Die europäischen Länder haben einen großen Beitrag zur Kultur der Renaissance geleistet. Die besten Werke dieser Zeit gingen in die Weltkultur ein. Merkmale der historischen, sozioökonomischen, politischen und spirituellen Entwicklung dieser Länder bestimmten die Besonderheit der Renaissance in jedem von ihnen.

Die Renaissancekultur entstand in Italien, das zur klassischen Brutstätte der Renaissancekultur wurde. Dies hat bestimmte Gründe. Die wichtigsten Handelsrouten zwischen Europa und Asien führten durch Italien, was zu einem raschen Wachstum der Hafen- und Handwerksstädte (Florenz, Genua, Venedig, Bologna usw.) führte.

Kreuzfahrer gingen durch Italien, was zur Entwicklung des Handwerks beitrug, eine Zunahme der Handwerkerschicht. Die Produktion im verarbeitenden Gewerbe begann sich früher als in anderen Ländern zu entwickeln. All dies stimulierte ein aktives politisches Leben in den Stadtrepubliken und schuf günstige Bedingungen für die Entwicklung der Kultur.

Der Kampf der Stadtbewohner gegen die Feudalherren, der in einigen Ländern mit der Vereinigung des Landes unter der Schirmherrschaft einer starken monarchischen Macht endete, endete in Italien mit dem Sieg der republikanischen Regierungsform und der Bildung einer großen Anzahl von Stadtrepubliken. Dies war ein Sieg für den dritten Stand, der mit der mittelalterlichen Kultur und Ideologie nicht zufrieden sein konnte. So führte der politische Kampf unweigerlich zu einem neuen Verständnis der Welt.

Schließlich spielte die Tatsache eine wichtige Rolle, dass Italien der direkte Erbe der alten Kultur war und seine Denkmäler in diesem Land mehr als anderswo überlebt haben.

Der chronologische Rahmen der italienischen Renaissance umfasst die Zeit ab der zweiten Hälfte des 13. Jahrhunderts. und im 16. Jahrhundert. inklusive. Innerhalb dieser Periode werden folgende unterschieden: Proto-Renaissance (Vor-Wiederbelebung) - XIII und frühes XIV. Jahrhundert; Frühe Renaissance - ab der Mitte des XIV. Jahrhunderts. und fast das gesamte 15. Jahrhundert; Hochrenaissance - spätes 15. und erstes Drittel des 16. Jahrhunderts; Spätrenaissance - XVI. Und frühes XVII. Jahrhundert.

Bis zum Ende des 15. Jahrhunderts. Über die Renaissance kann nur in Italien gesprochen werden. In anderen europäischen Ländern begann es viel später und fand keinen so lebendigen Ausdruck, obwohl es dort auch herausragende Meister gab.

Das Ende der italienischen Renaissance wird als 1530 angesehen, als die italienischen Stadtrepubliken von der Habsburgermonarchie erobert wurden. Nur die Kirchenstaaten behielten ihre Unabhängigkeit und Venedig blieb lange Zeit unabhängig.

Im Zentrum der italienischen Renaissance steht die Entdeckung der Persönlichkeit, das Bewusstsein für ihre Würde und der Wert ihrer Fähigkeiten. Dies ist die Essenz des Humanismus der Renaissance. Letzterer setzt die Tradition des alten Humanismus fort, unterscheidet sich jedoch davon, ebenso wie sich eine willensstarke, unternehmungslustige Person zu Beginn der bürgerlichen Ära von einer Person in einer alten Polis unterscheidet. Der Held der alten Gesellschaft und der alten Kunst ist eine wundervolle und vernünftige Person, kalakagaty (wundervolle Art), körperlich perfekt, ästhetisch entwickelt. Die Wiedergeburt bildet eine willensstarke, vielseitig ausgebildete, aktive Person, den Schöpfer seines eigenen Schicksals, den Schöpfer seiner selbst.

Renaissancekunst kann nicht als irreligiös bezeichnet werden. Es wurden Werke zu religiösen Themen geschaffen, es gab auch ein religiöses Gefühl, aber es erhielt einen neuen Inhalt. Für die Menschen der Renaissance war die Distanz zwischen Gott und den Menschen im Vergleich zum mittelalterlichen Menschen geringer. Alles, was die Menschen im Leben liebten, was sie bewunderten - männliche Fähigkeiten, die Weisheit älterer Menschen, die Zärtlichkeit der Kinder, die Schönheit der Frauen, die Schönheit der Natur und das, was der Mensch durch seine Arbeit geschaffen hat - all dies wurde Eigentum und Attribut der heiligen Geschichte.

Gleichzeitig waren alle Arten künstlerischer Kreativität der Renaissance - Bildende Kunst, Literatur, Architektur, Musik, Theater und andere - von einem weltlichen Geist geprägt. Die Kunst der Renaissance lehnte die Kanone der mittelalterlichen Kultur von der Symbolik des Mittelalters ab und fühlte den Atem des Lebens.

Die hellste Seite der italienischen Renaissance war die bildende Kunst, insbesondere Malerei und Skulptur. Und in Bezug auf die Ära der italienischen Renaissance präsentieren wir zunächst diese Art von Kunst.

Es ist sehr schwierig, einzelne Namen zu wählen, wenn man über die Arbeit der Künstler der italienischen Renaissance spricht. Und das nicht nur, weil es so viele von ihnen gab, sondern vor allem, weil selbst das durchschnittliche Niveau der italienischen Kunst dieser Zeit sehr hoch war.

Proto-Renaissance (XIII - frühes XIV. Jahrhundert) - der Vorabend der Renaissance, als das Neue in der Kunst erscheint. Proto-Renaissance wird in den Städten der Provinz Toskana gegründet - Pisa, Siena, Florenz.

Florenz ist für die Renaissance das, was Athen für das antike Griechenland ist - das Zentrum der künstlerischen Kultur. Sie gab der Welt Dante, Petrarca, Boccaccio. Lebte und arbeitete in Florenz Giotto di Bondone (1266 / 76-1337) - der Begründer der europäischen Malerei, der Begründer des Realismus.

"- Die Hauptwerke von Giotto sind Fresken. Dies erklärt sich aus der Tatsache, dass in der Toskana zu dieser Zeit eine große Anzahl von Palästen und Kirchen gebaut wurde. Künstler malten darin, so dass das Fresko zum Haupttyp ihrer Arbeit wurde. Die berühmtesten Fresken von Giotto befinden sich in der Capella del Arena in Sie sind in so leuchtenden Farben bemalt, dass die Kapelle auch jetzt, 700 Jahre später, wie ein mit Edelsteinen bedeckter Sarg aussieht. Die Kapelle enthält 37 Gemälde zu biblischen Themen: "Anbetung der Könige", "Kuss des Judas", "Joachim bei den Hirten" und andere, insbesondere die Darstellung des Künstlers über das Leben und Leiden Christi.

Giotto lehnt den mittelalterlichen Kanon ab, der den Ausdruck des Primats des Geistes über den Körper erforderte, dessen Manifestation unkörperliche längliche Figuren, strenge große Augen und Beine waren, die den Boden nur leicht berührten. Giottos Bilder sind materiell: massive untersetzte Figuren, ein großer Kopf, ein schmaler Schnitt der Augen. Die Erfahrungen der Helden sind natürlich: Es gibt keine Theatralik. Der Künstler lehnt den flachen goldenen Hintergrund ab, der in der mittelalterlichen Malerei übernommen wurde, und platziert Figuren in einem Innenraum oder einer Landschaft, wobei er häufig Elemente der Architektur einführt.

Giotto besaß nicht die Gesetze der Perspektive und ließ Ungenauigkeiten in der Anatomie zu. Er war in der Lage, ein Raumgefühl zu vermitteln und den Figuren Volumen zu verleihen. Er war nicht nur Maler, sondern auch ein herausragender Architekt.

"Giotto war ein Genie von solch außergewöhnlicher Kraft, dass es im gesamten Universum nichts geben würde, was er nicht darstellen könnte" - so hoch geschätzt die Arbeit von Giotto von seinem Zeitgenossen Giovanni Boccaccio. Und sein anderer Zeitgenosse - der größte Dichter der Proto-Renaissance-Ära, "der zum Klassiker der Weltliteratur wurde, verherrlichte Giotto in seiner" Göttlichen Komödie "im zweiten Teil -" Fegefeuer ".

Frühe Renaissance (spätes XIV-XV Jahrhundert) wurde von einer Galaxie brillanter Künstler vertreten: Masaccio (1401-1426), Donatello (1386-1466), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Pietro Perugi Nr. (1445-1523), Sandro Botticelli (1445) -1510) und Dutzende anderer herausragender Künstler, deren Leinwände Museen auf der ganzen Welt schmücken.

Der Maler Masaccio (bürgerlicher Name Tommaso di Giovanni), der Bildhauer Donatello und der Architekt Philippe Brunelleschi (1337-1446) sind die bestimmenden Figuren der Frührenaissance.

Schaffung Masaccio eröffnet das 15. Jahrhundert, das Jahrhundert der höchsten Blüte der florentinischen Kunst. Masaccio malte in Florenz eine kleine Brancacci-Kapelle (benannt nach dem Kunden), die für mehrere Generationen italienischer Meister zum Vorbild und zur Schule wurde. Das Thema der Fresken stammt aus der Legende über das Leben des Apostels Petrus. Aber an der Stirnwand des Eingangsbogens platzierte der Künstler das Fresko "Vertreibung aus dem Paradies". Hier wurde zum ersten Mal nach der Antike ein nackter menschlicher Körper gezeigt, zum ersten Mal beim Malen des Volumens wurde das Gewicht von Figuren vermittelt. Masaccio war der erste, der Raum in einer Ebene mit linearer Perspektive vermittelte (dies wurde durch den Einfluss von Brunelleschi beeinflusst). Er stapelt die Figuren nicht wie bisher in Reihen, sondern platziert sie je nach Entfernung zum Betrachter in unterschiedlichen Abständen. Gleichzeitig konnte Masaccio das Drama der Situation ausdrücken und die genauen Eigenschaften der Charaktere herausfinden.

Der Künstler lebte kurzes Leben - 27 Jahre alt (er wurde aus Neid vergiftet), aber seine Kunst bleibt eine Schule der Exzellenz.

Der Bildhauer Donatello schuf eine Staffelei und eine monumentale runde Skulptur und ein Relief. Viele seiner Werke sind bekannt: Bilder des heiligen Georg und der Propheten, das Wappen von Florenz, das Relief "Fest des Herodes" usw. Sein berühmtestes Werk war jedoch die Statue von David (1430). Dies war das erste Bild einer Aktfigur in einer monumentalen Skulptur für seine Zeit. In der Antike weit verbreitet, wurde das Bild der Nacktheit im Mittelalter in Vergessenheit geraten.

Der Legende nach rettete der junge Mann - der Hirte David - sein Volk, indem er den Krieger des feindlichen Stammes Goliath im Einzelkampf besiegte. Für dieses Kunststück wählten die Leute ihn als ihren König. Das Bild von David - einem einfachen Mann, der durch Mut und Liebe zu seinem Volk Fortschritte machte - war einer der Favoriten während der Renaissance. Donatello porträtierte ihn in einem mit Efeu umwickelten Hirtenhut, umrahmt von langen Haaren, sein Gesicht ist fast von dem Hut bedeckt. Er hält einen Stein in der einen Hand, ein Schwert in der anderen. Davids Körper ist wunderschön modelliert. Die Skulptur ist für eine kreisförmige Ansicht konzipiert, und dies war auch eine Innovation, da mittelalterliche Statuen eng mit der Wand verbunden und der Architektur untergeordnet waren. Hier fungiert die Skulptur als eigenständiges Kunstwerk.

Es ist unmöglich, keinen anderen wunderbaren Künstler dieser Zeit zu nennen, einen Mann von hellem, originellem Talent und tragischem Schicksal - Sandro Botticelli. „Selten hat sich ein Künstler so Sorgen gemacht und den Inhalt seiner Zeit so zum Ausdruck gebracht“ - so definierte der Forscher dieser Zeit Botticellis Werk.

Botticelli malte eine große Anzahl von Gemälden, machte Illustrationen für Dantes Göttliche Komödie, aber seine berühmtesten Gemälde sind Frühling und Die Geburt der Venus. Nach dem Mythos wurde die Göttin der Liebe, Freude und Ehe aus Meerschaum geboren. Dies ist das erste große (172x278) Renaissance-Gemälde zu einem antiken Thema. Die Entstehung der Malerei nichtkirchlicher Inhalte war ein Zeichen der Zeit.

Das Farbschema des Bildes ist zurückhaltend, die Zeichnung ist verfeinert und genau. Die Pose der Göttin, die auf einer Muschel schwimmt, ist keusch: Sie bedeckt ihre Nacktheit mit ihren Händen. Sie verkörpert Weiblichkeit, Anmut und Schönheit.

Später, getragen von den Ideen des Predigers Savonarola Botticelli, verzichtete er auf seine Arbeit, verbrannte seine restlichen Gemälde, brach mit alten Motiven und begann, Bilder zu religiösen Themen zu malen. Er starb im Exil, von allen vergessen, überlebte seinen Ruhm. Es wurde am Ende wiederentdeckt XIX- früh XX Jahrhunderte, und seine Kunst stimmte mit den französischen Impressionisten überein - Edouard Manet und sogar Modigliani.

Ende des 15. und Anfang des 16. Jahrhunderts namens "Hochrenaissance"und die ersten Jahrzehnte des 16. Jahrhunderts waren das "goldene Zeitalter" der Renaissance. In diesen Jahren wurde die Suche nach einer neuen Kultur abgeschlossen. Die charakteristischen Merkmale des Realismus der italienischen Renaissance - die klassische Klarheit, die Menschlichkeit der Bilder, ihre plastische Kraft und ihre harmonische Ausdruckskraft - erreichen beispiellose Höhen.

Die Hochrenaissance ist nicht nur eine Fortsetzung und Vervollständigung der bisherigen Entwicklung, sondern auch eine qualitativ neue Etappe. Ihre besten Vertreter setzen nicht nur die Suche ihrer Vorgänger fort, sie ordnen das gewonnene Wissen tieferen Aufgaben unter: Insbesondere können sie konkret das Allgemeine, Charakteristische offenbaren. Die Bilder, die sie schaffen, sind eine Hymne an die menschliche Schönheit und Weisheit.

Die Hochrenaissance beleuchtet das Werk von drei großen Titanen, brillanten Künstlern - Leonardo da Vinci, Raphael Santi und Michelangelo Buonarroti.

Ein Mann von fantastischem Verstand und künstlerischem Genie war Leonardo da Vinci (1452-1519). Seine phänomenale Forschungskraft durchdrang alle Bereiche der Wissenschaft und Kunst. Auch nach Jahrhunderten sind Forscher seiner Arbeit erstaunt über das Genie der Einsichten des größten Denkers. Leonardo war Künstler, Bildhauer, Architekt, Philosoph, Historiker, Mathematiker, Physiker, Mechaniker, Astronom, Anaton ... Seine zahlreichen Zeichnungen und Zeichnungen mit Projekten von Drehmaschinen, Spinnmaschinen, Baggern, Kränen, Gießereien und Hydraulikmaschinen sind zu uns gekommen , Geräte für Taucher usw. Leonardo träumte vom Flug und studierte, skizzierte und berechnete alles, was mit dem Flug von Vögeln und Insekten zu tun hatte. Das Ergebnis dieser Studien waren Zeichnungen und Berechnungen eines Flugzeugs, eines Hubschraubers, eines Fallschirms ... Es ist schwierig, alles aufzulisten, woran der brillante Denker und Schöpfer gearbeitet hat und zu welchen Ergebnissen er gekommen ist.

Unter den grenzenlosen Interessen stellt Leonardo die Malerei an erster Stelle. „Wenn ein Maler schöne Dinge sehen möchte, die ihn zur Liebe inspirieren, dann liegt es in seiner Macht, sie zu erzeugen, und wenn er hässliche Dinge sehen möchte ... dann ist er der Meister und Gott über sie ... Alles, was im Universum als Ganzes existiert, als Als Phänomen oder als Imaginär hat er zuerst in seiner Seele und dann in seinen Händen - schrieb er. - Deshalb sollte die Malerei über jede andere Aktivität gestellt werden. "

Leonardo da Vinci malte viele Gemälde. Unter ihnen - "Madonna mit einer Blume" ("Benois Madonna"), "Madonna Litta", "Dame mit einem Hermelin", "Maria mit einem Baby" und viele andere. Seine Madonnen sind entzückende junge Frauen, deren Gesichter mit Liebe und Bewunderung für ihr Baby beleuchtet sind. Sie unterscheiden sich in Charakter, Persönlichkeitstyp; aber sie sind alle schön mit natürlicher Weiblichkeit, irdischer Schönheit. Alle Werke von Leonardo sind ausgezeichnet, und dennoch sind seine berühmtesten Werke das Abendmahl (1495-1498) - das Wandgemälde des Refektoriums des Mailänder Klosters Santa Maria delle Grazie, das zu einem Meilenstein in der wissenschaftlichen Forschung des Autors und zu einem neuen Wort in der bildenden Kunst wurde. Porträt der Frau des Kaufmanns Gioconde Mona Lisa (um 1503) mit ihrem ungelösten, mysteriösen Lächeln. Viele Anhänger des Künstlers versuchten, dieses Lächeln auf Leinwand zu wiederholen, aber keiner hatte Erfolg. Viele talentierte Werke sind einer Frau gewidmet, aber unter ihnen gibt es keine Hymne, die in ihrer mysteriösen Kraft gleichwertig ist, die vom Genie Leonardos zu Ehren der schönsten und mysteriösesten Schöpfung der Natur geschaffen wurde.

Im Porträt von Mona Lisa löste der Künstler ein Problem, das zukünftige Bestrebungen vorwegnahm bildende Kunst: Sie haben nicht einen bestimmten Zustand eines Menschen erfasst, sondern einen komplexen Prozess seines spirituellen Lebens. Und jetzt inspiriert "Mona Lisa" seit fünf Jahrhunderten Dichter, Musiker, Künstler, generiert Vermutungen, provoziert Fälschungen und Diebstähle.

Die Synthese der Traditionen der Antike und des Geistes des Christentums ist am lebendigsten in den Werken des genialen Künstlers der Renaissance enthalten Raphael Santi (1483-1520). In seiner Arbeit wurden zwei Hauptprobleme der bildenden Kunst gelöst:

das Bild der plastischen Perfektion des menschlichen Körpers, das den geistigen Reichtum und die Harmonie der inneren Welt eines Menschen zum Ausdruck bringt, und die Konstruktion einer komplexen vielfigurigen Komposition.

Während seines ganzen Lebens suchte Raphael nach einem perfekten, harmonischen Bild, das seine Idee im Bild der Madonna verkörperte (Madonna Kone-Stall, Madonna im Grünen, Madonna mit dem Stieglitz, Madonna auf dem Stuhl). Der Höhepunkt von Raffaels Genie war die Sixtinische Madonna (1515-1519). Der Autorin gelang es, ein Bild einer wunderschönen Frau mit dem Christkind im Arm zu schaffen, das sie für das Sühnopfer menschlicher Sünden opfert. Grüne Vorhänge wurden geöffnet, und der Betrachter erschien Madonna und hielt das Christusbaby in ihren Händen. Die ruhige Silhouette der Madonna ragt deutlich vor dem Hintergrund des hellen Himmels hervor. Sie bewegt sich mit einem leichten, entscheidenden Schritt, der Gegenwind bläst die Falten ihrer Kleidung, aus denen ihre Figur greifbarer erscheint. Ihre kleinen nackten Füße berühren kaum die von Licht durchdrungene Wolke. Dies verleiht ihrem Gang eine außergewöhnliche Leichtigkeit. Und mit der gleichen Leichtigkeit trägt sie ihren Sohn, hält ihn den Menschen hin und hält ihn gleichzeitig fest an sich.

Das schöne Gesicht einer jungen Frau drückt enorme innere Stärke aus. Es enthält Liebe zum Baby, Angst um sein Schicksal und unerschütterliche Festigkeit, das Bewusstsein für die Leistung, die sie vollbringt: Eine Mutter opfert ihren einzigen Sohn für die Errettung der Menschen.

Das Antlitz Christi ist nicht kindisch ernst. Stärke wird durch die kindliche Zerbrechlichkeit gespürt: Seine Augen sehen fest und scharfsinnig aus.

Ein perfektes Bild schafft ein Gefühl erstaunlicher Harmonie. Dies ist eines der herausragendsten Werke der Welt der schönen Künste in den Bereichen künstlerische Sprache, Farbe, Plastik, Rhythmus und Komposition.

Raphael hat in verschiedenen Genres gearbeitet. Er ist Autor der berühmten Fresken (Die Schule von Athen, Parnass, Die Vertreibung von Eliodorus, Messe in Bolsen, Die Befreiung des Apostels Peter aus dem Kerker usw.) und der größte Porträtmaler seiner Zeit. Er schrieb Werke, in denen einzelne Merkmale mit den typischen Merkmalen des Epochenbildes verschmolzen sind ("Porträt von Julius II", "Leo X", "Porträt eines Kardinals", "Dame mit Schleier" usw.).

Neben der Malerei beschäftigte sich Raphael auch mit Architektur, Archäologie und dem Schutz antiker Denkmäler. Rafael starb im Alter von 37 Jahren und hatte keine Zeit, viele der begonnenen Arbeiten abzuschließen.

Der dritte Titan der Renaissance - Michelapgelo Buonarroti(1475-1564). Nachdem er ein langes Leben geführt hatte, arbeitete er sowohl während der Hochrenaissance als auch in den Jahren ihres Niedergangs. Michelangelo, der größte Meister seiner Zeit, übertraf alle an Stärke und Reichtum an malerischen Bildern, bürgerlichem Pathos und Leidenschaft. Der Maler, Bildhauer, Architekt und Dichter Michelangelo leistete einen großzügigen Beitrag zur Schatzkammer der Weltkultur.

In den Jahren 1496-1499. er schafft seine ersten skulpturalen Werke "Bacchus" und "Pieta", die ihn berühmt machten. Von diesem Moment bis zu seinem Lebensende wird das Bild eines schönen nackten Körpers zum Hauptthema von Michelangelos Werk. 1504 schloss er die Arbeiten an der Davidstatue ab (ihre Höhe beträgt ca. 5,5 m). Die Skulptur wurde von der Öffentlichkeit und den bekanntesten Künstlern dieser Zeit sehr geschätzt. Es wurde beschlossen, sie vor dem Rathaus in Florenz zu installieren. Die Eröffnung der Statue führte zu einer beliebten Feier.

Das Gemälde des Plafonds der Sixtinischen Kapelle im Vatikan zeugt von der titanischen Effizienz, der unmenschlichen Anspannung des Geistes und der körperlichen Stärke von Michelangelo. Vor ihm musste niemand solch eine gigantische Arbeit verrichten: Die Fläche der Fresken beträgt 600 Quadratmeter. m in einer Höhe von 18 m. Michelangelo arbeitete von 1508 bis 1512 über ihnen. Das Gemälde des Sixtinischen Plafonds enthält 343 Figuren, und trotz der religiösen Handlung (Szenen des Alten Testaments) ist es eine Hymne an den Menschen, seine Vollkommenheit, Stärke, Mut, Schönheit.

Die letzten zwei Jahrzehnte in Michelangelos Leben waren geprägt von Hoffnungsverlust, Enttäuschung und geistiger Einsamkeit. Aber großer Meister schuf bis zum Ende seiner Tage weiter und schuf Werke, die von seinem unsterblichen Genie zeugen.

Der größte Künstler der Renaissance war Tizian Vecellio (1476/77 oder 1480-1576). Er lebte ein langes Leben, das mit turbulenten und tragischen Ereignissen in der Geschichte Italiens zusammenfiel. In den frühen 20er Jahren des 16. Jahrhunderts. Er wird der berühmteste Künstler in Venedig, und der Ruhm lässt ihn erst am Ende seines Lebens zurück. Tizians Pinsel gehören zu Kreationen zu mythologischen und christlichen Themen, die im Genre eines Porträts arbeiten. Sein kompositorischer Einfallsreichtum war seinesgleichen, sein koloristisches Talent war phänomenal.

Tizians frühe Werke sind voller Lebensfreude ("irdische und himmlische Liebe", "Bacchus und Ariadne" (1523), "Das Fest der Venus" usw.). In ihnen tritt er auch als Sänger der Antike auf, der es geschafft hat, den freien Geist dieser Zeit zu inspirieren.

Eines der berühmtesten Gemälde des großen Meisters - "Reclining Venus" (1538). Darin offenbart der Autor seine eigene Art von Schönheit. Venus Titiana ist vor allem eine schöne irdische Frau. Dieses Gemälde beginnt mit einer Reihe von Leinwänden, die die Schönheit eines nackten weiblichen Körpers darstellen. Dazu gehören vier Versionen der Danae (1545-1554). Der Meister reproduziert das alte Schönheitsideal und schafft ein Bild, das ein schönes irdisches Prinzip trägt, es mit menschlichem Fleisch und der Freude am Sein füllt.

Während seiner Karriere arbeitete Tizian im Genre des zeremoniellen Porträts und war einer der Schöpfer dieses Genres. Seine Porträts zeichnen sich durch höchste Handwerkskunst, Farbadel aus. Das Wichtigste für Tizian war jedoch die Übertragung der Individualität und der inneren Welt eines Menschen ("Porträt eines jungen Mannes mit einem Handschuh", Porträts von Ippolito Riminaldi, Pietro Aretino, Karl V., Papst Paul III. Und vielen anderen).

Die letzten Lebensjahre von Tizian vergehen angesichts einer Verschärfung der feudal-katholischen Reaktion in Italien, einschließlich in Venedig, wo der Jesuitenorden und die Inquisition durchdringen. Tragische Motive tauchen in der Arbeit des Künstlers aufgrund von Angst und Enttäuschung auf. Er schreibt immer mehr über alte Themen ("Venus und Adonis", "Jupiter und Antiope", "Diana und Actaeon" usw.).

Die Natur seiner Malerei ändert sich: Licht, helle Farbe weicht kraftvoller, stürmischer Malerei, die Komposition wird dynamischer. In ihrer Spiritualität, ihrem inneren Drama und ihrer Farbkraft übertreffen Tizians spätere Werke alles, was zuvor vom Künstler geschaffen wurde. Dies sind "Venus vor dem Spiegel" (1553), "Büßerin Maria Magdalena" (1565), "St. Sebastian (1570), Pieta (1576). Die letzten Werke von Tizian gehören zur Spätrenaissance.

Der große Meister hatte viele Schüler, aber keiner von ihnen konnte den Lehrer übertreffen. Tizians Werk hatte einen großen Einfluss auf die Malerei des nächsten Jahrhunderts.

Die Architektur. In der künstlerischen Kultur der Renaissance ist Architektur einer der führenden Orte. Die Renaissance markierte eine neue Etappe in ihrer Entwicklung. Hauptmerkmale Architektur in dieser Zeit wird: eine Zunahme des Umfangs des zivilen, weltlichen Aufbaus, eine Veränderung in der Natur der monumentalen Kultarchitektur - Vertikalismus, ein Aufwärtsstreben, das der Gotik des Mittelalters innewohnt, wird durch neue Formen ersetzt, die sich in der Breite entwickeln. Der Mensch wird zu einem großräumigen Maß für Strukturen.

Die Architektur der Renaissance zeichnet sich durch die Einfachheit von Volumen, Formen und Rhythmus aus. Ruhe und Statik; Symmetrie der Komposition;

aufteilung des Gebäudes in Stockwerke durch horizontale Stangen; eine klare Reihenfolge der Platzierung von Fensteröffnungen und architektonischen Details. Das Ordnungssystem wird hier von der alten Architektur übertragen. Die wichtigsten architektonischen Elemente sind wieder architrav, Archivolt, Säule, Pylon, Pilaster und gewölbe, und die geometrischen Hauptformen sind Quadrat, Rechteck, Würfel, Kugel. Von Anfang an und in allen Epochen der Renaissance gilt das Prinzip des künstlerischen Individualismus, ein freier Appell an alte Formen. Die neue Ära hat die großen Namen von F. Brunelleschi, L. Albert, D. Bramante, Miche-langelo Buonarroti, F. Delorma und anderen in die Weltgeschichte der Architektur eingeschrieben.

Wie alle Sprossen der Renaissancekultur entstand in Italien neue Architektur. In seiner Entwicklung können drei Hauptperioden unterschieden werden: die frühe Periode - 1420-1500. Sein führender Architekt war F. Brunelleschi, und das Hauptzentrum ist die Provinz Toskana und ihre Hauptstadt Florenz, die Wiege der italienischen Renaissance; eine hohe Periode - 1500-1540, als D. Bramante der führende Architekt wurde und das Zentrum nach Rom zog; späte Periode - 1540-1580. Der führende Architekt dieser Zeit war der große Bildhauer und Maler Michelangelo Buonarroti.

Die frühe Periode der Renaissance-Architektur war ein Übergang von der mittelalterlichen Gotik zu neuen architektonischen Formen. Alte Merkmale sind in den Gebäuden noch erhalten, der Orden hatte keine streng proportionale Konstruktion, sehr wichtig an der Verzierung befestigt. Die Hochzeit zeichnete sich durch eine strengere, monumentalere Architektur aus, die korrekt gefunden wurde. Der Verzierung wurde keine solche Bedeutung mehr beigemessen. Die späte Periode, in der die Traditionen der ersten beiden fortgesetzt und weiterentwickelt werden, zeigt neue Merkmale - Dekorativität, Schönheit, Komplexität der architektonischen Formen, die später im Barockstil ihre volle Entwicklung fanden.

Das erste architektonische Werk der Renaissance war das Gebäude des Waisenhauses in Florenz, das 1421 vom Begründer der italienischen Renaissance-Architektur entworfen wurde F. Brunelleschi (1377-1446). Dieses Gebäude unterschied sich erheblich von den gotischen Gebäuden des Mittelalters und trug die Merkmale des aufkommenden neuen Stils.

Der Entwurf und Bau der größten Kuppel Europas über der Florentiner Kathedrale Santa Maria del Fiore (Durchmesser 42 m) war für die gesamte spätere Entwicklung der Architektur von großer Bedeutung.

In der Entwicklung der Renaissance-Architektur gehört ein wichtiger Ort zum Bau der Palastarchitektur - palazzo (ein rechteckiges Haus mit einem geschlossenen rechteckigen Innenhof). Diese architektonischen Strukturen hatten das raue Aussehen von Festungen, da sie Verteidigungsfunktionen ausübten. Die besten Beispiele des Palazzo aus dem 15. Jahrhundert befinden sich in Florenz, von hier aus verbreitete sich dieser Stil allmählich auf andere Städte in Italien. Die bekanntesten sind der Palazzo Pitti (1458), der Palazzo Strozzi (1489), der Palazzo Gondi (1490) usw. Diese Art von Gebäude entwickelte sich im Laufe der Renaissance weiter zu einer größeren Dekorativität.

Die Hochrenaissance ist mit der zunehmenden politischen Aktivität des Papsttums verbunden. Papst Julius II. Und Leo X. luden bedeutende Architekten nach Rom ein - Bramante, Raphael, Michelangelo und andere. Rom wurde die architektonische Hauptstadt Italiens und behielt diese Rolle bis heute bei.

Der Begründer der Hochrenaissance in der Architektur war Donato Bramante (1444-1514), und seine größte Schöpfung ist das Projekt des grandiosen Aufbaus der Renaissance - der Kathedrale von St. Peter. Er war eine der höchsten Errungenschaften der Renaissance-Architektur. Der Bau begann 1506 und dauerte bis zum Tod des Architekten. Rafael Santi setzte die Arbeit fort und nach ihm Antonio da Sangallo. 1546 wurde der Bau von Michelangelo übernommen, der eine neue Version des Projekts entwickelte. Zum Zeitpunkt seines Todes (1564) war der Bau der Kathedrale im Wesentlichen abgeschlossen.

Spätrenaissance - Dies ist die Zeit für die Weiterentwicklung der Traditionen der vorherigen Stufe. Seine Besonderheit ist, dass zwei komplementäre Tendenzen in der Architektur am deutlichsten sichtbar wurden: eine war mit dem Wachstum klassischer akademischer Traditionen verbunden, die zweite - mit der Stärkung der dekorativen, protobarocken Tendenzen. Die Spätrenaissance wird hauptsächlich durch die Kreationen von Michelangelo Buonarroti, Giacomo Vi-niola und Andre-Palladio repräsentiert. Michelangelos architektonische Meisterwerke zeigen, dass er sich ihrer Schöpfung als Bildhauer, Meister der bildenden Kunst, näherte. Während er dieses oder jenes Bild, diese Form, schuf, ging er manchmal zur Verletzung der konstruktiven Logik über, um die künstlerische, emotionale Ausdruckskraft zu steigern. Das Genie Michelangelos legte vor seiner Zeit den Grundstein für neue Trends, die sich später verbreiteten und die Geburt des Barockstils bestimmten.

Ein weiterer prominenter Architekt des Berichtszeitraums J. Vignola (1507-1573) schrieb die berühmte Abhandlung "Die Regel der fünf Ordnungen der Architektur", die von den Architekten der Welt bis zum 20. Jahrhundert praktisch verwendet wurde. Es beschreibt ein System zum Erstellen von Aufträgen, das auf mehreren numerischen Verhältnissen von Elementen basiert. Zu den besten Kreationen von Vignola gehören die Villa von Papst Julius III. In der Nähe von Rom, die Hauptkirche des Jesuitenordens in Rom, Il Gesu und andere.

Schaffung A. Palladio (1508-1580) ist mit seiner Heimatstadt Vicenza verbunden. Es hatte enorme Auswirkungen auf die Entwicklung der italienischen Architektur und der Weltarchitektur, vor allem auf die Architektur des Klassizismus in der zweiten Hälfte des 18. und ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts.

Palladio baute eine Reihe von Palazzo in Vicenza und mehrere Villen in der Nähe. Alle seine Werke zeichnen sich durch eine breite und vielfältige Anwendung der Ordnung, Perfektion der Proportionen, erstaunliche Harmonie, exquisiten Kunststoff aus (Palazzo Chiericati, Valmarana, Villa Rotonda, Teatro Olimpico usw.).

Die Architektur der italienischen Renaissance beeinflusste die Entwicklung der Architektur europäischer Länder erheblich, aber dort war es aufgrund stabilerer feudaler Beziehungen und gotischer Traditionen ein ganzes Jahrhundert lang spät.

Fiktion. Der Charakter und Inhalt der neuen Ära wurde durch Fiktion diversifiziert. Die ersten Triebe der humanistischen Ideologie fanden ihren Ausdruck in der Arbeit von Dante, "dem letzten Dichter des Mittelalters und dem ersten Dichter des New Age".

Dante Alighieri (1265-1321), Giovanni Boccaccio (1313-1375) und Francesco Petrarca (1304-1374) - die größten Schriftsteller der italienischen Renaissance. Von Natur aus sind Kreativität, Themen und Genres völlig unterschiedlich. Aber es gibt ein Merkmal, das ihr historisches Schicksal vereint. Alle haben viel geschrieben und nicht nur Kunstwerke hinterlassen, sondern auch einige literarische Werke. In der Geschichte der Weltliteratur ist jedoch jeder dieser Namen mit einem Hauptwerk verbunden: Dante - mit der "Divine Comedy", Boccaccio - mit "Decameron", Petrarch - mit Gedichten, die Laura gewidmet sind.

Dante arbeitete viele Jahre an seinem Hauptwerk und vollendete es am Ende seines Lebens. Er nannte es "Komödie". Das Epitheton "göttlich" wurde ihr von Boccaccio als Zeichen der Bewunderung für die Schönheit des Gedichts gegeben, und dieses Epitheton wurde für sie aufbewahrt. Die Göttliche Komödie wurde in italienischer Sprache geschrieben, im Genre Vision, Traum, populär in der mittelalterlichen Literatur. Das Gedicht besteht aus drei Teilen ("Hölle", "Fegefeuer" und "Paradies") und 100 Liedern. Dantes Führer durch die Kreise der Hölle (es gibt neun von ihnen) und des Fegefeuers war Virgil, ein römischer Dichter, der selbst im ersten Kreis war. Die Hauptidee des Gedichts ist eine Belohnung für alle irdischen Taten im Jenseits. Aus der "Divine Comedy" werden Fäden in die Literatur einer späteren Zeit gezogen. In Bezug auf die Tiefe des philosophischen Weltverständnisses stimmt es mit Goethes Tragödie "Faust" überein. Der Einfluss von Dante und Goethe ist in der "Meisterin und Margarita" von M. Bulgakov deutlich zu spüren. A. Solschenizyn nennt einen seiner Romane "Der erste Kreis". Die Liebesgeschichte von Francesca und Paolo wird zum Thema von S. Rachmaninovs Oper Francesca da Rimini. Zum gleichen Thema hat P.I. Tschaikowsky schrieb das symphonische Gedicht Francesca da Rimini.

"Decameron" (aus dem Griechischen - zehn Tage) von G. Boccaccio - eine Sammlung von Kurzgeschichten mit literarischem Rahmen. Dies ist eine traditionelle Komposition. So wird The Thousand and One Nights gebaut, so wurde Novellino in Italien geschrieben. Eine Neuerung war die Unterordnung dieser Form unter die Gesetze der "gotischen Vertikalen" - von niedrig bis erhaben - in dieser Reihenfolge wurden die Romane lokalisiert, und die Konzepte von "erhaben" und "niedrig" erhielten eine humanistische Interpretation. Die Handlungen der Geschichten sind vielfältig. Dies sind sowohl alte als auch mittelalterliche Legenden, aber vor allem zuverlässige Fälle aus dem Leben und Anekdoten. Die Idee von Boccaccio und die Struktur des Buches wurden unter dem Einfluss von Dante geformt: das gleiche Prinzip von der Basis bis zum Erhabenen - von den Sündern der "Hölle" bis zum heiligsten "Paradies" - von Dante; von satirischen Charakteren über schelmische bis hin zu positiv idealisierten Helden - in Boccaccio. Boccaccios Innovation ist, dass er die kosmische Komposition ohne Engel, Teufel und Heilige in das wirkliche irdische Leben übertrug. Das natürliche Prinzip in The Decameron widerspricht den unnatürlichen Gesetzen der Gesellschaft, der kirchlichen Askese und den Klassenvorurteilen. Die Probleme von "Decameron" sind universell und gleichzeitig sozial. Boccaccios Werk ist so reich an Ereignissen, dass viele Dramatiker Handlungen für ihre Dramen entlehnt haben: Shakespeare - das Drama "Cymbelin" und die Komödie "Das Ende ist die Krone des Geschäfts", Lope de Vega, Moliere. Der russische Komponist D. Bortnyansky schrieb eine Oper nach einer Handlung aus The Decameron (Falcon, 1786).

Im Gegensatz zu Dante schrieb Petrarch am häufigsten in lateinischer Sprache, aber seine unsterbliche Komposition, The Canzonere, The Book of Songs, wurde im Volksmund geschrieben. Er selbst legte wenig Wert auf seine lyrischen Lieder. Erst später nahm er diese Gedichte ernst, redigierte und verbesserte sie viele Male. Petrarca teilte die Gedichtsammlung in zwei Bücher auf: "Über das Leben von Madonna Laura", "Über den Tod von Madonna Laura".

Petrarcas Liebe ist ein echtes, irdisches Gefühl, und Laura selbst ist eine konkrete Frau. Petrarca nennt das Datum ihres ersten Treffens, das Datum ihres Todes.

Petrarca hat keine Beschreibung von Laura. Er spricht nur über ihre Augen und sie werden ein Symbol für Laura selbst: "Du wirst meinen Verrat nicht sehen, die Augen, die mich die Liebe gelehrt haben." Diese Worte enthalten die Idee der Loyalität gegenüber der Frau, die Sie lieben. Aber nicht nur: Sie betrachten Schönheit als höchste Weisheit, die das wunderbarste Gefühl der Liebe lehren kann. Petrarcas Liebeskonzept ist völlig humanistisch, weil ihm Liebe als ein Gefühl erscheint, das gleichzeitig Freude und Qual bringt. Darin unterscheidet es sich von der himmlischen Liebe, die nur Freude bringt. Die Veränderung der Gefühle - Freude und Schmerz, Glück und Leiden, veredelt einen Menschen, bringt Poesie hervor. Liebe ist immer schön, sie bereichert einen Menschen, auch wenn es unerwiderte Liebe ist. Und nach Lauras Abschied vom Leben lebt der Dichter nicht nur mit der Hoffnung, sich im Himmel zu treffen, sondern auch mit der Erinnerung an sie, die von allen Lebewesen für ihn aufbewahrt wird, als würde sie ihr Aussehen widerspiegeln. Liebe bleibt immer ein Teil des irdischen Lebens und des Glücks des Dichters.

Die Kanzlerin hat auch politische Motive, die die komplexen Beziehungen der Zeit widerspiegeln. Es gibt Gedanken, die immer noch modern klingen. Petrarca betrachtet Kultur daher als das Gegenteil von Krieg, es ist nur unter Friedensbedingungen möglich: „Ich gehe und rufe: Frieden! Frieden! Frieden! " er beendet eines der Sonette. Petrarca leistete einen großen Beitrag zur Verstheorie und entdeckte die reichsten Möglichkeiten des Sonetts.

Und noch eine von vielen, eine helle Figur der Literaturwelt - Niccolo Machiavelli (1469-1527) - Italienischer Schriftsteller und Politiker der Spätrenaissance. Seine politische Abhandlung "Der Kaiser" ist weithin bekannt. Moderne Literatur definiert dieses Genre als Dystopie: Hier entwickeln sich die tragischsten und unmenschlichsten Ideen des 16. Jahrhunderts. Machiavelli schrieb jedoch nicht nur politische Abhandlungen, sondern auch Gedichte, Gedichte, Kurzgeschichten und Komödien. Die Figuren seiner Komödie "Mandragora" nehmen die Bilder der Helden der Dramatiker späterer Zeiten vorweg: Der Schurke Ligrio ähnelt Shakespeares Iago und Figaro Beaumarchais, der Heuchler Timoteo ist der Prototyp von Molieres Tartuffe. Und dies zeigt erneut, zeigt den Einfluss, den die Kultur der Renaissance auf die gesamte europäische Kultur hatte.

Die Renaissance entstand und zeigte sich am deutlichsten in Italien. Wenn sie heute über die Renaissance sprechen, meinen sie es zuallererst so.

Tatsächlich ist die Ära der italienischen Renaissance herkömmlicherweise in mehrere Stufen unterteilt:

• - Frühe Renaissance (Trecento und Quattrocento) - Mitte des XIV - XV Jahrhunderts;
• - Hochrenaissance (Cinquecento) - bis zum zweiten Drittel des 16. Jahrhunderts;
• - Spätrenaissance - zweites Drittel des 16. - erste Hälfte des 17. Jahrhunderts.

Neben der Aufteilung der Renaissance in historische Perioden ist die Aufteilung in Kunstschulen wichtig, um sie zu verstehen. Die gesamte Ära der italienischen Renaissance verlief im Zeichen des kreativen Wettbewerbs zweier großer Schulen - der Florentiner und der Venezianischen. Ersteres dominierte die frühe und hohe Renaissance, letzteres die hohe und späte Renaissance.

Der Gründer der Florentiner Schule war Giotto (XII-XIV Jahrhunderte). Zu Beginn des 15. Jahrhunderts wurde die Florentiner Schule zur Avantgarde der humanistischen Kunst der Renaissance (Architekten F. Brunelleschi, LB Alberti, Bildhauer Donatello, L. Ghiberti, Maler Masaccio, A. Verrocchio, S. Botticelli). Es erreichte seinen Höhepunkt in der Kunst von Leonardo da Vinci und Michelangelo. Diese Schule zeichnet sich durch einen tiefgreifenden religiösen Anfang, eine mythologische Wahrnehmung der Welt und einen subtilen Psychologismus aus.

Die venezianische Schule erlebte ihre größte Blüte in der zweiten Hälfte der Renaissance - im 15.-16. Jahrhundert. (die Familie Bellini, V. Carpaccio, Giorgione, Tizian, P. Veronese, J. Tintoretto) und dann im 18. Jahrhundert. (J.-B. Tiepolo, A. Canaletto, P. Longhi, F. Guardi). Die venezianische Schule zeichnet sich durch ein weltliches, lebensbejahendes Prinzip, eine poetische Wahrnehmung der Welt, des Menschen und der Natur sowie einen subtilen Kolorismus aus.

Wenn wir über Chronologie sprechen, wird die Proto-Renaissance normalerweise als eigenständige Bühne unterschieden (Zeitraum XIII - frühes XIV. Jahrhundert). Es gehört nicht zur Renaissance selbst, sondern zur Vorbereitungsphase. Die Proto-Renaissance war geprägt von den Werken des großen Dichters Dante Alighieri (1265-1321), des Architekten Arnolfo di Cambio, des Bildhauers Niccollo Nizano, des Malers Pietro Cavallini und insbesondere von Giotto di Bondone (1266 / 1266-337), die den Weg für die Kunst der Renaissance ebneten.

Trecento (XIV. Jahrhundert) zeichnet sich durch kulturelle Innovationen in mehreren Bereichen gleichzeitig aus: Dantes Gedichte und Petrarcas Sonette eröffneten eine neue Seite in der Literatur; der unnachahmliche Giotto erschien in der Malerei; Architekten errichteten wundervolle Strukturen neuer Architektur (Kathedrale Santa Maria del Fiore in Florenz und andere). Gleichzeitig schufen die norditalienischen Städte Florenz und Bologna, Padua und Pisa, Perugia und Rimini ihre Ars Nova (neue Kunst) in der Musik.

Das bedeutendste der zahlreichen Werke des großen Renaissance-Dichters Dante (ein Zyklus aus Sonetten, Kanonen und Balladen, philosophischen und politischen Abhandlungen) ist die Göttliche Komödie - ein episches Gedicht in drei Teilen (Hölle, Fegefeuer, Paradies) und 100 Liedern. genannt die poetische Enzyklopädie des Mittelalters. Genau wie A.S. Puschkin ist der Schöpfer der russischen Literatursprache, Dante wird die Rolle des Schöpfers der italienischen Literatursprache zugeschrieben.

Wenn Dante den Grundstein für die moderne europäische Literatur legte, dann war ein anderes Genie - Giotto - der Gründer des Neuen europäische Malerei... Er brach mit den mittelalterlichen Kanonen und führte das irdische Prinzip in religiöse Szenen ein, wobei er die Legenden des Evangeliums mit beispielloser Vitalität darstellte. Giotto eröffnete nicht nur eine neue Etappe in der Geschichte der Malerei, sondern wurde auch einer der hellsten Reformer. Mit einer Reihe von Techniken, die seiner Zeit bekannt waren - eckige Verkürzungen, eine vereinfachte, sogenannte antike Perspektive -, gab er dem künstlerischen Raum die Illusion von Tiefe und entwickelte Techniken für die tonale Schwarz-Weiß-Modellierung, indem er den grundlegenden, gesättigten Ton allmählich aufhellte, was es ermöglichte, den Formen ein fast skulpturales Volumen zu verleihen.

Die Periode der frühen Renaissance umfasst das literarische Werk von zwei größte Dichter - Francesca Petrarchi (1304-1374) und Giovanni Boccaccio (1313-1375). Zusammen mit Dante gelten sie als Schöpfer der italienischen Literatursprache. Petrarca blieb in der Geschichte der Renaissance der erste Humanist, der nicht Gott, sondern den Menschen in den Mittelpunkt seines Werkes stellte. Petrarcas Sonette über Leben und Tod von Madonna Laura, die in der Sammlung "Das Buch der Lieder" enthalten sind, wurden weltweit bekannt.

Der große Humanist Boccaccio schuf Gedichte zu den Themen der antiken Mythologie, der psychologischen Geschichte "Fiammetta" (1343), Pastoralen, Sonetten. Das bedeutendste Kunstwerk von Boccaccio war sein Decameron, eine Sammlung von 100 Kurzgeschichten.

Sandro Botticelli (1445-1510) gilt als herausragender Meister der Frührenaissance. Unter seinen Werken wurde das Gemälde "Die Geburt der Venus" das berühmteste. Seine Werke basieren auf religiösen und mythologischen Themen, sie sind geprägt von inspirierter Poesie, linearen Rhythmen und subtilen Farben.

Vertreter der Frührenaissance waren der Architekt Philippe Brunelleschi (1377-1446), der die Kuppel der Kathedrale von Florenz baute und einen großen Beitrag zur Grundlagenforschung (Theorie der linearen Perspektive) leistete, und der Bildhauer Donatello (ca. 1386-1466), der als erster einen nackten Körper in Skulptur präsentierte und einen neuen schuf Art der runden Statue und Skulpturengruppe, malerisches Relief.

Seitdem spielten weltliche Strukturen - öffentliche Gebäude, Paläste, Stadthäuser - eine führende Rolle in der Architektur. Mit der geordneten Aufteilung der Mauer, gewölbten Galerien, Kolonnaden, Gewölben, Kuppeln gaben die Architekten ihren Gebäuden eine großartige Klarheit, Harmonie und Verhältnismäßigkeit zum Menschen.

Die Hochrenaissance war relativ kurz und wird hauptsächlich mit den Namen von drei genialen Meistern in Verbindung gebracht - Leonardo da Vinci (1452-1519), Raphael Santi (1483-1520) und Michelangelo Buonarroti (1475-1564). Die Blütezeit der Renaissancekultur fiel seltsamerweise in der Zeit des wirtschaftlichen und politischen Niedergangs in Italien.

Leonardo da Vinci war die auffälligste Persönlichkeit und enthüllte der Welt das Ideal des "universellen Menschen" der Renaissance. Er kombinierte die Entwicklung neuer künstlerischer Sprachmittel mit theoretischen Verallgemeinerungen und schuf majestätische Leinwände, darunter das letzte Abendmahl und La Gioconda. Er wurde auch als Wissenschaftler und Ingenieur berühmt. Er besitzt zahlreiche Entdeckungen, Projekte und experimentelle Forschungen auf den Gebieten Mathematik, Naturwissenschaften und Mechanik. Leonardo da Vinci bereicherte fast alle Wissensbereiche mit Ideen und betrachtete seine Zeichnungen als Skizzen für eine riesige naturphilosophische Enzyklopädie.

Der jüngere Zeitgenosse von Leonardo, der große Maler Raphael, ging als Schöpfer eines Zyklus von Meisterwerken in die Geschichte ein, die mit der Darstellung der Madonnen (künstlerische Bilder der Muttergottes) verbunden sind. Die größte Kreation von Raphael - "Sixtinische Madonna". Bekannt wurde der Meister auch durch seine architektonischen Projekte von Palästen, Villen und Gemälden der Prunkräume des Vatikanpalastes. Wie Leonardo da Vinci arbeitet Raphael viel aus der Natur, studiert Anatomie, Bewegungsmechanik, komplexe Posen und Kamerawinkel und sucht nach kompakten, rhythmisch ausgewogenen Kompositionsformeln. Raphael hatte einen großen Einfluss auf die spätere Entwicklung der italienischen und europäischen Malerei und wurde zusammen mit den Meistern der Antike zum höchsten Beispiel künstlerischer Exzellenz.

Der letzte Titan der Hochrenaissance war Michelangelo, ein großer Bildhauer, Maler, Architekt und Dichter. Trotz seiner vielseitigen Talente wird er dank des bedeutendsten Werks eines bereits reifen Künstlers - dem Gemälde des Gewölbes der Sixtinischen Kapelle im Vatikanpalast (1508-1512) - als erster Zeichner Italiens bezeichnet. Die Gesamtfläche des Freskos beträgt 600 qm. Meter. Es ist eine künstlerische Illustration biblischer Geschichten aus der Erschaffung der Welt. Das Fresko der Altarwand der Sixtinischen Kapelle "Das Jüngste Gericht" hebt sich besonders von den Gemälden des Meisters ab. Als Bildhauer wurde Michelangelo berühmt für sein frühes Werk "David" und als Architekt wurde er Designer und Bauleiter des Hauptteils des Gebäudes der Peterskathedrale in Rom, die immer noch die größte katholische Kirche der Welt ist.

Die Zeit der Hoch- und Spätrenaissance war die Blütezeit der Kunst der venezianischen Schule, unter deren Vertretern zwei große Maler hervorstechen - Giorgione (1476-1510), der seinen Namen mit seinen Leinwänden "Judith", "Sleeping Venus", "Country Concert", Tizian (um 1489) verewigte / 90-1576), der nach dem frühen Tod von Giorgione, in dessen Werkstatt er studierte, Leiter der venezianischen Schule wurde. Giorgione und dem frühen Tizian gemeinsam ist die ausgeprägte weltliche Natur der Malerei und die lebensbejahenden Motive. Im Gegensatz zu den düsteren Florentiner scheinen die Venezianer nur gute Seiten im Leben zu finden. Harmonisch, reich an Malfarben von Giorgione, drückt das poetische Gefühl aus, sich in die Schönheit der irdischen Existenz, die Einheit von Mensch und Natur zu verlieben.

Die Spätrenaissance war geprägt von einer Reihe wichtiger Veränderungen in der Kunst. Viele Maler, Dichter, Bildhauer und Architekten gaben die Ideen des Humanismus auf und erbten nur die Art und Technik (den sogenannten Manierismus) der großen Meister der Renaissance.

Jacopo Pontormo (1494-1557) und Angelo Bronzino (1503-1572), die hauptsächlich im Porträtgenre tätig waren, zählen zu den wichtigsten Begründern des Manierismus. Manierismus kann vollständig auf das Werk von Jacopo Tintoretto (1518-1594) zurückgeführt werden, einem Vertreter der venezianischen Schule der Spätrenaissance, der versuchte, mit Michelangelo in der Größe seiner Ideen zu konkurrieren. Er schafft eine unwirkliche Welt, in der die persönlichen Gefühle des Künstlers immer präsent sind. Ein anderer Vertreter der venezianischen Schule, der große Maler Paolo Veronese (1528-1588), der viele festliche, weltliche Malereien schuf, wandte den Manierismus dennoch auf die Dekoration von Palästen bereits als bewusste Methode an und entwickelte eines der beliebtesten Manierismus-Themen - eine fantastische Landschaft oder Landschaft mit Ruinen.

Der Begründer des realistischen Trends in der europäischen Malerei des 17. Jahrhunderts ist Michelangelo da Caravaggio (1573-1610). Die Leinwände des Meisters zeichnen sich durch ihre einfache Komposition und emotionale Spannung aus, die durch die Kontraste von Licht und Schatten ausgedrückt werden. Caravaggio war der erste, der die nachahmende Richtung in der Malerei (Manierismus) mit realistischen Themen des Volkslebens kontrastierte. Im Wesentlichen war Caravaggio der Initiator einer großen Revolution in der Malerei, die sogar ausländische Künstler beeinflusste. Seine Kunst hatte einen großen Einfluss nicht so sehr auf die Italiener als auf die führenden westeuropäischen Meister des 17. Jahrhunderts - die Holländer, Flamen, Franzosen, Spanier: Rubens, Jordaens, Georges de Latour, Zurbaran, Velasquez, Rembrandt. Der Karavagismus brachte zwei populäre Genres hervor: Stillleben und Szenen aus dem Volksleben, die in Europa besonders populär wurden. Europa nahm den Pioniergeist des Italieners an, und in Italien lehnte die Kirche Caravaggios Naturalismus nachdrücklich ab. Und anscheinend nicht zufällig, denn die italienische Renaissance ist bereits zu Ende. Italien sagte fast alles, was es sagen konnte. Es war die Wende der nordeuropäischen Renaissance.

Einführung

Geschichtsschreibung

Die Hauptbühnen der Renaissance

Frühe Renaissance

Hochrenaissance

Spätrenaissance

Merkmale der Renaissance-Architektur

Kunst der Renaissance

Fazit

Referenzliste

Einführung

„Ich habe dich als ein Wesen geschaffen, das nicht himmlisch, sondern nicht nur irdisch, nicht sterblich, sondern auch nicht unsterblich ist, so dass du, den Zwängen fremd, dein eigener Schöpfer wirst und schließlich dein eigenes Bild schmiedest. Sie haben die Möglichkeit, auf die Ebene eines Tieres zu fallen, aber auch die Möglichkeit, auf die Ebene eines gottähnlichen Wesens aufzusteigen - allein dank Ihres inneren Willens ... "

So sagt Gott zu Adam in der Abhandlung des italienischen Humanisten Pico della Mirandola "Über die Würde des Menschen". In diesen Worten wird die spirituelle Erfahrung der Renaissance verdichtet, die Bewusstseinsveränderung, die sie gemacht hat, wird ausgedrückt.

Renaissance-Architektur - die Periode der Entwicklung der Architektur in europäischen Ländern vom Beginn des 15. bis zum Beginn des 17. Jahrhunderts im allgemeinen Verlauf der Renaissance und der Entwicklung der Grundlagen der geistigen und materiellen Kultur des antiken Griechenlands und Roms. Diese Zeit ist ein Wendepunkt in der Geschichte der Architektur, insbesondere in Bezug auf den früheren Baustil, die Gotik. Im Gegensatz zur Renaissance-Architektur suchte die Gotik Inspiration in ihrer eigenen Interpretation der klassischen Kunst.

Geschichtsschreibung

Das Wort "Renaissance" (französische Renaissance) stammt von dem Begriff "la rinascita", der erstmals von Giorgio Vasari in dem 1550-1568 veröffentlichten Buch "Biografien der berühmtesten italienischen Maler, Bildhauer und Architekten" verwendet wurde.

Der Begriff "Renaissance" zur Bezeichnung der entsprechenden Periode wurde vom französischen Historiker Jules Michelet eingeführt, aber der Schweizer Historiker Jacob Burckhardt enthüllte in seinem Buch "Kultur der italienischen Renaissance" die Definition vollständiger, seine Interpretation bildete die Grundlage des modernen Verständnisses der italienischen Renaissance. Die Veröffentlichung eines Albums mit Zeichnungen, Gebäuden des modernen Roms oder einer Sammlung von Palästen, Häusern, Kirchen, Klöstern und anderen bedeutenden öffentlichen Strukturen in Rom, das 1840 von Paul Le Taruill veröffentlicht wurde, löste eine Zunahme des allgemeinen Interesses an der Renaissance aus. Dann galt die Renaissance als ein Stil, der "die Antike imitierte".

Der erste Vertreter dieses Trends kann Filippo Brunelleschi genannt werden, der in Florenz arbeitete, einer Stadt, die zusammen mit Venedig als Denkmal der Renaissance gilt. Dann breitete es sich auf andere italienische Städte aus, Frankreich, Deutschland, England, Russland und andere Länder.

Die Hauptbühnen der Renaissance

Normalerweise ist die italienische Renaissance in drei Perioden unterteilt. In der Kunstgeschichte können wir über die Entwicklung der bildenden Kunst und der Bildhauerei im Rahmen der Richtung der frühen Renaissance im XIV. Jahrhundert sprechen. In der Geschichte der Architektur ist die Situation anders. Aufgrund der Wirtschaftskrise des XIV. Jahrhunderts begann die Renaissance in der Architektur erst zu Beginn des XV. Jahrhunderts und dauerte bis zum Beginn des XVII. Jahrhunderts in Italien und länger über die Grenzen hinaus.

Drei Hauptperioden können unterschieden werden:

· Frühe Renaissance oder Quattrocento, ungefähr das gleiche wie im 15. Jahrhundert.

· Hochrenaissance, erstes Viertel des 16. Jahrhunderts.

· Manierismus oder Spätrenaissance (2. Hälfte des 16. Jahrhunderts. 17. Jahrhundert).

In anderen europäischen Ländern entwickelte sich ein eigener Stil vor der Renaissance, und die Renaissance selbst begann nicht vor dem 16. Jahrhundert. Der Stil wurde auf bereits bestehende Traditionen übertragen, wodurch die Gebäude der Renaissance in verschiedenen Regionen leicht ähnliche Merkmale aufweisen können.

In Italien selbst ging die Architektur der Renaissance in die manieristische Architektur über, die in ganz unterschiedlichen Tendenzen in den Werken von Michelangelo, Giulio Romano und Andrea Palladio vertreten war, die dann mit ähnlichen architektonischen Techniken in einem anderen allgemeinen ideologischen Kontext in den Barock wiedergeboren wurden.

Frühe Renaissance

Während der Quattrocento-Zeit wurden die Normen der klassischen Architektur wiederentdeckt und formuliert. Die Untersuchung antiker Muster führte zur Assimilation klassischer Elemente der Architektur und Ornamentik.

Der Raum als architektonische Komponente ist anders organisiert als mittelalterliche Darstellungen. Es basierte auf der Logik der Proportionen, die Form und die Reihenfolge der Teile sind der Geometrie untergeordnet und nicht der Intuition, die ein charakteristisches Merkmal mittelalterlicher Gebäude war. Das erste Beispiel dieser Zeit ist die von Filippo Brunelleschi (1377-1446) erbaute Basilika San Lorenzo in Florenz.

Filippo Brunelleschi

Filippo Brunelleschi (italienischer Filippo Brunelleschi (Brunellesco); 1377-1446) - der große italienische Architekt der Renaissance.

Filippo Brunelleschi wurde in Florenz in der Familie des Notars Brunelleschi di Lippo geboren. Als Kind erhielt Filippo, an den die Praxis seines Vaters weitergegeben werden sollte, eine humanistische Erziehung und die beste Ausbildung für diese Zeit: Er studierte Latein, studierte antike Autoren.

Nachdem Filippo die Karriere eines Notars aufgegeben hatte, studierte er ab 1392 wahrscheinlich bei einem Goldschmied und praktizierte dann als Lehrling bei einem Goldschmied in Pistoia. Er studierte auch Zeichnen, Modellieren, Gravieren, Skulptur und Malen. In Florenz studierte er industrielle und militärische Maschinen. Während dieser Zeit erwarb er bedeutende Kenntnisse der Mathematik im Studium von Paolo Toscanelli, der ihm laut Vasari Mathematik beibrachte. 1398 trat Brunelleschi der Arte della Seta bei, zu der auch Goldschmiede gehörten. In Pistoia arbeitete der junge Brunelleschi an den silbernen Figuren des Altars des hl. Jakob - seine Werke sind stark von der Kunst von Giovanni Pisano beeinflusst. Bei der Arbeit an den Skulpturen wurde Brunelleschi von Donatello (er war damals 13 oder 14 Jahre alt) unterstützt - von diesem Zeitpunkt an verband die Freundschaft die Meister fürs Leben.

Im Jahr 1401 kehrte Filippo Brunelleschi nach Florenz zurück und nahm am angekündigten Wettbewerb Arta di Calimala (Werkstatt der Stoffhändler) um die Dekoration der beiden Bronzetore des Florentiner Baptisteriums mit Reliefs teil. Jacopo della Quercia, Lorenzo Ghiberti und eine Reihe anderer Meister nahmen mit ihm am Wettbewerb teil. Der Wettbewerb unter dem Vorsitz von 34 Richtern, für den jeder Meister ein von ihm aufgeführtes Bronzerelief "Das Opfer Isaaks" einreichen musste, dauerte ein Jahr. Die Konkurrenz ging an Brunelleschi verloren - Ghibertis Erleichterung übertraf ihn künstlerisch und technisch (sie war aus einem Stück geformt und 7 kg leichter als die von Brunelleschi).

Beleidigt über die Tatsache, dass er die Konkurrenz verloren hatte, verließ Brunelleschi Florenz und ging nach Rom, wo er sich vielleicht entschied, die antike Skulptur perfekt zu studieren. In Rom wandte sich der junge Brunelleschi von Plastik zu Baukunst und begann, die verbleibenden Ruinen sorgfältig zu vermessen, Pläne für ganze Gebäude und Pläne für einzelne Teile, Hauptstädte und Gesimse, Projektionen, Gebäudetypen und alle ihre Details zu skizzieren. Er musste die verfüllten Teile und Fundamente ausgraben, diese Pläne zu Hause zu einem Ganzen zusammenfassen und das wiederherstellen, was nicht vollständig intakt war. So war er vom Geist der Antike durchdrungen, arbeitete wie ein moderner Archäologe mit einem Maßband, einer Schaufel und einem Bleistift, lernte die Typen und Strukturen antiker Gebäude zu unterscheiden und schuf mit seinen Studien die erste Geschichte der römischen Architektur in Ordnern.

Bruneleskis Werke:

1401-1402 Wettbewerb zum Thema "Opfer Abrahams" aus dem Alten Testament; ein Projekt von Bronzereliefs für die Nordtüren des Florentiner Baptisteriums (28 Reliefs in einem Quadrifolium von 53 × 43 cm). Brunelleschi verlor. Der Wettbewerb wurde von Lorenzo Ghiberti gewonnen. "Von den Entscheidungen der Kommission getroffen, drehte Brunelleschi seiner Heimatstadt den Rücken zu und ging nach Rom ... um dort wahre Kunst zu studieren." Das Relief befindet sich im Bargello National Museum in Florenz.

1412-1413 Kreuzigung in der Kirche Santa Maria Novella (Santa Maria Novella), Florenz.

1417-1436 Die Kuppel der Kathedrale Santa Maria del Fiore oder einfach der Dom ist immer noch das höchste Gebäude in Florenz (114,5 m). Sie wurde so gestaltet, dass die gesamte Bevölkerung der Stadt in ein „großes ... Gebäude, das zum Himmel emporsteigt“ passt überschattet alle toskanischen Länder “, schrieb Leon Battista Alberti über ihn.

1419-1428 Alte Sakristei (Sagrestia Vecchia) der Kirche San Lorenzo (San Lorenzo), Florenz. 1419 plante der Kunde Giovanni di Bicci, Gründer der Familie Medici, Vater von Cosimo il Vecchio, den Wiederaufbau der Kathedrale, die damals eine kleine Pfarrkirche war. Brunelleschi gelang es jedoch, nur die alte Sakristei, die Neue Sakristei (Sagrestia Nuova), fertigzustellen ), entworfen von Michelangelo.

1429-1443 Kapelle (Kapelle) von Pazzi (Cappella de'Pazzi) im Innenhof der Franziskanerkirche Santa Croce (Santa Croce) in Florenz. Es ist ein kleines Kuppelgebäude mit einem Portikus.

· Die 1434 in Florenz begonnene Kirche Santa Maria degli Angeli blieb unvollendet.

1436-1487 Kirche Santo Spirito, fertiggestellt nach dem Tod des Architekten. "Das zentrisch gewölbte Gebäude aus gleichen Plätzen und Seitenschiffen mit Kapellennischen wurde dann um ein Längsgebäude zu einer Flachdach-Basilikasäule erweitert."

· Der 1440 eröffnete Palazzo Pitti wurde erst im 18. Jahrhundert fertiggestellt. Die Arbeiten wurden 1465 unterbrochen, weil der Kaufmann Luca Pitti, der Kunde des Palastes, bankrott ging und die Medici (Eleanor von Toledska, Frau von Cosimo I.) die Residenz 1549 kauften, genau die Luca Pitti einrichten wollte, nachdem sie solche Fenster bestellt hatte die gleiche Größe wie die Türen zum Medici Palazzo.

Laut Brunelleschi hätte ein echtes Renaissance-Schloss so aussehen sollen: ein dreistöckiges, quadratisches Gebäude mit Mauerwerk aus Florentiner Stein (direkt an der Stelle, an der sich jetzt die Boboli-Gärten befinden, hinter dem Palast) mit drei riesigen Eingangstüren an der ersten Fußboden. Die beiden oberen Stockwerke sind durch 7 Fenster auf jeder Seite geschnitten und durch eine Reihe von Balkonen verbunden, die sich über die gesamte Länge der Fassade erstrecken.

Erst 1972 wurde bekannt, dass Brunelleschi in der Kathedrale Santa Reparata (IV-V Jahrhunderte in Florenz) in der vorherigen Kirche beigesetzt wurde, auf deren Überresten die Kathedrale Santa Maria del Fiore errichtet wurde ( ).

Renaissance (Renaissance). Italien. XV-XVI Jahrhunderte. Früher Kapitalismus. Das Land wird von wohlhabenden Bankiers regiert. Sie interessieren sich für Kunst und Wissenschaft.

Die Reichen und Einflussreichen versammeln die Talente und Weisen um sie herum. Dichter, Philosophen, Maler und Bildhauer führen täglich Gespräche mit ihren Gönnern. Für einen Moment schien es, dass die Menschen von Weisen regiert wurden, wie Platon es wollte.

Sie erinnerten sich an die alten Römer und Griechen. Sie bauten auch eine Gesellschaft freier Bürger auf, in der der Hauptwert eine Person ist (natürlich ohne Sklaven).

Renaissance kopiert nicht nur die Kunst der alten Zivilisationen. Das ist Verwirrung. Mythologie und Christentum. Realismus der Natur und Seelenfülle der Bilder. Körperliche und geistige Schönheit.

Es war nur ein Blitz. Die Hochrenaissance ist ungefähr 30 Jahre alt! Von den 1490er bis 1527 Seit Beginn der Blüte der Kreativität Leonardo. Vor dem Raub Roms.

Das Trugbild einer idealen Welt verblasste schnell. Italien erwies sich als zu zerbrechlich. Sie wurde bald von einem anderen Diktator versklavt.

Diese 30 Jahre haben jedoch die Hauptmerkmale der europäischen Malerei für 500 Jahre bestimmt! Bis zu .

Realismus des Bildes. Anthropozentrismus (wenn das Zentrum der Welt der Mensch ist). Geradlinige Perspektive. Ölfarben. Porträt. Landschaft…

Unglaublich, in diesen 30 Jahren haben mehrere brillante Meister gleichzeitig gearbeitet. Zu anderen Zeiten werden sie alle 1000 Jahre geboren.

Leonardo, Michelangelo, Raphael und Tizian sind die Titanen der Renaissance. Man kann jedoch die beiden Vorgänger Giotto und Masaccio nicht übersehen. Ohne die gäbe es keine Renaissance.

1. Giotto (1267-1337)

Paolo Uccello. Giotto da Bondogni. Fragment des Gemäldes "Fünf Meister der Florentiner Renaissance". Der Beginn des 16. Jahrhunderts. ...

XIV Jahrhundert. Proto-Renaissance. Seine Hauptfigur ist Giotto. Dies ist ein Meister, der im Alleingang die Kunst revolutionierte. 200 Jahre vor der Hochrenaissance. Ohne ihn wäre die Ära, auf die die Menschheit so stolz ist, kaum gekommen.

Vor Giotto gab es Ikonen und Fresken. Sie wurden nach den byzantinischen Kanonen geschaffen. Gesichter statt Gesichter. Flache Figuren. Nichtbeachtung von Proportionen. Anstelle einer Landschaft - ein goldener Hintergrund. Wie zum Beispiel in diesem Symbol.

Guido da Siena. Anbetung der Könige. 1275-1280 Altenburg, Lindenau Museum, Deutschland.

Und plötzlich erscheinen Giottos Fresken. Sie haben dreidimensionale Figuren. Die Gesichter edler Menschen. Alt und Jung. Traurig. Traurig. Überrascht. Verschiedene.

Fresken von Giotto in der Kirche von Scrovegni in Padua (1302-1305). Links: Klage über Christus. Mitte: Kuss des Judas (Detail). Rechts: Verkündigung an die heilige Anna (Mutter Maria), Detail.

Giottos Hauptkreation ist ein Zyklus seiner Fresken in der Scrovegni-Kapelle in Padua. Als diese Kirche für Gemeindemitglieder geöffnet wurde, strömten Menschenmengen hinein. Sie hatten so etwas noch nie gesehen.

Immerhin hat Giotto etwas Unbekanntes getan. Er übersetzte biblische Geschichten in eine einfache, verständliche Sprache. Und sie sind für gewöhnliche Menschen viel zugänglicher geworden.

Giotto. Anbetung der Könige. 1303-1305 Fresko in der Scrovegni-Kapelle in Padua, Italien.

Dies wird für viele Meister der Renaissance charakteristisch sein. Lakonische Bilder. Lebhafte Emotionen von Charakteren. Realismus.

Lesen Sie mehr über die Fresken des Meisters im Artikel.

Giotto wurde bewundert. Seine Innovation wurde jedoch nicht weiterentwickelt. Die Mode für internationale Gotik kam nach Italien.

Nur 100 Jahre später erscheint ein würdiger Nachfolger von Giotto.

2. Masaccio (1401-1428)

Masaccio. Selbstporträt (Fragment des Freskos "St. Peter auf der Kanzel"). 1425-1427 Brancacci-Kapelle in der Kirche Santa Maria del Carmine, Florenz, Italien.

Der Beginn des 15. Jahrhunderts. Die sogenannte Frührenaissance. Ein weiterer Innovator betritt die Szene.

Masaccio war der erste Künstler, der eine lineare Perspektive verwendete. Es wurde von seinem Freund, dem Architekten Brunelleschi, entworfen. Jetzt ist die abgebildete Welt der realen ähnlich geworden. Spielzeugarchitektur gehört der Vergangenheit an.

Masaccio. Der heilige Petrus heilt mit seinem Schatten. 1425-1427 Brancacci-Kapelle in der Kirche Santa Maria del Carmine, Florenz, Italien.

Er übernahm Giottos Realismus. Im Gegensatz zu seinem Vorgänger kannte er die Anatomie jedoch bereits gut.

Anstelle von Giottos klumpigen Charakteren sind sie wunderschön gebaute Menschen. Genau wie die alten Griechen.

Masaccio. Taufe der Neophyten. 1426-1427 Brancacci-Kapelle, Kirche Santa Maria del Carmine in Florenz, Italien.

Masaccio. Vertreibung aus dem Paradies. 1426-1427 Fresko in der Brancacci-Kapelle, Kirche Santa Maria del Carmine, Florenz, Italien.

Masaccio lebte ein kurzes Leben. Er starb wie sein Vater unerwartet. Mit 27 Jahren.

Er hatte jedoch viele Anhänger. Meister der nächsten Generationen gingen in die Brancacci-Kapelle, um von seinen Fresken zu lernen.

So wurde Masaccios Innovation von allen großen Künstlern der Hochrenaissance aufgegriffen.

3. Leonardo da Vinci (1452–1519)

Leonardo da Vinci. Selbstporträt. 1512 Königliche Bibliothek in Turin, Italien.

Leonardo da Vinci ist einer der Titanen der Renaissance. Er beeinflusste die Entwicklung der Malerei auf kolossale Weise.

Es war da Vinci, der den Status des Künstlers selbst erhöhte. Dank ihm sind Vertreter dieses Berufs nicht mehr nur Handwerker. Dies sind Schöpfer und Aristokraten des Geistes.

Leonardo gelang vor allem in der Porträtmalerei ein Durchbruch.

Er glaubte, dass nichts vom Hauptbild ablenken sollte. Der Blick sollte nicht von einem Detail zum anderen wandern. So erschienen seine berühmten Porträts. Lakonisch. Harmonisch.

Leonardo da Vinci. Dame mit Hermelin. 1489-1490 Chertoryski Museum, Krakau.

Die Hauptinnovation von Leonardo ist, dass er einen Weg gefunden hat, die Bilder lebendig zu machen.

Vor ihm sahen die Figuren in den Porträts wie Schaufensterpuppen aus. Die Linien waren scharf. Alle Details werden sorgfältig nachverfolgt. Die gemalte Zeichnung konnte niemals lebendig sein.

Leonardo erfand die Sfumato-Methode. Er beschattete die Linien. Der Übergang von Licht zu Schatten wurde sehr weich. Seine Figuren scheinen von einem kaum wahrnehmbaren Dunst bedeckt zu sein. Die Charaktere wurden lebendig.

4. Michelangelo (1475-1564)

Daniele da Volterra. Michelangelo (Detail). 1544 Metropolitan Museum of Art, New York.

Michelangelo betrachtete sich als Bildhauer. Aber er war ein vielseitiger Meister. Wie seine anderen Kollegen der Renaissance. Daher ist sein bildliches Erbe nicht weniger grandios.

Er ist vor allem an seinen körperlich entwickelten Charakteren zu erkennen. Er porträtierte eine perfekte Person, in der körperliche Schönheit geistige Schönheit bedeutet.

Daher sind alle seine Charaktere so muskulös und hart. Sogar Frauen und alte Leute.

Michelangelo. Fragmente des Freskos des Jüngsten Gerichts in der Sixtinischen Kapelle im Vatikan.

Michelangelo malte die Figur oft nackt. Und dann war ich oben auf der Kleidung fertig. Um den Körper so prominent wie möglich zu machen.

Er malte allein die Decke der Sixtinischen Kapelle. Obwohl dies mehrere hundert Figuren sind! Er erlaubte niemandem, die Farbe zu reiben. Ja, er war nicht kontaktfreudig. Er hatte einen coolen und streitsüchtigen Charakter. Vor allem aber war er mit ... sich selbst unzufrieden.

Michelangelo. Fragment des Freskos "Erschaffung Adams". 1511 Sixtinische Kapelle, Vatikan.

Michelangelo lebte ein langes Leben. Überlebte das Aussterben der Renaissance. Es war eine persönliche Tragödie für ihn. Seine späteren Werke sind voller Trauer und Trauer.

Im Algemeinen kreativer Weg Michelangelo ist einzigartig. Sein frühes Werk ist eine Verherrlichung des menschlichen Helden. Frei und mutig. In den besten Traditionen des antiken Griechenland. Wie sein David.

In den letzten Jahren seines Lebens sind dies tragische Bilder. Absichtlich rauer gehauener Stein. Wie vor uns sind Denkmäler für die Opfer des Faschismus des 20. Jahrhunderts. Schau dir seine "Pieta" an.

Skulpturen von Michelangelo an der Akademie der bildenden Künste in Florenz. Links: David. 1504 Rechts: Pieta von Palestrina. 1555 g.

Wie ist das möglich? Ein Künstler in einem seiner Leben durchlief alle Stufen der Kunst von der Renaissance bis zum 20. Jahrhundert. Was sollen die nächsten Generationen tun? Gehen Sie Ihren eigenen Weg. Zu erkennen, dass die Messlatte sehr hoch gelegt wurde.

5. Raphael (1483-1520)

6. Tizian (1488-1576).

Tizian. Selbstporträt (Fragment). 1562 g.

Tizian war ein vollendeter Kolorist. Er experimentierte auch viel mit Komposition. Im Allgemeinen war er ein gewagter Innovator.

Für solch ein Talent liebte ihn jeder. Genannt "der König der Maler und Maler der Könige".

Apropos Tizian, ich möchte nach jedem Satz ein Ausrufezeichen setzen. Immerhin war er es, der der Malerei Dynamik verlieh. Pathos. Begeisterung. Helle Färbung. Leuchtende Farben.

Tizian. Himmelfahrt Mariens. 1515-1518 Kirche Santa Maria Gloriosi dei Frari, Venedig.

Gegen Ende seines Lebens entwickelte er eine ungewöhnliche Schreibtechnik. Die Striche sind schnell und dick. Er trug die Farbe mit einem Pinsel und dann mit den Fingern auf. Davon abgesehen sind die Bilder noch lebendiger und atmen. Und die Handlungen sind noch dynamischer und dramatischer.

Tizian. Tarquinius und Lucretia. 1571 Fitzwilliam Museum, Cambridge, England.

Erinnert es dich an irgendetwas? Dies ist natürlich eine Technik. Und die Technik der Künstler des 19. Jahrhunderts: Barbizonians und. Tizian wird wie Michelangelo in einem seiner Leben 500 Jahre Malerei durchlaufen. Deshalb ist er ein Genie.

Lesen Sie im Artikel über das berühmte Meisterwerk des Meisters.

Renaissancekünstler sind Meister großen Wissens. Es gab viel zu lernen, ein solches Erbe zu hinterlassen. Im Bereich der Geschichte, Astrologie, Physik und so weiter.

Daher bringt uns jedes ihrer Bilder zum Nachdenken. Warum ist es abgebildet? Was ist die verschlüsselte Nachricht hier?

Sie haben sich fast nie geirrt. Weil sie ihre zukünftige Arbeit gründlich durchdacht haben. Wir haben unser gesamtes Gepäck benutzt.

Sie waren mehr als Künstler. Sie waren Philosophen. Sie haben uns die Welt durch Malen erklärt.

Deshalb werden wir uns immer sehr für sie interessieren.

In Kontakt mit

Ein starker Anstieg des kulturellen Lebens vieler europäischer Länder, der hauptsächlich im XIV-XVI. Jahrhundert und in Italien im XIII. Jahrhundert einsetzte, wird allgemein als Renaissance-Ära bezeichnet. Anfangs sah ein neues Phänomen im europäischen Kulturleben wie eine Rückkehr zu den vergessenen Errungenschaften der alten Kultur auf dem Gebiet der Wissenschaft, Philosophie, Literatur, Kunst und einer Rückkehr zum klassischen "goldenen Latein" aus. ...

Es wäre jedoch falsch, die Renaissance als einfache Rückkehr in die Antike zu interpretieren, da ihre Vertreter die Errungenschaften der mittelalterlichen Kultur überhaupt nicht ablehnten und das alte Erbe mit einem gewissen Grad an Kritikalität behandelten. Das Renaissance-Phänomen ist ein sehr facettenreiches Phänomen in der kulturellen Entwicklung Europas, dessen Kern eine neue Weltanschauung, ein neues Selbstbewusstsein des Menschen war. Im Gegensatz zu der alten Sicht auf die Welt um uns herum, in der der Mensch dazu berufen ist, von der Natur zu lernen, glaubten die Denker der Renaissance, dass ein Mensch, der mit freiem Willen mit Gott ausgestattet ist, der Schöpfer seiner selbst ist und sich somit von der Natur abhebt. Wie Sie sehen, unterscheidet sich ein solches Verständnis des Wesens des Menschen nicht nur vom alten, sondern widerspricht auch den Postulaten der mittelalterlichen Theologie. Das Hauptaugenmerk der Denker der Renaissance lag auf dem Menschen, nicht auf dem Schöpfer, als dem höchsten Maß von allem, was existiert, weshalb ein solches System von Ansichten "Humanismus" (vom lateinischen Humanus - Mensch) genannt wird.

Was war die Basis der neuen Weltanschauung? Es ist nicht möglich, diese Frage eindeutig zu beantworten. Das Phänomen der Renaissance wurde durch eine Reihe von Faktoren verursacht, darunter die folgenden, die in den meisten Ländern Westeuropas am häufigsten vorkommen. Im Berichtszeitraum wurde der Prozess der Bildung neuer (bürgerlicher oder marktwirtschaftlicher) Beziehungen deutlich beobachtet, der die Zerstörung des Systems der mittelalterlichen Regulierung des Wirtschaftslebens erforderte, das sie zurückhielt. Neue Managementformen setzten die Freigabe voraus, die Trennung der wirtschaftlichen Einheit in eine unabhängige freie Einheit. Dieser Prozess ging mit entsprechenden Veränderungen im geistigen Leben der Gesellschaft und vor allem jener Schichten einher, die sich im Epizentrum der Veränderungen befanden.

Was ist eine unabdingbare Voraussetzung für den persönlichen Erfolg, wenn nicht mehr Wissen und Können, mehr Energie und Ausdauer bei der Erreichung des Ziels? Die Erkenntnis dieser Wahrheit zwang viele Zeitgenossen der Renaissance, ihren Blick auf Wissenschaft und Kunst zu richten, führte zu einem Anstieg des Wissensbedarfs in der Gesellschaft und erhöhte das soziale Ansehen gebildeter Menschen.

Es ist notwendig, einen sehr wichtigen Faktor für ein ausreichendes Maß an kultureller Entwicklung der mittelalterlichen Gesellschaft zu berücksichtigen, die insgesamt neue Ideen, Kultur und Kunst der Renaissance wahrnehmen konnte. So sprach der berühmte französische Philosoph und Kunstkritiker Hippolyte Ten (1828-1893), ein Kenner der Renaissance, darüber: „... man kann die Kunst der Renaissance nicht als Ergebnis eines glücklichen Unfalls betrachten; Von einem erfolgreichen Schicksalsspiel, das mehrere talentierte Köpfe auf die Weltbühne brachte und versehentlich eine außergewöhnliche Ernte von Genies hervorbrachte, kann keine Rede sein ...; Es kann kaum geleugnet werden, dass der Grund für solch einen wunderbaren Wohlstand der Kunst in der allgemeinen Geisteshaltung dafür lag, in der erstaunlichen Fähigkeit dafür, die sich in allen Schichten des Volkes befindet. Diese Fähigkeit war augenblicklich und die Kunst selbst war dieselbe. "

Die Ideen des Humanismus, dass in einem Menschen seine persönlichen Qualitäten wie Intelligenz, kreative Energie, Unternehmertum, Selbstwertgefühl, Wille und Bildung und keineswegs sozialer Status und Herkunft wichtig sind, liegen auf fruchtbarem Boden. In mehr als zwei Jahrhunderten der Renaissance wurde die Weltkultur mit spirituellen Schätzen bereichert, deren Wert von Dauer ist.

Die Renaissance kann jedoch nicht nur als ein ausschließlich fortschrittlicher soziokultureller Ein-Vektor-Prozess betrachtet werden. Zuallererst sollte auf die Inkonsistenz des Konzepts des unbegrenzten Willens und die Fähigkeit einer Person zur Selbstverbesserung geachtet werden. Ihre humanistische Ausrichtung garantierte überhaupt nicht gegen die Ersetzung des Konzepts der individuellen Freiheit durch das Konzept der Zulässigkeit, des grundlegenden Eigenwillens - das PS der Essenz für die Antipoden des Humanismus. Ein Beispiel hierfür sind die Ansichten des italienischen Denkers Niccolo Machiavelli (1469-1527), der alle Mittel zur Erlangung der Macht rechtfertigte, sowie des englischen Humanisten Thomas Mora (1478-1535) und des italienischen Philosophen Tommaso Campanella (1568-1639), der das Ideal der sozialen Harmonie in der Gesellschaft sah , aufgebaut auf einem starren hierarchischen System, das alle Lebensbereiche reguliert. In der Folge wird dieses Modell "Kasernenkommunismus" genannt. Im Zentrum dieser Metamorphose steht ein ziemlich tiefes Gefühl der Denker der Renaissance der dualen Natur der Freiheit. Der Standpunkt des größten westlichen Psychologen und Soziologen Erich Fromm (1900-1980) scheint in dieser Hinsicht sehr angemessen zu sein:

„Der Einzelne wird von wirtschaftlichen und politischen Fesseln befreit. Er erlangt auch positive Freiheit - zusammen mit der aktiven und unabhängigen Rolle, die er im neuen System spielen muss - und ist gleichzeitig von den Bindungen befreit, die ihm ein Gefühl des Vertrauens und der Zugehörigkeit zu einer Art Gemeinschaft verliehen haben. Er kann sein Leben nicht länger in einer kleinen Welt leben, deren Zentrum er selbst war; Die Welt ist grenzenlos und bedrohlich geworden. Nachdem der Mensch seinen festen Platz in dieser Welt verloren hatte, verlor er die Antwort auf die Frage nach dem Sinn des Lebens, und Zweifel fielen auf ihn: Wer ist er, warum lebt er? Das Paradies ist für immer verloren; Der Einzelne steht allein, seiner Welt gegenüber, grenzenlos und bedrohlich. "

Die Renaissance entstand in Italien, wo die ersten Anzeichen bereits im 13. und 14. Jahrhundert (bei den Aktivitäten von Pisano, Giotto, Orcagna und anderen) erkennbar waren, aber erst ab den 20er Jahren des 15. Jahrhunderts fest etabliert wurden. In Frankreich, Deutschland und anderen Ländern begann diese Bewegung viel später. Ende des 15. Jahrhunderts erreichte es seinen Höhepunkt. Im 16. Jahrhundert braute sich eine Krise der Ideen der Renaissance zusammen, die zur Entstehung von Manierismus und Barock führte.

Die Renaissance selbst ist in fünf Stufen unterteilt:

Proto-Renaissance (2. Hälfte des XIII. Jahrhunderts - XIV. Jahrhundert)

Frühe Renaissance (1410/1425 XV Jahrhundert - spätes XV Jahrhundert)

Hochrenaissance (spätes 15. - erste 20 Jahre des 16. Jahrhunderts)

Spätrenaissance (Mitte des 16. - 90er Jahre des 16. Jahrhunderts)

Nördliche Renaissance - XVI Jahrhundert

Die Proto-Renaissance ist eng mit dem Mittelalter verbunden, mit romanischen, gotischen Traditionen. Diese Zeit war die Vorbereitung auf die Renaissance. Diese Periode ist in zwei Unterperioden unterteilt: vor dem Tod von Giottody Bondone und nach (1337). Diese Periode der Renaissance war geprägt von der Arbeit des großen Dichters Dante Alighieri, dessen "Göttliche Komödie" den Namen seines Autors verewigte. Die wichtigsten Entdeckungen, die klügsten Meister leben und arbeiten in der ersten Periode. Das zweite Segment ist mit der Pestepidemie in Italien verbunden. Alle Entdeckungen wurden auf einer intuitiven Ebene gemacht. Ende des 13. Jahrhunderts wurde in Florenz die Haupttempelstruktur, die Kathedrale Santa Maria del Fiore, errichtet, der Autor war Arnolfodi Cambio, dann wurde die Arbeit von Giotto fortgesetzt, der die Kampagne für die Kathedrale von Florenz entwarf.

Die früheste aller Kunst der Proto-Renaissance manifestierte sich in der Skulptur (Niccolo und Giovanni Pisano, Arnolfodi Cambio, Andrea Pisano). Die Malerei wird von zwei Kunstschulen vertreten: Florenz (Cimabue, Giotto) und Siena (Duccio, Simone Martini). Giotto wurde zur zentralen Figur der Malerei. Renaissancekünstler betrachteten ihn als Reformator der Malerei. Giotto skizzierte den Weg seiner Entwicklung: das Füllen religiöser Formen mit weltlichem Inhalt, ein schrittweiser Übergang von flachen zu volumetrischen und geprägten Bildern, eine Zunahme des Realismus, die Einführung des plastischen Volumens von Figuren in die Malerei, die Darstellung des Innenraums in der Malerei.

Die Periode der sogenannten "Frührenaissance" in Italien umfasst die Zeit von 1420 bis 1500. In diesen achtzig Jahren hat die Kunst die Traditionen der jüngeren Vergangenheit noch nicht vollständig aufgegeben, sondern versucht, Elemente aus der klassischen Antike mit ihnen zu mischen. Erst später und nur nach und nach, unter dem Einfluss immer mehr wechselnder Lebensbedingungen und Kultur, gaben die Künstler die mittelalterlichen Grundlagen vollständig auf und verwendeten kühn die Beispiele antiker Kunst, sowohl im allgemeinen Konzept ihrer Werke als auch in ihren Details.

Während die Kunst in Italien bereits entschlossen den Weg der Nachahmung der klassischen Antike beschritt, behielt sie in anderen Ländern lange Zeit die Traditionen des gotischen Stils bei. Nördlich der Alpen und auch in Spanien kommt die Renaissance erst Ende des 15. Jahrhunderts und ihre frühe Periode dauert bis etwa zur Mitte des nächsten Jahrhunderts.

Die dritte Periode der Renaissance - die Zeit der großartigsten Entwicklung seines Stils - wird gewöhnlich als "Hochrenaissance" bezeichnet. Es ist in erster Linie mit den Namen von drei brillanten Meistern verbunden, den Titanen der Renaissance - Leonardo da Vinci, Raphael Santi und Michelangelo Buonarroti. Der charakteristische Hintergrund des Aufstiegs der Renaissance war der wirtschaftliche und politische Niedergang Italiens - ein Muster, das sich in der Geschichte mehr als einmal wiederholt hat. In der Arbeit von Vertretern der Hochrenaissance erreichten die realistischen und humanistischen Grundlagen der Renaissancekultur ihren Höhepunkt. Es erstreckt sich in Italien von etwa 1500 bis 1527. Zu dieser Zeit zog das Einflusszentrum der italienischen Kunst aus Florenz dank der Thronbesteigung Julius II. Nach Rom - ein ehrgeiziger, mutiger und unternehmungslustiger Mann, der die besten italienischen Künstler an seinen Hof zog, sie mit zahlreichen und wichtigen Werken beschäftigte und anderen ein Beispiel für Liebe gab Kunst. Unter diesem Papst und unter seinen engsten Nachfolgern wird Rom sozusagen das neue Athen der Perikleszeit: Es werden viele monumentale Gebäude errichtet, prächtige Skulpturen geschaffen, Fresken und Gemälde gemalt, die immer noch als Perlen der Malerei gelten. Gleichzeitig gehen alle drei Kunstzweige harmonisch Hand in Hand, helfen sich gegenseitig und handeln aufeinander ein. Die Antike wird jetzt gründlicher untersucht und mit größerer Genauigkeit und Konsistenz reproduziert. Gelassenheit und Würde ersetzen die spielerische Schönheit, die das Streben der vorhergehenden Periode war; Die Erinnerungen an das Mittelalter verschwinden vollständig, und alle Kunstwerke sind vollständig klassisch geprägt. Aber die Nachahmung der Alten übertönt ihre Unabhängigkeit bei Künstlern nicht, und sie überarbeiten und wenden mit großem Einfallsreichtum und Lebendigkeit der Vorstellungskraft frei das an, was sie für angemessen halten, um sich von der antiken griechisch-römischen Kunst zu leihen.

Die spätere Renaissance in Italien erstreckt sich von 1530 bis 1590 und 1620. Einige Forscher führen die 1630er Jahre auf die Spätrenaissance zurück, aber diese Position führt zu Kontroversen unter Kunstkritikern und Historikern. Die Kunst und Kultur dieser Zeit sind in ihren Erscheinungsformen so vielfältig, dass es möglich ist, sie nur mit viel Konvention auf einen Nenner zu reduzieren. BEIM Südeuropa Die Gegenreformation triumphierte, die mit Besorgnis alles freie Denken, einschließlich des Lobes des menschlichen Körpers und der Auferstehung der Ideale der Antike, als Eckpfeiler der Renaissance-Ideologie betrachtete. In Florenz führten Widersprüche in der Weltanschauung und ein allgemeines Krisengefühl zur „nervösen“ Kunst erfundener Farben und unterbrochener Linien - Manierismus. Der Manierismus erreichte Parma, wo Correggio arbeitete, erst nach dem Tod des Künstlers im Jahre 1534. Die künstlerischen Traditionen Venedigs hatten ihre eigene Entwicklungslogik; bis Ende der 1570er Jahre. Tizian und Palladio arbeiteten dort, deren Arbeit wenig mit den Krisenphänomenen in der Kunst von Florenz und Rom zu tun hatte.

Die humanistische Bewegung war jedoch bereits im 15. Jahrhundert. ging über Italien hinaus und hatte einen starken Einfluss auf den Kulturprozess in den Ländern nördlich des Geburtsortes der Renaissance. Daher erscheint es legitim, den Begriff der nördlichen Renaissance zu verwenden, was nicht nur ein rein geografisches Merkmal bedeutet, sondern auch einige Merkmale der Renaissance in England, Deutschland, Spanien, den Niederlanden, der Schweiz und Frankreich. Ein sehr wichtiges Merkmal der nördlichen Renaissance war, dass sie während der Reformation stattfand und dass es in der Kultur der Völker dieser Länder aus historischen Gründen keine solche Fülle an Denkmälern der Antike gab wie in Italien. Die stilistischen Unterschiede in der Malerei sind am deutlichsten: Im Gegensatz zu Italien wurden die Traditionen und Fähigkeiten der gotischen Kunst in der Malerei lange Zeit bewahrt, wobei dem Studium des alten Erbes und der Kenntnis der menschlichen Anatomie weniger Aufmerksamkeit geschenkt wurde.

Die Renaissance-Ära war die größte fortschreitende Revolution der gesamten Menschheit, die bis zu dieser Zeit erlebt wurde. Diese Ära "brauchte Titanen und brachte Titanen in der Kraft des Denkens, der Leidenschaft und des Charakters, in der Vielseitigkeit und im Lernen hervor".

Aber die Renaissance begann sehr bescheiden, ziemlich unschuldig und noch weniger überall. Der Geburtsort der Renaissance ist Florenz, das "Athen Italiens", für das es bestimmte historische und soziale Voraussetzungen gab. So war es 1293 in Florenz, d.h. Gerade zu Beginn der Renaissance wurde die erste republikanische Verfassung im christlichen Europa verabschiedet, und die Verfassung ist sehr demokratisch und sieht die Aufteilung der Macht in Legislative (Signoria) und Exekutive vor, deren Oberhaupt sowie der Befehlshaber der Miliz "der Gonfalonier (Fahnenträger) der Gerechtigkeit" war. Alle Handwerksbetriebe wählten eine gleiche Anzahl von Abgeordneten für die Signoria.

Florenz war eine Stadt der wohlhabenden Kaufleute, Besitzer von Manufakturen,

eine große Anzahl von Handwerkern - Weber, Alkalisierer, Kürschner - ihre Interessen wurden durch Workshops vertreten. Darüber hinaus waren die Werkstätten von Ärzten, Apothekern und Musikern für diese Zeit sehr zahlreich. Es gab überraschend viele Anwälte - Anwälte, Anwälte, Notare. Florentiner Banker konkurrierten nur mit lombardischen. Sie finanzierten den Papst, den deutschen Kaiser, den französischen König, die Florentiner Münze - der goldene Florin, der seit 1252 geprägt wurde, galt zusammen mit dem venezianischen Dukaten als der vollständigste in Europa.

Die Existenz bürgerlicher Freiheiten und wirtschaftlicher Wohlstand sorgten für die Geburt neuer kreativer Gemeinschaften. In Florenz und wenig später - in Siena, Ferrara, Pisa - bildeten sich Kreise gebildeter Menschen, die sich im engeren Sinne als Humanisten bezeichneten. Der Begriff selbst stammt aus dem Namen des Wissenschaftskreises, mit dem sich die poetisch und künstlerisch begabten Florentiner beschäftigten: studiahumanitatis. Dies sind die Wissenschaften, die den Menschen und alles Menschliche zum Gegenstand hatten, im Gegensatz zu studiadivina - alles, was das Göttliche studiert, d.h. Theologie.

Die Florentiner Humanisten waren sich der Schrift, der Patristik und der Humanisten einer späteren Zeit - insbesondere des 16. Jahrhunderts - bewusst. Es gab herausragende Theologen wie Erasmus von Rotterdam oder Johann Reuchlin. Die frühen Florentiner Humanisten waren meistens Politiker, Anwälte und Juristen. Zum Beispiel ist der große Dante, ein ehemaliger Diplomat und Stellvertreter der White Guelph Party, Francesco Petrarca, nicht nur ein großer Lyriker, sondern auch Autor politischer Gedichte; und auch eine ganze Gruppe von Rednern, Publizisten des 15. Jahrhunderts. - Colluccio Salutati, Leonardo Bruni, Gianozzo Manetti, Matteo Palmieri, Donato Acciuoli und Ala Magayu Rinuccini. Ihre literarische und journalistische Arbeit liegt im Mainstream des zivilen Humanismus. Der Humanismus ist jedoch keine politische Doktrin, obwohl die Politik immer im Interessenbereich der Humanisten lag. Darüber hinaus versuchten sie als gebildete Menschen, die Sprachen beherrschen, korrektes Latein sprechen, sich mit Rechtsprechung und Beredsamkeit auskennen, die sich oft mit Festung, Mathematik, Architektur, Ingenieurwesen und manchmal auch mit Astrologie und Alchemie auskennen, auf die Posten von Gesandten, Beratern, Sekretäre, Kanzler der republikanischen Regierungen der Städte Italiens (Florenz, Venedig, Genua) und verschiedener Monarchen, einschließlich des Papstes.

Und doch war die Hauptrichtung der Tätigkeit der Humanisten die philologische Wissenschaft. Humanisten begannen, nach Umschreibungen zu suchen, studierten zuerst literarische und dann künstlerische Denkmäler der Antike, hauptsächlich Statuen. Darüber hinaus sind in Florenz - einer in der Antike gegründeten antiken Stadt, in Rom, in Ravenna und in Neapel vor allem griechische und römische Statuen, bemalte Gefäße und Gebäude erhalten geblieben. Zum ersten Mal seit tausend Jahren des Christentums wurden antike Statuen nicht als heidnische Idole, sondern als Kunstwerke behandelt. Gleiches gilt für antike Bücher.

Natürlich wurden die Werke alter Denker in den vergangenen Jahrhunderten nicht vergessen. Und in der Zeit der sogenannten karolingischen Renaissance und während der Regierungszeit von Kaiser Otgon und im gesamten Mittelalter wurden alte Manuskripte in Klöstern kopiert. Basierend auf der Philosophie von Aristoteles baute Thomas von Aquin, der Schöpfer des theologischen Systems des Katholizismus, ein Bild der Welt, das die Kirche als Dogma nahm. Auch die antike angewandte Kunst, die von der byzantinischen Kunst geerbt wurde, starb nicht.

Aber mit den Humanisten beginnt die Einbeziehung des alten Erbes in das Bildungssystem, die Bekanntschaft mit alter Literatur, Skulptur und Philosophie breiter Kreise. Dichter und Künstler bemühen sich, alte Autoren nachzuahmen, im Allgemeinen, um alte Kunst wiederzubeleben. Aber wie so oft in der Geschichte, insbesondere in der Kunstgeschichte, führt die Wiederbelebung einiger alter Prinzipien und Formen (wenn natürlich hochbegabte Menschen wiederbelebt werden) zur Schaffung von etwas völlig Neuem.

Das Wort "Renaissance" erschien später als das Wort "Humanismus" - im Werk eines Malers, Architekten und Kunsthistorikers des 16. Jahrhunderts. Giorgio Vasari. Gleichzeitig spricht Vasari mit Erstaunen über die Wiederbelebung der Kunst nach tausend Jahren, wie er glaubt, ihrer Vegetation.

Die Humanisten versuchten jedoch nicht, die alte Kultur auf ihrer eigenen Grundlage wiederzubeleben - der olympischen Religion und der heidnischen Mythologie, obwohl sie die Mythologie sehr sorgfältig studierten, insbesondere nach Ovids Metamorphosen.

Fast alle Humanisten und Künstler der Renaissance sind Christen, in welcher Beziehung auch immer sie sich zur offiziellen Kirche befinden. Vielleicht sind nur Lorenzo Balla und Pietro Pomponazzi Humanisten des 15. Jahrhunderts. - waren skeptisch gegenüber der Religion im Allgemeinen und Pomponazzi - gegenüber der Idee der Unsterblichkeit der Seele. Fast alle Maler, Bildhauer und Komponisten der Renaissance arbeiteten im Mainstream der kirchlichen Themen, in kirchlichen Genres und Formen. Darüber hinaus nahmen religiöser Fanatismus, Obskurantismus und Ignoranz häufig Waffen gegen den Humanismus und gleichzeitig gegen die offizielle Kirche auf, die nach Ansicht einiger Puristen im Heidentum versunken war. So wurde der Florentiner Girolamo Savonarola (1452-1498), der übrigens selbst in einem humanistischen Geist erzogen wurde, Mönch, brach mit dem Humanismus, fiel mit Anschuldigungen auf die Kirche und erwies sich für einige Zeit sogar als Diktator von Florenz. Während seiner kurzen Regierungszeit wurden viele Bücher und Kunstwerke, "nicht christlich im Geist", verbrannt. Savonarola, seine wütenden Predigten, wurde für einige Zeit von dem großen Künstler Sandro Botticelli mitgerissen, der sogar beschloss, seine "heidnischen" Gemälde zu verbrennen. Im Jahr 1498 wurde Savonarola im Auftrag der Signoria hingerichtet. So waren Fälle bekannt, in denen die Feinde der offiziellen Kirche als Feinde des Humanismus auftraten. Gleichzeitig hatten einige Humanisten hohe Positionen in der kirchlichen Hierarchie inne, waren Bischöfe, Kardinäle und sogar Päpste - zum Beispiel wurde Eneo Silvio Piccolomia Papst unter dem Namen Pius II. Papst Leo X., der Sohn des Herrschers von Florenz, der reichste Bankier und berühmte Philanthrop Lorenzo Medici, auch Magnificent genannt, war zweifellos ein Humanist.

Mit anderen Worten, unter den Humanisten befanden sich Menschen unterschiedlicher politischer Herkunft

(Republikaner, Monarchisten, Demokraten, Aristokraten usw.), religiös-orthodoxe Katholiken, Skeptiker, direkte Atheisten, protestantische Lutheraner, protestantische Calvinisten, fromme Theologen), philosophische und naturwissenschaftliche Ansichten. Sie waren durch eine andere Sache verbunden - ein Engagement für Bildung, einen guten literarischen Stil.

Humanisten belebten die korrekte lateinische Literatursprache, in der sie wissenschaftliche Aufsätze verfassten, Predigten und Lehren hielten. Ab dem 15. Jahrhundert begann das Studium der antiken griechischen Sprache und ihre Einführung in die Schulbildung. Die Europäer hatten die Gelegenheit, Homer, Sophokles und Theokrit in den Originalen zu lesen.

Das Paradox der Situation liegt in der Tatsache, dass es sich um Humanisten handelt

Wiederbelebungstäter, Verfechter der Reinheit der lateinischen Sprache, Liebhaber der Antike, Kenner der griechisch-römischen Mythologie wurden gleichzeitig die Schöpfer der Literatur in den Landessprachen. Zuallererst ist dies Dante Alighieri (1265-1321), der ein grandioses Gedicht über seinen imaginären Besuch im Jenseits schrieb - "Die göttliche Komödie" (Dante selbst nannte das Gedicht einfach "Komödie", da es glücklich endet, das Wort Davina - "göttlich" - wurde von Zeitgenossen (bewundernde Poesie) im toskanischen Dialekt hinzugefügt. Der toskanische Dialekt bildete mit der leichten Hand von Dante, Petrarch, Boccaccio die Grundlage der allgemeinen italienischen Literatursprache. Im selben XIV Jahrhundert. Jeffrey Chaucer in England kreiert seit Jahrhunderten literarisches Englisch, das aus einer Mischung keltischer, lateinischer, germanischer Dialekte von Winkeln, Sachsen und Juten (dieses Adverb gab die lexikalische Hauptkomposition) und der französischen Sprache der Normannen Wilhelms des Eroberers hervorgegangen ist. Und am Ende des 15. Jahrhunderts. und im XVI Jahrhundert. Die literarische Sprache Frankreichs (insbesondere in den Werken der Dichter der Plejaden - Pierre Ronsard, Joashen de Bellay), Deutschland (dies ist das Verdienst Luthers), eine gemeinsame spanische Sprache, die auf dem kastilischen Dialekt basiert, nimmt Gestalt an.

Aber nicht nur literarische Sprachen - während der Renaissance wurden regionale Kunstschulen gebildet, in denen man die Embryonen zukünftiger nationaler Kunstschulen sehen kann. Es ist zwar zu früh, um über nationale Schulen in der Renaissance zu sprechen. Zum Beispiel ist die große niederländische Kompositionsschule (Okegem, Obrecht, Jog.ken des Prés, Dufet und im 16. Jahrhundert Orlando Lasso) nicht nur niederländisch, sondern auch französisch, und Orlando Lasso fast sein ganzes Leben lang arbeitete in der bayerischen Landeshauptstadt München. Gleichzeitig entwickelten sich neben den sniderländischen oder, wie es auch genannt wird, französisch-flämischen bedeutenden Kompositionsschulen in Rom in Venedig.

Fakt bleibt aber: Humanisten beleben das klassische Latein wieder und schaffen gleichzeitig Kunstwerke in lebendigen Landessprachen.

Das zweite Paradox der Renaissance: die gewaltsame Säkularisierung (dh der Übergang von der Kirche zum säkularen Staat) aller Kulturen - insbesondere der Bildung - trotz der Tatsache, dass die hellsten künstlerischen Kreationen im Mainstream der Kirchenkunst geboren werden. Alle großen Meister der Renaissance - Giotto und Cimabue, Leonardo, Botticelli, Raphael, Michelangelo - schaffen Fresken, entwerfen und malen Kathedralen, beziehen sich in der Skulptur auf biblische und neutestamentliche Figuren und Themen (zum Beispiel Michelangelos Moses, David, Pieta). Musiker schaffen Massen und Motetten (ein Genre spiritueller polyphoner Komposition).

Humanisten übersetzen neu, kommentieren die Bibel und betreiben theologische Forschung. Und doch, wenn Sie das gesamte künstlerische Leben der Renaissance als Ganzes abdecken, bekommen Sie den Eindruck, dass Kunst aus dem kirchlichen Diktat hervorgegangen ist. Anscheinend wird dieser Eindruck durch die Tatsache erleichtert, dass sowohl in weltlichen als auch in kirchlichen Werken die Meister der Renaissance dieselbe künstlerische Sprache sprechen. Die Bilder der Muttergottes von Leonardo da Vinci und Raphael sind sehr "weltlich" - insbesondere in Leonardos "Benois Madonna" oder, wie es auch genannt wird, "Madonna mit Blume" und in der berühmtesten "Sixtinischen Madonna" von Raphael, "Madonna Connestable" sowie in " Madonna mit Stieglitz “, in der neben dem Jesuskind auch der kleine Johannes abgebildet ist - der zukünftige Johannes der Täufer.

Die Trennlinie zwischen Weltlichem und Kirchlichem - in Bezug auf emotionalen Zustand, Details und die Art des Schreibens - verschwimmt. Die gleiche Durchdringung von Kirche und Säkular findet in der Musik statt. Josquin des Prés, Orlando Lasso und Palestrina schreiben in lateinischen Texten streng polyphone Messen, Motetten und Offertorien. Sie schreiben aber auch polyphone weltliche Lieder - französisches Chanson, deutsches Lied, italienische Madrigale. In weltlichen Liedern werden die gleichen Methoden der Polyphonie angewendet wie in Massen, und die Themen weltlicher Lieder werden in die Grundlage von Massen gestellt. Daher kann man sagen, dass es in der Kunst der Renaissance nicht nur Säkularisierung, Säkularisierung der Kunst gibt, sondern auch Durchdringung, eine Mischung aus Folklore, Säkularität und Kirche.

Theozentrische Einstellungen in der Lehre des Menschen im Mittelalter wurden in der Philosophie der Renaissance allmählich überwunden. Deistische und pantheistische Konzepte der Erschaffung der Welt und des Menschen erschienen. Die Sündhaftigkeit der Menschheit wurde geleugnet, die Vorstellungen der Antike über den inneren Wert des Menschen, über sein Recht auf Glück, Freiheit nicht im Jenseits, sondern sogar während des irdischen Lebens wurden wiederbelebt. Es bildete sich eine humanistische Haltung, die den Menschen und nicht Gott in den Mittelpunkt des Universums und der Philosophie stellte. Es stellt sich heraus, dass die gesamte Philosophie vom Pathos des Humanismus, der menschlichen Autonomie und dem Glauben an seine unbegrenzten Möglichkeiten durchdrungen ist.

Picodela Mirandole (1463-1494): Der Mensch spielt eine zentrale Rolle im Universum. Dies liegt daran, dass er an allem Irdischen und Himmlischen teilnimmt. Er lehnt den astralen Determinismus zugunsten des freien Willens des Menschen ab. Wahlfreiheit und Kreativität bestimmen, dass jeder selbst der Schöpfer seines eigenen Glücks oder Unglücks ist und sowohl einen tierischen Zustand erreichen als auch zu einem gottähnlichen Wesen aufsteigen kann.

Es gibt eine Rehabilitation der körperlichen Natur eines Menschen, die Wiederherstellung des alten Ideals von Kalokagaty. Die Idee einer umfassend entwickelten harmonischen Persönlichkeit ist weit verbreitet. Die Entwicklung der Kunst erreicht eine beispiellose Blüte. In der Sprache der Kunst, in Form von künstlerischen Bildern, wurden alle wichtigen anthropologischen Ideen der Renaissance zum Ausdruck gebracht, die sich wesentlich von den entsprechenden Ideen des Mittelalters unterschieden. Auf den Leinwänden von Masaccio, Botticelli, Leonardo, in den Kurzgeschichten von Boccaccio und Sacchetti wird das menschliche Leben in seiner Gesamtheit dargestellt, in der harmonischen Einheit sinnlicher und spiritueller Freuden.

In der philosophischen Anthropologie dieser Zeit sind die Motive des sich nähernden Individualismus, Egoismus und Utilitarismus, die mit den aufkommenden kapitalistischen sozialen Beziehungen und der Dominanz des privaten Interesses verbunden sind, bereits deutlich zu hören. So erklärt Lorenzo Valla (1406-1457) mit aller Gewissheit, dass Klugheit und Gerechtigkeit zum Nutzen des Einzelnen reduziert werden, in erster Linie ihre eigenen Interessen sein sollten und in letzter Zeit das Heimatland.

In der Renaissance wird besonderes Augenmerk auf das Verständnis des Platzes des Menschen in dieser Welt gelegt, weshalb die Wissenschaft der Anthropologie eine enorme Entwicklung erfahren hat. Anthropologie ist eine Reihe von wissenschaftlichen Disziplinen, die den Menschen, seine Herkunft, Entwicklung, Existenz in natürlichen und kulturellen Umgebungen untersuchen.

Der Ursprung des Begriffs "Anthropologie" geht auf die alte Philosophie zurück. Der antike griechische Philosoph Aristoteles (384-322 v. Chr.) Benannte damit als erster ein Wissensgebiet, das sich hauptsächlich mit der spirituellen Seite der menschlichen Natur befasst. Trotz der Tatsache, dass der Begriff in diesem Sinne von vielen klassischen und nichtklassischen Denkern (Kant, Feuerbach usw.) verwendet wurde, wurde eine spezielle philosophische Disziplin und Schule als solche erst zu Beginn des 20. Jahrhunderts unter dem Namen "philosophische Anthropologie" gebildet. In seiner ursprünglichen Bedeutung wird der Begriff "Anthropologie" auch in vielen Geisteswissenschaften (Kunstgeschichte, Psychologie usw.) und in der Theologie (Theologie), der Religionsphilosophie, bis heute verwendet. In der Pädagogik gibt es also einen anthropologischen Ansatz für Bildung. Später wurde das anthropologische Wissen differenziert und kompliziert.

Traditionell gibt es mehrere Disziplinen, die in unterschiedlichem Maße voneinander isoliert und miteinander verbunden sind:

Die philosophische Anthropologie ist eine philosophische Lehre über die Natur und das Wesen des Menschen, die den Menschen als eine besondere Art von Wesen betrachtet. Die Anthropologie als philosophische Lehre ist historisch gesehen die erste Form der Darstellung einer Person als solche als besonderes Thema des Verstehens und Studierens.

Religiöse Anthropologie ist eine philosophische Lehre über das Wesen des Menschen, die im Einklang mit der Theologie entwickelt wurde und die Natur und das Wesen des Menschen im Kontext religiöser Lehren berücksichtigt. Die Selbstbestimmung des Themas Anthropologie in der Theologie ist die Offenlegung der Lehre der Kirche über den Menschen.

Die physikalische Anthropologie, zu der die Paläoanthropologie und die angewandte Disziplin der forensischen Anthropologie gehören, betrachtet den Menschen im Kontext seiner Entwicklung und im Vergleich zu seinen engsten Verwandten, modernen und fossilen Menschenaffen, als Spezies.

Die Sozial- und Kulturanthropologie ist eine der Ethnologie sehr nahe stehende Disziplin, die sich mit der vergleichenden Untersuchung menschlicher Gesellschaften befasst. Im Kontext des Problemfeldes und der Methodik der soziokulturellen Anthropologie werden auch die sprachliche, kognitive, politische, wirtschaftliche, historische Anthropologie und die Anthropologie des Rechts als spezifische Disziplinen unterschieden.

Visuelle Anthropologie - befasst sich mit dem Studium einer Person auf der Grundlage von Foto- und Videomaterialien mit Ausdrucksmitteln wie: Kinematographie, Fotografie, Fernsehen und anderen.

Forschungsmethoden. Die Anthropologie untersucht Variationen in Körpergröße und -form durch Beschreibung und Messung. Die beschreibende Technik heißt Anthroposkopie, die Messtechnik heißt Anthropometrie. Statistische Methoden spielen eine wichtige Rolle bei der Verarbeitung von anthropometrischem Material. Wichtige Methoden der anthropologischen Forschung sind Kraniologie, Osteologie, Odontologie, anthropologische Fotografie, Drucke von Hautmustern der Handflächen und Plantaroberflächen der Füße, Entfernen von Gipsgesichtsmasken, Erhalten von Gipsabdrücken der inneren Schädelhöhle (Endokrane). In der modernen Anthropologie sind Methoden der hämatologischen Forschung weit verbreitet, ebenso wie Methoden der Mikroanatomie, Biochemie, Röntgenologie, Familienstudie, Längsschnitt- (Langzeit-) und Quer- (einmalige) Untersuchung von Gruppen, Methoden zur Fraktionierung des Körpergewichts, Verwendung radioaktiver Isotope, verschiedene photometrische Methoden usw. Die Bedeutung erhielt die sogenannte geografische Methode, dh die Abbildung der Werte der Abteilung. Rassenmerkmale und die "Überlagerung" dieser Karten übereinander. In Kombination mit ethnografischen und historischen Daten bildet die geografische Methode die Grundlage für die Rassenanalyse.

Renaissance-Philosophen von Erasmus bis Montaigne verehrten die Vernunft und ihre schöpferische Kraft. Die Vernunft ist ein unschätzbares Geschenk der Natur, das einen Menschen von allem, was existiert, unterscheidet und ihn gottähnlich macht. Für einen Humanisten war Weisheit das höchste Gut, das den Menschen zur Verfügung stand, und daher war ihre wichtigste Aufgabe die Propaganda der klassischen antiken Literatur. Sie glaubten, dass ein Mensch in Weisheit und Wissen echtes Glück findet - und dies war sein wahrer Adel. Die Verbesserung der menschlichen Natur durch das Studium der antiken Literatur ist der Eckpfeiler des Humanismus der Renaissance. Die Entwicklung des Wissens in den XIV-XVI Jahrhunderten beeinflusste die Vorstellungen der Menschen über die Welt und den Platz des Menschen darin erheblich. Die großen geografischen Entdeckungen, das heliozentrische System der Welt von Nicolaus Copernicus veränderten die Vorstellung von der Größe der Erde und ihrem Platz im Universum, und die Werke von Paracelsus und Vesalius, in denen zum ersten Mal nach der Antike versucht wurde, die Struktur des Menschen und die darin ablaufenden Prozesse zu untersuchen, legten den Grundstein für die wissenschaftliche Medizin und Anatomie ...

Die großen geografischen Entdeckungen (XV-XVI Jahrhunderte) erweiterten den Horizont des anthropologischen Wissens und führten die Europäer, wenn auch oberflächlich, in die Rassentypen der Völker Ostasiens (Reisen von Plano Carpini, Rubruk, Marco Polo), der Bevölkerung Amerikas (H. Columbus), mit den Völkern des Ostens ein Sibirien (S. Dezhnev), Feuerland und Ozeanien (F. Magellan). Die Bedeutung von Magellans Weltreise war für die Anthropologie insofern am wichtigsten, als sie die Unvereinbarkeit der Wissenschaft mit der biblischen Legende über die Erschaffung des Menschen im "Heiligen Land", einem bedeutenden Ereignis in der Geschichte der Anthropologie des 17. Jahrhunderts, bestätigte. waren die ersten Beschreibungen der Anatomie anthropomorpher Affen, zum Beispiel von dem Engländer E. Tyson, der 1699 die Leiche von Schimpansen untersuchte.

In der Renaissance dominierte das humanistische Konzept des Menschen die Philosophie. Im Gegensatz zu den religiösen Ansichten über den Menschen als sündiges Wesen, das dem Schicksal unterworfen ist, proklamierten die Denker der Renaissance (insbesondere T. More und T. Campanella) den Wert des Menschen, seine Würde, Vernunft und seinen Adel. In ihren Werken wird die Persönlichkeit als etwas Erhabenes, Selbstwertvolles angesehen.

Die Frage nach dem Verhältnis von Mensch und Natur, Individuum und Gesellschaft wird in den Vordergrund gerückt, das Ideal einer umfassend entwickelten Persönlichkeit proklamiert, die Konturen einer neuen Gesellschaft skizziert, in der die freie Entwicklung aller und aller stattfinden würde.

In der Philosophie dieser Zeit wurde Gott nicht vollständig geleugnet, aber sein Banner war nicht Gott, sondern der Mensch. Es stellte sich heraus, dass die gesamte Philosophie der Renaissance vom Pathos des Humanismus, der Autonomie des Menschen und dem Glauben an seine grenzenlosen Möglichkeiten durchdrungen war.

Pico de Mirandola (1463-1494) verfasst seine Rede über die Würde des Menschen. Im Gegensatz zu allen anderen Kreationen verfügt der Mensch selbst über seinen moralischen Charakter. Die Vorstellung vom Menschen als "dem herrlichsten Meister und Bildhauer" seiner selbst fügt der Grundidee der christlichen Anthropologie ein neues Element hinzu - die Idee, gottähnlich zu sein. Wenn das „Bild Gottes“ ein Geschenk ist, dann ist das „Gleichnis Gottes“ weniger ein Geschenk als eine Aufgabe, und das Kunststück, in dessen Verlauf das Gleichnis Gottes verwirklicht wird, muss eine Person nur von der Person selbst vollbringen. Das Licht der menschlichen Freiheit steht über und übertrifft alle natürlichen Notwendigkeiten. Diese Tatsache - die Unbestimmtheit der menschlichen Existenz - erhebt einen Menschen noch höher als Engel. Da die Engel und himmlischen Kräfte ihre Natur und Vollkommenheit ein für alle Mal von Gott wahrgenommen wurden (obwohl sie danach fielen). Der Mensch erreicht die Vollkommenheit unabhängig auf der Grundlage seiner Freiheit.

Der Mensch hat die Fähigkeit, Gott im Gegenzug zu lieben. (Von Papst Innozenz VIII. Als ketzerisch verurteilt).

In den Schriften der Figuren der Renaissance bildet sich ein humanistisches Menschenbild. Der Grundstein wurde vom großen Dante gelegt. Die Verkörperung hoher Vorstellungen über eine Person ist das Bild von Ulysses (Odyssee) - einem mutigen Entdecker, einem Helden, einem tapferen, intelligenten Mann. Durch seinen Mund verkündete Dante eine neue Sicht des Menschen.

„O Brüder ...

Diese kleine Zeit, während sie noch wach sind

Irdische Gefühle - ihr Überrest ist dürftig

Geben Sie das Verständnis für Neuheit ...

Sie wurden nicht für den Anteil des Tieres gemacht

Aber sie wurden zu Tapferkeit und Wissen geboren. "

Freiheit und persönliche Verantwortung, Adel, die Fähigkeit, das irdische Schicksal, das Aktivität ist, zu erfüllen, sind die wichtigsten Merkmale eines Menschen. Das Konzept der Humanisten enthält ein neues Verständnis der Beziehung zwischen den göttlichen und natürlichen Prinzipien: Sie müssen in Einheit sein. Der Mensch ist ein kreatives Wesen. Seine Würde liegt in der Fähigkeit, sich über den tierischen Zustand zu erheben: Der wirklich Mensch darin stammt aus der Kultur. Die humanistische Sichtweise eines Menschen bricht mit Askese, proklamiert das Recht eines Menschen auf die Fülle des physischen und spirituellen Lebens, die maximale Entwicklung der besten menschlichen Qualitäten.

Leonardo da Vinci (1452 - 1519) enthüllte die Inkonsistenz des Menschen. Der Mensch ist ein großartiges Instrument der Natur, ein irdischer Gott, aber er ist grausam und oft unbedeutend in seinen Gedanken und Handlungen.

Ein neuer Aspekt im Verständnis des Menschen zeigt sich in der Arbeit des herausragenden italienischen Staatsmannes und politischen Philosophen Nicolo Machiavelli (1487 - 1527). Laut Machiavelli erfordert politisches Handeln, dass eine Person die objektiven Umstände, den Willen, die Energie und die Stärke des Politikers berücksichtigt - Tapferkeit (Virtuosität). Um dieses Ziel zu erreichen, sollte ein Politiker nicht mit moralischen und religiösen Einschätzungen rechnen. Politik und Moral sind autonom. Moralische Überlegungen sind politischen Zielen untergeordnet. Nur das staatliche Interesse, dh das nationale Interesse, das Interesse des Vaterlandes, treibt die Handlungen eines Staatsmannes an. Das Ergebnis dieser Überlegungen war die Schlussfolgerung: Der Zweck rechtfertigt die Mittel. In der modernen Psychologie gibt es das Konzept des "Machiavellismus". Es zeigt die Tendenz einer Person an, andere Menschen zu manipulieren. Eine Methode zur Identifizierung des Machiavellismus als Persönlichkeitsmerkmal wurde entwickelt.

Eine tiefe psychologische Analyse des Menschen ist in der Arbeit des französischen Philosophen M. Montaigne (1533 - 1592) "Experimente" enthalten. Der Selbsterkenntnis wird viel Aufmerksamkeit geschenkt. Der Mensch ist laut Montaigne nicht das Zentrum des Universums, sondern ein Teil davon. "Wenn ich mit einer Katze spiele, wer weiß, ob sie eher mit mir spielt als ich mit ihr?" er fragt. Montaignes Skepsis, seine Gedanken über die Verdienste des einfachen Mannes, seine Kritik an der Moral und die Heuchelei der Oberwelt wurden in der Wissenschaft der Neuzeit fortgesetzt.

Die Anthropologie war nicht allein im Umgang mit dem Problem des Menschen. Bis zu einem gewissen Grad wiederholten die Probleme, mit denen die Psychologie während der Renaissance konfrontiert war, die alten, die während der Bildung der wissenschaftlichen Psychologie um die Wende vom 7. zum 6. Jahrhundert auftraten. BC. Wie damals versuchte die Psychologie, die Heiligkeit zu überwinden, die ins Mittelalter zurückkehrte. Daher kann man sagen, dass die Renaissance tatsächlich eine Zeit der Rückkehr (Wiederbelebung) der wichtigsten Prinzipien der alten Wissenschaft, eine Abkehr vom Dogmatismus und die Suche nach Wegen für die optimalste wissenschaftliche Erforschung mentaler (mentaler) Zustände war. Gleichzeitig entstand ein neues Fach der Psychologie als Bewusstseinswissenschaft, das schließlich bereits in der Neuzeit formuliert wurde.

Das 15.-17. Jahrhundert blieb als Zeit des Aufstiegs der Kunst, vor allem der italienischen Malerei und Skulptur, in der Geschichte. Die Reformation war auch von großer Bedeutung und veränderte nicht nur das kirchliche Leben, sondern auch das Bewusstsein der Menschen. Die Entdeckung Amerikas, die Ausweitung geografischer Konzepte konnten ebenfalls nur die allgemeine Weltanschauung beeinflussen und führten zur aktiven Entwicklung wissenschaftlicher Erkenntnisse. Bedeutende Entdeckungen wurden vor allem in den Bereichen Astronomie (N. Copernicus, G. Galilei, D. Bruno), Mathematik, Physik (L. da Vinci, I. Kepler), Philosophie und Sozialwissenschaften (T. More, M. Montaigne, E.) gemacht. Rotterdam, N. Machiavelli).

Die Probleme der Psyche wurden zu diesem Zeitpunkt in geringerem Maße untersucht, da die Fragen des spirituellen Lebens weitgehend außerhalb des Kreises der wissenschaftlichen Studien blieben. Ein neuer Aspekt der psychologischen und philosophischen Werke dieser Zeit war das Studium des Problems der Fähigkeiten, das zusammen mit dem Studium der Erkenntnis zu dieser Zeit führend war.

Eine neue Interpretation von Emotionen und die Entwicklung von Affekten wurde in seiner Arbeit von Bernardino Telesio (1509-1588) gegeben. Um das Psychische aus den Naturgesetzen zu erklären, organisierte er die erste Gesellschaft von Naturwissenschaftlern, die darauf abzielte, die Natur in all ihren Teilen zu untersuchen und sie aus sich selbst heraus zu erklären. Daher trat in seinem Konzept die Lehre von den treibenden Kräften in den Vordergrund, die die Energiequelle für verschiedene Entwicklungsformen sind. Er hob Hitze und Kälte, Licht und Dunkelheit, die Fähigkeit, sich auszudehnen und zusammenzuziehen usw. als die wichtigsten hervor. Diese Kräfte, argumentierte Telesio, durchdringen sich gegenseitig und schaffen neue Formationen, die mit der Konzentration bestimmter Kräfte verbunden sind. Der Kampf der gegnerischen Kräfte ist die Quelle aller Entwicklung.

Telesio glaubte auch, dass das Hauptziel der Natur darin besteht, den erreichten Zustand zu erhalten. Wir können also sagen, dass die Idee der Homöostase zuerst in seinem Konzept auftauchte, obwohl sie auf dem damaligen wissenschaftlichen Niveau präsentiert wurde. Das Gesetz der Selbsterhaltung gehorcht seiner Meinung nach auch der Entwicklung der Psyche, und Vernunft und Emotionen regulieren diesen Prozess. Gleichzeitig manifestiert sich die Stärke der Seele in positiven Emotionen und in negativen Emotionen, ihrer Schwäche, die die Selbsterhaltung beeinträchtigt. Die Vernunft bewertet Situationen unter diesem Gesichtspunkt. Wenn man diese Ansichten von Telesio mit den Bestimmungen nachfolgender psychologischer Konzepte vergleicht und die Verbindung von Emotionen und Vernunft mit dem Wunsch nach Anpassung beweist, kann man sehen, dass ihre Beziehung mit dem Wunsch verbunden ist, das Mentale zu seiner Rolle bei der Aufrechterhaltung der lebenswichtigen Funktionen des Organismus zu erklären. Wenn man später in solchen Erklärungen nicht nur Vor-, sondern auch Nachteile finden kann, dann war das damalige Telesio-Konzept ein Durchbruch zu neuen Erklärungsprinzipien, die die Psychologie zu einer objektiven Wissenschaft machen.

Der berühmte spanische Wissenschaftler Juan Luis (Louis) Vives (1492-1540) schrieb auch über die Notwendigkeit, einen naturwissenschaftlichen Ansatz für das Studium der Psyche zu entwickeln. H. Vives wurde in England ausgebildet, arbeitete lange Zeit in England, Holland und Deutschland und unterhielt freundschaftliche Beziehungen zu vielen europäischen Wissenschaftlern dieser Zeit - T. More, E. Rotterdam und anderen. In seiner Arbeit "Über die Seele und das Leben" begründete H. Vives einen neuen Ansatz zur Psychologie als empirische Wissenschaft, der auf der Analyse von Daten aus sensorischen Erfahrungen basiert. Für die korrekte Konstruktion von Konzepten schlug er eine neue Methode zur Verallgemeinerung sensorischer Daten vor - die Induktion. Obwohl die operationell-logischen Methoden der induktiven Methode später von Francis Bacon ausführlich entwickelt wurden, gehört H. Vives zum Beweis der Möglichkeit und Gültigkeit des logischen Übergangs vom Besonderen zum Allgemeinen. Die Grundlage eines solchen Übergangs sind laut Vives die Assoziationsgesetze, deren Interpretation er Aristoteles entnommen hat. Die Assoziation von Eindrücken bestimmt seiner Meinung nach die Natur der Erinnerung. Auf der gleichen Basis entstehen die einfachsten Konzepte, die Material für alle nachfolgenden Arbeiten des Intellekts liefern. Neben der sensorischen Seite der mentalen Aktivität wurde der emotionalen Seite große Bedeutung beigemessen. Vives war einer der ersten, der zu dem Schluss kam, dass der effektivste Weg, eine negative Erfahrung zu unterdrücken, nicht ihre Eindämmung oder Unterdrückung durch den Geist ist, sondern die Unterdrückung durch eine andere, stärkere Erfahrung. Das psychologische Konzept von H. Vives diente als Grundlage für die Entwicklung des pädagogischen Konzepts von J. Komensky.

Nicht weniger wichtig für die Psychologie war das Buch eines anderen berühmten spanischen Psychologen - Juan Huarte (1530-1592) "Studium der Fähigkeit zur Wissenschaft". Dies war die erste psychologische Arbeit, deren besondere Aufgabe es war, individuelle Unterschiede in den Fähigkeiten zum Zweck der professionellen Auswahl zu untersuchen. In Huartes Buch, das als erste Studie in Differentialpsychologie bezeichnet werden kann, wurden vier Hauptfragen gestellt:

Welche Eigenschaften besitzt die Natur, die einen Menschen zu einer Wissenschaft fähig und zu einer anderen unfähig machen?

Welche Arten von Geschenken gibt es in der Menschheit?

Welche Künste und Wissenschaften entsprechen jeweils einem Geschenk?

Was sind die Zeichen des entsprechenden Talents?

Die Analyse der Fähigkeiten wurde mit der Mischung von vier Elementen im Körper (Temperament) und mit dem Unterschied in den Tätigkeitsbereichen (Medizin, Rechtsprechung, Kampfkunst, Regierung usw.) verglichen, die die entsprechenden Talente erfordern.

Die Hauptfähigkeiten wurden als Vorstellungskraft (Fantasie), Gedächtnis und Intelligenz erkannt. Jeder von ihnen wurde durch ein bestimmtes Temperament des Gehirns erklärt, dh das Verhältnis, in dem die Hauptsäfte darin gemischt wurden. H. Huarte analysierte verschiedene Wissenschaften und Künste und bewertete sie hinsichtlich der drei Fähigkeiten, die sie benötigen. Dies lenkte Huartes Gedanken auf eine psychologische Analyse der Aktivitäten eines Militärführers, Arztes, Anwalts, Theologen usw. Die Abhängigkeit von Talenten von der Natur bedeutet seiner Meinung nach nicht die Sinnlosigkeit von Bildung und Arbeit. Es gibt jedoch auch große individuelle und Altersunterschiede. Physiologische Faktoren, insbesondere die Art der Ernährung, spielen eine wesentliche Rolle bei der Bildung von Fähigkeiten.

Huarte glaubte, dass es besonders wichtig ist, äußere Zeichen zu etablieren, anhand derer man die Eigenschaften des Gehirns unterscheiden kann, die die Natur des Talents bestimmen. Und obwohl seine eigenen Beobachtungen über die Entsprechungen zwischen körperlichen Merkmalen und Fähigkeiten sehr naiv sind (er hat zum Beispiel Steifheit der Haare, Merkmale des Lachens usw. als solche Zeichen herausgegriffen), war die Idee einer Korrelation zwischen innerem und äußerem, wie der nachfolgende Weg zeigte Differentialpsychologie, ziemlich rational. Huarte träumte davon, eine professionelle Auswahl auf nationaler Ebene zu organisieren: „Damit sich niemand bei der Wahl des Berufs irrt, der seinem natürlichen Talent am besten entspricht, sollte der Souverän autorisierte Personen mit großer Intelligenz und großem Wissen auswählen, die sich mehr öffnen würden in einem zarten Alter; sie würden ihn dann zwingen, den Wissensbereich zu studieren, der zu ihm passt. "

Von allen Bereichen der Naturwissenschaften sollte im Zusammenhang mit ihrer Bedeutung für die Psychologie die Entwicklung in verschiedenen Ländern der Medizin, Anatomie und menschlichen Physiologie besonders beachtet werden. T. Paracelsus (1493 - 1541) entwickelte eine neue Theorie über die Natur des menschlichen Körpers, die Ursachen und Methoden der Behandlung von Krankheiten. In der Anatomie veröffentlichte Andrei Vesalius (1514 - 1564) seine grundlegende Arbeit "Über die Struktur des menschlichen Körpers" (1543). Das Buch ersetzte die Anatomie von Galen, in der es viele Fehler gab, denn er beurteilte die Struktur des menschlichen Körpers anhand der Daten, die er aus der Anatomie von Affen und Hunden zog. Die Anzahl neu entdeckter Körperteile nahm kontinuierlich zu. Die italienischen Zeitgenossen von Vesalius - G. Fallopius, B. Eustachius, I. Fabrizius von Aquapendente und andere - machen eine Reihe von Entdeckungen, die unter ihrem Namen für immer in die Anatomie eingegangen sind.

Die Arbeiten des Arztes und Denkers Miguel Servet (1509/1511 - 1553), seine Vorstellungen über den Lungenkreislauf (1553) waren von großer Bedeutung. Eine neue Ära in Anatomie, Physiologie und Embryologie begann mit der Arbeit von M. Malpighi (1628-1694) und der Forschung in der experimentellen Physiologie. W. Harvey löste 1628 das Problem der Durchblutung.

Auf diese Weise entwickelte sich die Erkenntnis allmählich durch Erfahrung, die Dogmen und Scholastik ersetzte.

Die deutschen Scholastiker R. Goklenius und O. Kassmann führten erstmals den Begriff "Psychologie" ein (1590). Zuvor hatte Philip Melanchthon (1497 - 1560), ein deutscher Humanist, ein Freund Luthers, der unter dem Einfluss von Erasmus aufgewachsen war, ihr in seinem "Kommentar zur Seele" einen Ehrenplatz verliehen. Er galt als Autorität in der Lehre der Psychologie und beherrschte bis Mitte des 18. Jahrhunderts einige deutsche Universitäten. Der spanische Humanist, Freund von Erasmus von Rotterdam, Juan Luis Vives (1492 - 1542), argumentierte in seinem Buch "Über die Seele und das Leben" (1538): Die Hauptfrage ist nicht, was die Seele ist, sondern was ihre Manifestationen und ihre Verbindung sind. Dies weist auf ein verstärktes Interesse an psychologischen Fragen hin und ermöglicht es uns, den Fortschritt der psychologischen Analyse im 17. Jahrhundert zu verstehen. F. Bacon und R. Descartes.

Zusammenfassend muss die Entwicklung der Psychologie im Mittelalter und in der Renaissance zusammengefasst werden, und es muss betont werden, dass diese Periode in ihren Leistungen und dem Inhalt der psychologischen Forschung nicht homogen war. Das Verhältnis zwischen Kirche und Wissenschaft hat sich in diesem langen Zeitraum mehrmals verändert, wobei die größte Verfolgung des Wissens und des Systems wissenschaftlicher Beweise in der Zeit der Schwächung der Macht der Kirche stattfand, die die Wissenschaft in der Regel nicht an sich, sondern als Quelle (oder Hindernis) für sie betrachtete bestimmte Ziele erreichen.

Zu den wichtigsten Studien, die zu dieser Zeit sowohl von arabischen Gelehrten als auch von europäischen kirchlichen und säkularen Denkern durchgeführt wurden, sind die ersten Arbeiten zur Erforschung der Psychologie der Massen, die Entwicklung von Methoden zur Überzeugung der Menschen, zu erwähnen. Es wird auch auf die Werke hingewiesen, die später als psychotherapeutisch bezeichnet wurden. Ihr Zweck war die psychologische Hilfe für Menschen, die unter emotionalem Unbehagen, Anspannung und Neurose leiden.

In der Renaissance hingegen kehrte die psychologische Forschung zu den in der Antike aufgeworfenen Problemen zurück. Dies ist darauf zurückzuführen, dass sich die Gelegenheit ergibt, die Werke der damaligen Wissenschaftler (und nicht nur die ausgewählten Dinge von Platon oder Aristoteles) vollständig zu lesen, und dass das Interesse an der Erforschung der Erkenntnisstufen und der menschlichen Fähigkeiten, einschließlich der Fähigkeit, ein objektives Bild der Welt zu erstellen und es als Ganzes zu verwirklichen, wiederbelebt wird. Dieses Interesse wurde in der nächsten Periode, die Neue Zeit genannt, führend.

Viele Forscher der Kultur des Mittelalters und der Renaissance sind dagegen und weisen darauf hin, dass sich die Kultur des Mittelalters grundlegend von der Kultur der Renaissance unterscheidet. Um die Kultur des Mittelalters zu charakterisieren, hat P.A. Sorokin hob das Prinzip der Ideenfindung als charakteristisches Merkmal hervor. Seiner Meinung nach war „die mittelalterliche Kultur kein Konglomerat verschiedener kultureller Realitäten, Phänomene und Werte, sondern ein einziges Ganzes, von dem alle Teile dasselbe höchste Prinzip der objektiven Realität und Bedeutung zum Ausdruck brachten: Unendlichkeit, Überempfindlichkeit, Superintelligenz Gottes, Gottes, allgegenwärtig, allmächtig, allwissend , absolut fair, schön, der Schöpfer der Welt und des Menschen. " P.A. teilt die Kulturen der für uns interessanten Epochen mit. Sorokin wies darauf hin, dass der Kulturwandel auf die Veränderung der Idee der Idealität durch die Idee der Sinnlichkeit zurückzuführen sei, die die Kultur der sensorischen, empirischen, säkularen und "dieser Welt entsprechenden" Kultur widerspiegele. Er betrachtet die Kultur der Renaissance als Ersatz für die im Niedergang begriffene mittelalterliche.

J. le Goff teilt die beiden kulturellen Epochen auf der Grundlage der Werte, die das Massenbewusstsein der damals lebenden Menschen dominieren.

An dieser Stelle sei darauf hingewiesen, dass J. le Goff die Renaissance als Bestandteil des Mittelalters betrachtet und dies erklärt, indem er, wie bereits erwähnt, die Wertorientierungen des Massenbewusstseins als logische Grundlage für die Klassifizierung von Kulturen zweier Epochen hervorhebt. Er verbindet vor allem Veränderungen in der Kultur mit einem Appell an die irdische Welt und ihre Werte. „Natürlich war im frühen Mittelalter das unmittelbare Ziel des menschlichen Lebens und Kampfes das irdische Leben, die irdische Kraft. Jedoch ... waren die kulturellen, ideologischen, existenziellen Gedanken der Menschen auf den Himmel gerichtet. " J. le Goff analysiert die Unterschiede zwischen der Kultur des Mittelalters und der Kultur der Renaissance in drei Richtungen:

Analyse der kulturellen und mentalen Werkzeuge, die zur Verfügung stellen

die Geburt neuer Ideen;

Analyse der Beziehung zum Irdischen, insbesondere zum Leben, zum Menschen

körper, zur Erde, zur irdischen Geschichte;

Analyse der Unterscheidung im System der Werte und Ideen der Kirche und der weltlichen, geistlichen und weltlichen, heiligen und profanen.

Er analysiert die Unterschiede zwischen der Kultur des Mittelalters und der Kultur der Renaissance und weist darauf hin, dass die Umstrukturierung der Wertorientierungen die Überwindung einer Reihe ideologischer Hindernisse erfordert. Zu den wichtigsten Änderungen zählt J. le Goff das Eingeständnis von Innovationen und die Begrenzung der Sphäre der unerschütterlichen Einhaltung von "Autoritäten" (Autoritaten) im Bereich Religion, intellektuelle Aktivität und Kunst, die Überwindung der Ideen, die für das frühe Mittelalter charakteristisch sind und vom frühen Christentum geerbt wurden, dass die Welt alt ist. dass er bereits in die Phase seines Niedergangs eingetreten ist, das sogenannte „sechste Zeitalter“, dass dieses Altern irreversibel ist, dass er nicht so sehr „lebt“ als „überlebt“ (mundussenesit). Die ontologischen Eigenschaften der Welt: Zeit und Raum erhalten ein neues Verständnis. Dies spiegelt sich in Kultur und Kunst wider. So spiegeln sich die mit dem Verständnis der Zeit verbundenen Veränderungen in der Fiktion wider, insbesondere im höfischen Roman, in dem die Zeit die Grundlage einer Geschichte bildet, die zahlreiche Episoden und unerwartete Wendungen in der Handlung enthält. "All dies zusammengenommen setzte eine Ausrichtung auf irdische Werte voraus, auf das Verhältnis als logisches Prinzip, Vernunft und Berechnung gleichzeitig." In der Entstehung neuer Wertorientierungen und neuer Praktiken macht sich der Fortschritt des Schreibens als menschliche Invasion der heiligen Welt besonders bemerkbar, der geschriebene Text wird desakralisiert. Der Brief nimmt einen alltäglichen Charakter an und wird immer fließender. "Der Brief wird jetzt nicht im Namen Gottes und des Himmels geschaffen, sondern um der irdischen willen."

Die Veränderungen wirkten sich auch auf die Einstellung eines Menschen zu seinem Leben selbst, zu seinem Körper aus. Das frühe Mittelalter verkündete Verachtung für den Körper und versuchte, seine Motive einzudämmen und zu unterdrücken. Der Körper wurde als "abscheuliche Hülle der Seele" angesehen. Während der Renaissance änderte sich alles. Der Körper war die anerkannte Form jedes vergeistigten Wesens geworden, die Schönheit des Körpers proklamierte nun die Schönheit der Seele. Die Bedeutung und der Wert des irdischen Lebens haben zugenommen. Beispiele sind die Entwicklung der Einstellungen zum Lachen, eine Änderung des Konzepts der Heiligkeit, eine Änderung der Einstellung zur posthumen Erinnerung an sich selbst. Das Mönchtum des frühen Mittelalters lehrte die christliche Gesellschaft, die irdische Welt zu vernachlässigen. Eine der Manifestationen dieser Verachtung war die Unterdrückung des Lachens, das peinlichste der Geräusche, die der Mund machen kann. In der Kultur der Renaissance wird das Lachen in den meisten seiner Erscheinungsformen legitimiert und als Prototyp himmlischer Freude angesehen.

Die Entwicklung des Konzepts der Heiligkeit war, dass es Leben war

der Heilige als solcher gewinnt an Bedeutung; aus Sicht der Kirche zweifelhafte Wundertaten der Heiligen werden nicht mehr berücksichtigt; Das Recht auf Heiligkeit wird in erster Linie durch ein tugendhaftes und frommes Leben gegeben, Manifestationen tiefer Frömmigkeit. Wunder ergänzen sich. Sie können Heiligkeit bestätigen, aber es kommt in ihnen nicht zum Ausdruck. Der Heilige erscheint traditionell in einem Wunder nicht als Autor, sondern als Vermittler; Gott bleibt der einzige Wundermacher. Das Eingreifen Gottes in die Bildung von Heiligen scheint jedoch jetzt geringer zu sein als zuvor. Der Heilige erschafft sich gewissermaßen selbst, er erscheint als "Selbstmademan".

Die Veränderungen wirken sich auch auf die Einstellung der Menschen zur posthumen Erinnerung an sich selbst aus.

Versuche, das Vergessen zu dieser Zeit zu überwinden, hatten unterschiedliche Ausdrücke. Zum Beispiel kehren sie zur Praxis der seit der Antike verlorenen Willen zurück. Das Recht auf posthume Entsorgung seiner Güter bewahrt die Verbindung zu den abgelaufenen Besitztümern des Verstorbenen. Die Zunahme der Zahl der Trauermassen zielte sowohl darauf ab, die Erinnerung an die Toten unter den Lebenden aufrechtzuerhalten als auch die Seele zu retten.

Der Glaube an die Existenz des Fegefeuers (als Ort der Reinigung von Sünden in der Zeit zwischen dem Tod und dem Jüngsten Gericht) gab vielen Menschen den Glauben, dass Seelen im Fegefeuer das Recht haben, auf die Erde zurückzukehren und lebendig zu erscheinen. Ins Fegefeuer zu kommen bedeutete also nicht, vollständig vom Leben zu sterben.

In der Renaissance werden neue Wertesysteme basierend auf geschaffen

irdische Grundlagen in der Ethik, in der Politik und in der Religion.

Seit der Antike und der Gründung des Christentums kannte der Mensch drei Versionen des christlichen Helden - einen Märtyrer, einen Mönch und einen Heiligen - als lebendiges Beispiel, um Christus nachzuahmen. Jetzt, in den XI-XIII Jahrhunderten, werden zwei neue Modelle von aristokratischen und rein säkularen Helden gebildet, obwohl diese Helden selbst christlich bleiben.

Das erste dieser Modelle verkörpert den weltlichen, weltlichen Höflichkeitskodex.

Es charakterisiert die Kunst des Lebens und präsentiert einen Kodex für gute Manieren und ideale Normen des irdischen Verhaltens. Er versucht, einem Menschen vier Prinzipien eines solchen Verhaltens beizubringen: Höflichkeit (anstelle von Unhöflichkeit und Gewalt), Mut, Liebe und spirituelle Breite, Großzügigkeit. Dieser Kodex sollte einen zivilisierten Krieger bilden und ihn in den Rahmen eines harmonischen Ganzen einfügen, das auf zwei Hauptgegensätzen beruht: Kultur - Natur und Mann - Frau. Höfische Liebe erhöht weltliche, irdische Liebe, die zusammen mit göttlicher und himmlischer Liebe existiert (und sie manchmal vernachlässigt).

Im XIII Jahrhundert. Diese einfache Höflichkeit weicht einer raffinierteren, die Makellosigkeit als ihr Ideal anerkennt. Courtoisia erscheint hier in einer gemäßigten Verkörperung und verbindet Mut mit Weisheit, Tapferkeit sofort. Gleichzeitig wurden zwei Modelle einer idealen Gesellschaft formuliert. Die erste setzt die wirkliche Schaffung der vollkommensten Gesellschaft der Erde voraus, die andere Art der Schaffung einer vollkommenen Gesellschaft ist die reine Utopie, die in der Literatur zum Ausdruck gekommen ist: Dies ist der Traum von der Rückkehr der Menschheit nicht in das christliche Paradies, sondern in das goldene Zeitalter der Antike, in dessen Zentrum die Menschheit und die irdische Welt stehen für die es keine Notwendigkeit für den Himmel gibt. Die Veränderungen betreffen auch den Bereich der Religion. Sie waren eng mit der Erneuerung der Kirche infolge der Aktivitäten der Bettlerorden verbunden. Zu dieser Zeit wurden ketzerische Lehren gebildet, die eine völlige Ablehnung der Welt, von allem Materiellen zum Wohle des Himmels behaupteten. Parallel dazu bilden sich Ansichten, in denen der Traum von einem tausendjährigen Königreich, das in der Apokalypse angekündigt wurde, und der Beginn des Goldenen Zeitalters, in dem alle Arten von Kirchen und weltlichen Hierarchien verschwinden und das Königreich der Heiligen dieser Welt beginnt, die Hauptsache ist.

Die Kunst versucht, die Bedeutung des Vergänglichen, Irdischen und der Liebe dazu auszudrücken. Die Aufmerksamkeit für das Vergängliche, Flüchtige wächst, alles Irdische bekommt eine höhere Wertschätzung. Aufgrund der Tatsache, dass eine Person den Raum neu beherrscht und es wichtige Änderungen in der Konstruktion der linearen Perspektive gibt, kommt es zu einer großen Verschiebung des Systems der künstlerischen Darstellung, das als Geburt des Realismus bezeichnet wird. Dieser Realismus repräsentiert auch eine Reihe bestimmter Regeln, eine Art Code, der desakralisiert und profan ist.

Der Glaube an die Unvermeidlichkeit des Weltuntergangs lässt nach: Die Bedrohung durch das Jüngste Gericht, die auf den Portalen der Kathedralen abgebildet ist, scheint zurückgewiesen zu werden. Die Erde imitiert nicht mehr den Himmel, sie wird Realität, der Himmel imitiert im Gegenteil die Erde. In der Nähe der Position von J. le Goff ist die Meinung von G.K. Kosikova. Seiner Meinung nach „folgt weder chronologisch noch stadial die Renaissance, um das feudale Mittelalter zu ersetzen. Im Gegenteil, es wäre richtiger, von einer großen dreihundertjährigen Periode zu sprechen, die gleichzeitig zur Geschichte des Mittelalters und zur Geschichte des New Age gehört. " Dies steht im Einklang mit der Meinung von B.F. Porshnev, nach dem die Renaissance-humanistische Kultur, verschiedene Formen des "freien Denkens" des 17. Jahrhunderts und schließlich die Aufklärung drei aufeinanderfolgende Stufen des Aufstiegs von der Weltanschauung des Mittelalters zur großen bürgerlichen Revolution vom Ende des 18. Jahrhunderts bilden. G.K. Kosikov, es gibt einen qualitativen Unterschied zwischen der Kultur der Renaissance und der Kultur des Mittelalters. Die mittelalterliche Kultur wurde institutionalisiert (das heißt, sie lag eher in der Natur einer ritualisierten Kultur), während die Renaissancekultur in geringem Umfang und hauptsächlich im humanitären Bereich institutionalisiert wurde (dh spielerischer war). Diese Kultur, die im Rahmen des Mittelalters entstanden ist und im Prinzip keineswegs gegen ihre Werte verstößt, hat dennoch die Akzente im mittelalterlichen Weltbild erheblich verschoben und bestimmte Bedingungen für ihre spätere Zerstörung geschaffen. Gleichzeitig zeigte die Renaissancekultur selbst, vor allem aufgrund ihres prinzipiellen Elitismus, in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts ihre offensichtliche Nichtlebensfähigkeit: „Sie hat sich in einem neuen sozialen Umfeld überlebt. Der Kult der Antike degenerierte zu begrenzter Pedanterie, stolzem Individualismus - zu egoistischer Unprinzipiertheit, zur Lehre der Menschenwürde - zu Anweisungen für einen vorbildlichen Höfling. "

Nach G.K. Kosikov: "Die Renaissance entstand nicht auf den Ruinen des Mittelalters, sondern im Gegenteil in einer dichten mittelalterlichen Umgebung, als die feudale Zivilisation weiterhin ein aktives Leben führte und einen Prozess komplexer Entwicklung durchlief." Hier G.K. Kosikov setzt den Gedanken von R.I.

Khlodovsky, dass die "Renaissance" eine solche Ära im Leben der mittelalterlichen Gesellschaft ist, in der eine kulturelle Bewegung namens Renaissance stattfand, die aber keineswegs auf diese Bewegung reduziert ist. L.M. Batkin, der die Kultur der Renaissance charakterisierte, begründete eine interessante, wenn auch nicht ganz unbestreitbare Vorstellung von ihrem "dialogischen Charakter": "Alles, was im Bereich seines (Renaissance-) Denkens und seiner Kreativität konkret definiert ist, ist in der Tat Nicht-Renaissance, sei es Christentum," Literatur ". Platonismus, Hermetismus, Averroismus ... Nur die Begegnung von Nicht-Renaissance-Kulturen in einem Individuum, das in Bezug auf jede von ihnen frei ist, ist eine Renaissance.

Es ist notwendig, der Tatsache der Sakralisierung der alten Kultur durch die damalige intellektuelle Elite eine grundlegende Bedeutung beizumessen; seine Vertreter dachten nicht an die Antike, sondern nach dem treffenden Ausdruck von G.K. Kosikov, "nach der Antike - nach antiken Kategorien, Bildern, Topos und nur Zitaten." Sie schienen sich von ihrer eigenen Moderne und ihrer Kultur zu distanzieren, was die ursprüngliche kulturelle Geste der herausragenden Kulturfiguren der Renaissance erklärt - eine Loslösung von der Moderne und eine symbolische "Umsiedlung" in die Antike. Dies kann die Tatsache erklären, dass Petrarch ernsthaft Briefe an Cicero und Titus Livius richtete, Fichinov eine Lampe vor der Büste von Platon verbrannte und Rabelais, der jedes Wort von Hippokrates für unfehlbar hielt, mit echtem Alarm über die Katastrophen sprach, die in der medizinischen Praxis sicherlich passieren würden, wenn Bei der Veröffentlichung der Texte des griechischen Arztes schleicht sich mindestens ein Fehler ein. Dies bedeutet, dass die klügsten Vertreter der Renaissancekultur der Antike einen intrinsischen Charakter verliehen, und wenn dies ihnen nicht immer den Grund für einen freien Dialog gab, hatte es immer einen bedingungslosen Anreiz für sie.

Das Wesen und die grundlegende Neuheit der Renaissance liegt in der Tatsache, dass sie die Antike zu einem absoluten Maß, zu einem idealen Horizont der menschlichen Kultur machte, anhand dessen die lebendige Moderne zu beurteilen war. Dies ist genau das, was die Renaissancekultur trotz der Kontinuität von der Kultur des 12.-13. Jahrhunderts unterschied, die sie bei allem Respekt vor alten Proben nie zu einem spirituellen Kulturkriterium machte. Die ursprüngliche Bewegung von der Moderne zur Antike existierte in der Renaissance nur aus Gründen der Opposition - von der Antike zur Moderne: Die Wahrnehmung der griechisch-römischen Antike als eine andere Welt, aber nicht abstoßend, aber attraktiv durch ihre "Andersartigkeit", führte zu Versuchen von Denkern der Renaissance, diese Welt in die umgebende Realität zu verlagern. nämlich: die Weisheit, die aus alten Büchern gewonnen wurde, um sie in neuen Lebensumständen zu verkörpern.

Die Renaissance-Synthese erwies sich als grandioser Versuch, den gesamten Satz kultureller Werte, die von einer anderen, wenn auch teilweise verwandten Zivilisation erzeugt wurden, auf den Boden der mittelalterlichen Zivilisation zu übertragen, um nicht nur ihre einzelnen Elemente zu "assimilieren" oder "anzupassen", sondern die spirituelle Erfahrung eines anderen direkt und direkt in die eigene einzuführen.

Merkmale der Kultur des Mittelalters und der Renaissance in Bezug auf

eine Person kann für eine Person wie folgt charakterisiert werden. Ein mittelalterliches Individuum ist durch die Erfahrung seines eigenen „Ich“ in den Kategorien einer sozialen Rolle gekennzeichnet, aber dies hebt nicht nur sein inhärentes Gefühl der „Selbstheit“ auf, sondern vor allem die freie Orientierung und Bewegung sowohl innerhalb solcher Rollen als auch innerhalb einer Rolle zu den anderen. Jede solche Rolle setzt eine höhere und eine niedrigere Grenze ihrer "Leistung" voraus, dh. das Maß der engen Auseinandersetzung mit ihm und bewusster Aktivität, die Perfektionierung der Verkörperung einer solchen Rolle. Daher das mittelalterliche Konzept der Persönlichkeit und das mittelalterliche Konzept des Individualismus, die nicht mit dem Gefühl eines Menschen für seine eigene Besonderheit und Besonderheit verbunden waren, sondern mit einem Gefühl seiner Originalität, zum Beispiel Talent, Fähigkeit, etwas zu tun, Geschicklichkeit in seiner Ausführung usw.

In der Kultur der Renaissance ist eine von Natur aus wertvolle Persönlichkeit - "umso mehr eine isolierte menschliche Persönlichkeit - nicht das Grundprinzip der Renaissance-Ästhetik". Das Persönlichkeitsverständnis der Renaissance hat einen modifizierten mittelalterlichen Charakter. Der mittelalterliche Mensch hatte ein Gefühl für seine "Selbstheit", d.h. die innere Integrität und Sammlung jedes „Ich“ an einem einzigen Punkt, was die Vorstellung von der Gleichheit der menschlichen Natur und der existenziellen Gleichheit einzelner Individuen keineswegs leugnete.

Nach A.F. Losev, der Renaissance-Mann, übernahm "göttliche Funktionen" begann in diesem Leben nach den Wertgrundlagen seines eigenen Lebens zu suchen, ohne metaphysische Unterstützung. A.F. Losev spricht von "der spontanen individualistischen Orientierung eines Menschen, der davon träumte, entscheidend von allem befreit zu werden, was objektiv bedeutsam war und der nur seine inneren Bedürfnisse und Bedürfnisse erkannte". OH. Gorfunkel analysiert die Unterschiede zwischen der Anthropologie der Renaissance und der Anthropologie des Mittelalters und weist darauf hin, dass die Anthropologie der Renaissance den Menschen nicht nur nicht von Gott und von "allem objektiv Bedeutenden" trennte, sondern ihn im Gegenteil als organischen Teil in den "perfekten und schönen Raum" einbezog. „Ein vergötterter Mann ist kein Sandkorn in einem vergötterten Raum. Er ist Ausdruck derselben großen kosmischen Kräfte, die den gesamten Weltraum durchdringen. "

Als Teil Gottes wurde der Mensch von den Denkern der Renaissance nicht als isolierte und autarke Person, sondern als Vertreter der allgemeinen Fähigkeiten der gesamten Menschheit erhöht. Die Wendung, die sie machten, bestand vielmehr nicht in der Trennung einer solchen Person von den überpersönlichen und universell bedeutenden moralischen Normen und Gesetzen, sondern in der Verlagerung der Betonung von der Idee der "Vergöttlichung" (die nur durch Gnade gegeben ist) des Menschen zu seiner "Vergöttlichung" - nicht im Sinne die Verschiebung durch die "Kreatur" ihres "Schöpfers", aber im Sinne der Betonung des "Göttlichen" in seiner Unendlichkeit kognitiv - ethische und kreative Fähigkeiten des Menschen in Bezug auf das Universum.

Das Ideal der Persönlichkeit der Renaissance ist kein Thema, das seine individuelle Einzigartigkeit schätzt, sondern eine Person, die ihren Geist individuell ausübt, um die Qualität der „Universalität“ zu erlangen, d. H. Die Renaissance-Kultur blieb vorwiegend Eigentum der intellektuellen Elite, was zur Transformation innovativer Ideen führte, die innerhalb des geschlossenen Systems zirkulierten, und in Zukunft zu ihren Verschlechterung, Reduktion auf blinde Nachahmung, übertriebene Aufmerksamkeit für das Äußere, vorhanden zum Nachteil des Inneren, wesentlich. So hat sich eine Entwicklung von einer Kultur, die intern frei und bis zu einem gewissen Grad innovativ ist, zum Verlust der existenziellen Komponente von Leben und Aktivität entwickelt, was dazu geführt hat, dass die Aufmerksamkeit auf die äußeren Formen ihrer Manifestation konzentriert wurde.

Die Besonderheit des Individualismus der Renaissance bestand in der spontanen Selbstbehauptung eines Menschen, der künstlerisch denkt und handelt und die ihn umgebende natürliche und historische Umgebung nicht inhaltlich, sondern autark kontemplativ versteht.

Zwei Elemente durchdringen die gesamte Ästhetik der Renaissance und alles

kunst. Denker und Künstler der Renaissance fühlen in sich eine unendliche Kraft und nie zuvor eine Möglichkeit für einen Menschen, in die Tiefen und Tiefen einzudringen innere Erfahrungenund künstlerische Bilder und die allmächtige Schönheit der Natur. Vor den Künstlern der Hochrenaissance hatte es noch niemand gewagt, ein so tiefer Philosoph zu sein, um die Tiefen der subtilsten Kreativität von Mensch, Natur und Gesellschaft zu erkennen. Doch selbst die größten und größten Persönlichkeiten der Renaissance haben immer eine Art Einschränkung des Menschen, eine Art von ihm und darüber hinaus sehr häufig Hilflosigkeit bei der Transformation der Natur, bei der künstlerischen Kreativität und beim religiösen Verständnis gespürt.

In der Kunst der Renaissance gibt es nicht nur Säkularisierung, Säkularisierung der Kunst, sondern auch Durchdringung, eine Mischung aus Folklore, Säkularität und Kirche.

In der Kultur der Renaissance gibt es eine Veränderung der Werte, eine der wichtigsten Komponenten des kulturellen Bewusstseins. Zu den wichtigsten Veränderungen gehört das Eingestehen von Innovationen und die Begrenzung des Bereichs der unerschütterlichen Einhaltung von "Autoritäten" im Bereich Religion, intellektuelle Aktivität und Kunst, um die Idee zu überwinden, dass die Welt bereits in die Phase ihres Niedergangs eingetreten ist. Die ontologischen Eigenschaften der Welt: Zeit und Raum erhalten ein neues Verständnis. Dies spiegelt sich in Kultur und Kunst wider. So spiegeln sich die mit dem Verständnis der Zeit verbundenen Veränderungen in der Fiktion wider, insbesondere im höfischen Roman, in dem die Zeit die Grundlage einer Geschichte bildet, die zahlreiche Episoden und unerwartete Wendungen in der Handlung enthält. In der Entstehung neuer Wertorientierungen und neuer Praktiken macht sich der Fortschritt des Schreibens als menschliche Invasion der heiligen Welt besonders bemerkbar, der geschriebene Text wird desakralisiert. Der Brief nimmt einen alltäglichen Charakter an und wird immer fließender. "Der Brief wird jetzt nicht im Namen Gottes und des Himmels geschaffen, sondern um der irdischen willen."

Die Geschichte der menschlichen Kultur kennt viele Höhen, helle Schnörkel, künstlerisch reichlich vorhandene, intellektuell reiche und fruchtbare Epochen. Und doch, europäische - hauptsächlich italienische - Renaissance XIV-XVI Jahrhunderte. wurde die Grundlage für die Entstehung einer neuen Form des kulturellen Bewusstseins. Der Begriff "Renaissance" entstand zu dieser Zeit unter den Florentiner Dichtern, Künstlern und Experten der Antike, als sich in Europa, in seinem kulturellen und sozialen Leben, bedeutende Veränderungen abzeichneten. Daher ist die durch die Renaissance vollendete Kulturrevolution natürlich für das geistige Leben Europas von besonderer Bedeutung. Aber direkt oder indirekt, unmittelbar oder einige Jahrhunderte später, beeinflusste es die Kultur und Lebensweise aller Völker der Welt, denn es war der Geist der Renaissance - individuelle Freiheit, kühnes Wissen, Bewunderung für die alte, hauptsächlich hellenistisch-römische Welt, intellektuelle Unersättlichkeit -, der es den Europäern ermöglichte, sich zu besetzen politische, kulturelle und wirtschaftliche Hegemonie auf der ganzen Welt.

So wurde in der Renaissance der Kult des göttlichen Menschen etabliert. Der menschliche Körper wird auf eine Weise erleuchtet und transformiert, die ohne den Glauben an die Auferstehung des Fleisches unmöglich war. Die Vollkommenheit des Körpers wird als Bild der geistigen Vollkommenheit verstanden, Nacktheit als Bild der Reinheit und Wahrhaftigkeit. In seiner Berufung auf die Antike fand der Humanismus Inspiration für die persönliche Suche eines Menschen nach Wahrheit und Güte. Humanisten verschiedener Epochen sahen ihre Aufgabe in der Regel darin, eine Person zu verherrlichen. Die Krise des Humanismus führt natürlich zur Idee eines Übermenschen, die wir in der Philosophie von F. Nietzsche finden. Wiederbelebung Mittelalter Renaissance

In den Perspektiven der Generationen, die der Renaissance bis zum 20. Jahrhundert folgten. Es gab keinen Platz nicht nur für außereuropäische Kunst, sondern auch für künstlerische Phänomene, die sich auf dem kulturellen Boden Europas selbst gebildet und von den Kanonen der Renaissance abgewichen waren. Alle bedeutungsvollen alten und neuen Geschichtsgeschichten mit Menschen, Kultur und vergänglichen Realitäten schlossen sich dem individuellen, sterblichen Menschen an - so war die Renaissance und so wird es für immer in der Erinnerung an Europa bleiben. Er gab ihr ein Beispiel dafür, wie eine großartige gemeinsame menschliche Schöpfung völlig andere, originelle, aber lebendige Individuen hervorbringen kann. Die Antike wurde von der Renaissance als Prakultur aufgenommen und selbst zur Prakultur für das neue Europa.