Herzogs del Este. Weder das Jahr seines Todes noch die Tatsache selbst, ob er jemals Italien besucht hat, ist bekannt.
Herri meth de Bles malte hauptsächlich Landschaften nach dem Vorbild von Patinira, die auch mehrfigurige Kompositionen darstellen. Die Landschaften vermitteln sorgfältig die Atmosphäre. Typisch für ihn wie für Patinira ist ein stilisiertes Bild von Felsen.

Lucas van Leiden (Luke Leiden, Lucas Huygens) (Leiden 1494 - Leiden, 1533)

Er studierte Malerei bei Cornelis Engelbrekts. Er beherrschte die Kunst des Gravierens sehr früh und arbeitete in Leiden und Middelburg. 1522 trat er der Lukasgilde in Antwerpen bei und kehrte dann nach Leiden zurück, wo er 1533 starb.

(Triptychon mit Tänzen um das goldene Kalb. 1525-1535. Rijksmuseum)

In Genreszenen machte er einen mutigen Schritt in Richtung einer scharf realistischen Darstellung der Realität.
In seiner Fähigkeit ist Luke Leiden Dürer nicht unterlegen. Er war einer der ersten niederländischen Grafiker, der ein Verständnis für die Gesetze der Licht- und Luftperspektive demonstrierte. In größerem Maße interessierte er sich jedoch für die Probleme der Komposition und Technik und nicht für die Treue zur Tradition oder den emotionalen Klang von Szenen zu religiösen Themen. 1521 lernte er in Antwerpen Albrecht Dürer kennen. Der Einfluss des großen deutschen Meisterwerks manifestierte sich in einer strengeren Modellierung und einer ausdrucksstärkeren Interpretation von Figuren, aber Luka Leydensky verlor nie die Merkmale, die nur seinem Stil innewohnen: große, gut gebaute Figuren in etwas artigen Posen und müden Gesichtern. In den späten 1520er Jahren taucht der Einfluss des italienischen Kupferstechers Marcantonio Raimondi in seiner Arbeit auf. Fast alle Drucke von Luke Leiden sind mit dem Anfangsbuchstaben "L" signiert und etwa die Hälfte seiner Werke ist datiert, einschließlich der berühmten Serie "Passion of the Christ" (1521). Ungefähr ein Dutzend seiner Holzschnitte sind erhalten, hauptsächlich Darstellungen von Szenen aus dem Alten Testament. Eines der bekanntesten der wenigen erhaltenen Gemälde von Luke Leiden ist das Triptychon des Jüngsten Gerichts (1526).

(Charles V, Kardinal Walsley, Margarete von Österreich)

Joos van Cleve (Geburtsdatum unbekannt, vermutlich Wesel - 1540-41, Antwerpen)

Die erste Erwähnung von Jos van Cleve stammt aus dem Jahr 1511, als er in die Antwerpener Lukasgilde aufgenommen wurde. Zuvor studierte Jos van Cleve bei Jan Just van Kalkar zusammen mit Bartholomeus Brain the Elder. Er gilt als einer der aktivsten Künstler seiner Zeit. Sein Aufenthalt in Frankreich wird durch seine Gemälde und die Position eines Künstlers am Hofe von Franz I. belegt. Es gibt Fakten, die Jos 'Reise nach Italien bestätigen.
Die Hauptwerke von Jos van Cleve sind zwei Altäre mit der Mariä Himmelfahrt (derzeit in Köln und München), die zuvor einem unbekannten Künstler, dem Meister des Lebens Mariens, zugeschrieben wurden.

(Anbetung der Könige. 1. Drittel des 16. Jahrhunderts. Kunstgalerie. Dresden)

Jos van Cleve wird als Schriftsteller eingestuft. In seinen Techniken der weichen Modellierung von Volumina spürt er das Echo des Einflusses von Leonardo da Vincis Sfumato. Trotzdem ist er in vielen wesentlichen Aspekten seiner Arbeit eng mit der niederländischen Tradition verbunden.

Die "Mariä Himmelfahrt" der Alten Pinakothek befand sich einst in der Kölner Jungfrauenkirche und wurde von Vertretern mehrerer reicher, verwandter Kölner Familien in Auftrag gegeben. Das Altarbild hat zwei Seitenwände, die die Schutzheiligen der Kunden darstellen. Die zentrale Klappe ist von größtem Interesse. Van Mander schrieb über den Künstler: „Er war der beste Kolorist seiner Zeit, er wusste, wie man seinen Werken ein sehr schönes Relief verleiht und sehr naturverbunden die Farbe des Körpers mit nur einer Körperfarbe vermittelt. Seine Werke wurden von Kunstliebhabern hoch geschätzt, was sie voll verdient haben. "

Jos van Cleves Sohn Cornelis wurde ebenfalls Künstler.

Flämischer Maler der nördlichen Renaissance. Er studierte Malerei bei Bernard van Orly, der seinen Besuch auf der italienischen Halbinsel initiierte. (Coxcie wird manchmal von Coxie geschrieben, beispielsweise in Mechelen in einer Straße, die dem Künstler gewidmet ist). In Rom malte er 1532 die Kapellen des Kardinals Enckenvoirt in der Kirche Santa Maria Delle von Anima und Giorgio Vasari, seine Arbeit erfolgt auf italienische Weise. günstige Beispiele für ihre Fähigkeiten.

Nach seiner Rückkehr in die Niederlande hat Coxie seine Praxis auf diesem Gebiet der Kunst erheblich ausgebaut. Coxie kehrte nach Mechelen zurück, wo er das Altarbild in der Kapelle der St. Luke Guild entwarf. In der Mitte dieses Altars ist der heilige Lukas der Evangelist, der Schutzpatron der Künstler, die die Jungfrau darstellen, dargestellt. An den Seitenteilen befindet sich eine Szene des Martyriums des heiligen Vitus und der Vision des heiligen Johannes des Evangelisten in Patmos. Er wurde von Karl V., dem römischen Kaiser, bevormundet. Seine Meisterwerke 1587 - 1588 in der Kathedrale in Mechelen, in der Kathedrale in Brüssel, Museen in Brüssel und Antwerpen gehalten. Er war bekannt als der flämische Raphael. Er starb am 5. März 1592 in Mechelen, nachdem er von einer Treppe gefallen war.

(Christina von Dänemark)

(Tötung von Abel)

Marinus van Reimersvale (um 1490, Reimersvale - nach 1567)

Marinus 'Vater war Mitglied der Antwerpener Künstlergilde. Marinus gilt als Schüler von Quentin Masseis oder wurde zumindest von seiner Arbeit beeinflusst. Van Reimerswale beschäftigte sich jedoch nicht nur mit Malerei. Nachdem er seine Heimatstadt Reimersval verlassen hatte, zog er nach Middelburg, wo er am Raub der Kirche teilnahm, bestraft und aus der Stadt vertrieben wurde.

Marinus van Reimerswale blieb dank seiner Bilder von St. in der Geschichte der Malerei. Hieronymus und Porträts von Bankiers, Wuchern und Steuereintreibern in aufwändigen Kleidern, die vom Künstler sorgfältig bemalt wurden. Solche Porträts waren damals als Personifikation der Gier sehr beliebt.

Südniederländischer Maler und Grafiker, der berühmteste und bedeutendste Künstler, der diesen Namen trägt. Meister der Landschafts- und Genreszenen. Vater der Künstler Pieter Brueghel der Jüngere (Hölle) und Jan Brueghel der Ältere (Paradies).

Wie in anderen westeuropäischen Staaten ist die Entstehung einer Renaissance-Haltung in den Niederlanden, die bis 1447 unter der Herrschaft des Burgunds und dann der Habsburger stand, mit der Entwicklung von Produktion und Handel sowie mit dem Wachstum von Städten und der Bildung von Bürgern verbunden. Gleichzeitig waren die feudalen Traditionen im Land noch stark, so dass neue Dinge in der niederländischen Kunst viel langsamer eingeführt wurden als in der italienischen.

In der niederländischen Malerei der nördlichen Renaissance gab es lange Zeit Merkmale des gotischen Stils. Die Religion spielte im Leben der Niederländer eine viel größere Rolle als die Italiener. Der Mann in den Werken der niederländischen Meister wurde nicht zum Zentrum des Universums, wie es bei den Künstlern der Fall war italienische Renaissance... Während fast des gesamten XV Jahrhunderts. Menschen in der Malerei der Niederlande wurden in der Gotik als leicht und ätherisch dargestellt. Die Figuren in niederländischen Gemälden sind immer gekleidet, es fehlt ihnen an Sinnlichkeit, aber es gibt nichts Majestätisches und Heldenhaftes. Wenn die italienischen Meister der Renaissance monumentale Fresken malten, zog der niederländische Betrachter es vor, kleine Staffelei-Gemälde zu bewundern. Die Autoren dieser Werke haben sehr sorgfältig an jedem Detail ihrer Leinwände gearbeitet, was diese Werke interessant und für das Publikum sehr attraktiv machte.

Im XV Jahrhundert. In den Niederlanden entwickelte sich die Kunst der Miniatur weiter, jedoch bereits in den frühen 1420er Jahren. Die ersten Bilder erscheinen, deren Autoren Jan van Eyck und sein früh verstorbener Bruder Hubert van Eyck waren, der die Gründer der niederländischen Kunstschule wurde.

Jan van Eyck

Es war nicht möglich, den genauen Geburtszeitpunkt von Jan van Eyck, einem der bekanntesten Vertreter der niederländischen Schule für Renaissance-Malerei, zu bestimmen. Es gibt nur Hinweise darauf, dass van Eyck zwischen 1390 und 1400 geboren wurde. In der Zeit von 1422 bis 1428 erfüllt der junge Maler den Befehl des holländischen Grafen Johannes von Bayern: Er malt die Mauern der Burg in Den Haag.

Von 1427 bis 1429 reiste van Eyck über die Iberische Halbinsel. Nach dem Tod Johannes von Bayern trat der Künstler 1428 in den Dienst des Herzogs von Burgund, Philipp des Guten. Letzterer konnte nicht nur die Gabe des Malermeisters würdigen, sondern auch sein diplomatisches Talent offenbaren. Van Eyck befindet sich bald in Spanien. Der Zweck seines Besuchs war ein Auftrag des Herzogs von Burgund, eine Hochzeit zu arrangieren und ein Porträt der Braut zu malen. Der Künstler, der gleichzeitig die Rolle eines Diplomaten spielt, hat die ihm übertragenen Aufgaben hervorragend gemeistert und den Auftrag erfüllt. Nach einiger Zeit war das Porträt der Braut fertig. Leider ist dieses Werk des berühmten Malers nicht erhalten.

Von 1428 bis 1429 war van Eyck in Portugal.

Das bedeutendste Werk von van Eyck war das Gemälde des Altars der Kirche St. Bavo in Brügge, das in Zusammenarbeit mit Bruder Hubert ausgeführt wurde. Ihr Kunde war ein reicher Mann aus Gent, Jodokus Veidt. Der später vom berühmten Meister gemalte Altar, der später Gent genannt wurde, hat ein schwieriges Schicksal. Während der Religionskriege im 16. Jahrhundert wurde es auseinandergenommen und versteckt, um es vor der Zerstörung zu bewahren. Einige Fragmente wurden sogar aus den Niederlanden in andere Länder der Welt gebracht. Und erst im 20. Jahrhundert kehrten sie in ihre Heimat zurück, wo sie gesammelt wurden. Der Altar wurde erneut mit der Kirche St. Bavo geschmückt. Es sind jedoch nicht alle Teile der Arbeit erhalten geblieben. So wurde eines der 1934 gestohlenen Fragmente des Originals durch eine gute Kopie ersetzt.

Die allgemeine Komposition des Genter Altars besteht aus 25 Gemälden, deren Helden mehr als 250 Charaktere umfassen. Auf der Außenseite der Altartüren im unteren Teil befinden sich Bilder des Kunden Jodocus Veidt und seiner Frau Isabella Borlut. Hier befinden sich auch die Figuren Johannes des Täufers und Johannes des Theologen. In der mittleren Reihe entfaltet sich eine Szene mit einer bekannten biblischen Geschichte: Der Erzengel Gabriel bringt der heiligen Jungfrau Maria die gute Nachricht von der bevorstehenden Geburt Christi. Die Komposition zeichnet sich durch die Einheit der vom Autor verwendeten Farben aus: Alle Bilder sind in Pastelltönen gehalten.

Eine Besonderheit dieses Gemäldes ist, dass der Künstler biblische Figuren mit alltäglichen Realitäten umgibt. Aus dem Fenster von Marys Gemächern kann man also eine Stadt sehen, die Bethlehem völlig unähnlich ist. Dies ist Gent, in einer der Straßen, in denen die Zeitgenossen des Malermeisters das Haus des reichen Mannes Veidt leicht erkennen konnten. Haushaltsgegenstände, die Maria umgeben, sind hier nicht nur mit symbolischer Bedeutung gefüllt (ein Waschbecken und ein Handtuch erscheinen hier als Symbole für Marias Reinheit, drei Fensterflügel sind ein Symbol für die ewige Dreifaltigkeit), sondern sollen auch das Geschehen der Realität näher bringen.

Während der religiösen Feiertage werden die Türen des Altars geöffnet, und dem Betrachter wird ein erstaunliches Bild präsentiert, das über die Struktur der Welt erzählt, wie sie von einer Person des 15. Jahrhunderts verstanden wird. In der obersten Reihe befinden sich also Bilder der Heiligen Dreifaltigkeit: Gott der Vater, dargestellt in mit Gold bestickten päpstlichen Gewändern, zu seinen Füßen liegt eine Krone - ein Symbol Jesu Christi, in der Mitte der Reihe befindet sich eine Taube, die den Heiligen Geist symbolisiert. Die Gesichter der Muttergottes und Johannes des Täufers sind ihnen zugewandt. Loblieder auf die Dreifaltigkeit werden von Engeln gesungen. In van Eyck wurden sie von jungen Männern in reich verzierten Gewändern herausgebracht. Diese Reihe wird durch die Figuren der Vorfahren der Menschheit - Adam und Eva - geschlossen.

In der oberen Bildreihe befindet sich eine breite grüne Wiese, auf der Heilige, Propheten, Apostel, Soldaten, Einsiedler und Pilger zum Opferlamm marschieren. Einige Charaktere repräsentieren echte Menschen. Unter ihnen finden Sie den Künstler selbst sowie seinen Bruder Hubert und den Herzog von Burgund Philipp den Guten. Interessant ist hier auch die Landschaft. Alle Bäume und kleinen Pflanzen wurden vom Meister mit außerordentlicher Präzision gemalt. Man hat das Gefühl, dass der Künstler beschlossen hat, dem Betrachter sein Wissen über Botanik zu zeigen.

Der Hintergrund der Komposition zeigt die himmlische Stadt Jerusalem als Symbol für das Christentum. Hier ist es für den Meister jedoch wichtiger, die Ähnlichkeit der architektonischen Strukturen der fabelhaften Stadt mit den realen Gebäuden zu vermitteln, die zur Zeit von van Eyck existierten.

Das allgemeine Thema der Komposition klingt wie eine Verherrlichung der Harmonie der menschlichen Weltordnung. Wissenschaftler vermuten, dass eine mögliche literarische Quelle für dieses Werk des berühmten Künstlers entweder "Die Offenbarung von Johannes Chrysostomus" oder "Die goldene Legende" von Jacopo da Varajin war.

Unabhängig vom Thema von van Eycks Werken besteht die Hauptsache für den Künstler darin, die reale Welt so genau und objektiv wie möglich darzustellen, als würde er auf die Leinwand übertragen, während alle ihre Merkmale vermittelt werden. Es war dieses Prinzip, das sich als führend bei der Entwicklung einer neuen Technik der künstlerischen Darstellung herausstellte. Es zeigte sich besonders deutlich in den Porträtarbeiten des Künstlers.

1431 kam der päpstliche Legat, Kardinal Niccolò Albergati, zu einem Besuch nach Burgund. Gleichzeitig machte Jan van Eyck eine Skizze eines Porträts des Kardinals. Im Laufe der Arbeit wurden Korrekturen und Ergänzungen an der Zeichnung vorgenommen. Es sollte beachtet werden, dass der Master hier nicht mehr über die Anzeige besorgt war innere Erfahrungen Person und möglicherweise eine genauere Übertragung seines Aussehens, seiner individuellen Merkmale und Linien von Gesicht, Figur, Haltung und Gesichtsausdruck.

In dem Porträt von Kardinal Albergati, das später in Ölfarben gemalt wurde, verlagert sich die Betonung des Bildes von der Detaillierung des Aussehens einer Person zur Reflexion ihrer inneren Welt. Die Dominante für die Offenbarung des Bildes sind jetzt die Augen des Charakters, der Spiegel der menschlichen Seele, in dem sich Gefühle, Erfahrungen, Gedanken widerspiegeln.

Wie sich van Eycks künstlerische Methode entwickelt, zeigt der Vergleich seiner früheren Arbeiten mit dem berühmten Porträt "Timofey" aus dem Jahr 1432. Vor dem Betrachter erscheint ein brütender Mann mit sanftem Charakter. Sein Blick ist auf die Leere gerichtet. Es ist jedoch genau dieser Blick, der van Eycks Helden als offene, bescheidene, fromme, aufrichtige und freundliche Person auszeichnet.

Das Talent eines Künstlers kann nicht statisch sein. Der Meister sollte immer auf der Suche nach neuen Lösungen und Wegen sein, die Welt, einschließlich der inneren Welt eines Menschen, auszudrücken und darzustellen. So war van Eyck. Der nächste Schritt in der Entwicklung seiner Arbeit war eine Porträtarbeit mit dem Titel "Der Mann im roten Turban" (1433). Im Gegensatz zum Charakter des Gemäldes "Timofey" wirkt der Held dieser Leinwand ausdrucksvoller. Seine Augen sind auf den Betrachter gerichtet. Die unbekannte Person scheint uns seine traurige Geschichte zu erzählen. Sein Blick drückt sehr spezifische Gefühle aus: Bitterkeit und Bedauern über das, was passiert ist.

"Timofey" und "Der Mann im roten Turban" unterscheiden sich erheblich von den Werken, die der Meister zuvor geschaffen hat: Sie präsentieren ein psychologisches Porträt des Helden. Gleichzeitig interessiert sich der Künstler weniger für die geistige Welt eines bestimmten Menschen als vielmehr für seine Einstellung zur Realität. Also schaut Timofey nachdenklich auf die Welt und ein Mann in einem Turban nimmt sie als etwas Feindliches wahr. Dieses Prinzip der Darstellung einer Person für eine lange Zeit
Zeit konnte im Rahmen der Kunst der Renaissance nicht existieren, wo die Hauptidee darin bestand, die einzelnen Merkmale des Bildes klar zu definieren und seine innere Welt zu zeigen. Diese Idee wird in den nachfolgenden Arbeiten von van Eyck dominant.

Jan van Eyck. Porträt eines Mannes in einem roten Turban. 1433 g.

Im Jahr 1434 malt der Künstler eines seiner am meisten berühmte Werke - "Porträt des Arnolfini-Paares", das Kunsthistorikern zufolge einen Kaufmann aus Lucca, einen Vertreter des Medici-Hauses in Brügge, Giovanni Arnolfini mit seiner Frau Giovanna, darstellt.

Im Hintergrund der Komposition befindet sich ein kleiner runder Spiegel, dessen Inschrift besagt, dass einer der Zeugen der Zeremonie der Künstler selbst war, Jan van Eyck.

Die vom Künstler geschaffenen Bilder sind ungewöhnlich ausdrucksstark. Ihre Bedeutung wird aufgrund der Tatsache heller hervorgehoben
dass der Autor seine Charaktere auf den ersten Blick in die gewöhnlichste Einstellung bringt. Die Essenz und Bedeutung der Bilder wird hier durch die die Charaktere umgebenden Objekte hervorgehoben und mit einer geheimen Bedeutung versehen. Auf der Fensterbank verstreute Äpfel und der Tisch symbolisieren himmlische Glückseligkeit, Kristallrosenkranz an der Wand verkörpert Frömmigkeit, ein Pinsel ist ein Symbol für Reinheit, zwei Paar Schuhe sind ein Zeichen ehelicher Treue, eine brennende Kerze in einem schönen Kronleuchter ist ein Symbol für eine Gottheit, die das Sakrament der Trauung überschattet. Die Idee von Loyalität und Liebe wird auch von einem kleinen Hund nahegelegt, der zu Füßen der Besitzer steht. All diese Symbole der ehelichen Treue, des Glücks und der Langlebigkeit schaffen ein Gefühl von Wärme und spiritueller Nähe, Liebe und Zärtlichkeit, das Ehepartner verbindet.

Von besonderem Interesse ist van Eycks Gemälde "Madonna von Kanzler Rolen" aus dem Jahr 1435. Das kleine Werk (0,66 × 0,62 m) vermittelt den Eindruck der Größe des Raums. Ein solches Gefühl entsteht im Bild dadurch, dass der Künstler dem Betrachter durch die gewölbten Gewölbe eine Landschaft mit Stadtgebäuden, einem Fluss und in der Ferne sichtbaren Bergen zeigt.

Wie immer bei van Eyck spielt die Umgebung (in diesem Fall die Landschaft), die die Charaktere umgibt, eine wichtige Rolle bei der Enthüllung ihrer Charaktere, auch wenn die Charaktere, das Innere und die Landschaft hier keine ganzheitliche Einheit bilden. Die Landschaft mit Wohngebäuden gegenüber der Kanzlerfigur ist der weltliche Anfang, und die Landschaft mit Kirchen, die sich hinter Marias Rücken befindet, ist ein Symbol der christlichen Religion. Die beiden Ufer des breiten Flusses sind durch eine Brücke verbunden, über die Fußgänger und Reiter gehen. Die Personifizierung der Versöhnung von geistlichen und weltlichen Prinzipien ist das Christuskind, das auf Marias Schoß sitzt und den Kanzler segnet.

Die 1436 entstandene Altarkomposition "Kanon von Van der Palais Madonna" gilt als das Werk, das die Entstehungszeit der kreativen Methode von van Eyck vollendete. Ihre Monumentalität wird zu einem charakteristischen Merkmal der Bilder. Die Figuren der Helden füllen nun den gesamten Raum des Bildes aus und lassen fast keinen Platz für eine Landschaft oder ein Interieur. Außerdem ist in "Madonna von Canon van der Palais" die Hauptfigur überhaupt nicht Madonna, sondern der Auftraggeber des Gemäldes selbst. Für ihn sind Maria und der heilige Donatus zeigt ihm mit einer deutlichen Geste auf die versammelte St. George.

Auch hier ändert sich die Darstellungsweise der Hauptfigur.

Dies ist kein einfacher Betrachter mehr, der seine Haltung gegenüber der Welt zum Ausdruck bringt. Der Betrachter sieht eine Person, die sich in sich zurückgezogen hat und tief über etwas sehr Wichtiges nachdenkt. Solche Bilder werden zu den führenden in der niederländischen Kunst späterer Zeiten.

In seinen späteren Arbeiten entwickelt van Eyck noch konkretere Bilder. Ein Beispiel hierfür ist das Gemälde "Porträt von Jan van Leeuw" (1436). Die Person im Porträt steht uns offen. Sein Blick ist auf den Betrachter gerichtet, der alle Gefühle des Helden leicht erkennen kann. Man muss nur in seine Augen schauen.

Der Höhepunkt des Meisterwerks ist das letzte, 1439 gemalte Porträt seiner Frau Marguerite van Eyck. Hier, hinter dem subtilen Auftreten der Heldin durch die Künstlerin, ist ihr Charakter deutlich sichtbar. Van Eycks Image war noch nie so objektiv. Die verwendeten Farben sind auch für die Künstlerin ungewöhnlich: rotvioletter Kleidungsstoff, rauchiges Fell am Rand, rosa Haut der Heldin und ihre blassen Lippen.

Jan van Eyck starb am 9. Juli 1441 in Brügge. Seine Arbeit, die viele nachfolgende Meister beeinflusste, markierte den Beginn der Bildung und Entwicklung der niederländischen Malerei.

Ein Zeitgenosse der Brüder van Eyck war Robert Kampen, Autor von Dekorations- und Malarbeiten, Lehrer vieler Maler, darunter der berühmte Künstler Rogier van der Weyden.

Altarkompositionen und Porträts von Kampen zeichnen sich durch einen Wunsch nach Authentizität aus, der Meister versucht, alle Objekte so darzustellen, dass sie wie in der Realität aussehen.

Der größte niederländische Künstler des 15. Jahrhunderts. da war Rogier van der Weyden, der dramatische Altarszenen (Abstieg vom Kreuz, nach 1435) und ausdrucksstarke, seelenvolle Porträts (Porträt von Francesco d'Este, 1450; Porträt einer jungen Frau, 1455) malte. Rogier van der Weyden eröffnete die erste große Werkstatt in den Niederlanden, in der viele renommierte Renaissancekünstler studierten. Der Maler war nicht nur in seiner Heimat, sondern auch in Italien weithin bekannt.

In der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts. In den Niederlanden arbeiteten Künstler wie Jos van Wassenhove, der viel für die Entwicklung der niederländischen Malerei getan hat, der ungewöhnlich talentierte Hugo van der Goes, der Autor des berühmten Portinari-Altars, Jan Memling, in dessen Werk die Merkmale der italienischen Renaissance erscheinen: Girlanden und Putten, Idealisierung von Bildern, Klarheit und Klarheit der kompositorischen Konstruktion ("Madonna und Kind, Engel und Spender").

Einer der hellsten Meister der nördlichen Renaissance am Ende des 15. Jahrhunderts. war Hieronymus Bosch.

Hieronymus Bosch (Hieronymus van Aken)

Hieronymus van Aken, später Bosch genannt, wurde zwischen 1450 und 1460 geboren. in Hertogenbosch. Die Künstler waren sein Vater, zwei Onkel und ein Bruder. Sie wurden die ersten Lehrer des unerfahrenen Malers.

Bosch zeichnet sich durch grotesken und ätzenden Sarkasmus bei der Darstellung von Menschen aus. Diese Tendenzen zeigen sich bereits in den frühen Arbeiten des Künstlers. Zum Beispiel verspottet der Maler in dem Gemälde "Entfernen des Steins der Dummheit", das eine einfache Operation darstellt, die ein Heiler am Kopf eines Bauern ausführt, den Klerus, die Unaufrichtigkeit und den Vorwand des Klerus. Der Blick des Bauern ist auf den Betrachter gerichtet und verwandelt ihn von einem externen Beobachter in einen Komplizen in dem, was geschieht.

Einige Werke von Bosch sind Originalillustrationen für volksmärchen und christliche Legenden. Dies sind seine Gemälde "Das Schiff der Narren", "Die Versuchung des hl. Anthony "," Der Garten der irdischen Freuden "," Anbetung der Könige "," Spott Christi ". Die Handlungen dieser Werke sind charakteristisch für die Kunst Flanderns im 15.-16. Jahrhundert. Die hier abgebildeten grotesken Figuren von Menschen und fantastischen Tieren, ungewöhnliche architektonische Strukturen des Malers, unterscheiden die Leinwände von Bosch jedoch von den Werken anderer Meister. Gleichzeitig zeigen diese Kompositionen deutlich Merkmale des Realismus, der den bildenden Künsten der Niederlande zu dieser Zeit fremd war. Mit präzisen Strichen lässt der Meister den Betrachter an die Realität und Zuverlässigkeit des Geschehens glauben.

In Leinwänden, die religiösen Themen gewidmet sind, ist Jesus fast immer von Menschen umgeben, die bösartig und mehrdeutig lächeln. Die gleichen Bilder sind auf dem Gemälde "Carrying the Cross" zu sehen, dessen Farbgebung aus blassen und kalten Farbtönen besteht. Die Christusfigur hebt sich von der monotonen Masse der Menschen ab, die in etwas wärmeren Farben gemalt sind. Dies unterscheidet ihn jedoch nur von anderen. Die Gesichter aller Helden haben den gleichen Ausdruck. Sogar das helle Gesicht von St. Veronica unterscheidet die Heldin kaum von anderen Charakteren. Darüber hinaus verstärkt die Kombination von hellen, giftigen blauen und gelben Farben in ihrem Kopfschmuck das Gefühl der Mehrdeutigkeit.

Von besonderem Interesse für die Arbeit von Bosch ist die Altarkomposition "Haystack". Vor dem Betrachter entfaltet sich ein allegorisches Bild des menschlichen Lebens. Die Leute fahren auf einem Karren: zwischen dem Engel und dem Teufel zu sein, alle zu sehen, die sie küssen, Spaß zu haben, Musikinstrumente zu spielen, Lieder zu singen. Der Papst und der Kaiser folgen der Kutsche, die Leute vom einfachen Volk schließen die Kolonne. Letztere, die an der Feier des Lebens teilnehmen wollen, rennen voraus und fallen unter die Räder des Wagens, werden rücksichtslos niedergeschlagen, ohne Zeit zu haben, den Geschmack menschlicher Freuden und Freuden zu verstehen. Die Gesamtkomposition ist gekrönt von dem kleinen Jesus, der auf einer Wolke sitzt und gebeterfüllt seine Hände zum Himmel hebt. Der Eindruck des Realismus des Geschehens entsteht mit Hilfe einer Landschaft, die sich durch Konkretheit und Authentizität auszeichnet.

Hieronymus Bosch. Spott Christi

Bosch bringt immer fantastische Elemente in seine Bilder ein. Sie sind die wichtigsten, sie enthüllen die Absicht des Künstlers. Dies sind Vögel, die mit Segeln anstelle von Flügeln am Himmel schweben. Fisch mit Pferdehufen anstelle von Flossen; Menschen, die aus Baumstümpfen geboren wurden; Köpfe mit Schwänzen und einer Vielzahl anderer phantasmagorischer Bilder. Und alle sind in Bosch ungewöhnlich mobil. Selbst die kleinste Kreatur ist mit Energie ausgestattet und wird irgendwohin geleitet.

Wenn man sich die Gemälde von Bosch ansieht, hat man den Eindruck, dass der Meister beschlossen hat, alles zu zeigen, was in dieser Welt niederträchtig, düster und beschämend ist. In diesen Leinwänden ist kein Platz für Humor. Es wird durch einen giftigen Spott, Sarkasmus, ersetzt, der alle Mängel der menschlichen Weltordnung hell hervorhebt.

In den Werken der Spätzeit des Künstlers ist die Dynamik etwas geschwächt. Die gleiche Unendlichkeit des dargestellten Raumes und die Vielfigurigkeit des Bildes bleiben jedoch erhalten. So kann man die Leinwand charakterisieren, die den Namen "John on Patmos" erhielt. Besonders interessant ist die Tatsache, dass der Meister auf der Rückseite eine wundervolle, markante Landschaft platziert hat. Dem Künstler gelang es überraschend genau, hier die Transparenz der Luft, die Biegungen der Flussufer und die hellblaue Farbe des hohen Himmels zu vermitteln. Die hellen Farben und präzisen Linien der Konturen verleihen dem Werk jedoch einen angespannten, fast tragischen Charakter.

Das Hauptunterscheidungsmerkmal von Bosch ist die Fokussierung auf einen Menschen und seine Welt, der Wunsch, das Leben der Menschen, ihre Gefühle, Gedanken und Wünsche objektiv auszudrücken. Dies spiegelt sich am besten in der Altarkomposition "Der Garten der Freuden" wider, in der menschliche Sünden ohne Verzierung gezeigt werden. Die Arbeit ist äußerst dynamisch. Ganze Gruppen von Menschen treten vor dem Betrachter auf, den der Autor zur besseren Sicht in mehrere Ebenen einordnet. Allmählich entsteht der Eindruck einer sich ständig wiederholenden, unidirektionalen Bewegung von Figuren, die das tragische Gefühl verstärkt und den Betrachter an die sieben Höllenkreise erinnert.

Der künstlerische Stil von Bosch entstand aus dem Konflikt zwischen Realität und den Idealen der mittelalterlichen Kunst. Viele Künstler dieser Zeit schufen aus dem verständlichen Wunsch heraus, ein düsteres, voller Widersprüche zu verschönern, ideal-schöne Bilder, weit weg von der harten Realität. Boschs Arbeit hingegen zielte auf ein objektives Bild der umgebenden Realität ab. Darüber hinaus strebte der Künstler danach, die Welt der Menschen von innen nach außen zu drehen und ihre verborgene Seite zu zeigen, um so seine tiefe philosophische und weltanschauliche Bedeutung zur Kunst zurückzukehren.

Landschaft spielt eine der Hauptrollen in Die Anbetung der Könige. Die Hauptfiguren werden hier als Teil eines Ganzen gezeigt, sie haben keine eigenständige Bedeutung. Wichtiger für die Offenlegung der Absicht des Künstlers ist, was hinter den Figuren der Figuren steckt - Landschaftsbilder: Reiter, Bäume, Brücke, Stadt, Straße. Trotz der Größe vermittelt die Landschaft den Eindruck von Leere, Stille und Hoffnungslosigkeit. Dies ist jedoch das einzige, in dem das Leben noch schimmert und einen Sinn enthält. Menschliche Figuren sind hier statisch und unbedeutend, ihre Bewegungen, die zu einem bestimmten Zeitpunkt fixiert sind, sind ausgesetzt. Die Hauptfigur ist genau die Landschaft, inspiriert und daher die Leere, Zwecklosigkeit und Sinnlosigkeit des menschlichen Lebens noch schärfer beschattend.

In der Komposition "Prodigal Son" Bilder der Natur und protagonist bilden eine Art Einheit. Durch Ausdruck hier
Die Allgemeinheit der vom Autor verwendeten Farben dient: Die Landschaft und die menschliche Figur sind in Grautönen gemalt.

In den späteren Arbeiten von Bosch wird fantastischen Kreaturen nicht mehr so \u200b\u200bviel Platz zugewiesen wie in früheren Arbeiten. Einige seltsame Figuren tauchen nur noch hier und da auf. Dies sind jedoch nicht jene energischen Halbtiere, die überall herum huschen. Ihre Größe und Aktivität sind deutlich reduziert. Die Hauptsache für den Maler ist jetzt, die Einsamkeit eines Menschen in dieser Welt grausamer, seelenloser Menschen zu zeigen, in der jeder nur mit sich selbst beschäftigt ist.

Hieronymus Bosch starb 1516. Seine Arbeit beeinflusste die künstlerische Methode vieler bemerkenswerter Meister, darunter Pieter Bruegel der Ältere. Die fantastischen Bilder von Boschs Werken haben die Entstehung der Malerei surrealistischer Künstler weitgehend vorbestimmt.

Zu Beginn des 16. Jahrhunderts. In den Niederlanden lebten und arbeiteten die Handwerker des 15. Jahrhunderts weiter. - Hieronymus Bosch und Gerard David, aber bereits zu dieser Zeit tauchten in der niederländischen Malerei (wenn auch in geringerem Maße als in italienischer Sprache) Merkmale der Hochrenaissance auf.

In dieser Zeit erlebte die niederländische Wirtschaft einen beispiellosen Boom. Die Industrie entwickelte sich schnell, das Gildenhandwerk wurde durch die Herstellung ersetzt. Die Entdeckung Amerikas machte die Niederlande zu einem wichtigen Zentrum für den internationalen Handel. Das Selbstbewusstsein des Volkes wuchs und mit ihm verstärkten sich die nationalen Befreiungstendenzen, was im letzten Drittel des 15. Jahrhunderts zu einer Revolution führte.

Einer der bedeutendsten Meister des ersten Drittels des 16. Jahrhunderts. war Quentin Massys. Als Autor zahlreicher Altarbilder wurde er vielleicht der erste Schöpfer eines Genre-Werks in der niederländischen Malerei, nachdem er sein berühmtes Gemälde "The Changer with Wife" (1514) gemalt hatte. Masseys Pinsel sind bemerkenswerte Porträts, in denen
Der Künstler versucht, die Tiefe der inneren Welt des Menschen zu vermitteln (Porträts von Etienne Gardiner, Erasmus von Rotterdam, Peter Egidius).

Zur gleichen Zeit wie Masseys, der sogenannte. Schriftsteller, die sich den Werken italienischer Meister zuwandten. In ihren Werken versuchten die Romanautoren nicht, die Realität zu reflektieren, ihr Hauptziel war es, ein monumentales Bild einer Person zu schaffen. Die wichtigsten Vertreter dieses Trends waren Jan Gossart mit dem Spitznamen Mabuse und Bernard van Orley.

Im ersten Drittel des 16. Jahrhunderts. arbeitete ein berühmter Meister seiner Zeit, einer der Begründer der europäischen Landschaftsmalerei Joachim Patinir. Seine Bilder von weiten Ebenen, felsigen Gipfeln und ruhigen Flüssen enthielten religiöse Szenen mit kleinen Figuren von Menschen. Allmählich nehmen biblische Motive in seinen Landschaften immer weniger Platz ein ("Taufe", "Landschaft mit Flucht nach Ägypten"). Patinirs Malerei hatte großen Einfluss auf Künstler der nächsten Generationen.

Patinirs Zeitgenosse war der größte Meister dieser Zeit, Luka Leydensky, der in der Technik der Gravur arbeitete. Seine Werke zeichnen sich durch Realismus und kompositorische Integrität sowie tiefe Emotionalität aus ("Mohammed mit einem ermordeten Mönch", 1508; "David und Saul", 1509). Viele seiner Stiche zeichnen sich durch Elemente des Alltagsgenres aus ("Das Schachspiel", "Die Frau bringt Potiphar Josephs Kleidung"). Die Porträts von Luka Leydensky ("Porträt eines Mannes", um 1520) sind zuverlässig und lebenswichtig.

Das Genre des Alltags verbreitete sich im zweiten Drittel des 16. Jahrhunderts in der Malerei. In Antwerpen arbeiteten Künstler, die die Tradition von Massey fortsetzten - Jan Sanders van Hemessen, der viele Versionen von "Changer" schuf, und Marinus van Roymerswale, der Autor von "The Merry Society". Mit ihren grotesken Bildern veränderten sie Mädchen von leichter Tugend, diese Meister löschten praktisch die Grenze zwischen alltäglichen und religiösen Kompositionen.

Die Merkmale des Genre-Genres drangen auch in die Porträtmalerei ein, deren größte Vertreter die Amsterdamer Künstler Dirk Jacobs und Cornelis Teinissen waren. Natürliche Posen und Gesten machen Porträts lebendig und überzeugend. Dank Jacobs und Teinissen wurde die niederländische Malerei mit einem neuen, originellen Genre bereichert, das zum Gruppenporträt wurde.

In diesen Jahren entwickelte sich der Romanismus weiter, dessen Meister Peter Cook van Aelst und Jan Scorel waren, die über zahlreiche Talente und Fähigkeiten verfügten. Er war nicht nur Maler, sondern auch Geistlicher, Musiker, Rhetoriker, Ingenieur und Kurator der Kunstsammlung von Papst Adrian VI.

Die Krise der Renaissance-Haltung, die die Kunst der italienischen Renaissance in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts erfasste, betraf auch die Niederlande. In den 1550-1560er Jahren. In der niederländischen Malerei entwickelt sich der realistische Trend weiter und erhält die Merkmale einer Nationalität. Gleichzeitig wird der Romanismus aktiver, in dem Elemente des Manierismus vorherrschen.

Manieristische Merkmale sind im Gemälde des Antwerpener Künstlers Frans Floris vorhanden. Seine biblischen Kompositionen bestechen durch übermäßiges Drama, komplexe Kamerawinkel und übertriebene Dynamik (Overthrow of the Angels, 1554; The Last Judgement, 1566).

Ein herausragender Vertreter der realistischen Malerei dieser Zeit war der Antwerpener Meister Peter Artsen, der hauptsächlich großfigurige Genreszenen und Stillleben malte. Oft kombiniert er beide Genres in seinen Werken, aber eines davon hat immer Vorrang vor dem anderen. In dem Gemälde Bauernurlaub (1550) spielt das Stillleben eine untergeordnete Rolle, und in der Metzgerei (1551) drängten Objekte Menschen in den Hintergrund. Artsens Leinwände zeichnen sich durch große Authentizität aus, obwohl der Künstler versucht, die Bilder von Bauern als monumental und majestätisch darzustellen (Bauern auf dem Markt, 1550er Jahre; Bauern am Herd, 1556; Tanz unter den Eiern, 1557). In den Gemälden "The Cook" (1559), "The Peasant" (1561) mit ihrer offensichtlichen Idealisierung von Bildern kann man die aufrichtige Sympathie des Autors für den einfachen Mann spüren.

Der bedeutendste Meister der realistischen niederländischen Malerei des 16. Jahrhunderts. wurde Pieter Bruegel der Ältere.

Pieter Bruegel der Ältere

Pieter Bruegel (Bregel), Spitzname Elder oder Bauer, wurde zwischen 1525 und 1530 geboren. In den frühen 50ern. XVI Jahrhundert Er lebte in Antwerpen, wo er Malerei bei P. Cooke van Aelst studierte. In der Zeit von 1552 bis 1553 arbeitete der Künstler in Italien und von 1563 in Brüssel. In den Niederlanden traf der Maler die demokratischen und radikalen Denker des Landes. Diese Bekanntschaft bestimmte vielleicht den thematischen Schwerpunkt der Arbeit des Künstlers.

Bruegels frühe Werke sind geprägt vom Einfluss der manieristischen Kunst und der künstlerischen Methode des Hieronymus Bosch. Zum größten Teil handelt es sich um Landschaften, die die Eindrücke des Malers von einer Reise nach Italien und in die Alpen verkörpern, sowie um Bilder der Natur der Niederlande - der Heimat des Künstlers. In diesen Werken macht sich der Wunsch des Autors bemerkbar, ein großformatiges, grandioses Bild auf einer kleinen Leinwand zu zeigen. Dies ist sein "neapolitanischer Hafen", der zum ersten Seestück in der Geschichte der Malerei wurde.

In seinen frühen Arbeiten versucht der Künstler, die Unendlichkeit des Raumes auszudrücken, in dem eine Person verloren geht, kleiner wird, unbedeutend wird. Später nimmt Bruegels Landschaft realere Dimensionen an. Die Interpretation eines Menschen, der in dieser Welt lebt, ändert sich ebenfalls. Das Bild einer Person hat jetzt eine besondere Bedeutung und ist keine Figur, die versehentlich auf der Leinwand erschien. Ein Beispiel hierfür kann ein 1557 erstelltes Bild mit dem Namen "The Sower" sein.

In der Arbeit "Der Fall des Ikarus" wird die Haupthandlung, die die Idee zum Ausdruck bringt, dass der Tod einer Person die Rotation des Rades des Lebens nicht stoppen wird, durch mehrere weitere ergänzt. So dienen die hier vorgestellten Pflug- und Küstenlandschaften als Symbole für die Maßigkeit des menschlichen Lebens und die Majestät der Natur. Obwohl die Leinwand dem alten Mythos gewidmet ist, erinnert fast nichts an den Tod von Ikarus. Nur wenn Sie genau hinschauen, können Sie das Bein des Helden sehen, der ins Meer gefallen ist. Niemand achtete auf den Tod von Ikarus - kein Hirte, der die schöne Aussicht bewunderte, kein Fischer, der sich am Ufer niederließ, kein Bauer, der sein Feld pflügte, keine Besatzung eines Segelboots auf dem offenen Meer. Die Hauptsache auf dem Bild ist nicht die Tragödie eines alten Charakters, sondern die Schönheit eines Menschen, der von wunderschöner Natur umgeben ist.

Alle Werke Bruegels haben eine tiefe semantische Fülle. Sie bekräftigen die Idee der Ordnung und Erhabenheit der Weltordnung. Es wäre jedoch falsch zu sagen, dass Bruegels Werke optimistisch sind. Die pessimistischen Anmerkungen in den Gemälden werden durch eine besondere Position des Autors ausgedrückt. Er scheint irgendwo außerhalb der Welt zu sein, das Leben von der Seitenlinie aus zu beobachten und von den auf die Leinwand übertragenen Bildern zu entfernen.

Eine neue Etappe in der Arbeit des Künstlers war das Erscheinen des Gemäldes "Die Schlacht von Karneval und Fastenzeit" im Jahr 1559. Die Komposition basiert auf zahlreichen Menschenmengen von Nachtschwärmern, Mummen, Mönchen und Kaufleuten. Zum ersten Mal in der Arbeit von Bruegel wird die gesamte Aufmerksamkeit nicht auf Landschaftsbilder gerichtet, sondern auf das Bild einer sich bewegenden Menge.

In dieser Arbeit drückte der Autor eine besondere Wahrnehmung der Welt aus, die für Denker jener Zeit charakteristisch ist, als die natürliche Welt humanisiert, belebt und die menschliche Welt im Gegenteil zum Beispiel mit der Insektengemeinschaft verglichen wurde. Aus Bruegels Sicht ist die menschliche Welt der gleiche Ameisenhaufen, und seine Bewohner sind ebenso unbedeutend und unbedeutend wie klein. Ihre Gefühle, Gedanken, Handlungen sind die gleichen. Ein Gemälde mit fröhlichen Menschen ruft dennoch düstere und traurige Gefühle hervor.

Die Leinwände "Flämische Sprichwörter" (1559) und "Spiele der Kinder" (1560) sind von der gleichen traurigen Stimmung geprägt. Letzteres zeigt spielende Kinder im Vordergrund. Die Perspektive der im Bild gezeigten Straße ist jedoch endlos. Dies hat die Hauptbedeutung in der Komposition: Die Aktivitäten der Menschen sind ebenso bedeutungslos und unbedeutend wie das Kinderspiel. Dieses Thema - die Frage nach dem Platz eines Menschen im Leben - wird Ende der 1550er Jahre zum Leitthema in Bruegels Werk.

Seit den 1560er Jahren. Der Realismus in Bruegels Gemälden wird plötzlich durch eine helle und bedrohliche Fantasie ersetzt, deren Ausdruckskraft sogar die grotesken Werke von Bosch übertrifft. Beispiele für solche Werke sind die Leinwände "Der Triumph des Todes" (1561) und "Mad Greta" (1562).

In "Triumph des Todes" werden Skelette gezeigt, die versuchen, Menschen zu zerstören. Diese wiederum versuchen, in einer riesigen Mausefalle zu entkommen. Allegorische Bilder sind von tiefer symbolischer Bedeutung und sollen die Haltung und Weltanschauung des Autors widerspiegeln.

In "Mad Greta" hoffen die Menschen nicht mehr auf die Erlösung von bösen Kreaturen, deren Zahl zunimmt. Aus dem Nichts tauchen viele dieser finsteren Kreaturen auf und versuchen, den Platz der Menschen auf der Erde einzunehmen. Letztere nehmen verstört die Unreinheiten, die das riesige Monster ausgebrochen hat, für Gold und versuchen, die „kostbaren“ Barren in Besitz zu nehmen, vergessen die drohende Gefahr und zermalmen sich gegenseitig in der Menge.

Diese Komposition zeigt zum ersten Mal die Haltung des Künstlers gegenüber Menschen, die von ungezügelter Gier besessen waren. Dieser Gedanke entwickelt sich jedoch in Bruegel zu tiefen Diskursen über das Schicksal der gesamten Menschheit. Es sollte auch beachtet werden, dass Bruegels Gemälde trotz aller Vielfalt fantastischer Elemente ein ungewöhnlich scharfes Gefühl für die Konkretheit und Realität des Geschehens hervorriefen. Sie waren eine Art Spiegelbild der Ereignisse, die zu dieser Zeit in den Niederlanden stattfanden - der Unterdrückung durch die spanischen Eroberer im Land. Bruegel war der erste unter den Künstlern, der die Ereignisse und Konflikte seiner Zeit auf der Leinwand reflektierte und in eine künstlerische und bildliche Sprache übersetzte.

Allmählich weichen starke Emotionen und Tragödien Bruegels ruhigen und traurigen Überlegungen zum Schicksal der Menschen. Der Künstler wendet sich wieder realen Bildern zu. Der Hauptplatz in der Komposition liegt nun in einer großflächigen Landschaft, die sich weit bis zum Horizont erstreckt. Der sarkastische Spott des Autors, der für frühere Werke charakteristisch ist, verwandelt sich hier in Wärme, Vergebung und Verständnis für das Wesen der menschlichen Seele.

Gleichzeitig erscheinen Werke geprägt von einer Stimmung der Einsamkeit, leichten Traurigkeit und Traurigkeit. Unter solchen Leinwänden nehmen "Affen" (1562) und "Der Turm von Babel" (1563) einen besonderen Platz ein. In letzterem nehmen im Gegensatz zu dem zuvor gemalten gleichnamigen Bild die Figuren der Bauherren den Hauptplatz ein. Wenn sich der Künstler früher mehr für die Welt der schönen und perfekten Natur interessierte, verlagert sich jetzt die semantische Betonung auf das Bild einer Person.

In Werken wie "Der Selbstmord Sauls" (1562), "Landschaft mit Flucht nach Ägypten" (1563), "Das Kreuz tragen" (1564) überwindet der Meister die Tragödie der Sinnlosigkeit menschlicher Aktivitäten auf der Erde. Hier erscheint für Bruegel eine völlig neue Vorstellung vom inneren Wert des menschlichen Lebens. In diesem Zusammenhang ist die Komposition "Carrying the Cross" von besonderem Interesse, in der die bekannte religiöse und philosophische Handlung als Massenszene mit zahlreichen Figuren von Soldaten, Bauern, Kindern - gewöhnlichen Menschen - interpretiert wird, die neugierig beobachten, was passiert.

1565 entstand ein Zyklus von Gemälden, die zu wahren Meisterwerken der Weltmalerei wurden. Die Leinwände sind den Jahreszeiten gewidmet: „Düsterer Tag. Frühling “,„ Ernte. Sommer “,„ Rückkehr der Herden. Herbst “,„ Jäger im Schnee. Winter". Diese Kompositionen repräsentieren harmonisch die Idee des Autors, die Majestät und gleichzeitig die vitale Realität der natürlichen Welt auszudrücken.

Mit aller Zuverlässigkeit gelingt es dem Meister, lebende Naturbilder auf der Leinwand festzuhalten. Ein Gefühl für eine fast greifbare Realität wird durch die Verwendung von Farben bestimmter Töne durch den Künstler erreicht, die besondere Symbole einer bestimmten Jahreszeit sind: rotbraune Erdtöne kombiniert mit Grüntönen, die die Landschaft im Hintergrund des "düsteren Tages" bilden; tiefgelb, in der Komposition "Harvest" braun werdend; das Überwiegen von Rot und allen Brauntönen im Gemälde Rückkehr der Herden.

Der Bruegel-Zyklus ist den Naturzuständen zu verschiedenen Jahreszeiten gewidmet. Es wäre jedoch falsch zu sagen, dass nur die Landschaft die Hauptaufmerksamkeit des Künstlers einnimmt. In allen Gemälden gibt es Menschen, die vom Künstler als körperlich stark und leidenschaftlich für jeden Beruf dargestellt werden: Ernten, Jagen. Eine Besonderheit dieser Bilder ist ihre Verschmelzung mit der Natur. Menschliche Figuren sind nicht gegen die Landschaft, sie sind harmonisch in die Komposition integriert. Ihre Bewegung fällt mit der Dynamik der Naturkräfte zusammen. So ist der Beginn der landwirtschaftlichen Arbeit mit dem Erwachen der Natur verbunden ("Düsterer Tag").

Sehr bald wurde die realistische Darstellung von Menschen und Ereignissen zu einem führenden Trend in Bruegels Kunst. Die 1566 erschienenen Gemälde „Die Volkszählung in Bethlehem“, „Das Massaker an Säuglingen“ und „Die Predigt Johannes des Täufers“ markierten einen neuen Schritt in der Entwicklung nicht nur des Werkes des Künstlers, sondern auch der Kunst der Niederlande insgesamt. Die auf der Leinwand gezeigten Bilder (einschließlich der biblischen) wurden nun aufgefordert, nicht nur universelle menschliche Konzepte zu personifizieren, sondern auch eine bestimmte soziale Weltordnung zu symbolisieren. In dem Gemälde "Das Massaker an Babys" dient die Evangeliumsgeschichte als eine Art Leinwand für die Darstellung einer realen Tatsache: eines Angriffs einer der Einheiten der spanischen Armee auf ein flämisches Dorf.

Das 1567 von Bruegel geschaffene Gemälde Bauerntanz wurde zu einem bedeutenden Werk der letzten Periode des künstlerischen Werkes. Die Handlung basiert auf tanzenden Bauern, die der Meister in vergrößertem Maßstab darstellt. Für den Autor ist es wichtig, nicht nur die Atmosphäre des Urlaubs zu vermitteln, sondern auch die Plastizität der Bewegung menschlicher Körper realistisch darzustellen. Alles in einer Person interessiert den Künstler: seine Gesichtszüge, Mimik, Gesten, Körperhaltungen, Bewegungsart. Jede Figur wird von einem Meister mit großer Sorgfalt und Präzision gemalt. Die von Bruegel geschaffenen Bilder sind monumental, bedeutsam und tragen ein soziales Pathos. Das Ergebnis ist ein Gemälde, das eine riesige, homogene Masse von Menschen darstellt und die Bauernschaft symbolisiert. Diese Komposition wird für die Entwicklung des Volksgenossen-Bauerngenres in der Kunst von Bruegel von grundlegender Bedeutung sein.

Was ist der Grund für das Erscheinen volksthema in der Arbeit eines Künstlers? Kunstkritiker schlagen vor, dass solche Werke eine Art Reaktion auf die Ereignisse sind, die damals in den Niederlanden stattfanden. Die Zeit, in der das Gemälde "Bauerntanz" gemalt wurde, fällt mit der Zeit der Unterdrückung des Volksaufstands zusammen, der "Bildersturm" genannt wird (die von Calvinisten angeführten Rebellen zerstörten Ikonen und Skulpturen in katholischen Kirchen). Aus dieser Bewegung, die 1566 aufflammte, ging die Revolution in den Niederlanden hervor. Ereignisse bis in die Tiefen der Seele erschütterten alle Zeitgenossen des berühmten Künstlers.

Historiker und Kunsthistoriker verbinden den Bildersturm auch mit dem Erscheinen eines anderen Werkes von Bruegel - "Die Bauernhochzeit". Die hier entstandenen Bilder sind noch größer als die Figuren des "Bauerntanzes". Die Bauern sind jedoch mit übertriebener Stärke und Kraft in der Zusammensetzung ausgestattet. Diese Idealisierung des Bildes war nicht typisch für die früher geschaffenen Werke des Künstlers. Im selben Bild zeigte sich das außerordentliche Wohlwollen des Autors gegenüber den auf der Leinwand dargestellten Personen.

Die freudige, lebensbejahende Stimmung der oben genannten Werke wird bald durch Pessimismus und ein Gefühl unerfüllter Hoffnungen ersetzt, die sich in den Gemälden "The Misanthrope", "Cripples", "Thief of Nests", "The Blind" widerspiegeln. Bemerkenswert ist die Tatsache, dass sie alle 1568 geschrieben wurden.

In "Blind" im Vordergrund stehen Krüppelfiguren. Ihre Gesichter sind schrecklich hässlich. Die Seelen dieser Menschen scheinen gleich zu sein. Diese Bilder sind die Personifikation von allem, was auf der Erde basiert: Gier, Eigennutz und Wut. Ihre leeren Augenhöhlen sind ein Symbol für die geistige Blindheit der Menschen. Die Leinwand nimmt einen ausgeprägten tragischen Charakter an. Für Bruegel wächst das Problem der geistigen Leere, der menschlichen Bedeutungslosigkeit, zu universellen Ausmaßen.

Bedeutend für die Zusammensetzung und die Rolle der Landschaft, die der Autor als Opposition gegen die Welt der Menschen darstellt.

In der Ferne hoch aufragende Hügel, Bäume, Kirche - alles ist voller Stille, Ruhe und Frieden. Mensch und Natur scheinen hier den Ort zu wechseln. Es ist die Landschaft auf dem Bild, die die Idee von Menschlichkeit, Güte und Spiritualität zum Ausdruck bringt. Und die Person selbst erweist sich hier als geistig tot und leblos. Die tragischen Noten werden durch die Verwendung von hellen, kalten Farben durch den Autor verstärkt. Die Basis der Farbe sind also helle lila Farben mit einem Stahlton, die das Gefühl der Hoffnungslosigkeit der Situation, in der sich eine Person befindet, verstärken.

Das letzte Werk von Bruegel dem Älteren war ein Werk namens "Tanz unter dem Galgen" (1568). Auf dem Bild erscheinen Figuren von Menschen, die in der Nähe des Galgens tanzen, vor dem Betrachter. Diese Leinwand wurde zum Ausdruck der völligen Enttäuschung des Künstlers über die zeitgenössische Weltordnung und die Menschen. Darin besteht ein Verständnis für die Unmöglichkeit, zur früheren Harmonie zurückzukehren.

Pieter Bruegel starb am 5. September 1569 in Brüssel. Der große Maler wurde im 16. Jahrhundert der Begründer der populären demokratischen Richtung in der niederländischen Kunst.

Ethnisch, wirtschaftlich und politisch heterogen und sprachen verschiedene Dialekte römischen und germanischen Ursprungs. Diese Provinzen und ihre Städte schufen erst Ende des 16. Jahrhunderts einen einzigen Nationalstaat. Zusammen mit dem raschen wirtschaftlichen Aufschwung, der demokratischen Bewegung von Freihandels- und Handwerksstädten und dem Erwachen der nationalen Identität in ihnen gedeiht eine Kultur, die in vielerlei Hinsicht der italienischen Renaissance ähnelt. Die reichen Städte der südlichen Provinzen Flandern und Brabant (Brügge, Gent, Brüssel, Tournai, später Antwerpen) wurden zu den Hauptzentren neuer Kunst und Kultur. Die urbane Bürgerkultur mit ihrem Kult der nüchternen Praktikabilität entwickelte sich hier neben der üppigen Kultur des fürstlichen Hofes, der auf französisch-burgundischem Boden aufgewachsen ist. Daher ist es nicht verwunderlich, dass die niederländische Malerei den dominierenden Platz unter den nordeuropäischen Kunstschulen des 15. Jahrhunderts einnahm: die Künstler Jan van Eyck, Robert Kampen, Jos van Gent, Rogier van der Weyden, Dirk Bouts, Hieronymus Bosch, Albert Ouvater, Hugo van der Goes, Petrus Christus, Hans Memling, Jacques Darais, Gertgen an Sint-Jans und andere Maler (siehe unten).

Die Besonderheiten der historischen Entwicklung der Niederlande bestimmten die eigentümliche Färbung der Kunst. Feudale Grundlagen und Traditionen wurden hier bis zum Ende des 16. Jahrhunderts bewahrt, obwohl die Entstehung kapitalistischer Beziehungen, die die Klassenisolation brachen, zu einer Änderung der Einschätzung der menschlichen Persönlichkeit in Übereinstimmung mit dem tatsächlichen Platz führte, den sie im Leben einzunehmen begann. Die niederländischen Städte erlangten nicht die politische Unabhängigkeit, die die Stadtgemeinden in Italien hatten. Gleichzeitig hat die kapitalistische Entwicklung dank der ständigen Bewegung der Industrie auf dem Land tiefere Schichten der Gesellschaft in den Niederlanden erfasst, den Grundstein für eine weitere nationale Einheit gelegt und den Unternehmensgeist gestärkt, der bestimmte soziale Gruppen miteinander verband. Die Befreiungsbewegung war nicht auf Städte beschränkt. Die entscheidende Streitmacht in ihm war die Bauernschaft. Der Kampf gegen den Feudalismus nahm daher akutere Formen an. Ende des 16. Jahrhunderts entwickelte es sich zu einer mächtigen Reformationsbewegung und endete mit dem Sieg der bürgerlichen Revolution.

Die niederländische Kunst hat einen demokratischeren Charakter als die italienische Kunst. Es hat starke Merkmale von Folklore, Fantasie, grotesker, scharfer Satire, aber sein Hauptmerkmal ist ein tiefes Gespür für die nationale Originalität des Lebens, Volksformen der Kultur, Lebensweise, Bräuche, Typen sowie die Darstellung sozialer Kontraste im Leben verschiedener Schichten der Gesellschaft. Die sozialen Widersprüche des Lebens der Gesellschaft, das Reich der Feindschaft und der Gewalt darin, die Vielfalt der gegnerischen Kräfte schärften das Bewusstsein für ihre Disharmonie. Daher die kritischen Tendenzen der niederländischen Renaissance, die sich in der Blüte des expressiven und manchmal tragischen Grotesken in Kunst und Literatur manifestieren und sich oft unter dem Deckmantel eines Witzes verstecken, "damit die Wahrheit mit einem Lächeln zu den Königen gesprochen werden kann" (Erasmus von Rotterdam. "Ein lobenswertes Wort der Dummheit"). Ein weiteres Merkmal der niederländischen Kunstkultur der Renaissance ist die Stabilität mittelalterlicher Traditionen, die das Wesen des niederländischen Realismus im 15. und 16. Jahrhundert maßgeblich bestimmten. Alles Neue, was den Menschen über einen langen Zeitraum offenbart wurde, wurde auf das alte mittelalterliche System der Ansichten angewendet, das die Möglichkeiten für die unabhängige Entwicklung neuer Ansichten einschränkte, aber gleichzeitig gezwungen war, die in diesem System enthaltenen wertvollen Elemente zu assimilieren.

Das Interesse an den exakten Wissenschaften, dem alten Erbe und der italienischen Renaissance zeigte sich bereits im 15. Jahrhundert in den Niederlanden. Im 16. Jahrhundert "platzte Erasmus von Rotterdam mit Hilfe seiner" Sprüche "(1500) das Geheimnis der Geheimnisse" der Gelehrten heraus und führte eine lebendige, freiheitsliebende alte Weisheit in die Verwendung breiter Kreise der "Uneingeweihten" ein. In der Kunst gingen die niederländischen Künstler jedoch ihren eigenen Weg, indem sie sich auf die Errungenschaften des alten Erbes und die Italiener der Renaissance bezogen. Die Intuition ersetzte den wissenschaftlichen Ansatz zur Darstellung der Natur. Die Entwicklung der Hauptprobleme der realistischen Kunst - die Entwicklung der Proportionen der menschlichen Figur, die Konstruktion von Raum, Volumen usw. - wurde durch akute direkte Beobachtung spezifischer individueller Phänomene erreicht. Dabei gingen die niederländischen Meister von der nationalen gotischen Tradition aus, die sie einerseits überwanden und andererseits in Richtung einer bewussten, zielgerichteten Verallgemeinerung des Bildes, der Komplikation individueller Merkmale, überlegten und entwickelten. Die Erfolge der niederländischen Kunst in dieser Richtung ebneten den Weg für die Errungenschaften des Realismus des 17. Jahrhunderts.

Im Gegensatz zum Italiener kam die niederländische Renaissancekunst nicht zur Behauptung der unbegrenzten Dominanz des Bildes des perfekten menschlichen Titanen. Wie im Mittelalter sahen die Holländer den Menschen als integralen Bestandteil des Universums, das in sein komplexes vergeistigtes Ganzes eingewoben war. Das Renaissance-Wesen des Menschen wurde nur dadurch bestimmt, dass er als der größte Wert unter den vielfältigen Phänomenen des Universums anerkannt wurde. Die niederländische Kunst zeichnet sich durch eine neue, realistische Sicht der Welt aus, die Behauptung des künstlerischen Wertes der Realität, den Ausdruck der organischen Verbindung zwischen Mensch und Umwelt und das Verständnis der Möglichkeiten, die Natur und Leben dem Menschen bieten. Bei der Darstellung einer Person interessieren sich Künstler für das Charakteristische und Besondere im Bereich des alltäglichen und spirituellen Lebens; Niederländische Maler des 15. Jahrhunderts erfassen begeistert die Vielfalt der Individualitäten der Menschen, den unerschöpflichen bunten Reichtum der Natur, ihre materielle Vielfalt. Sie spüren auf subtile Weise die Poesie alltäglicher, nicht wahrnehmbarer, aber menschenähnlicher Dinge, den Komfort der bewohnten Innenräume. Diese Merkmale der Wahrnehmung der Welt manifestierten sich in der niederländischen Malerei und Grafik des 15. und 16. Jahrhunderts im Genre Genre, Porträt, Interieur, Landschaft. Sie zeigten eine Liebe zu den für die Niederlande typischen Details, die Konkretheit ihres Bildes, die Erzählbarkeit, die Subtilität bei der Vermittlung von Stimmungen und gleichzeitig die erstaunliche Fähigkeit, ein integrales Bild des Universums mit seiner räumlichen Unendlichkeit zu reproduzieren.

Neue Trends zeigten sich ungleichmäßig in verschiedenen Kunstformen. Architektur und Skulptur entwickelten sich bis zum 16. Jahrhundert im Rahmen des gotischen Stils. Der Wendepunkt in der Kunst im ersten Drittel des 15. Jahrhunderts spiegelte sich am besten in der Malerei wider. Ihre größte Leistung ist mit der Entstehung der Staffelei in Westeuropa verbunden, die die Wandmalereien romanischer Kirchen und gotischer Buntglasfenster ersetzte. Staffelei-Gemälde zu religiösen Themen waren ursprünglich Werke der Ikonenmalerei. In Form von gemalten Falten mit evangelischen und biblischen Motiven schmückten sie die Altäre der Kirchen. Allmählich wurden weltliche Themen in die Altarkompositionen aufgenommen, die später eine eigenständige Bedeutung erlangten. Die von der Ikonenmalerei getrennte Staffelei wurde zu einem integralen Bestandteil der Innenausstattung wohlhabender und aristokratischer Häuser.

Für niederländische Künstler ist das Hauptmittel des künstlerischen Ausdrucks die Farbe, die die Möglichkeit eröffnet, visuelle Bilder in ihrem farbenfrohen Reichtum mit äußerster Greifbarkeit nachzubilden. Die Niederländer waren sich der subtilsten Unterschiede zwischen Objekten sehr bewusst und reproduzierten die Textur von Materialien, optische Effekte - den Glanz von Metall, die Transparenz von Glas, die Spiegelreflexion, die Brechungsmerkmale von reflektiertem und diffusem Licht, den Eindruck einer luftigen Atmosphäre eines Landschaftsraums, der in die Ferne rückt. Wie bei den gotischen Buntglasfenstern, deren Tradition eine wichtige Rolle bei der Entwicklung der Bildwahrnehmung der Welt spielte, diente die Farbe als Hauptmittel, um die emotionale Sättigung des Bildes zu vermitteln. Die Entwicklung des Realismus verursachte in den Niederlanden einen Übergang von Tempera zu Ölfarbe, der es ermöglichte, die Materialität der Welt illusorischer zu reproduzieren.

Die Verbesserung der im Mittelalter bekannten Ölmaltechnik, die Entwicklung neuer Kompositionen wird Jan van Eyck zugeschrieben. Die Verwendung von Ölfarbe und harzigen Substanzen in der Staffelei, das Aufbringen einer transparenten, dünnen Schicht auf Unterlackierung und weißem oder rotem Kreideboden betonte die Sättigung, Tiefe und Reinheit heller Farben, erweiterte die Möglichkeiten des Malens - sie ermöglichten es, Farbreichtum und -vielfalt, feinste Tonübergänge zu erzielen. Das dauerhafte Gemälde von Jan van Eyck und seine Methode lebten in den 15-16 Jahrhunderten in der Praxis von Künstlern in Italien, Frankreich, Deutschland und anderen Ländern nahezu unverändert weiter.

Im ersten Drittel des 15. Jahrhunderts, fast zeitgleich mit dem Beginn der Renaissance in Italien, gab es einen Wendepunkt in der Entwicklung der Kunst der nördlichen Länder - Niederlande, Frankreich, Deutschland. Trotz individueller nationaler Merkmale ist die Kunst dieser Länder im 15. Jahrhundert durch das Vorhandensein einer Reihe von Merkmalen gekennzeichnet, die im Vergleich zu Italien besonders ausgeprägt sind. Dieser Wendepunkt tritt am deutlichsten und beständigsten in der Malerei auf, während die Skulptur ihre gotischen Merkmale lange Zeit beibehält und sich die Architektur im Rahmen des gotischen Stils bis in die ersten Jahrzehnte des 16. Jahrhunderts weiterentwickelt. Die führende Rolle bei der Entwicklung der Malerei des 15. Jahrhunderts spielen die Niederlande, die einen erheblichen Einfluss auf Frankreich und Deutschland haben. im ersten Viertel des 16. Jahrhunderts trat Deutschland in den Vordergrund.
Der Kunst der Renaissance in Italien und im Norden gemeinsam ist der Wunsch nach einer realistischen Darstellung des Menschen und der Welt um ihn herum. Diese Aufgaben wurden jedoch je nach Art der Kultur unterschiedlich gelöst.
Die Aufmerksamkeit der niederländischen Meister wurde durch den unerschöpflichen Reichtum der Naturformen und die Vielfalt des individuellen Erscheinungsbildes der Menschen, die sich vor den Augen des Menschen entfalten, erregt. Das Charakteristische und das Besondere überwiegt in den Werken der Künstler der nördlichen Länder gegenüber dem Allgemeinen und Typischen. Sie sind den Suchen der italienischen Renaissancekünstler fremd, die darauf abzielen, die Naturgesetze und die visuelle Wahrnehmung aufzudecken. Bis zum 16. Jahrhundert, als der Einfluss Italiens sowohl in der allgemeinen Kultur als auch in der Kunst eine wichtige Rolle spielen wird, werden weder die Perspektiventheorie noch die Proportionslehre ihre Aufmerksamkeit erregen. Die niederländischen Maler haben jedoch auf rein empirische Weise Techniken entwickelt, die es ihnen ermöglichen, den Eindruck der Raumtiefe nicht weniger überzeugend als die Italiener zu vermitteln. Beobachtung offenbart ihnen die vielfältigen Funktionen des Lichts; Sie verwenden häufig verschiedene optische Effekte - gebrochenes, reflektiertes und gestreutes Licht, das sowohl den Eindruck einer weit entfernten Landschaft und eines mit Luft und Licht gefüllten Raums als auch die subtilsten Unterschiede in den Materialeigenschaften von Dingen (Stein, Metall, Glas, Pelz usw.) vermittelt. Sie reproduzieren mit größter Sorgfalt die kleinsten Details und erzeugen mit der gleichen Wachsamkeit den brillanten Farbreichtum. Diese neuen Bildaufgaben konnten nur mit Hilfe der neuen Bildtechnik der Ölmalerei gelöst werden, deren "Entdeckung" durch die historische Tradition Jan van Eyck zugeschrieben wird; Ab der Mitte des 15. Jahrhunderts ersetzt diese neue "flämische Art" die alte Tempera-Technik in Italien.
Im Gegensatz zu Italien gab es in den nördlichen Ländern keine Bedingungen für eine signifikante Entwicklung der monumentalen Malerei; Ein prominenter Ort gehört im 15. Jahrhundert in Frankreich und den Niederlanden, um Miniaturen zu buchen, die hier eine starke Tradition hatten. Ein wesentliches Merkmal der Kunst der nordischen Länder war das Fehlen von Voraussetzungen für das Interesse an der Antike sehr wichtig hatte in Italien. Die Antike wird erst im 16. Jahrhundert zusammen mit der Entwicklung humanistischer Studien die Aufmerksamkeit der Künstler auf sich ziehen. Der Hauptplatz in der Produktion von Kunstwerkstätten sind Altarbilder (geschnitzte und bemalte Falten), deren Türen auf beiden Seiten mit Bildern bedeckt waren. Religiöse Szenen werden in eine reale Umgebung übertragen, die Handlung findet oft in einer Landschaft oder in einem Innenraum statt. Bedeutende Entwicklung in den Niederlanden im 15. Jahrhundert und in Deutschland zu Beginn des 16. Jahrhunderts.
Während des 16. Jahrhunderts gibt es eine allmähliche Trennung in unabhängige Genres der alltäglichen Malerei, Landschaft, Stillleben, mythologischen und allegorischen Malerei. Im 15. Jahrhundert erschien eine neue Art der bildenden Kunst - Holzschnitt und Metallstich, die Ende des Jahrhunderts und in der ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts eine rasche Blüte erreichte; Sie nehmen einen besonders wichtigen Platz in der deutschen Kunst ein, der die Entwicklung der niederländischen und französischen Grafik beeinflusste.