15世紀のオランダの絵画。オランダのルネッサンスアート。 -ブリュッセルスクール

VI-オランダ15世紀

ペトルスクリストゥス

ペトルスクリストゥス。キリストの降誕（1452）。ベルリン博物館。

15世紀のオランダ人の作品は、分解された作品や、一般的に私たちに届いたサンプルに尽きることはなく、かつてこの作品は生産性と高いスキルの点で素晴\u200b\u200bらしかったです。しかし、二次的なカテゴリーの素材の風景の歴史に関心のある作品はごくわずかです（そしてそれでもどれほど高品質です！）。これは私たちが自由に使えるものであり、多くの場合、メインマスターの芸術の弱められた反映にすぎません。残りは、個人的な感覚なしで、同じ計画を繰り返します。これらの絵画の中で、ペトルス・クリストゥス（1420年頃に生まれ、1472年にブルージュで亡くなった）のいくつかの作品が際立っています。後でクリストゥスと会う予定です。彼がより重要な役割を果たしている日常の絵画の歴史を研究するときです。しかし、彼がしたことはすべてややだらしなく、活気のない色合いを持っていますが、風景の中で彼は特定の注意を払う価値があります。非常に美しい風景が、ブリュッセルの「主の体に対する嘆き」の人物の後ろにのみ広がっています。典型的なフランドルの景色で、城があり、谷に木が植えられているか、区切られた丘の斜面に沿って薄いシルエットで登っています。すぐそこには小さな湖、畑の間を曲がりくねった道、くぼみの中に教会がある町があります—すべて澄んだ朝の空の下にあります。しかし、残念ながら、この絵のクリストゥスへの帰属は深刻な疑問を引き起こします。

Hugo van derGoes。フィレンツェのウフィジギャラリーにあるポルティナリ祭壇（1470年頃）の右翼の風景

ただし、ベルリン博物館のマスターの本物の絵画では、おそらく最も良い部分は正確に風景であることに注意する必要があります。子供の崇拝の風景は特に魅力的です。ここのシェーディングフレームは、まるで自然から完全にコピーされたかのように、岩の岩に取り付けられた惨めな天蓋です。この「カーテン」と神の母、ジョセフとシビルの助産師の姿の後ろに、暗い服を着て、2つの丘の斜面を囲み、その間に小さな緑の谷に若い木々の林があります。森の端で、羊飼いたちは天使が彼らの上を飛んでいるのを聞きます。道は彼らを通り過ぎて城壁に通じ、その枝は左の丘に忍び寄り、柳の列の下で農民が袋でロバを追いかけているのを見ることができます。すべてが素晴らしい世界を呼吸します。しかし、本質的に、描かれた瞬間とは何の関係もないことを認めなければなりません。私たちの前は日、春であり、「クリスマスムード」を意味する試みはありません。「フレマル」では、少なくとも全体の構成に厳粛な何かと、12月のオランダの朝を描きたいという願望が見られます。クリストゥスでは、すべてが牧歌的な優雅さで呼吸し、芸術家が主題を完全に掘り下げることができないと感じます。 15世紀半ばの他のすべての二次マスターの風景にも同じ特徴があります。あえて、メイレ、そして何十もの無名のものです。

Gertchen Sant Jans 「バプテストのジョンの遺骨の焼却」。ウィーンの博物館。

だからそれは素晴らしいです素晴らしい写真 Hugo van der Goes「ThePortinariAltar」（フィレンツェの「Uffizi」）では、オランダ人の中で最初の芸術家詩人が、劇的な行動自体の雰囲気と風景の背景との関係を決定的かつ一貫した方法で描き込もうとしています。ディジョンの絵画「フレマル」にも似たようなものがありましたが、彼は前任者のヒューゴ・ファン・デル・ゴースのこの経験をどれだけ先取りし、裕福な銀行家ポルティナリ（メディシス商務のブルージュの代表）から委託された絵画に取り組み、フィレンツェに送られる予定でした。ポルティナリ自身で、ガスは彼のお気に入りのメディチ家の芸術家、ベアト・アンジェリコ、フィリッポ・リッピ、バルドヴィネッティの絵を見た可能性があります。フィレンツェにロシアの芸術の優位性を示すという高貴な野心が彼に語った可能性もあります。残念ながら、彼の狂気と死についてのかなり詳細な（しかし不明確な）話を除いて、私たちはガスについて何も知りません。彼がどこから来たのか、彼の教師であったのか、「ポルティナリ祭壇」以外に彼が書いたものでさえ、これらすべては秘密に隠されたままです。フィレンツェでの彼の絵画の研究からさえ、一つだけ明らかになることがあります-これは彼の作品の情熱、精神性、そして活力であり、オランダ人にとっては例外的です。ハスでは、ロジャーの劇的な可塑性とヴァン・エイクの深い自然の感覚が、1つの不可分の全体に組み合わされました。これに彼の個人的な特徴が追加されました：ある種の美しい哀れなメモ、ある種の穏やかですが、決してリラックスした感傷ではありません。

そのような畏敬の念に満ちた絵画の歴史の中で、芸術家の魂、彼女の経験のすべての素晴らしい複雑さが透けて見える絵画はほとんどありません。フスが修道院のために世界を去ったことを私たちが知らなかったとしても、そこで彼はいくつかの奇妙な半世俗的な生活を送り、名誉ある客を占領し、彼らと一緒にごちそうをしました、そして彼は狂気の闇に取り憑かれていました-ある「ポルティナリ祭壇」は私たちに教えてくれますその作者の病気の魂について、神秘的なエクスタシーへの魅力について、その中で最も多様な経験の絡み合いについて。オランダの学校全体で孤独なトリプティクの灰色の冷たいトーンは、素晴らしくて深く悲しい音楽のように聞こえます。

「窓を捨てることができるコンピューターを絶対に信用しないでください。」-SteveWozniak

オランダの画家、通常はフランドルの巨匠と同一視されます-初期のオランダの絵画（いわゆる「フランドルの原始人」）の伝統の起源にある未知の芸術家。メンターロジェファンデルウェイデンとヨーロッパ絵画の最初の肖像画家の一人。

（黄金の羊毛の騎士団の儀式のベスト-聖母マリアのコープ）

カンペンは、原稿の照明に取り組んだ現代のミニチュアリストであるにもかかわらず、彼の前にいる他の画家のようなレベルのリアリズムと観察を達成することができました。それでも彼の作品は彼の若い同時代の作品よりも古風です。民主主義は日常の細部で目立ち、時には宗教的な主題の家庭的な解釈があり、それは後にオランダの絵画の特徴となるでしょう。

（インテリアの聖母子）

芸術評論家は長い間、北ルネッサンスの起源を見つけようとして、このスタイルを作った最初のマスターが誰であるかを見つけようとしてきました。ゴシックの伝統からわずかに逸脱した最初のアーティストはJanvanEyckであると長い間信じられていました。しかしに xIX後期世紀になると、ヴァン・エイクの前に別の芸術家がいたことが明らかになりました。その筆は、以前はメロード伯爵夫人が所有していた受胎告知のトリプティク（いわゆる「トリプティク・メロード」）と、いわゆるトリプティクに属しています。フランドルの祭壇。これらの作品は両方とも、当時まだアイデンティティが確立されていなかったフレマリアンのマスターの手によるものであると想定されていました。

（聖母の婚姻）

（栄光の聖母）

（Werl Altarpiece）

（壊れた体のトリニティ）

（キリストを祝福し、聖母を祈る）

（聖母の婚姻-聖ジェームズ大王と聖クレア）

（聖母子）

ゲルトゲンからシントヤンス（ライデン1460-1465- 1495年までハーレム）

ハーレムで働いていたこの早期に亡くなった芸術家は、15世紀後半の北オランダの絵画で最も重要な人物の一人です。おそらくハーレムのアルバート・ファン・オーヴァターのワークショップで勉強しました。ゲントとブルージュのアーティストの作品に精通していた。ハーレムでは、画家の見習いとして、ヨハニ人の命令の下で暮らしていました。そのため、「聖ヨハネの[修道院]から」というニックネームが付けられました（シントヤンス）。ヘルトゲンの絵画スタイルは、宗教的な主題の解釈における微妙な感情、日常生活の現象への注意、そして思慮深く詩的にインスピレーションを得た細部の精緻化によって特徴付けられます。これはすべて、その後の数世紀のオランダの現実的な絵画で発展します。

（キリスト降誕、夜）

（聖母子）

（ジェシーの木）

（GertgenからSint Jans St. Bavonへ）

初期のオランダ絵画の最も影響力のあるマスターの称号のためのヴァンエイクのライバル。アーティストは、個人の個性を理解することで創造性の目標を見ました。彼は深遠な心理学者であり、優れた肖像画家でした。中世の芸術の精神主義を維持しながら、彼は古い絵画のスキームをアクティブな人間の個性のルネッサンスの概念で満たしました。 TSBによると、彼の人生の終わりに、「彼はヴァン・エイクの世界に対する芸術的認識の普遍性を放棄し、人間の内なる世界にすべての注意を集中します」。

（聖ユベールの遺物の発見）

木彫りの家族に生まれる。アーティストの作品は神学に精通していることを証明しており、すでに1426年に「マスターロジャー」と呼ばれ、大学教育を受けたという仮定を立てることができます。彼は彫刻家として働き始め、成人期（26年後）にトルナイでロバート・カンペンと一緒に絵画を学び始めました。彼は自分のワークショップで5年間過ごしました。

（メアリーマグダレンを読む）

Rogierの創造的な形成の期間（明らかに、Louvreの「Annunciation」が属する）は、情報源によって十分に照らされていません。若い頃、いわゆる作品を作ったのは彼だったという仮説があります。フランダースのマスター（彼らの作者の可能性が高い候補は彼のメンターであるカンペンです）。学生は、聖書の場面を家庭生活の居心地の良い詳細で飽和させたいというカンピンの願望を非常に吸収しているので、1430年代初頭の彼らの作品を区別することはほとんど不可能です（両方のアーティストは彼らの作品に署名しませんでした）。

（アントンブルゴーニュの肖像）

Rogierの独立した仕事の最初の3年間は、いかなる方法でも文書化されていません。おそらく彼は彼らをヴァン・エイクと一緒にブルージュで過ごしたのだろう（彼はおそらく以前トルナイで道を渡った）。いずれにせよ、彼の有名な作曲「マドンナを描く福音伝道者ルーク」には、ヴァン・エイクの明らかな影響が染み込んでいます。

（伝道者ルーク、マドンナを描いている）

1435年、芸術家はこの都市の原住民との結婚に関連してブリュッセルに移り、本名のロジャー・デ・ラ・パスチュアをフランス語からオランダ語に翻訳しました。彼は画家の市ギルドのメンバーになり、金持ちになりました。彼はフィリップ・ザ・グッドの公爵裁判所、修道院、貴族、イタリアの商人から委託された都市画家として働いていました。彼は市役所に過去の有名な人々による司法行政の写真を描いた（フレスコ画は失われている）。

（女性の肖像）

ブリュッセル時代の初めまでに、感情の壮大な「十字架からの降下」（現在はプラドにあります）が属しています。この作品では、ロジェは絵の背景を根本的に放棄し、キャンバスの空間全体を埋め尽くす多数のキャラクターの悲劇的な体験に視聴者の注意を向けました。一部の研究者は、ケンピスのトーマスの教義に魅了されたことで、彼の作品の広がりを説明する傾向があります。

（ドナーのピエール・ド・ランシクール、アラスの司教との十字架からの降下）

粗雑なカンピンのリアリズムとヴァネイキアの原始ルネッサンスの洗練から中世の伝統へのロジェの復帰は、最後の判断のポリプティックで最も明白です。それは1443-1454年に書かれました。ニコラス・ロレン首相から、ブルゴーニュのボーヌ市に設立された病院の礼拝堂の祭壇を委託されました。ここの複雑な風景の背景の場所は、彼の前任者の世代によってテストされた黄金の輝きによってとられています。それは、聖なるイメージへの畏敬の念から視聴者をそらすことはできません。

（ボンの最後の審判の祭壇、右外翼：地獄、左外翼：楽園）

1450年のジュビリーでは、ロジェ・ファン・デル・ウェイデンがイタリアを訪れ、ローマ、フェラーラ、フィレンツェを訪れました。彼はイタリアのヒューマニストから温かく迎えられましたが（彼についてはクサンスキーのニコライの称賛に値するレビューがあります）、彼自身は主にフラアンジェリコやジェンタイルダファブリアーノのような保守的なアーティストに興味を持っていました。

（バプテストのジョンの前に）

この旅行を、ロジェが完全に習得した油絵の技法を使ってイタリア人の最初の知り合いと関連付けることは、芸術の歴史において慣習となっています。イタリア王朝のメディチ家とデステによって委託されたフレミングは、ウフィジのマドンナとフランチェスコデステの有名な肖像画を作りました。フランダースに戻ったときに彼ら。

（魔術師の崇拝）

Rogierの肖像画にはいくつかの共通の特徴があります。これは主に、ほとんどすべてがブルゴーニュの最高の貴族の代表者を描いているという事実によるものです。その外観と維持方法は、一般的な環境、教育、伝統によって刻印されています。アーティストはモデルの手（特に指）を詳細に描き、顔の特徴を洗練し、長くします。

（フランチェスコD "エステの肖像）

近年、ロジェは多くの学生に囲まれたブリュッセルのワークショップで働いていました。その中には、ハンス・メムリングのような次世代の著名な代表者がいたようです。彼らは彼の影響力をフランス、ドイツ、スペインに広げました。 15世紀の後半、北ヨーロッパでは、ロジェの表現スタイルが、カンペンとヴァンエイクのより技術的に複雑なレッスンに浸透しました。 16世紀でも、BernartOrleyからQuentinMasseisまで、多くの画家が彼の影響下にありました。世紀の終わりまでに、彼の名前は忘れられ始めました、そして、すでに19世紀に、芸術家は初期のオランダの絵画に関する特別な研究でのみ記憶されました。それを復元するクリエイティブパスワシントンの女性の肖像画を除いて、彼は彼の作品のいずれにも署名しなかったという事実によって複雑になりました。

（メアリーへの告知）

Hugo van der Goes（約1420-25、ゲント-1482、オデルゲム）

フランドルの芸術家。 AlbrechtDürerは、Jan vanEyckやRogiervan der Weydenとともに、彼を初期のオランダ絵画の最大の代表者と見なしました。

（バプテストの聖ヨハネとの祈りの人の肖像）

ジーランドのゲントまたはテルガスに生まれる。正確な生年月日は不明ですが、1451年からの法令が見つかり、亡命からの復帰が可能になりました。その結果、その時までに、彼はなんとか何か間違ったことをし、しばらくの間亡命していた。聖ギルドに参加。ルーク。 1467年に彼はギルドのマスターになり、1473-1476年に彼はゲントの学部長を務めました。彼は1475年からブリュッセル近郊のロデンダルのアウグスティヌス修道院でゲントで働いていました。 1478年に同じ場所で彼は僧侶に任命されました。彼の最後の年は精神病によって傷つけられました。しかし、彼は仕事を続け、肖像画の注文を満たしました。修道院では、彼は聖ローマ帝国マクシミリアンハプスブルクの将来の皇帝によって訪問されました。

（十字架刑）

彼は15世紀前半のオランダ絵画の芸術的伝統を続けました。芸術活動はさまざまです。発作の影響は彼の初期の作品で顕著です。

1468年にブルゴーニュ公チャールズ・ザ・ボールドとマーガレット・オブ・ヨークの結婚式の際にブルージュ市を飾るデコレーターとして参加し、後にチャールズ・ザ・ボールド市と新しいフランダース伯爵夫人が1472年に入る際にゲント市でのお祝いの装飾に参加しました。生き残った文書によると、彼は他のアーティストよりも高い報酬を受け取ったからです。残念ながら、装飾の一部であった絵画は生き残っていません。創造的な伝記には多くの曖昧さとギャップがあります。なぜなら、どの絵画も芸術家によって日付が付けられたり、彼によって署名されたりしていないからです。

（ベネディクトモンク）

最も有名な作品は、大きな祭壇画「羊飼いの崇拝」、または「ポルティナリの祭壇」です。ブルージュのメディチ銀行の代表であるトムマソ・ポルティナリから委託された1475年は、フィレンツェの画家、ドメニコ・ギルランダイオ、レオナルド・ダ・ヴィンチなどに深い影響を与えました。

（ポルティナリの祭壇）

Jan Provost（1465-1529）

マスタープロヴォストは、アントワープ市庁舎に保管されている1493年の文書に記載されています。そして1494年にマスターはブルージュに移りました。また、1498年に彼がフランスの画家でミニチュアリストのサイモン・マーミオンの未亡人と結婚したことも知っています。

（聖カトリーヌの殉教）

Provostが誰と一緒に勉強したかはわかりませんが、彼の芸術は、初期のオランダのルネッサンスのGerardDavidとQuentinMasseyの最後の古典の影響を受けて明らかに発展しました。そして、デイビッドが状況と人間の経験のドラマを通して宗教的な考えを表現しようと努力した場合、クエンティン・マッセイズで私たちは何か他のものを見つけるでしょう-理想的で調和のとれたイメージへの渇望。まず第一に、マシスがイタリアへの旅行中に出会ったレオナルド・ダ・ヴィンチの影響がここに影響を及ぼしました。

Provostの絵画では、G。DavidとC.Masseisの伝統が1つにまとめられています。州立庵のコレクションには、プロヴォストのマリア・イン・グローリーの作品があり、オイルペイントの技法を使用して木の板に書かれています。

（栄光の聖母マリア）

この巨大な絵は、雲の中の三日月に立っている、金色の輝きに囲まれた聖母マリアを描いています。彼女の腕の中にはキリストの子供がいます。父なる神、聖。鳩と4人の天使の形をした精神。以下は、ハープを手にしたひざまずく王デイビッドと、王冠とセプターを持った皇帝アウグストゥスです。それらに加えて、絵はシビル（古代の神話の特徴、未来を予測し、夢を解釈する）と預言者を描いています。シビルの一人は、「処女の懐は国々の救いになる」と書かれた巻物を持っています。

絵の奥には、都会の建物や港があり、繊細さと詩が印象的な風景を見ることができます。この複雑で神学的に複雑なプロットはすべて、オランダの芸術にとって伝統的なものでした。古代の人物の存在でさえ、古代の古典を宗教的に正当化するための一種の試みとして認識され、誰も驚かなかった。私たちにとって難しいと思われるのは、アーティストの同時代の人々に簡単に認識され、彼の絵画の一種のアルファベットでした。

しかし、プロヴォストはこの宗教的な陰謀をマスターする道に一定の一歩を踏み出しました。彼はすべてのキャラクターを1つのスペースにまとめています。彼は1つのシーンで、地上（ダビデ王、アウグストゥス皇帝、シビルと預言者）と天（メアリーと天使）を組み合わせています。伝統的に、彼は風景の背景に対してこれらすべてを描写し、それは起こっていることの現実の印象をさらに高めます。プロヴォストはその行動を彼の現代の生活に熱心に翻訳します。デビッドとアウグストゥスの図では、絵のクライアントである裕福なオランダ人を簡単に推測できます。顔がほぼ肖像画である古代のシビルは、当時の裕福な町民に鮮やかに似ています。壮大な風景でさえ、そのすべての素晴らしさのために、深く現実的です。彼は、いわば、フランダースの性質を統合し、それを理想化しています。

プロヴォストの絵画のほとんどは宗教的な性質のものです。残念ながら、彼の作品の大部分は生き残っておらず、彼の作品の全体像を再現することはほとんど不可能です。しかし、同時代の人々の証言によれば、プロヴォストがチャールズ王のブルージュへの儀式的な入場の設計に参加したことを私たちは知っています。これは、マスターの名声と大きなメリットについて語っています。

（聖母子）

Provostがオランダをしばらく旅行したDürerによると、入り口は素晴らしい素晴らしさで装飾されていました。街の門から王様が滞在していた家まで、柱にはアーケードが飾られ、花輪、王冠、トロフィー、碑文、松明がいたるところにありました。「皇帝の才能」のライブペインティングや寓話的な描写もたくさんありました。
Provostはデザインに大きな役割を果たしました。 Jan Provostが代表的な代表であった16世紀のオランダの芸術は、B.R。Vipperの言葉を借りれば、「優れた巨匠の作品ほどではなく、高く多様な作品の証拠として魅了された作品を生み出しました。芸術文化».

（クリスチャン寓話）

Jerun Antonison van Acken（Hieronymus Bosch）（1450-1516年頃）

北ルネッサンスの最も偉大な巨匠の一人であるオランダの芸術家は、西洋美術の歴史の中で最も謎めいた画家の一人と見なされています。ボッシュの故郷である 's-Hertogenboschに、ボッシュの作品のコピーを展示するクリエイティブセンターが開設されました。

Jan Mandijn（1500/1502、ハーレム-1559/1560、アントワープ）

ルネッサンスとノーザンマネリズムのオランダ人アーティスト。

Jan Mundaneは、アントワープのアーティストのグループに属しています。HieronymusBosch（Peter Hayes、Herri meth de Bles、Jan Wellens de Kokk）のフォロワーは、イタリア語ではなく、幻想的なイメージの伝統を継承し、いわゆるノーザンマネリズムの基礎を築きました。イアン・ムンダンの作品は、彼の悪魔と悪霊と共に、神秘の遺産に最も近いものです。

（聖クリストファー。（州立エルミタージュ、サンクトペテルブルク））

「聖の誘惑」を除いて、マンダインに起因する絵画の作者。アンソニー」は、確かに確立されていません。 Mundaneは文盲であり、したがって彼の誘惑にゴシックの署名を残すことができなかったと考えられています。アート批評家は、彼が完成したサンプルから署名を単にコピーしたことを示唆しています。

1530年頃、ムンダンがアントワープのマスターになり、彼の生徒はギリス・モスタートとバルトロメウス・スプランジャーであったことが知られています。

Martin van Heemskerk（本名Martin Jacobson van Ven）

マーティン・ヴァン・ヴェンは北ホランドで農民の家族に生まれました。父親の意志に反して、ハーレムに行き、アーティストのコーネリスウィレムスを研究し、1527年にヤンヴァンスコアルに学生として渡されました。現在、芸術評論家は、スコアルやヘムスケルクによる個々の絵画の正確な帰属を常に判断できるとは限りません。 1532年から1536年の間、アーティストは彼の作品が非常に人気のあるローマに住み、仕事をしています。イタリアでは、vanHeemskerkが彼の絵画を芸術的なスタイルマナー主義。
オランダに戻った後、彼は教会から祭壇の塗装とステンドグラスの窓と壁のタペストリーの作成の両方について多くの命令を受けました。聖ルカギルドの主要メンバーの一人でした。 1550年から1574年に亡くなるまで、マーティン・ファン・ヘムスケルクはハーレムの聖バボ教会で教会長を務めました。他の作品の中でも、ヴァン・ヘムスケルクは彼の一連の絵画「世界の七不思議」で知られています。

（Anna Codde 1529の肖像）

（聖ルカが聖母子1532を描く）

（悲しみの男1532）

（金持ちの不幸な多く1560）

（Colosseum1553を使用したローマの自画像）

Joachim Patinir（1475/1480、ナミュール州のディナン、ワロニア、ベルギー-1524年10月5日、アントワープ、ベルギー）

ヨーロッパの風景画の創始者の一人であるフランドルの画家。彼はアントワープで働いていました。彼は自然を宗教的な主題に関する作曲のイメージの主要な構成要素にしました。そこでは、ヴァン・エイク兄弟、ジェラルド・デビッドとボッシュの伝統に従って、彼は雄大なパノラマ空間を作りました。

彼はQuentinMasseysと協力しました。おそらく、現在パティニールやマッセイに帰属している作品の多くは、実際には彼らの共同作品です。

（パヴィアの戦い）

（聖カタリナの奇跡）

（エジプトへの飛行のある風景）

Herri meth de Bles（1500/1510、Bouvigne-sur-Meuse-1555年頃）

フランドルの芸術家は、ヨアヒム・パティニールとともに、ヨーロッパの風景画の創始者の一人です。

アーティストの人生については、ほとんど何もわかっていません。特に、彼の名前は不明です。「methdeBles」（「白い斑点がある」）と呼ばれる彼は、おそらく髪に白い錠をかけていました。彼はまた、イタリアのニックネーム「Civetta」（イタリア語：Civetta）-「フクロウ」-を付けました。彼の絵の署名として使用した彼のモノグラムは、フクロウの小さな置物だったからです。

（エジプトへの飛行シーンのある風景）

Herri meth de Blesは、キャリアのほとんどをアントワープで過ごしました。彼はヨアヒム・パティニールの甥であり、アーティストの本名はヘリー・デ・パティニール（オランダ語、ヘリー・デ・パティニール）であったと推測されます。いずれにせよ、1535年に特定のGerry dePatinirがSaintLukeのAntwerpギルドに加わりました。 Herri meth de Blesは、南オランダのアーティストのグループにもランクされています。HieronymusBoschのフォロワー、Jan Mundane、Jan Wellens de Kock、PeterGaysです。これらの巨匠はボッシュの幻想的な絵画の伝統を引き継ぎ、彼らの作品は（イタリアのマネリズムとは対照的に）「北のマネリズム」と呼ばれることもあります。いくつかの情報源によると、アーティストはアントワープで、他の情報筋によると、フェラーラのデュークデルエステの宮廷で亡くなりました。彼がイタリアを訪れたことがあるかどうか、彼の死の年も事実自体も知られていない。
Herri meth de Blesは主に風景を描き、パティニラをモデルにして、複数の人物の構図も描いています。風景は注意深く雰囲気を伝えます。彼にとって典型的なのは、パティニラと同様に、岩の様式化されたイメージです。

Lucas van Leiden（Luke Leiden、Lucas Huygens）（Leiden 1494-Leiden、1533）

CornelisEngelbrektsで絵画を学びました。彼は非常に早く彫刻の芸術を習得し、ライデンとミデルブルグで働きました。 1522年に彼はアントワープの聖ルカのギルドに加わり、その後ライデンに戻り、1533年に亡くなりました。

（黄金の子牛の周りで踊るトリプティク。1525-1535。Rijksmuseum）

ジャンルシーンでは、彼は現実の鋭くリアルな描写に向けて大胆な一歩を踏み出しました。
彼のスキルでは、ルーク・ライデンはデュラーに劣っていません。彼は、光と空気の視点の法則の理解を示した最初のオランダのグラフィックアーティストの一人でした。しかし、彼は作曲と技術の問題にかなり興味を持っていましたが、伝統の忠実さや宗教的なテーマのシーンの感情的な音には興味がありませんでした。 1521年にアントワープで、彼はアルブレヒト・デュラーに会いました。偉大なドイツの巨匠の作品の影響は、より厳格なモデリングとより表現力豊かな人物の解釈に現れましたが、ルカ・レイデンスキーは、彼のスタイルにのみ固有の特徴を失うことはありませんでした。 1520年代後半、イタリアの彫刻家マルカントニオ・ライモンディの影響が彼の作品に現れました。ルーク・ライデンの版画のほとんどすべてが最初の「L」で署名されており、有名なキリストの受難シリーズ（1521）を含め、彼の作品の約半分は日付が付けられています。彼の木版画の約12が生き残っており、そのほとんどは旧約聖書の場面の描写です。ルーク・ライデンによる少数の生き残った絵画の中で、最も有名なものの1つは、最後の判断のトリプティク（1526）です。

（チャールズV、ウォルズリー枢機卿、オーストリアのマーガレット）

Joos van Cleve（生年月日は不明、おそらくWesel-1540-41、Antwerp）

Jos van Cleveの最初の言及は、彼がSt.LukeのAntwerpギルドに入院した1511年にさかのぼります。それ以前は、Jos vanCleveがBartholomeusBrain theElderと一緒にJanJust vanKalkarに師事しました。彼は当時最も活発なアーティストの一人と見なされています。彼のフランス滞在は、彼の絵画とフランシス1世の宮廷での芸術家の地位によって証明されています。ジョスのイタリアへの旅行を裏付ける事実があります。
Jos van Cleveの主な作品は、以前は未知の芸術家であるメアリーの生命のマスターに帰された、聖母の休眠（現在はケルンとミュンヘン）を描いた2つの祭壇です。

（マギの崇拝。16世紀の1/3。アートギャラリー。ドレスデン）

Jos vanCleveは小説家として分類されています。ボリュームのソフトモデリングのテクニックで、彼はレオナルドダヴィンチのスフマトの影響のエコーを感じます。それにもかかわらず、彼の仕事の多くの本質的な側面において、彼はオランダの伝統と密接に関連しています。

Old Pinakothekの「Dormitionofthe Virgin」は、かつて聖母マリアのケルン教会にあり、いくつかの裕福な関連するケルン家の代表者から依頼を受けました。祭壇には、顧客の常連客の聖人を描いた2つのサイドパネルがあります。中央のフラップが最も重要です。ヴァンマンダーはこのアーティストについて次のように書いています。「彼は当時最高のカラーリストでした。彼は自分の作品に非常に美しいレリーフを伝える方法を知っていました。ボディペイントを1つだけ使用して、体の色を自然に非常に近づけました。彼の作品は芸術愛好家に高く評価され、彼らはそれにふさわしいものでした。」

Jos vanCleveの息子Cornelisもアーティストになりました。

北ルネッサンスのフランドルの画家。彼はイタリア半島への訪問を始めたバーナード・ファン・オルリーに絵を学びました。（Coxcieは、アーティスト専用の通りのMechelenのように、Coxieによって書かれることもあります）。 1532年にローマで、彼はアニマとジョルジオヴァザーリによってサンタマリアデッレ教会のエンケンヴォワール枢機卿の礼拝堂を描きました。彼の仕事はイタリアの方法で行われます。彼らのスキルの好例。

オランダに戻ると、コクシーはこの芸術分野での彼の実践を大きく発展させました。コクシーはメシェレンに戻り、聖ルカギルドの礼拝堂で祭壇画をデザインしました。この祭壇の中央には、聖母を描いた芸術家の守護聖人である聖ルカ福音伝道者が表され、側面には聖ヴィートの殉教とパトモスの聖ヨハネ福音伝道者のビジョンのシーンがあります。彼はローマ皇帝チャールズVに愛用されました。彼の傑作1587年-1588年メシェレンの大聖堂、ブリュッセルの大聖堂、ブリュッセルとアントワープの美術館に保管されています。彼はフランドルのラファエルとして知られていました。彼は階段から落ちた後、1592年3月5日にメシェレンで亡くなりました。

（デンマークのクリスティーナ）

（アベルの殺害）

Marinus van Reimersvale（c。1490、Reimersvale-1567年以降）

マリヌスの父はアントワープアーティストギルドのメンバーでした。マリヌスはクエンティン・マッセイスの学生と見なされているか、少なくとも彼の仕事に影響を受けていました。しかし、ヴァン・ライマースウェールは絵を描くだけではありませんでした。生まれ故郷のライマースヴァルを去った後、彼はミデルブルグに移り、そこで教会の強盗に参加し、罰せられて街から追放されました。

マリヌス・ファン・ライマースウェールは、彼の聖のイメージのおかげで絵画の歴史に残りました。ジェロームと、アーティストが丁寧に描いた精巧な服を着た銀行家、占い師、徴税人の肖像画。そのような肖像画は、貪欲の化身として当時非常に人気がありました。

南オランダの画家兼グラフィックアーティスト、この名前を冠したアーティストの中で最も有名で重要なアーティスト。風景とジャンルのシーンのマスター。アーティストのPieterBrueghel the Younger（地獄）とJan Brueghel the Elder（パラダイス）の父。

西ヨーロッパの他の州と同様に、1447年までブルゴーニュ、次にハプスブルクによって統治されていたオランダでのルネッサンスの姿勢の出現は、生産と貿易の発展、都市の成長とハンバーガーの形成に関連しています。同時に、この国では確執の伝統が依然として強いため、オランダの芸術の新しいものはイタリアの芸術よりもはるかにゆっくりと導入されました。

北ルネッサンスのオランダ絵画には、ゴシック様式の特徴が古くから存在していました。オランダ人の生活において、宗教はイタリア人よりもはるかに大きな役割を果たしました。オランダの巨匠の作品に登場する男は、芸術家のように宇宙の中心にはなりませんでした。イタリアのルネッサンス..。 XV世紀のほぼ全体の間に。オランダの絵の中の人々は、ゴシック様式で軽くて空気のように描かれていました。オランダの絵画の登場人物は常に服を着ており、官能性に欠けていますが、荘厳で英雄的なものは何もありません。ルネッサンスのイタリアの巨匠が記念碑的なフレスコ画を描いた場合、オランダの視聴者は小さなイーゼルの絵を賞賛することを好みました。これらの作品の作者は、キャンバスの細部に至るまで非常に注意深く取り組んだため、これらの作品は聴衆にとって興味深く、非常に魅力的なものになりました。

XV世紀に。オランダでは、ミニチュアの芸術は発展し続けましたが、すでに1420年代初頭に。最初の絵が登場します。その作者は、ヤン・ファン・エイクと、オランダの芸術学校の創設者となった彼の亡くなった兄のヒューバート・ファン・エイクでした。

Jan van Eyck

オランダのルネッサンス絵画学校の最も著名な代表者の1人であるヤンファンエイクの正確な生年月日を確定することはできませんでした。 vanEyckが1390年から1400年の間に生まれたという提案だけがあります。 1422年から1428年の間に、若い画家はババリアのオランダジョン伯爵の命令を実行します。彼はハーグの城の壁を描きます。

1427年から1429年まで、ヴァンエイクはイベリア半島を旅しました。 1428年、ババリアのジョンの死後、アーティストはブルゴーニュ公フィリップ・ザ・グッドの奉仕に加わりました。後者は、マスターペインターの才能を評価するだけでなく、彼の外交的才能を明らかにすることができました。 VanEyckはすぐにスペインにいることに気づきます。彼の訪問の目的は、結婚式を手配し、花嫁の肖像画を描くためにブルゴーニュ公から与えられた任務でした。同時に外交官の役割を果たしている芸術家は、彼に割り当てられた任務に見事に対処し、割り当てを果たしました。しばらくして、花嫁の肖像画の準備が整いました。残念ながら、有名な画家のこの作品は生き残っていません。

1428年から1429年まで、vanEyckはポルトガルにいました。

ヴァンエイクの最も重要な作品は、ヒューバート兄弟と共同で実行された、ブルージュの聖バボ教会の祭壇の絵でした。彼女の顧客はゲント出身の金持ち、JodokusVeidtでした。後にゲントと呼ばれる、有名なマスターによって描かれた祭壇は、困難な運命をたどります。宗教戦争の間、16世紀に、それを破壊から救うために、それは分解されて隠されました。いくつかの断片は、オランダから世界の他の国に持ち出されました。そして、20世紀になってようやく彼らは故郷に戻り、そこで集められました。祭壇は再び聖バボ教会で飾られました。ただし、作業のすべての部分が保存されたわけではありません。したがって、1934年に盗まれたオリジナルの断片の1つは、適切なコピーに置き換えられました。

ゲント祭壇画の一般的な構成は25枚の絵画で構成されており、その主人公は250人以上のキャラクターです。祭壇の扉の外側の下部には、顧客のJodocusVeidtと彼の妻のIsabellaBorlutの画像があります。バプテストのジョンと神学者のジョンの姿もここにあります。真ん中の列では、よく知られている聖書の物語の場面が展開されています。大天使ガブリエルは、聖なる処女メアリーにキリストの差し迫った誕生の良い知らせをもたらします。構成は、作者が使用した色の統一性によって区別されます。すべての絵画は、パステルグレーがかった色調でデザインされています。

この絵の際立った特徴は、アーティストが聖書の登場人物を日常の現実で囲んでいることです。ですから、メアリーの部屋の窓からは、ベツレヘムとはまったく異なる街を見ることができます。これはゲントで、その通りの1つで、画家の巨匠の同時代人が金持ちのヴェイドの家を簡単に認識できました。メアリーを取り巻く家庭用品は、ここで象徴的な意味で満たされているだけでなく（洗面台とタオルはメアリーの純粋さの象徴としてここに表示され、窓の3つのサッシは永遠の三位一体の象徴です）、起こっていることを現実に近づけるようにも設計されています。

宗教的な休暇の間、祭壇の扉が開かれ、15世紀の人が理解した世界の構造を伝える素晴らしい写真が視聴者に提示されます。ですから、最上層には聖三位一体の像があります。金で刺繍された教皇のローブに描かれた父なる神は、その足元に王冠があります。列の中央にあるイエス・キリストの象徴は鳩であり、聖霊を象徴しています。神の母とバプテストのヨハネの顔が彼らに向けられます。三位一体への賛美の歌は天使によって歌われます。ヴァンエイクでは、彼らは豪華に装飾された服を着た若い男性によって連れ出されました。この列は、人類の祖先であるアダムとイブの人物によって閉じられています。

写真の上段には広い緑の牧草地があり、そこに沿って聖人、預言者、使徒、兵士、庵、巡礼者が犠牲の子羊に向かって行進します。一部の文字は実在の人物を表しています。その中には、アーティスト自身、弟のヒューバート、ブルゴーニュ公フィリップ・ザ・グッドがいます。風景もここで面白いです。すべての木と小さな植物は、マスターによって並外れた精度で描かれました。アーティストが植物学の知識を視聴者に披露することに決めたような気がします。

構図の背景には、キリスト教を象徴する天国のエルサレムが描かれています。しかし、ここでは、マスターが素晴らしい街の建築構造とヴァンエイクの時代に存在した実際の建物との類似性を伝えることがより重要です。

作曲の一般的なテーマは、人間の世界秩序の調和の美化のように聞こえます。科学者たちは、有名な芸術家のこの作品の可能な文学的な情報源は、ジャコポ・ダ・ヴァラジンによる「ジョン・クリソストムの啓示」または「黄金の伝説」のいずれかであったと示唆しています。

van Eyckの作品のテーマが何であれ、アーティストの主な目的は、現実の世界をキャンバスに移すように、すべての機能を伝えながら、可能な限り正確かつ客観的に表示することです。芸術的描写の新しい技術の形成において主要なものであることが判明したのはこの原則でした。それは、アーティストの肖像画作品に特にはっきりと現れました。

1431年、教皇の合衆国であるニコロ・アルベルガティ枢機卿がブルゴーニュに到着しました。同時に、Jan vanEyckは枢機卿の肖像画のスケッチを作成しました。作業の過程で、図面に修正と追加が行われました。ここのマスターはディスプレイについてもっと心配していなかったことに注意する必要があります内なる体験人、そしておそらく彼の外見、個々の特徴と顔のライン、姿、姿勢と顔の表情のより正確な伝達。

後にオイルペイントで描かれたアルベルガティ枢機卿の肖像画では、画像の強調は、人の外見の詳細から内面の世界を反映することへとシフトしています。現在、画像の開示で支配的なのは、感情、経験、思考が反映されているキャラクターの目、人間の魂の鏡です。

ヴァン・エイクの芸術的手法がどのように発展しているかは、彼の以前の作品を、1432年に描かれた有名な肖像画「ティモフィー」と比較することで見ることができます。優しい性格の陰気な男が視聴者の前に現れます。彼の視線は空虚に固定されています。しかし、ヴァン・エイクのヒーローをオープンで、謙虚で、敬虔で、誠実で、親切な人として特徴づけるのは、まさにこの外観です。

アーティストの才能は静的であってはなりません。マスターは常に、人の内面を含む世界を表現し描写するための新しい解決策と方法を模索している必要があります。それがヴァン・エイクでした。彼の作品の開発の次の段階は、「赤いターバンの男」（1433）と呼ばれる肖像画の作品によって特徴づけられました。絵画「ティモフィー」のキャラクターとは対照的に、このキャンバスの主人公はより表現力豊かな外観に恵まれています。彼の目は視聴者に向けられています。見知らぬ人が悲しい話をしているようです。彼の視線は非常に具体的な感情を表しています：何が起こったかに対する苦味と後悔。

「ティモフィー」と「赤いターバンの男」は、マスターが以前に作成した作品とは大きく異なります。これらは、主人公の心理的な肖像画を表しています。同時に、アーティストは特定の人の精神的な世界にはあまり興味がなく、現実に対する彼の態度には興味がありません。それで、ティモフィーは世界を思慮深く見て、ターバンの男はそれを敵対的なものとして認識します。しかし、長い間人を描くというこの原則
ルネッサンスアートの枠組みの中で時間は存在できませんでした。主なアイデアは、画像の個々の特徴を明確に定義し、その内面を示すことでした。この考えは、ヴァン・エイクのその後の作品で支配的になります。

Jan van Eyck 赤いターバンに身を包んだ男の肖像。 1433グラム。

1434年に、アーティストは彼の最も多くの1つを描きます有名な作品 -「アルノルフィーニ夫婦の肖像」は、美術史家によると、ブルージュのメディチ家の代表であるルッカの商人、ジョヴァンニ・アルノルフィーニと妻のジョヴァンナを描いています。

作曲の背景には小さな丸い鏡があり、その上の碑文には、式典の目撃者の一人が芸術家自身、ヤン・ファン・エイクであったことが書かれています。

アーティストが作成した画像は非常に表現力豊かです。それらの重要性は、事実のために明るく強調されています
作者が彼のキャラクターを一見したところ最も普通の設定に置いていること。ここでは、キャラクターを取り巻くオブジェクトを通してイメージの本質と意味が強調され、秘密の意味が与えられています。だから、窓辺に散らばったリンゴとテーブルは天国の至福を象徴し、壁のクリスタルロザリーは敬虔さの具現化であり、ブラシは純粋さの象徴であり、2組の靴は結婚の忠実さの象徴であり、美しいシャンデリアの火のともったろうそくは結婚式の聖餐を覆い隠す神の象徴です。忠誠心と愛のアイデアは、所有者の足元に立っている小さな犬によっても示唆されています。夫婦の忠実さ、幸福、長寿のこれらすべてのシンボルは、配偶者を結びつける暖かさと精神的な親密さ、愛と優しさの感覚を生み出します。

特に興味深いのは、1435年に作成されたヴァン・エイクのロレン首相のマドンナの絵です。この作品は、サイズが小さく（0.66×0.62 m）、空間のスケールの印象を与えます。アーチ型の丸天井を通して、アーティストが遠くに見える都市の建物、川、山のある風景を見る人に見せているという事実のために、そのような感覚が写真に作成されています。

van Eyckの場合と同様に、キャラクター、インテリア、風景はここでは全体的な統一を構成していませんが、キャラクターを取り巻く設定（この場合は風景）は、キャラクターを明らかにする上で重要な役割を果たします。首相の姿の反対側にある住宅のある風景は世俗的な始まりであり、メアリーの後ろにある教会のある風景はキリスト教の象徴です。広い川の2つの土手は、歩行者と騎手が歩く橋で接続されています。精神的原則と世俗的原則の和解の象徴は、メアリーの膝の上に座って首相を祝福する赤ん坊のキリストです。

ヴァンエイクの創作法の形成期を終えた作品は、1436年に創作された祭壇作曲「キヤノンヴァンデルパレのマドンナ」とされ、その記念碑性がイメージの特徴となっています。ヒーローの姿が写真の全空間を埋め尽くし、風景やインテリアの余地はほとんどありません。また、「キヤノン・ファン・デル・パレのマドンナ」では、主人公はマドンナではなく、絵の顧客自身です。メアリーとセントが彼にとってです。 Donatusは、組み立てられたStにポインティングジェスチャを提示します。ジョージ。

ここでも主人公の描き方が変わってきています。

これはもはや、世界に対する彼の態度を表現する単純な熟考者ではありません。視聴者は、自分自身に引きこもり、非常に重要なことを深く考えている人を目にします。そのようなイメージは、その後のオランダの芸術の主要なものになるでしょう。

後の作品で、ヴァン・エイクはさらに具体的なイメージを開発しています。この一例は、「ヤン・ヴァン・レーウの肖像」（1436）の絵です。肖像画の人は私たちに開かれています。彼の視線は、主人公のすべての感情を簡単に認識できる視聴者に固定されています。人は彼の目を見るだけです。

マスターの作品の頂点は、1439年に描かれた最後の作品で、妻のマルグリット・ファン・エイクの肖像画です。ここでは、ヒロインの微妙な外観の背後に、彼女のキャラクターがはっきりと見えています。 VanEyckのイメージはこれほど客観的ではありませんでした。使用されている絵の具は、アーティストにとっても珍しいものです。赤紫の服の生地、端の煙のような毛皮、ヒロインのピンクの肌と彼女の薄い唇。

Jan van Eyckは、1441年7月9日にブルージュで亡くなりました。その後の多くの巨匠に影響を与えた彼の作品は、オランダ絵画の形成と発展の始まりを示しました。

ヴァンエイク兄弟の同時代人は、装飾作品や絵画作品の著者であり、有名な芸術家ロジェファンデルウェイデンを含む多くの画家の教師であるロバートカンペンでした。

カンペンの祭壇の構図と肖像画は、信憑性への欲求によって区別され、マスターはすべてのオブジェクトを実際のように見せようとします。

15世紀最大のオランダ人アーティスト。劇的な祭壇のシーン（1435年以降の十字架からの降下）と表現力豊かでソウルフルな肖像画（フランチェスコデステの肖像画、1450年;若い女性の肖像画、1455年）を描いたロジェファンデルウェイデンがいました。 Rogier van der Weydenは、オランダで最初の主要なワークショップを開き、多くの有名なルネッサンスアーティストが学びました。画家は故郷だけでなくイタリアでも広く知られていました。

15世紀の後半に。オランダでは、オランダの絵画の開発に多大な貢献をしたJos van Wassenhove、有名なPortinari祭壇の作者であるJan Memlingの作者である、非常に才能のあるHugo van der Goesなどのアーティストが働いていました。その作品には、イタリアのルネッサンスの特徴が現れています。構成構造の明確さ（「マドンナとチャイルド、エンジェルとドナー」）。

15世紀の終わりに北ルネッサンスの最も明るいマスターの一人。 HieronymusBoschでした。

Hieronymus Bosch（Hieronymus van Aken）

後にボッシュと呼ばれるヒエロニムス・ファン・アケンは、1450年から1460年の間に生まれました。 Hertogenboschで。アーティストは彼の父、2人の叔父と1人の兄弟でした。彼らは初心者の画家の最初の教師になりました。

ボッシュの作品は、人々を描写する際のグロテスクで苛性の皮肉によって区別されます。これらの傾向は、アーティストの初期の作品ですでに明らかです。たとえば、農民の頭にヒーラーが行う簡単な操作を描いた「愚かさの石を取り除く」の絵では、画家は聖職者、不誠実さ、聖職者のふりを嘲笑します。農民の視線は視聴者に固定され、外部の観察者から起こっていることの共犯者に変身します。

ボッシュの作品のいくつかは、民話とキリスト教の伝説。彼のキャンバス「TheShipof Fools」、「The TemptationofSt。アンソニー」、「地上の喜びの庭」、「魔術師の崇拝」、「キリストの嘲笑」。これらの作品のプロットは、15〜16世紀のフランダースの芸術の特徴です。しかし、ここに描かれている人々や幻想的な動物のグロテスクな姿、画家によって提示された珍しい建築構造は、ボッシュのキャンバスを他の巨匠の作品と区別しています。同時に、これらの作品は、当時オランダの美術では異質であったリアリズムの特徴をはっきりと示しています。正確なストロークで、マスターは視聴者に起こっていることの現実と信頼性を信じさせます。

宗教的なテーマに捧げられたキャンバスでは、イエスはほとんどの場合、悪意を持って曖昧に笑っている人々に囲まれていることに気づきます。同じ画像が「CarryingtheCross」の絵にも表されており、その色は淡い色と冷たい色で構成されています。キリストの姿は、少し暖かい色で描かれた単調な人々の集団から際立っています。しかし、これが彼を他の人と区別する唯一のことです。すべてのヒーローの顔は同じ表情をしています。聖の明るい顔でさえ。ベロニカはヒロインを他のキャラクターとほとんど区別していません。さらに、彼女の頭飾りの明るく有毒な青と黄色の色の組み合わせは、曖昧さの感覚を高めます。

ボッシュの作品で特に興味深いのは、「ヘイスタック」と呼ばれる祭壇の構成です。人間の生活の寓話的な絵が視聴者の前に展開します。人々はカートに乗ります。天使と悪魔の間にいて、キスをするすべての人の全景を眺め、楽しんで、楽器を演奏し、歌を歌います。法王と皇帝が馬車を追いかけ、庶民の人々が列を閉じます。後者は、人生のお祝いの参加者になりたいと思って、前に走り、トロリーの車輪の下に落ちて、人間の喜びと喜びの味を理解する時間がないまま、容赦なく押しつぶされます。全体的な構図は、小さなイエスが雲の上に座って、祈りを込めて手を空に上げて戴冠しています。起こっていることのリアリズムの印象は、具体性と信憑性によって区別される風景の助けを借りて作成されます。

ヒエロニムスボッシュ。キリストの嘲笑

ボッシュはいつも彼の絵に素晴らしい要素を取り入れています。それらは主なものであり、アーティストの意図を明らかにします。これらは、翼の代わりに帆を持って空を舞う鳥です。ヒレの代わりに馬のフーブを持った魚。木の切り株から生まれた人々。尾のある頭と他の多くの幻想的なイメージ。そして、それらのすべては、ボッシュでは異常に移動します。どんなに小さな生き物でもエネルギーに恵まれ、どこかに向けられます。

ボッシュの絵を見ると、マスターがこの世界の基本的で陰鬱で恥ずべきものすべてを見せることを決心したという印象を受けます。これらのキャンバスにはユーモアの場所はありません。それは有毒な嘲笑、皮肉に置き換えられ、人間の世界秩序のすべての欠点を明るく強調しています。

アーティストの作品の後期に属する作品では、ダイナミクスがやや弱くなっています。ただし、表現された空間の同じ無限大と画像のマルチフィギュアの性質は残ります。これが、「ジョン・オン・パトモス」という名前が付けられたキャンバスを特徴づける方法です。特に興味深いのは、その裏側にマスターが素晴らしい印象的な風景を配置したという事実です。アーティストは驚くべきことに、ここで空気の透明度、川岸の曲がり角、そして高い空の淡いブルーの色を正確に伝えることができました。しかし、明るい色と輪郭の正確な線は、作品に緊張した、ほとんど悲劇的な性格を与えます。

ボッシュの作品の主な特徴は、人とその世界に焦点を当てること、人々の生活を客観的に表現したいという願望、彼らの感情、考え、欲望です。これは、人間の罪が装飾なしで示される「喜びの庭」と呼ばれる祭壇の構成に最も完全に反映されています。仕事は非常にダイナミックです。人々のグループ全体が視聴者の前を通り過ぎます。視聴者は、見やすくするためにいくつかの層に配置されています。徐々に、一方向に繰り返される人物の動きの印象が生まれ、悲劇的な感覚を高め、7つの地獄の輪を思い出させます。

ボッシュの芸術的なスタイルは、現実と中世の芸術の理想との対立から生まれました。当時の多くの芸術家は、矛盾に満ちた暗いものを装飾したいという完全に理解できる願望から、過酷な現実から遠く離れた理想的な美しい画像を作成しました。それどころか、ボッシュの作品は周囲の現実の客観的なイメージを目指していました。さらに、アーティストは人々の世界を裏返し、その隠された側面を見せることを熱望し、それによってその深い哲学的で世界観の意味をアートに戻しました。

風景は、魔術師の崇拝において主要な役割の1つを果たしています。ここでは主人公を全体の一部として示しており、独立した意味はありません。アーティストの意図を明らかにするためにもっと重要なのは、キャラクターの姿の後ろにあるものです-風景画：騎手、木、橋、都市、道路。規模にもかかわらず、風景は空虚、沈黙、絶望の印象を与えます。しかし、これは人生がまだちらちらと光り、何らかの意味を含んでいる唯一のものです。ここの人物は静的で重要ではなく、特定の瞬間に固定された彼らの動きは中断されています。主人公はまさに風景であり、インスピレーションを得ているため、人間の生活の空虚さ、無意味さ、無益さをさらにはっきりと覆い隠しています。

作曲では「放蕩息子」の自然の写真と主人公一種の団結を構成します。ここでの表現によって
著者が使用する塗料の一般性が役立ちます：風景と人物像は灰色の色合いで描かれています。

ボッシュの後の作品では、幻想的な生き物は以前の作品ほど多くのスペースを割り当てられなくなりました。いくつかの奇妙な人物がまだあちこちに現れています。しかし、これらはあちこちを駆け巡るエネルギッシュな半動物ではありません。それらのサイズとアクティビティは大幅に削減されます。画家にとって今の主なことは、誰もが自分だけで忙しい、残酷で魂のない人々のこの世界で、人の孤独を示すことです。

Hieronymus Boschは1516年に亡くなりました。彼の作品は、Pieter Bruegel theElderを含む多くの著名な巨匠の芸術的手法の形成に影響を与えました。ボッシュの作品の幻想的なイメージは、シュールレアリストのアーティストによる絵画の出現をほぼ事前に決定していました。

16世紀の初めに。オランダでは、15世紀の職人が生活と仕事を続けました。 --HieronymusBoschとGerardDavidですが、すでにこの時点でオランダの絵画には、高ルネッサンスの特徴が現れました（イタリア語よりも程度は低いですが）。

この期間中、オランダ経済は前例のないブームを経験しました。産業は急速に発展し、ギルドクラフトは製造に取って代わられました。アメリカの発見により、オランダは国際貿易の主要な中心地となりました。人々の自己認識が高まり、それに伴って国民の解放傾向が強まり、15世紀の最後の3分の1に革命が起こりました。

16世紀の最初の3分の1の最も重要なマスターの1人。 QuentinMassysでした。数多くの祭壇画の作者である彼は、彼の有名な絵画「妻とのチェンジャー」（1514）を描いた後、おそらくオランダ絵画のジャンル作品の最初の作成者になりました。 Masseysブラシは注目に値する肖像画です
アーティストは、人間の内面の深さを伝えようとします（エティエンヌ・ガーディナー、ロッテルダムのエラスムス、ピーター・エギディウスの肖像）。

Masseysと同時に、いわゆる。イタリアの巨匠の作品に目を向けた小説家。彼らの作品では、小説家は現実を反映しようとはしませんでした。彼らの主な目標は、人の記念碑的なイメージを作成することでした。この傾向の最も重要な代表者は、Mabuseと呼ばれるJan Gossart、およびBernard vanOrleyでした。

16世紀の最初の3分の1。彼の時代の有名なマスター、ヨーロッパの風景画ヨアヒム・パティニールの創設者の一人として働いていました。彼の広い平原、岩だらけの山頂、穏やかな川の絵には、小さな人々の姿が描かれた宗教的なシーンが含まれていました。次第に、聖書のモチーフは彼の風景の中でますますスペースを取りません（「バプテスマ」、「エジプトへの飛行を伴う風景」）。パティニールの絵は、次世代のアーティストに大きな影響を与えました。

パティニールのコンテンポラリーは当時の最高の巨匠、ルカ・レイデンスキーであり、彼は彫刻の技術に携わっていました。彼の作品は、そのリアリズムと構成の完全性、そして深い感情性で有名です（「殺された僧侶とのモハメッド」、1508年;「デビッドとソール」、1509年）。彼の彫刻の多くは、日常のジャンルの要素によって特徴付けられています（「チェスのゲーム」、「妻はジョセフの服をポティファーに持ってきます」）。ルーク・レイデンスキーの肖像画（「男の肖像」、1520年頃）は信頼でき、活気に満ちています。

日常生活のジャンルは、16世紀の2/3に絵画で広まった。アントワープでは、マッセイの伝統を引き継いだアーティスト、「チェンジャー」の多くのバージョンを作成したヤン・サンダース・ファン・ヘメセン、「メリー・ソサエティ」の作者であるマリヌス・ファン・ロイマースウェールを務めました。彼らのグロテスクなイメージで、彼らは簡単な美徳の女の子を変えました、これらのマスターは事実上日常と宗教的な構成を分ける線を消しました。

このジャンルの特徴は肖像画にも浸透しており、その最大の代表者はアムステルダムのアーティスト、ダーク・ジェイコブスとコーネリス・テイニッセンでした。自然なポーズとジェスチャーは、肖像画を鮮やかで説得力のあるものにします。ジェイコブスとテイニッセンのおかげで、オランダの絵画は新しいオリジナルのジャンルで豊かになり、グループの肖像画になりました。

これらの年の間、斬新さは発展し続けました、そのマスターは多くの才能と能力を持っていたピーター・クック・ファン・アエルストとヤン・スコアルでした。彼は画家であるだけでなく、教皇エイドリアン6世の芸術作品のコレクションの聖職者、音楽家、修辞学者、エンジニア、そしてキュレーターでもありました。

16世紀後半にイタリアのルネッサンスの芸術をつかんだ世界のルネッサンスの認識の危機もオランダに影響を与えました。 1550年から1560年代。オランダの絵画では、現実的な傾向が発展し続け、国籍の特徴を獲得しています。同時に、ロマニズムはより活発になり、マナー主義の要素が優勢になり始めています。

アントワープのアーティスト、フラン・フロリスの絵には、マネリスティックな特徴があります。彼の聖書の構成は、過度のドラマ、複雑なカメラの角度、誇張されたダイナミクスで印象的です（天使の転覆、1554;最後の判断、1566）。

この時代のリアルな絵画の傑出した代表者は、主に大規模なジャンルのシーンと静物を描いたアントワープのマスター、ピーター・アルセンでした。多くの場合、彼はこれらのジャンルの両方を作品に組み合わせていますが、一方が常に他方よりも優勢です。絵画Peasant'sHoliday（1550）では、静物が二次的な役割を果たし、Butcher's Shop（1551）では、オブジェクトが人々を背景に押し込みました。 Artsenのキャンバスは、偉大な信憑性によって際立っていますが、アーティストは農民のイメージを記念碑的で荘厳なものとして提示しようとしています（Peasants in the Market、1550年代、Peasants by the Hearth、1556、Dance Among the Eggs、1557）。「TheCook」（1559）、「The Peasant」（1561）の絵画では、画像が明らかに理想化されており、庶民に対する作者の心からの共感を感じることができます。

16世紀の現実的なオランダ絵画の最も重要なマスター。 Pieter Bruegel theElderになりました。

ピーター・ブリューゲル長老

エルダー、または農民の愛称で呼ばれるピーター・ブリューゲル（ブレゲル）は、1525年から1530年の間に生まれました。 50年代初頭。 XVI世紀彼はアントワープに住み、そこでP. Cooke vanAelstの下で絵画を学びました。 1552年から1553年までの期間、アーティストはイタリアで働き、1563年からはブリュッセルで働きました。オランダにいる間、画家は国の民主的で急進的な思想家に会いました。この知人は、おそらく、アーティストの作品の主題の焦点を決定しました。

ブルーゲルの初期の作品は、マナー主義の芸術とヒエロニムス・ボッシュの芸術的方法の影響によって特徴づけられています。ほとんどの場合、それらは、イタリアと高山の山々への旅行の画家の印象を具体化する風景と、アーティストの故郷であるオランダの自然の写真を表しています。これらの作品では、小さなキャンバスに大規模で壮大な絵を見せたいという作者の願望が際立っています。絵画史上初の海景となった彼の「ナポリタンハーバー」です。

彼の初期の作品では、アーティストは人が失われ、小さくなり、取るに足らないものになる空間の無限大を表現しようとしています。その後、ブリューゲルの風景はより現実的な次元を取ります。この世界に住む人の解釈も変化しています。人のイメージは今や特別な意味を持っており、誤ってキャンバスに現れた人物ではありません。この例としては、1557年に作成され、「TheSower」と呼ばれる画像があります。

作品「イカルスの堕落」では、一人の死は人生の輪の回転を止めないという考えを表現するメインプロットは、さらにいくつかによって補足されています。このように、ここに提示された耕作のシーンと沿岸の風景は、人間の生活の測定と自然界の威厳の象徴として機能します。キャンバスは古代の神話に捧げられていますが、イカルスの死を思い出させるものはほとんどありません。よく見るだけで、海に落ちた主人公の足が見えます。イカルスの死に誰も注意を払わなかった-美しい景色を賞賛する羊飼いでも、岸に落ち着いた漁師でも、畑を耕す農民でも、外洋に向かう帆船の乗組員でもない。写真の主なものは、古代のキャラクターの悲劇ではなく、美しい自然に囲まれた人の美しさです。

ブルーゲルのすべての作品は、深い意味の豊かさを持っています。彼らは、世界秩序の秩序と限界の概念を確認します。しかし、ブリューゲルの作品が楽観的であると言うのは間違いです。絵画の悲観的なメモは、作者が取った特別な立場によって表現されています。彼は世界のどこかにいるようで、傍観者から人生を観察し、キャンバスに転送された画像から削除されました。

アーティストの作品の新しいステージは、1559年に「カーニバルとレントの戦い」という絵が登場したことで特徴づけられました。構成は、飲み騒ぐ人、ママ、僧侶、商人の多数の群衆に基づいています。ブルーゲルの作品で初めて、すべての注目は風景画ではなく、動く群衆のイメージに集中しています。

この作品では、自然界が人間化され、活気づけられ、逆に人の世界が例えば昆虫の群れに例えられた時代の思想家の特徴である、世界の特別な認識を表現しました。ブルーゲルの観点からは、人間の世界は同じ蟻塚であり、その住民は彼らが小さいのと同じくらい取るに足らないものであり、取るに足らないものです。彼らの気持ち、考え、行動は同じです。それにもかかわらず、陽気な人々を描いた絵は、悲観的で悲しい感情を呼び起こします。

キャンバス「FlemishProverbs」（1559）と「Gamesof Children」（1560）には、同じ悲しみのムードがあります。後者は、フォアグラウンドで遊んでいる子供たちを描いています。しかし、写真に示されている通りの視点は無限大です。構成の主な意味を持っているのはこれです：人々の活動は子供の遊びと同じくらい無意味で取るに足らないものです。このトピック（人生における人の位置の問題）は、1550年代後半のブリューゲルの仕事の主要なトピックになります。

1560年代から。ブルーゲルの絵画のリアリズムは、ボッシュのグロテスクな作品をも凌駕する表現力という点で、突然明るく不吉なファンタジーに取って代わられました。そのような作品の例は、キャンバス「死の勝利」（1561）と「マッドグレタ」（1562）です。

「死の勝利」では、スケルトンが人々を破壊しようとしていることが示されています。それらは、順番に、巨大なネズミ捕りで脱出しようとします。寓話的なイメージは深い象徴的な意味で満たされ、作者の態度と世界観を反映するように設計されています。

「マッドグレタ」では、数が増えている邪悪な生き物からの救いをもはや望んでいません。どこからともなく、これらの不吉な生き物の多くが現れ、地球上の人々に取って代わろうとしています。後者は取り乱し、巨大な怪物によって噴出された不純物を金のために取り、差し迫った危険を忘れて群衆の中でお互いを押しつぶし、「貴重な」インゴットを手に入れようとします。

この作曲は、制限のない貪欲に取り憑かれた人々に対するアーティストの態度を初めて示しています。しかし、この考えはブリューゲルで全人類の運命についての深い議論に発展します。さまざまな素晴らしい要素にもかかわらず、ブリューゲルの絵画は、起こっていることの具体性と現実の非常に鋭い感覚を呼び起こしたことに注意する必要があります。それらは、当時オランダで起こっていた出来事、つまりスペインの征服者によって行われた抑圧を反映したものでした。 Bruegelは、彼の時代の出来事や対立をキャンバスに反映し、それらを芸術的で絵画的な言語に翻訳した最初のアーティストでした。

徐々に、強い感情と悲劇は、人々の運命についてのブリューゲルの静かで悲しい反省に取って代わられます。アーティストは再び実際の画像に目を向けます。現在、構図の主な場所は、地平線まで広がる大規模な風景に与えられています。以前の作品の特徴である作者の皮肉な嘲笑は、ここで暖かさ、許し、そして人間の魂の本質の理解に変わります。

同時に、孤独、軽い悲しみ、悲しみのムードが特徴の作品が登場します。そのようなキャンバスの中で、特別な場所は「モンキー」（1562）と「バベルの塔」（1563）によって占められています。後者では、以前に描かれた同じ名前の絵とは異なり、主要な場所は建設業者の人物によって占められています。以前にアーティストが美しく完璧な自然の世界にもっと興味を持っていた場合、今では意味の強調が人のイメージにシフトしています。

「ソールの自殺」（1562）、「エジプトへの飛行のある風景」（1563）、「十字架を運ぶ」（1564）などの作品で、マスターは地球上の人間の活動の無意味さの悲劇を克服します。ここに、人間の生命の本質的な価値についてのブリューゲルのまったく新しい考えが現れます。この点で、「十字架を運ぶ」という構成は特に興味深いものであり、有名な宗教的および哲学的な陰謀は、兵士、農民、子供、一般の人々の多数の人物が何が起こっているのかを好奇心を持って見ている大衆シーンとして解釈されます。

1565年に、絵画のサイクルが作成され、それが世界の絵画の真の傑作になりました。キャンバスは季節に捧げられています：「憂鬱な日。春」、「収穫。夏」、「群れの帰還。秋」、「雪の中のハンター。冬"。これらの構成は、威厳を表現すると同時に自然界の活力ある現実を表現するという作者の考えを調和的に表しています。

マスターはすべての信頼性をもって、キャンバス上に自然の生きた写真を何とかキャプチャします。ほぼ具体的な現実感は、特定の季節の独特のシンボルである特定のトーンの色をアーティストが使用することによって達成されます。「暗い日」の背景の風景を形成する緑のトーンと組み合わせた赤茶色のアーストーン。構成「収穫」で濃い黄色が茶色に変わる。絵画「群れの帰還」における赤と茶色のすべての色合いの優勢。

ブルーゲルサイクルは、1年のさまざまな時期の自然の状態に捧げられています。しかし、風景だけがアーティストの主な注目を集めていると言うのは間違いです。すべての絵画の中には、収穫、狩猟など、あらゆる職業に情熱を持って身体的に強いと表現されている人々がいます。これらの画像の際立った特徴は、自然界との融合です。人物は風景に反対するのではなく、調和して構成に統合されています。それらの動きは、自然の力のダイナミクスと一致します。このように、農作業の始まりは自然の目覚め（「悲観的な日」）と関連しています。

間もなく、人々や出来事の現実的な描写がブリューゲルの芸術の主要なトレンドになりました。 1566年に登場した「ベツレヘムの国勢調査」「幼児虐殺」「バプテストのジョンの説教」は、芸術家の作品だけでなく、オランダ全体の芸術の発展における新たな段階を示しました。キャンバスに表示された画像（聖書の画像を含む）は、一般的な人間の概念を具体化するだけでなく、特定の社会的世界秩序を象徴するためにも求められました。このように、「赤ちゃんの虐殺」の絵では、福音の物語は、実際の事実を描写するための一種のスクリーンとして機能します：フランドルの村へのスペイン軍の部隊の1人による攻撃。

1567年にブリューゲルによって作成された絵画PeasantDanceは、アーティストの作品の最後の期間の重要な作品になりました。プロットは、マスターによって拡大されて描かれた踊る農民に基づいています。休日の雰囲気を伝えるだけでなく、人体の動きの可塑性をリアルに表現することも重要です。彼の顔の特徴、顔の表情、ジェスチャー、姿勢、動きの仕方など、人のすべてがアーティストに興味を持っています。それぞれのフィギュアは、マスターによって細心の注意と精度で描かれています。 Bruegelによって作成された画像は、記念碑的で重要であり、社会的な哀れみを持っています。その結果、農民を象徴する巨大で均質な人々の集団を表す絵ができあがります。この構成は、ブリューゲルの芸術における民家の農民のジャンルの発展において基本となるでしょう。

登場の理由は何ですかフォークテーマアーティストの作品で？芸術評論家は、彼のそのような作品は、当時オランダで起こった出来事への一種の反応であると示唆しています。「農民の踊り」の絵が描かれた時期は、「イコノクラスム」（カルビニストが率いる反政府勢力がカトリック教会のアイコンや彫刻を破壊した）と呼ばれる大衆蜂起の鎮圧の時期と一致しています。 1566年に勃発したこの運動から、オランダの革命が始まりました。魂の深みへの出来事は、有名な芸術家のすべての同時代人を震撼させました。

歴史家や美術史家はまた、偶像破壊をブリューゲルの別の作品「農民の結婚式」の登場と関連付けています。ここで作成された画像は、「農民の踊り」の図よりもさらに大きなスケールをとっています。しかし、農民はその構成において誇張された強さと力に恵まれています。このイメージの理想化は、以前に作成されたアーティストの作品では一般的ではありませんでした。同じ写真で、キャンバスに描かれた人々に対する著者の並外れた慈悲が現れました。

上記の作品の楽しく、人生を肯定するムードは、すぐに悲観論と満たされていない希望の感覚に置き換えられ、それは絵画「ミサンスロープ」、「不自由」、「巣の泥棒」、「盲人」に反映されています。注目すべきは、それらがすべて1568年に書かれたという事実です。

手前の「ブラインド」には、不自由な姿が見られます。彼らの顔はひどく醜いです。これらの人々の魂は同じように見えます。これらの画像は、貪欲、自己利益、怒りなど、地球に根ざしたすべてのものを象徴しています。彼らの空の目の穴は人々の精神的な盲目の象徴です。キャンバスは、明白な悲劇的な性格を帯びています。ブリューゲルにとって、精神的な空虚さ、人間の無意味さの問題は、普遍的な比率にまで成長します。

人々の世界への反対として著者によって提示された風景の構成と役割において重要です。

遠くにそびえ立つ丘、木々、教会-すべてが沈黙、静けさ、静けさに満ちています。ここの人と自然は場所を変えているようです。それは、人間性、善良さ、精神性の概念を表現する写真の風景です。そして、その人自身がここで霊的に死んでいて死んでいることがわかりました。悲劇的なメモは、作者による軽い冷たい色の使用によって強化されます。そのため、色の基本は薄いライラック色とスチールの色合いで構成されており、人が自分自身を見つけた状況の絶望感を高めます。

Bruegel the Elderの最後の作品は、「Dance under the Gallows」（1568）と呼ばれる作品でした。写真では、絞首台の近くで踊っている人々の姿が視聴者の前に現れています。このキャンバスは、現代の世界秩序と人々に対するアーティストの完全な失望の表現となり、以前の調和に戻ることの不可能性を理解しているように聞こえます。

Pieter Bruegelは、1569年9月5日にブリュッセルで亡くなりました。偉大な画家は、16世紀にオランダの芸術における人気のある民主的な方向性の創設者になりました。

民族的、経済的、政治的に異質で、ローマとドイツの起源の異なる方言を話すこれらの州とその都市は、16世紀の終わりまで単一の国家を作りませんでした。急速な経済の急増とともに、自由貿易と工芸都市の民主的な動きとそれらの中での国民的アイデンティティの目覚め、文化は、多くの点でイタリアのルネッサンスと同様に繁栄しています。フランダースとブラバントの南部の州の豊かな都市（ブルージュ、ゲント、ブリュッセル、トルナイ、後にアントワープ）は、新しい芸術と文化の主要な中心地になりました。地味な実用性のカルトを備えた都会のバーガー文化は、フランスとブルゴーニュの土地で育った王子の宮廷の緑豊かな文化とともにここで発展しました。したがって、15世紀の北欧の美術学校の中で支配的な場所がオランダの絵画によって占められたことは驚くべきことではありません：アーティストJan van Eyck、Robert Kampen、Jos van Gent、Rogier van der Weyden、Dirk Bouts、Hieronymus Bosch、Albert Ouvater、Hugo van der Goes、Petrus Christus、 Hans Memling、Jacques Darais、GertgenからSint-Jans、その他の画家（下記参照）。

オランダの歴史的発展の特徴が、芸術の独特の色彩を決定しました。確執の基盤と伝統は16世紀の終わりまでここに保存されていましたが、階級の孤立を破った資本主義関係の出現は、それが生活の中で占め始めた実際の場所に応じて人間の個性の評価に変化をもたらしました。オランダの都市は、イタリアの都市コミュニティが持っていたような政治的独立を獲得しませんでした。同時に、田舎への産業の絶え間ない動きのおかげで、資本主義の発展はオランダの社会のより深い層を席巻し、さらなる国家統一の基礎を築き、特定の社会的グループを結びつける企業精神を強化しました。解放運動は都市に限定されていませんでした。彼の決定的な戦闘力は農民でした。したがって、確執との闘いはより深刻な形をとった。 16世紀の終わりに、それは強力な改革運動に成長し、ブルジョア革命の勝利で終わりました。

オランダの芸術は、イタリアの芸術よりも民主的な性格を獲得しています。民俗学、ファンタジー、グロテスク、鋭い風刺の強い特徴がありますが、その主な特徴は、国民の独自性、民俗文化、生き方、習慣、種類、そして社会のさまざまな層の生活における社会的コントラストの表示の深い感覚です。社会の生活の社会的矛盾、その中の敵意と暴力の王国、さまざまな反対勢力は、その不調和の認識を鋭くしました。したがって、オランダのルネッサンスの批判的な傾向は、芸術や文学における表現力豊かで時には悲劇的なグロテスクの繁栄に現れ、しばしば「王が笑顔で真実を話すことができるように」（ロッテルダムのエラスムス。「愚かさの称賛に値する言葉」）冗談を装って隠れています。ルネッサンスのオランダの芸術文化のもう一つの特徴は、中世の伝統の安定性であり、それは15-16世紀のオランダのリアリズムの性質を大きく決定しました。長期間にわたって人々に明らかにされた新しいものはすべて、古い中世のビューシステムに適用され、新しいビューの独立した開発の可能性を制限しましたが、同時にこのシステムに含まれる貴重な要素を吸収することを余儀なくされました。

正確な科学、古代の遺産、イタリアのルネッサンスへの関心は、すでに15世紀にオランダで明らかになりました。 16世紀、ロッテルダムのエラスムスは、彼の「発言」（1500）の助けを借りて、エルディットの「謎の秘密を吹き飛ばし」、自由を愛する古代の知恵に満ちた生きたものを、幅広い「未経験者」の日常生活に導入しました。しかし、芸術では、古代の遺産とルネッサンスのイタリア人の業績を参照して、オランダの芸術家は独自の道を歩みました。直感は、自然を描写するための科学的アプローチに取って代わりました。現実的な芸術の主な問題の開発-人間の姿の比率の開発、空間の構築、ボリュームなど-は、特定の個々の現象の鋭い直接観察を通して達成されました。この中で、オランダの巨匠は、一方では克服し、他方では、イメージの意識的で意図的な一般化、個々の特性の複雑化の方向に再考し、発展させた国のゴシックの伝統から離れました。この方向でオランダの芸術によって達成された成功は、17世紀のリアリズムの達成への道を開いた。

イタリア人とは異なり、オランダのルネッサンス芸術は、完璧な人間の巨人のイメージの無制限の支配を主張するようにはなりませんでした。中世のように、オランダ人は人間を宇宙の不可欠な部分と見なし、その複雑な精神化された全体に織り込まれました。人間のルネッサンスの本質は、彼が宇宙の複数の現象の中で最大の価値として認識されたという事実によってのみ決定されました。オランダの芸術は、世界の新しい現実的なビジョン、現実の芸術的価値の主張、人間と彼の環境との間の有機的なつながりの表現、自然と生命が人間に与える可能性の理解によって特徴付けられます。人を描く際に、芸術家は日常生活と精神生活の分野で、特徴的で特別なことに興味を持っています。 15世紀のオランダの画家たちは、人々の個性の多様性、無尽蔵の色とりどりの自然の豊かさ、その物質的な多様性を熱心に捉えています。彼らは日常の詩を微妙に感じます。世界の認識のこれらの特徴は、ジャンル、肖像画、インテリア、風景のジャンルの15世紀と16世紀のオランダの絵画とグラフィックスに現れました。彼らは、オランダの典型的な細部への愛情、描写の具体性、物語性、気分を伝える際の繊細さ、そして同時に、その空間的な無限大を備えた宇宙の全体像を再現する驚くべき能力を示しました。

新しいトレンドは、さまざまな形のアートで不均一に現れました。 16世紀までの建築と彫刻はゴシック様式の枠組みの中で発展しました。 15世紀の最初の3分の1の芸術のターニングポイントは、絵画に最も完全に反映されていました。彼女の最大の功績は、ロマネスク様式の教会の壁画やゴシック様式のステンドグラスの窓に取って代わったイーゼル絵画の西ヨーロッパでの出現に関連しています。宗教をテーマにしたイーゼル絵画は、もともと実際にはアイコン絵画の作品でした。福音と聖書の主題で描かれたひだの形で、彼らは教会の祭壇を飾りました。次第に、世俗的な主題が祭壇の構成に含まれるようになり、その後、独立した意味を獲得しました。アイコンの絵から分離されたイーゼルの絵は、裕福で貴族の家のインテリアの不可欠な部分になりました。

オランダの芸術家にとって、芸術的表現の主な手段は色であり、それは最大限の具体性を備えたカラフルな豊かさで視覚的なイメージを再現する可能性を開きます。オランダ人は、物体の微妙な違いを痛感し、素材の質感、光学効果（金属の輝き、ガラスの透明度、鏡面反射、反射光と散乱光の屈折の特徴）、遠くに後退する風景空間の風通しの良い雰囲気の印象を再現しました。その伝統が世界の絵画的知覚の発達に重要な役割を果たしたゴシックステンドグラスの窓のように、色はイメージの感情的な飽和を伝えるための主要な手段として役立ちました。リアリズムの発達により、オランダではテンペラからオイルペイントへの移行が起こり、世界の物質性をより幻想的に再現することが可能になりました。

中世に知られている油絵技法の改良、新しい組成物の開発は、ヤン・ファン・エイクによるものです。イーゼルペインティングでのオイルペイントと樹脂物質の使用、下塗りと白または赤のチョーク土壌への透明で薄い層の押し付けは、明るい色の彩度、深さ、純度を強調し、ペイントの可能性を広げました-それらは色の豊かさと多様性、最高の色調の変化を達成することを可能にしました。 Jan van Eyckの不朽の絵画と彼の方法は、イタリア、フランス、ドイツ、その他の国の芸術家の実践において、15〜16世紀の間ほとんど変わらずに生き続けました。

15世紀の最初の3分の1、イタリアでのルネッサンスの始まりとほぼ同時に、北の国々、オランダ、フランス、ドイツの芸術の発展にターニングポイントがありました。個々の国の特徴にもかかわらず、これらの国の芸術は、イタリアと比較したときに特に顕著である多くの特徴の存在によって15世紀に特徴づけられます。この変化は絵画において最も鮮明かつ一貫して発生しますが、彫刻はそのゴシックの特徴を長期間保持し、建築は16世紀の最初の数十年までゴシックスタイルの枠組みの中で発展し続けます。 15世紀の絵画の発展における主導的な役割は、フランスとドイツに大きな影響を与えているオランダに属しています。 16世紀の第1四半期に、ドイツが前面に出てきました。
イタリアと北部のルネッサンスの芸術に共通しているのは、人間と彼の周りの世界の現実的な描写への欲求です。ただし、これらのタスクは、文化の性質の違いに応じて、異なる方法で解決されました。
オランダの巨匠たちの注目は、人の目の前で繰り広げられる自然の形の尽きることのない豊かさと人々の個々の外見の多様性に魅了されました。特徴的で特別なものは、一般的で典型的なものよりも北の国の芸術家の作品に広がっています。彼らは、自然の法則と視覚的知覚を明らかにすることを目的とした、イタリアのルネッサンスの芸術家の探求とは異質です。一般文化と芸術の両方でイタリアの影響が重要な役割を果たす16世紀まで、遠近法理論もプロポーションの教義も彼らの注目を集めることはありません。しかし、オランダの画家たちは、純粋に経験的な方法で、イタリア人と同じくらい説得力のある空間の深さの印象を伝えることを可能にする技術を開発しました。観察は彼らに光の多様な機能を明らかにします。それらはさまざまな光学効果を広く使用します-屈折、反射、拡散光、遠くまで伸びる風景の印象と部屋の空気と光、そして物（石、金属、ガラス、毛皮など）の材料的特徴の微妙な違いの両方を伝えます。細心の注意を払って細部を再現し、同じように警戒心を高めて、きらめく豊かな色を再現します。これらの新しい絵画的課題は、油絵の新しい絵画的技法の助けを借りてのみ解決することができました。その「発見」は、歴史的伝統によってJan vanEyckに起因しています。 15世紀半ばから、この新しい「フランドル様式」は、イタリアの古い気性技術に取って代わります。
イタリアとは異なり、北部の国々では、記念碑的な絵画の重要な発展のための条件はありませんでした。 15世紀にフランスとオランダで有名な場所は、ここで強い伝統を持っていたミニチュアを予約するために属します。北の国々の芸術の本質的な特徴は、古代への関心の前提条件の欠如でした。非常に重要イタリアで持っていた。古代は、人道的研究の発展とともに、16世紀にのみ芸術家の注目を集めるでしょう。アートワークショップの制作の主な場所は、祭壇の画像（彫刻と塗装の折り畳み）であり、そのドアは両側が画像で覆われています。宗教的なシーンは実際の環境に移され、アクションは風景やインテリアで行われることがよくあります。 15世紀にオランダで、16世紀の初めにドイツで重要な発展が見られました。
16世紀の間に、日常の絵画、風景、静物、神話的および寓話的な絵画の独立したジャンルへの段階的な分離が現れます。 15世紀には、新しいタイプの美術品が登場しました。木彫りと金属の彫刻で、世紀の終わりと16世紀の前半に急速に開花しました。それらは、オランダとフランスのグラフィックスの開発に影響を与えたドイツの芸術において特に重要な位置を占めています。