Europeiska länder har gjort ett enormt bidrag till renässansens kultur. De bästa verken i denna tid kom in i världskulturen. Funktioner av den historiska, socioekonomiska, politiska och andliga utvecklingen i dessa länder bestämde renässansens specificitet i var och en av dem.

Renässanskulturen har sitt ursprung i Italien, som blev den klassiska eldstaden för renässanskulturen. Detta beror på vissa skäl. De viktigaste handelsvägarna som förbinder Europa med Asien passerade genom Italien, vilket orsakade den snabba tillväxten av hamn- och hantverksstäder (Florens, Genua, Venedig, Bologna, etc.).

Korsfarare passerade genom Italien, vilket bidrog till utvecklingen av hantverk, en ökning av lagret av hantverkare. Tillverkningen började utvecklas tidigare än i andra länder. Allt detta stimulerade ett aktivt politiskt liv i stadsrepublikerna och skapade gynnsamma förutsättningar för kulturutvecklingen.

Stadsbefolkningens kamp mot de feodala herrarna, som i vissa länder slutade med enandet av landet i regi av en stark monarkisk makt, i Italien slutade med segern för den republikanska regeringsformen och bildandet av ett stort antal stadsrepubliker. Detta var en seger för den tredje egendomen, som inte kunde vara nöjd med medeltida kultur och ideologi. Således ledde den politiska kampen oundvikligen till en ny förståelse av världen.

Slutligen spelades en viktig roll av det faktum att Italien var den direkta arvtagaren till forntida kultur och dess monument i detta land har överlevt mer än någon annanstans.

Den kronologiska ramen för den italienska renässansen täcker perioden från andra hälften av XIII-talet. och av XVI-talet. inklusive. Inom denna period särskiljs följande: Proto-renässans (pre-revival) - XIII och tidiga XIV århundraden; Tidig renässans - från mitten av XIV-talet. och nästan hela 1400-talet; Högrenässans - slutet av 15: e och första tredjedelen av 1500-talet; Sen renässans - XVI och tidigt XVII århundraden.

Fram till slutet av 1400-talet. renässansen kan bara talas om i Italien. I andra europeiska länder började det mycket senare och hittade inte ett så levande uttryck, även om det också fanns enastående mästare där.

Slutet på den italienska renässansen anses vara 1530, då de italienska stadsrepublikerna erövrades av den habsburgska monarkin. Endast de påvliga staterna behöll självständigheten och Venedig förblev oberoende under lång tid.

Kärnan i den italienska renässansen ligger upptäckten av personlighet, medvetenhet om dess värdighet och värdet av dess förmågor. Detta är kärnan i renässanshumanismen. Den senare fortsätter traditionen med forntida humanism, men skiljer sig från den, precis som en viljestark, företagsam person i början av den borgerliga eran skiljer sig från en person i en forntida polis. Hjälten i det antika samhället och den antika konsten är en underbar och rimlig person, kalakagaty (underbar typ), fysiskt perfekt, estetiskt utvecklad. Återfödelsen bildar en viljestark, mångsidig utbildad, aktiv person, skaparen av sitt eget öde, skaparen av sig själv.

Renässanskonst kan inte kallas irreligiös. Verk skapades om religiösa ämnen, det fanns också en religiös känsla, men den fick ett nytt innehåll. För renässansens folk minskade avståndet mellan Gud och människor jämfört med medeltiden. Allt som människor älskade i livet, vad de beundrade - manlig skicklighet, äldres visdom, barns ömhet, kvinnors skönhet, naturens skönhet och vad människan skapade genom sitt arbete - allt detta blev egendom och attribut för helig historia.

Och samtidigt var alla typer av konstnärlig kreativitet under renässansen - konst, litteratur, arkitektur, musik, teater och andra - genomsyrade av en sekulär anda. Genom att avvisa kanonerna från medeltida kultur, från medeltidens symbolik, kände renässanskonsten livets andetag.

Den ljusaste sidan av den italienska renässansen var bildkonst, särskilt målning och skulptur. Och med hänvisning till den italienska renässansens tid, presenterar vi först och främst dessa typer av konst.

Det är väldigt svårt att välja individuella namn när man talar om konstnärerna från den italienska renässansen. Och inte bara för att det fanns så många av dem, utan främst för att även den genomsnittliga nivån av italiensk konst i denna tid var mycket hög.

Proto-renässans (XIII - tidiga XIV århundraden) - inför renässansen, när det nya dyker upp i konsten. Proto-renässans är etablerad i städerna i provinsen Toscana - Pisa, Siena, Florens.

Florens är till renässansen vad Aten är för det antika Grekland - centrum för konstnärlig kultur. Hon gav världen Dante, Petrarch, Boccaccio. Bodde och arbetade i Florens Giotto di Bondone (1266 / 76-1337) - grundaren av den europeiska målningen, grundaren av realismen.

"- Giottos huvudverk är fresker. Detta förklaras av det faktum att i Toscana vid den tiden fanns en stor konstruktion av palats och kyrkor. Konstnärer gjorde målningar i dem, så fresken blev den huvudsakliga typen av deras verk. De mest kända freskerna i Giotto finns i Capella del Arena i De är målade i så glänsande färger att även nu, 700 år senare, ser kapellet ut som en kista täckt med ädelstenar. Kapellet innehåller 37 målningar på bibliska teman: "Tillbedjan av magierna", "Judas kyss", "Joachim vid herdarna" och andra, särskilt konstnärens skildring av Kristi liv och lidande.

Giotto avvisar den medeltida kanonen, som krävde uttryck för andens företräde över kroppen, vars manifestation var kroppsliga långsträckta figurer, akterstora stora ögon, ben som bara vidrör marken. Giottos bilder är materiella: massiva tjocka figurer, ett stort huvud, en smal skärning av ögonen. Hjältenas upplevelser är naturliga: det finns ingen teatralitet. Genom att avvisa den platta guldbakgrunden, antagen i medeltida målning, placerar konstnären figurer i ett interiör eller landskap och introducerar ofta inslag av arkitektur i den.

Inte att äga perspektivens lagar och tillåta felaktigheter i anatomi, men Giotto kunde förmedla en känsla av rymd och ge siffrorna volym. Han var inte bara en målare utan också en enastående arkitekt.

”Giotto var ett geni med en sådan extraordinär kraft att det inte skulle finnas något i hela universum som han inte kunde skildra” - så uppskattat Giottos arbete av hans samtida Giovanni Boccaccio. Och hans andra samtida - den största poeten under tiden före renässansen, "som blev en klassiker av världslitteraturen, förhärligade Dante Alighieri Giotto i sin" gudomliga komedi "i sin andra del -" skärselden ".

Tidig renässans (sent XIV-XV århundraden) representerades av en galax av lysande konstnärer: Masaccio (1401-1426), Donatello (1386-1466), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Pietro Perugi no (1445-1523), Sandro Botticelli (1445 -1510) och dussintals andra framstående konstnärer vars dukar pryder museer runt om i världen.

Målaren Masaccio (riktigt namn Tommaso di Giovanni), skulptören Donatello och arkitekten Philippe Brunelleschi (1337-1446) är de definierande figurerna i tidig renässans.

Skapande Masaccio öppnar 1400-talet, vilket var århundradet med den högsta blomningen av florentinsk konst. Masaccio målade i Florens ett litet Brancacci-kapell (uppkallat efter kunden), som blev en modell och skola för flera generationer av italienska mästare. Temat för freskerna är hämtade från legenden om aposteln Petrus liv. Men på entrébågens ändvägg placerade konstnären fresken "Utvisning från paradiset". Här, för första gången efter antiken, visades en naken människokropp, för första gången för att måla volymen, fördes vikten av figurer. Masaccio var den första som förmedlade utrymme på ett plan med linjärt perspektiv (detta påverkades av Brunelleschis inflytande). Han staplar inte siffrorna i rader, som man gjorde tidigare, utan placerar dem på olika avstånd beroende på avståndet från betraktaren. Samtidigt kunde Masaccio uttrycka dramatiken i situationen och hitta karaktärernas exakta egenskaper.

Konstnären bodde kort liv - 27 år gammal (han förgiftades av avund), men hans konst förblir en högskola.

Skulptören Donatello skapade ett staffli och monumental rund skulptur och lättnad. Många av hans verk är kända: bilder av S: t George och profeterna, Florens vapen, lättnad "Herodes fest", etc. Men hans mest kända verk var statyn av David (1430). Detta var den första bilden av en nakenfigur i monumental skulptur för sin tid. Bilden av nakenhet, utbredd i antiken, under medeltiden sändes till glömska.

Enligt legenden räddade den unge mannen - herden David - sitt folk genom att besegra fiendens stam Goliats krigare i en enda strid. För denna bedrift valde folket honom som sin kung. Bilden av David - en enkel man som avancerade genom mod och kärlek till sitt folk - var en av favoriterna under renässansen. Donatello skildrade honom i en herdahatt, sammanflätad med murgröna, inramad av långt hår, hans ansikte är nästan täckt av hatten. Han håller en sten i ena handen, ett svärd i den andra. Davids kropp är vackert modellerad. Skulpturen är utformad för en cirkulär vy och detta var också en innovation, eftersom medeltida statyer var nära förbundna med muren och underordnade arkitekturen. Här fungerar skulpturen som ett självständigt konstverk.

Det är omöjligt att inte nämna en annan underbar konstnär på den tiden, en man med ljus, originell talang och tragiskt öde - Sandro Botticelli. "Sällan har en konstnär så orolig, så uttryckt innehållet i sin tid" - det är så forskaren under denna period definierade Botticellis arbete.

Botticelli skrev ett stort antal målningar, gjorde illustrationer för Dantes gudomliga komedi, men hans mest kända målningar är våren och födelsen av Venus. Enligt myten föddes gudinnan av kärlek, glädje, äktenskap från havsskum. Detta är den första stora (172x278) renässansmålningen på ett antikt tema. Framväxten av målning av icke-kyrkligt innehåll var ett tecken på tiden.

Bildens färgschema är begränsad, ritningen är förfinad och korrekt. Gudinnans ställning som flyter på ett skal är kysk: hon täcker sin nakenhet med händerna. Hon är all förkroppsligande av kvinnlighet, nåd, skönhet.

Därefter, bortförd av predikanterna Savonarola Botticellis idéer, avsade han sitt arbete, brände målningarna som förblev hos honom, bröt med antika ämnen och började måla bilder på religiösa teman. Han dog i exil, glömd av alla, överlevde sin ära. Det återupptäcktes i slutet XIX- tidigt XX århundraden, och hans konst var konsonant med de franska impressionisterna - Edouard Manet och till och med Modigliani.

Sent 15-tal och tidigt 1500-tal kallad "Hög renässans"och de första decennierna av 1500-talet var renässansens "guldålder". Under dessa år slutfördes sökandet efter en ny kultur. De karaktäristiska egenskaperna hos den italienska renässansens realism - den klassiska klarheten, bildens mänsklighet, deras plastiska kraft och harmoniska uttrycksförmåga - når oöverträffade höjder.

Högrenässansen är inte bara en fortsättning och slutförande av den tidigare utvecklingen utan också en kvalitativt ny etapp. Dess bästa representanter fortsätter inte bara att söka efter sina föregångare, utan underordnar kunskapen som de fått till djupare uppgifter: i synnerhet i det konkreta kan de avslöja det allmänna, det karakteristiska. Bilderna de skapar är en psalm till mänsklig skönhet och visdom.

Högrenässansen belyser verk av tre stora titaner, lysande artister - Leonardo da Vinci, Raphael Santi och Michelangelo Buonarroti.

En man med fantastiskt sinne och konstnärligt geni var Leonardo Da Vinci (1452-1519). Hans fenomenala forskningskraft trängde igenom alla vetenskaps- och konstområden. Även efter århundraden är forskare i hans arbete förvånade över genialiteten hos den största tänkarens insikter. Leonardo var konstnär, skulptör, arkitekt, filosof, historiker, matematiker, fysiker, mekaniker, astronom, anaton ... Hans många teckningar och ritningar med svarvprojekt, spinnmaskiner, grävmaskin, kran, gjuteri, hydraulmaskiner har kommit ner till oss , utrustning för dykare, etc. Drömmer om flygning, Leonardo studerade, skissade, beräknade allt relaterat till flygning av fåglar och insekter. Resultatet av dessa studier var ritningar och beräkningar av ett flygplan, en helikopter, en fallskärm ... Det är till och med svårt att lista allt som den lysande tänkaren och skaparen arbetat med och vilka resultat han kom till.

Bland de gränslösa uppsättningarna av hans intressen sätter Leonardo målningen i första hand. ”Om en målare vill se vackra saker som inspirerar honom att älska, är det i hans makt att generera dem, och om han vill se fula saker ... då är han härskare och gud över dem ... Allt som finns i universum som en enhet, som ett fenomen eller som en imaginär, han har först i sin själ och sedan i sina händer, - skrev han. - Därför bör målningen placeras ovanför någon annan aktivitet. "

Leonardo da Vinci målade många målningar. Bland dem - "Madonna med en blomma" ("Benois Madonna"), "Madonna Litta", "Lady med en hermelin", "Mary med en bebis" och många andra. Hans Madonnas är bedårande unga kvinnor vars ansikten är upplysta av kärlek och beundran för sitt barn. De skiljer sig åt i karaktär, personlighetstyp; men de är alla vackra med naturlig kvinnlighet, jordisk skönhet. Alla Leonardos verk är utmärkta, och ändå är hans mest kända verk Den sista måltiden (1495-1498) - väggmålningen av refektorn i klostret Santa Maria delle Grazie i Milano, som blev ett landmärke i författarens vetenskapliga forskning och ett nytt ord inom konst; porträtt av fru till köpmannen Gioconde Mona Lisa (c. 1503) med sitt olösta, mystiska leende. Många anhängare av konstnären försökte upprepa detta leende på duk, men ingen lyckades. Många begåvade verk är tillägnad en kvinna, men bland dem finns det ingen hymn som är lika i sin mystiska kraft, som skapades av Leonardos geni för att hedra den vackraste och mest mystiska skapelsen av naturen.

I porträttet av Mona Lisa löste konstnären ett problem som förutsåg framtida ambitioner visuella konsterna: de fångade inte ett särskilt tillstånd hos en person utan en komplex process i hans andliga liv. Och nu, i fem århundraden, har "Mona Lisa" inspirerat poeter, musiker, artister, genererat spekulationer, provocerat förfalskning och stöld.

Syntesen av antikens traditioner och kristendomen är mest tydligt förkroppsligad i verk från genial konstnär från renässansen Raphael Santi (1483-1520). I hans arbete löstes två stora problem inom bildkonsten:

bilden av människokroppens plastiska perfektion, som uttrycker den andliga rikedomen och harmonin i en persons inre värld, och konstruktionen av en komplex komposition med flera figurer.

Under hela sitt liv letade Raphael efter en perfekt, harmonisk bild som förkroppsligade sin idé i bilden av Madonna (Madonna Kone-stall, Madonna i det gröna, Madonna med guldfinkan, Madonna i stolen). Höjdpunkten för Raphaels geni var Sixtinska Madonna (1515-1519). Författaren lyckades skapa en bild av en perfekt vacker kvinna med Kristusbarnet i armarna, som hon offrar för försoning av mänskliga synder. Gröna draperier kastades öppna och betraktaren framträdde som Madonna och hade barnet Kristus i sina händer. Den lugna silhuetten av Madonna väver tydligt mot bakgrunden av den ljusa himlen. Hon rör sig med ett lätt, avgörande steg, motvinden blåser veck i hennes kläder, varifrån hennes figur verkar mer påtaglig. Hennes små bara fötter berör knappt det ljusgenomträngda molnet. Detta ger hennes gång en extraordinär lätthet. Och med samma lätthet bär hon sin son, håller honom ut till människor och samtidigt håller honom tätt mot henne.

En ung kvinnas vackra ansikte uttrycker enorm inre styrka. Den innehåller kärlek till barnet, ångest för hans öde och orubblig fasthet, medvetenheten om den prestation hon åstadkommer: en mamma offrar sin enda son för att rädda människor.

Kristi ansikte är inte barnsligt allvarligt. Styrka känns genom den barnsliga bräckligheten: hans ögon ser stadigt och tydligt ut.

En bild perfekt i komposition skapar en känsla av fantastisk harmoni. Detta är ett av de mest framstående verken i konstens värld inom konstnärligt språk, färg, plast, rytm, komposition.

Raphael har arbetat i olika genrer. Han är författare till de berömda freskerna (Skolan i Aten, Parnassus, Utvisningen av Eliodoros, mässan i Bolsen, Befrielsen av aposteln Peter från fängelsehålan etc.) och den största porträttmålaren på sin tid. Han skrev verk där individuella drag smälter samman med de typiska som karaktäriserar eranens bild ("Porträtt av Julius II", "Leo X", "Porträtt av en kardinal", "Lady med en slöja", etc.).

Förutom att måla var Raphael också engagerad i arkitektur, arkeologi och skydd av forntida monument. Rafael dog vid 37 års ålder utan att ha tid att slutföra många av de påbörjade arbetena.

Renässansens tredje titan - Michelapgelo Buonarroti(1475-1564). Efter att ha levt ett långt liv arbetade han både under högrenässansen och under dess nedgång. Michelangelo, den största mästaren i sin tid, överträffade alla i styrkan och rikedomen i pittoreska bilder, medborgarpatos, passion. Målaren, skulptören, arkitekten, poeten Michelangelo gav ett generöst bidrag till världskulturens skattkammare.

Under åren 1496-1499. han skapar sina första skulpturala verk "Bacchus" och "Pieta", som gav honom berömmelse. Från det ögonblicket till slutet av sitt liv blir bilden av en vacker naken kropp huvudtemat för Michelangelos verk. År 1504 slutförde han arbetet med statyn av David (höjden är cirka 5,5 m). Skulpturen fick högt erkännande från allmänheten och de mest framstående konstnärerna på den tiden, det beslutades att installera den framför stadshuset i Florens. Statyens öppning resulterade i ett populärt firande.

Michelangelos målning av det sixtinska kapellets plafond i Vatikanen vittnar om den titaniska förmågan att arbeta, omänsklig sinnesspänning och fysisk styrka. Innan honom var ingen tvungen att utföra ett sådant gigantiskt arbete: freskområdena är 600 kvadratmeter. m på en höjd av 18 m. Michelangelo arbetade ovanför dem från 1508 till 1512. Det finns 343 figurer i den sixtinska plafondens målning, och trots den religiösa plot (scener i Gamla testamentet) är det en psalm till människan, hans perfektion, styrka, mod, skönhet.

De sista två decennierna av Michelangelos liv präglades av förlust av hopp, besvikelse och andlig ensamhet. Men stor mästare fortsatte att skapa fram till slutet av hans dagar och skapade verk som vittnar om hans odödliga geni.

Renässansens största konstnär var Titian Vecellio (1476/77 eller 1480-1576). Han levde ett långt liv som sammanföll med turbulenta och tragiska händelser i Italiens historia. I början av 20-talet av XVI-talet. han blir den mest kända konstnären i Venedig, och berömmelse lämnar honom inte förrän i slutet av sitt liv. Titians borstar tillhör skapelser om mytologiska och kristna ämnen, verk i porträttgenren. Han hade ingen motsvarighet i kompositionens uppfinningsrikedom, hans koloristiska talang var fenomenal.

Titians tidiga verk är fulla av livsglädje ("Earthly and Heavenly Love", "Bacchus and Ariadne" (1523), "The Venus Festival", etc.). I dem framträder han också som antikens sångare, som lyckades inspirera den fria andan i den tiden.

En av de mest kända målningarna från den stora mästaren - "Reclining Venus" (1538). I det avslöjar författaren sin egen typ av skönhet. Venus Titiana är framför allt en vacker jordisk kvinna. Denna målning börjar ett antal dukar som visar skönheten i den nakna kvinnokroppen. Dessa inkluderar fyra versioner av Danae (1545-1554). Genom att återge det antika skönhetsidealet skapar mästaren en bild som bär en vacker jordisk princip, fyller den med mänskligt kött och glädjen att vara.

Under hela sin karriär arbetade Titian i genren av ceremoniellt porträtt och var en av skaparna av denna genre. Hans porträtt kännetecknas av högsta hantverk, färgadel. Men det viktigaste för Titian var överföringen av individualitet och en persons inre värld ("Porträtt av en ung man med en handske", porträtt av Ippolito Riminaldi, Pietro Aretino, Charles V, påven Paul III och många andra).

De sista åren av Titians liv går inför en intensivering av den feodal-katolska reaktionen i Italien, inklusive i Venedig, där jesuitorden och inkvisitionen tränger in. Tragiska motiv dyker upp i konstnärens arbete som ett resultat av ångest och besvikelse. Han skriver mer och mer om forntida ämnen ("Venus och Adonis", "Jupiter och Antiope", "Diana och Actaeon", etc.).

Hans målnings natur förändras: ljus, ljus färg viker för kraftfull, stormig målning, kompositionen blir mer dynamisk. I deras andlighet, inre drama, färgkraft överträffar Titians senare verk allt som konstnären tidigare skapat. Sådana är "Venus före spegeln" (1553), "Boende Maria Magdalene" (1565), "St. Sebastian "(1570)," Pieta "(1576). De sista verk av Titian tillhör den sena renässansen.

Den stora mästaren hade många lärjungar, men ingen av dem kunde överträffa läraren. Titians arbete hade en enorm inverkan på målningen under nästa sekel.

Arkitektur. I renässansens konstnärliga kultur är en av de ledande platserna upptagen av arkitektur. Renässansen markerade en ny etapp i dess utveckling. Framträdande dragen arkitektur under denna period blir: en ökning av omfattningen av civil, sekulär konstruktion, en förändring av naturens monumentala, kultarkitektur - vertikalism, en uppåtriktad inneboende i medeltidens gotik, ersätts av nya former som utvecklas i bredd. Människan blir ett storskaligt mått på strukturer.

Renässansarkitektur kännetecknas av enkelhet i volymer, former och rytm; lugn och statisk; kompositionens symmetri;

dela upp byggnaden i våningar med horisontella stavar; en tydlig ordning för placering av fönsteröppningar och arkitektoniska detaljer. Beställningssystemet överförs här från forntida arkitektur. De viktigaste arkitektoniska elementen är återigen architrave, archivolt, pelare, pylon, pilaster och valv, och de viktigaste geometriska formerna är fyrkantiga, rektangel, kub, boll. Helt från början och genom alla perioder av renässansen passerar principen om konstnärlig individualism, ett fritt överklagande till gamla former. Den nya eran har skrivit in de stora namnen på F. Brunelleschi, L. Albert, D. Bramante, Miche-langelo Buonarroti, F. Delorma och andra i arkitekturens världshistoria.

Liksom alla groddar från renässanskulturen har ny arkitektur sitt ursprung i Italien. I sin utveckling kan tre huvudperioder urskiljas: den tidiga perioden - 1420-1500. Dess ledande arkitekt var F. Brunelleschi, och huvudcentret i provinsen Toscana och dess huvudstad Florens är vaggan för den italienska renässansen. hög period - 1500-1540, då D. Bramante blev den ledande arkitekten, och centrum flyttade till Rom; sen period - 1540-1580. Den tidens ledande arkitekten var den stora skulptören och målaren Michelangelo Buonarroti.

Den tidiga perioden av renässansarkitektur var en övergång från medeltida gotiska till nya arkitektoniska former. Gamla detaljer bevarades fortfarande i byggnaderna, ordern hade ingen strikt proportionell konstruktion, stor betydelse fäst vid prydnaden. Den höga perioden kännetecknades av en mer stram, monumental arkitektur, korrekt hittade proportioner. Ornament fick inte längre så stor betydelse. Den sena perioden, som fortsätter och utvecklar traditionerna för de två första, avslöjar nya funktioner - dekorativitet, skönhet, komplexitet av arkitektoniska former, som senare fann sin fulla utveckling i barockstil.

Renässansens första arkitektoniska arbete var byggandet av barnhemmet i Florens, designat 1421 av grundaren av den italienska renässansarkitekturen. F. Brunelleschi (1377-1446). Denna byggnad skilde sig avsevärt från de gotiska byggnaderna under medeltiden och bar funktionerna i den nya stilen.

Utformningen och konstruktionen av Europas största kupol över den florentinska katedralen Santa Maria del Fiore (dess diameter är 42 m) var av stor betydelse för hela efterföljande arkitekturutveckling.

I utvecklingen av renässansarkitektur hör en viktig plats till byggandet av palatsarkitektur - palazzo (ett rektangulärt hus med en stängd rektangulär gård). Dessa arkitektoniska strukturer hade det hårda utseendet på fästningar, eftersom de utförde defensiva funktioner. De bästa exemplen på 1400-talets palats ligger i Florens, härifrån sprids denna stil gradvis till andra städer i Italien. De mest kända är Palazzo Pitti (1458), Palazzo Strozzi (1489), Palazzo Gondi (1490), etc. Denna typ av byggnad fortsatte att utvecklas under hela renässansen mot större dekorativitet.

Högrenässansen är förknippad med den ökade politiska aktiviteten hos påvedömet. Påven Julius II och Leo X bjöd in stora arkitekter till Rom - Bramante, Raphael, Michelangelo m.fl. Rom blev Italiens arkitektoniska huvudstad och behöll denna roll till denna dag.

Grundaren av högrenässansen i arkitektur var Donato Bramante (1444-1514), och hans största skapelse är projektet för en storslagen konstruktion av renässansen - katedralen i St. Peter. Han var en av de högsta prestationerna inom renässansarkitekturen. Byggandet började 1506 och fortsatte fram till arkitektens död. Rafael Santi fortsatte sitt arbete och efter honom Antonio da Sangallo. År 1546 övertogs byggandet av Michelangelo, som utvecklade en ny version av projektet. Vid tiden för hans död (1564) var byggandet av katedralen i princip slutfört.

Sen renässans - det är dags för vidareutveckling av traditionerna från föregående steg. Dess särdrag är att två komplementära tendenser tydligast uppenbarades i arkitekturen: en var förknippad med tillväxten av klassiska, akademiska traditioner, den andra - med förstärkning av dekorativitet, proto-barocktendenser. Den sena renässansen representeras främst av skapelserna av Michelangelo Buonarroti, Giacomo Vi-niola, Andre-Palladio. Michelangelos arkitektoniska mästerverk visar att han närmade sig deras skapande som en skulptör, en mästare i plast. När han skapade en eller annan bild, form, gick han ibland till brott mot konstruktiv logik och försökte öka konstnärlig, emotionell uttrycksförmåga. Michelangelos geni lade före sin tid grunden för nya trender, som blev utbredda senare och förutbestämde barockstilens födelse.

En annan framstående arkitekt under den granskade perioden J. Vignola (1507-1573) skrev den berömda avhandlingen "The Rule of Five Orders of Architecture", som praktiskt taget användes av arkitekterna i världen fram till XX-talet. Det beskriver ett system för att bygga order baserat på flera numeriska förhållanden av element. Bland de bästa skapelserna i Vignola är påven Julius III, som ligger nära Rom, Jesuitordningens huvudkyrka i Rom, Il Gesu och andra.

Skapande A. Palladio (1508-1580) är associerad med sin hemstad Vicenza. Det hade en enorm inverkan på utvecklingen av italiensk och världsarkitektur, främst på klassicismens arkitektur under andra hälften av 1700-talet och första hälften av 1800-talet.

Palladio byggde ett antal palats i Vicenza och flera villor i närheten. Alla hans verk kännetecknas av en bred och varierad tillämpning av ordningen, perfektion av proportioner, fantastisk harmoni, utsökt plast (Palazzo Chiericati, Valmarana, Villa Rotonda, Teatro Olimpico, etc.).

Arkitekturen i den italienska renässansen påverkade avsevärt utvecklingen av arkitekturen i europeiska länder, men där var det sent i ett helt sekel på grund av mer stabila feodala relationer och gotiska traditioner.

Fiktion. Karaktären och innehållet i den nya eran diversifierades av fiktion. De första skotten av den humanistiska ideologin kom till uttryck i Dantes arbete, "medeltidens sista poet och New Age första poet."

Dante Alighieri (1265-1321), Giovanni Boccaccio (1313-1375) och Francesco Petrarca (1304-1374) - de största författarna till den italienska renässansen. Enligt karaktären av kreativitet, teman, genrer - de är alla helt olika. Men det finns en funktion som förenade deras historiska öde. Alla skrev mycket och lämnade inte bara konstverk utan också några litterära verk, men i världslitteraturens historia är vart och ett av dessa namn associerat med ett, huvudverket: Dante - med "Divine Comedy", Boccaccio - med "Decameron", Petrarch - med dikter tillägnad Laura.

Dante arbetade med sitt huvudverk i många år och slutförde det i slutet av sitt liv. Han kallade det "komedi". Epitetet "gudomligt" fick henne av Boccaccio som ett tecken på beundran för diktens skönhet, och denna epitel bevarades för henne. Den gudomliga komedin skrevs på italienska i genren vision, dröm, populär i medeltida litteratur. Dikten består av tre delar ("Hell", "Purgatory" och "Paradise") och 100 låtar. Dantes guide genom helvetets cirklar (det finns nio av dem) och skärselden var Virgil, en romersk poet, själv i den första cirkeln. Huvudidén med dikten är en belöning för alla jordiska gärningar i efterlivet. Från "Divine Comedy" dras trådar in i en senare tidars litteratur. När det gäller djupet av den filosofiska förståelsen av världen är Goethes tragedi Faust i linje med den. Dante och Goethes inflytande känns tydligt i "Mästaren och Margarita" av M. Bulgakov. A. Solzhenitsyn kallar en av sina romaner "Den första cirkeln". Kärlekshistorien om Francesca och Paolo blir temat för S. Rachmaninoffs opera Francesca da Rimini. På samma ämne, P.I. Tchaikovsky skrev den symfoniska dikten Francesca da Rimini.

"Decameron" (från grekiska - tio dagar) av G. Boccaccio - en samling noveller med en litterär ram. Detta är en traditionell komposition. Detta är hur tusen och en natt byggs, så här skrevs Novellino i Italien. En innovation var underordnande av denna form till lagarna i den "gotiska vertikalen" - från låg till sublim - det var i denna ordning som romanerna lokaliserades, och själva begreppen "sublim" och "låg" fick en humanistisk tolkning. Berättelserna är olika. Dessa är både forntida legender och medeltida legender, men mest av allt är pålitliga fall från livet och anekdoter. Idén om Boccaccio och bokens struktur bildades under påverkan av Dante: samma princip från basen till det sublima - från syndarna till "helvetet" till det heligaste "paradiset" - från Dante; från satiriska karaktärer till roguish och slutligen till positiva idealiserade hjältar - i Boccaccio. Boccaccios innovation är att han överförde den kosmiska kompositionen till det verkliga jordiska livet utan änglar, djävlar och helgon. Den naturliga principen i Decameron motsätter sig de onaturliga lagarna i samhället, kyrkans asketism och klassfördomar. Problemen med "Decameron" är universella och samtidigt sociala. Boccaccios verk är så rikt på händelser att många dramatiker lånade plot från det för sina drama: Shakespeare - dramat "Cymbelin" och komedin "The End is the Crown of Business", Lope de Vega, Moliere. Den ryska kompositören D. Bortnyansky skrev en opera baserad på en plot från The Decameron (The Falcon. 1786).

Till skillnad från Dante skrev Petrarch oftast på latin, men hans odödliga komposition, The Canzonere, Song of Book, skrevs på folkmomenten. Själv lade han inte mycket vikt vid sina lyriska sånger. Först senare började han ta dessa dikter på allvar, redigerade och förbättrade dem många gånger. Petrarch delade diktsamlingen i två böcker: "On the Life of Madonna Laura", "On the Death of Madonna Laura".

Petrarchs kärlek är en riktig jordisk känsla, och Laura själv är en konkret kvinna. Petrarch nämner datumet för deras första möte, datumet för hennes död.

Petrarch har ingen beskrivning av Laura. Han talar bara om hennes ögon och de blir en symbol för Laura själv: "Du kommer inte att se mitt svek, ögonen som lärde mig kärlek." Dessa ord innehåller tanken på lojalitet mot den kvinna du älskar. Men inte bara: de betraktar skönhet som den högsta visheten, som kan lära ut den mest underbara känslan av kärlek. Petrarchs kärleksbegrepp är helt humanistiskt, för kärlek framträder för honom som en känsla som ger både glädje och plåga samtidigt. I detta skiljer det sig från himmelsk kärlek, som bara ger glädje. Förändringen av känslor - glädje och smärta, lycka och lidande, adlar en person, föder poesi. Kärlek är alltid vacker, den berikar en människa, även om det är oräknelig kärlek. Och efter Lauras bortgång från livet lever poeten inte bara med hopp om att träffas i himlen utan också med minnet av henne, som hålls för honom av alla levande saker, som om det speglar hennes utseende. Kärlek förblir alltid en del av det jordiska livet och poetens lycka.

Kanslern har också politiska motiv som återspeglar tidens komplexa förhållanden. Det finns tankar som fortfarande låter moderna. Således anser Petrarch att kulturen är motsatsen till krig, det är bara möjligt under förhållanden med fred: ”Jag går och ropar: Fred! Fred! Fred! " han avslutar en av sonetterna. Petrarch gjorde ett stort bidrag till verssteorin och upptäckte sonettens rikaste möjligheter.

Och ytterligare en av många, en ljus figur av den litterära världen - Niccolo Machiavelli (1469-1527) - Italiensk författare och politiker från sen renässans. Hans politiska avhandling The Sovereign är allmänt känd. Modern litteratur definierar denna genre som en dystopi: de mest tragiska och omänskliga idéerna från 1500-talet utvecklas här. Machiavelli skrev dock inte bara politiska avhandlingar utan också poesi, dikter, noveller, komedier. Karaktärerna i hans komedi "Mandragora" förutspår bilderna av senare tiders dramatikerhjältar: skurken Ligrio liknar Shakespeares Iago och Figaro Beaumarchais, den hycklare Timoteo är prototypen för Moliere's Tartuffe. Och detta visar återigen, avslöjar det inflytande som renässanskulturen hade på hela den europeiska kulturen.

Renässansen uppstod och tydligast manifesterades i Italien. När de pratar om renässansen idag menar de först och främst det.

Egentligen är den italienska renässansens tid uppdelad villkorligt i ett antal steg:

• - Tidig renässans (trecento och quattrocento) - mitten av XIV - XV århundraden;
• - Hög renässans (Cinquecento) - fram till andra tredjedelen av 1500-talet;
• - Sen renässans - andra tredjedel av 16 - första hälften av 1600-talet.

Förutom att dela upp renässansen i historiska perioder är uppdelningen i konstskolor viktig för att förstå den. Hela eran av den italienska renässansen gick under tecknet på den kreativa tävlingen mellan två stora skolor - den florentinska och den venetianska. Den förra dominerade tidig och hög renässans, den senare dominerade hög och sen.

Grundaren av den florentinska skolan var Giotto (XII-XIV århundraden). I början av 1400-talet blev den florentinska skolan avantgarde för renässansens humanistiska konst (arkitekter F. Brunelleschi, LB Alberti, skulptörer Donatello, L. Ghiberti, målare Masaccio, A. Verrocchio, S. Botticelli). Det nådde sin topp i Leonardo da Vincis och Michelangelos konst. Denna skola kännetecknas av en djupgående religiös början, en mytologisk uppfattning av världen och subtil psykologi.

Den venetianska skolan upplevde sin största blomning under andra hälften av renässansen - på 15-1600-talet. (familjen Bellini, V. Carpaccio, Giorgione, Titian, P. Veronese, J. Tintoretto) och sedan på 1700-talet. (J.-B. Tiepolo, A. Canaletto, P. Longhi, F. Guardi). Den venetianska skolan kännetecknas av en sekulär, livsbekräftande princip, poetisk uppfattning av världen, människan och naturen, subtil kolorism.

Om vi \u200b\u200btalar om kronologi, skiljer sig vanligtvis proto-renässansperioden till ett oberoende stadium (period XIII - tidigt XIV-tal). Det tillhör inte själva renässansen utan till det förberedande steget. Proto-renässansen präglades av verk av den stora poeten Dante Alighieri (1265-1321), arkitekten Arnolfo di Cambio, skulptören Niccollo Nizano, målarna Pietro Cavallini och särskilt Giotto di Bondone (1266 / 1266-337), som banade väg för renässanskonsten.

Trecento (XIV-talet) kännetecknas av kulturella innovationer inom flera områden samtidigt: Dantes poesi och Petrarchs sonetter öppnade en ny litteratursida; den oändliga Giotto dök upp i målningen; arkitekter uppförde underbara strukturer av ny arkitektur (katedralen Santa Maria del Fiore i Florens och andra). Samtidigt skapade de norditalienska städerna - Florens och Bologna, Padua och Pisa, Perugia och Rimini - sin ars nova (ny konst) inom musik.

Av de många verk av den stora renässanspoeten Dante (en cykel av sonetter, kanoner och ballader, filosofiska och politiska avhandlingar) är den viktigaste den gudomliga komedin - en episk dikt i tre delar (helvetet, skärselden, paradiset) och 100 sånger, kallas medeltidens poetiska uppslagsverk. Precis som A.S. Pushkin är skaparen av det ryska litterära språket, Dante krediteras rollen som skaparen av det italienska litterära språket.

Om Dante lade grunden för modern europeisk litteratur, var ett annat geni - Giotto - grundaren av den nya europeisk målning... Genom att bryta med de medeltida kanonerna introducerade han den jordiska principen i religiösa scener och skildrade evangeliets legender med oöverträffad vitalitet. Giotto öppnade inte bara en ny etapp i målningens historia utan blev en av dess ljusaste reformatorer. Med hjälp av ett antal kända tekniker vid hans tid - vinklade förkortningar, ett förenklat, så kallat antikt perspektiv - gav han det konstnärliga rummet illusionen av djup, utvecklade tekniker för tonskuggning och skuggmodellering genom att gradvis lätta den huvudsakliga, mättade tonen, vilket gjorde det möjligt att ge formerna en nästan skulpturell volym.

I den tidiga renässansen ingår två litterära verk största poeter - Francesca Petrarchi (1304-1374) och Giovanni Boccaccio (1313-1375). Tillsammans med Dante anses de vara skaparna av det italienska litterära språket. Petrarch stannade kvar i renässansens historia som den första humanisten som inte placerade människan i centrum för sitt arbete. Petrarchs sonetter om Madonna Lauras liv och död, som ingår i samlingen "The Book of Songs", fick världsberömmelse.

Den stora humanisten Boccaccio skapade dikter baserade på ämnen i antik mytologi, den psykologiska berättelsen "Fiammetta" (1343), pastoraler, sonetter. Det viktigaste konstverket av Boccaccio var hans Decameron, en samling av 100 noveller.

Sandro Botticelli (1445-1510) anses vara en enastående mästare i tidig renässans. Bland hans verk blev målningen "Födelsen av Venus" den mest kända. Hans verk bygger på religiösa och mytologiska ämnen, de präglas av inspirerad poesi, spel av linjära rytmer, subtil färgning.

Representanter för tidig renässans var arkitekten Philippe Brunelleschi (1377-1446), som byggde kupolen i Florens domkyrka och gav ett stort bidrag till grundläggande vetenskap (teorin om linjärt perspektiv), och skulptören Donatello (ca 1386-1466), som var den första som presenterade en naken kropp i skulptur, som skapade en ny typ av rund staty och skulpturell grupp, pittoresk lättnad.

Sedan dess började sekulära strukturer - offentliga byggnader, palats, stadshus - spela en ledande roll i arkitekturen. Med hjälp av den ordnade uppdelningen av väggen, välvda gallerier, kolonnader, valv, kupoler gav arkitekterna sina byggnader majestätisk klarhet, harmoni och proportionalitet till människan.

Högrenässansperioden var relativt kort och är främst associerad med namnen på tre geni mästare - Leonardo da Vinci (1452-1519), Raphael Santi (1483-1520) och Michelangelo Buonarroti (1475-1564). Renaissance-kulturens storhetstid föll, konstigt nog, under den ekonomiska och politiska nedgången i Italien.

Leonardo da Vinci var den mest slående personligheten och visade världen idealet för renässansens "universella människa". Genom att kombinera utvecklingen av nya metoder för konstnärligt språk med teoretiska generaliseringar skapade han majestätiska dukar, bland vilka de mest kända är Den sista måltiden och La Gioconda. Han blev också känd som forskare och ingenjör. Han äger många upptäckter, projekt, experimentell forskning inom matematik, naturvetenskap, mekanik. Leonardo da Vinci berikade nästan alla kunskapsområden med idéer och betraktade hans ritningar som skisser för en jätte naturfilosofisk uppslagsverk.

Den yngre samtiden av Leonardo, den stora målaren Raphael, gick in i historien som skaparen av en cykel av mästerverk associerade med bilden av Madonnas (konstnärliga bilder av Guds Moder). Den största skapelsen av Raphael - "Sixtinska Madonna". Befälhavaren fick också berömmelse för sina arkitektoniska projekt av palats, villor, målningar av statliga rum i Vatikanpalatset. Precis som Leonardo da Vinci arbetar Raphael mycket från naturen, studerar anatomi, rörelsemekanik, komplexa ställningar och kameravinklar och letar efter kompakta, rytmiskt balanserade kompositionsformler. Raphael hade en enorm inverkan på den efterföljande utvecklingen av italiensk och europeisk målning och blev tillsammans med antikens mästare det högsta exemplet på konstnärlig excellens.

Den sista titan av högrenässansen var Michelangelo, en stor skulptör, målare, arkitekt och poet. Trots sina mångsidiga talanger kallas han Italiens första tecknare tack vare det mest betydelsefulla arbetet från en redan mogen konstnär - målningen av det Sixtinska kapellets valv i Vatikanpalatset (1508-1512). Den totala ytan på fresken är 600 kvm. meter. Det är en konstnärlig illustration av bibliska berättelser från skapelsen av världen. Fresken på altarväggen i det sixtinska kapellet "The Last Judgment" sticker ut särskilt från mästarens målningar. Som skulptör blev Michelangelo känd för sitt tidiga arbete "David", och som arkitekt blev han formgivare och byggledare för huvuddelen av byggnaden av Peterskatedralen i Rom, som fortfarande är den största katolska kyrkan i världen.

Perioden under den höga och sena renässansen var högtid för den venetianska skolans konst, bland vars representanter två stora målare sticker ut - Giorgione (1476-1510), som odödliggjorde sitt namn med sina dukar "Judith", "Sleeping Venus", "Country Concert", Titian (c. 1489 / 90-1576), som efter Giorgiones alltför tidiga död, i vars verkstad han studerade, blev chef för den venetianska skolan. Gemensamt för Giorgione och tidiga Titian är målningens uttalade sekulära karaktär och livsbekräftande motiv. Till skillnad från de dystra florentinerna verkar venetianerna bara hitta ljusa sidor i livet. Harmonisk, rik på nyanser av målning av Giorgione uttrycker den poetiska känslan av att bli kär i skönheten i den jordiska existensen, människans och naturens enhet.

Senrenässansperioden präglades av ett antal viktiga förändringar i konsten. Många målare, poeter, skulptörer, arkitekter övergav humanismens idéer, eftersom de bara ärvt renässansens stora mästare och sätt (så kallad mannerism).

Jacopo Pontormo (1494-1557) och Angelo Bronzino (1503-1572), som huvudsakligen arbetade inom porträttgenren, utses till de viktigaste grundarna för manism. Manierism kan helt och hållet tillskrivas arbetet av Jacopo Tintoretto (1518-1594), en representant för den venetianska skolan i senrenässansen, som försökte konkurrera med Michelangelo i storheten av hans idéer. Han skapar en overklig värld där konstnärens personliga känslor alltid finns. En annan representant för den venetianska skolan, den stora målaren Paolo Veronese (1528-1588), som skapade många festliga, sekulära i andemålningar, tillämpade ändå manierism på att dekorera palats redan som en medveten metod och utvecklade ett av de mest älskade manerismteman - ett fantastiskt landskap eller ett landskap med ruiner.

Grundaren av den realistiska trenden i den europeiska målningen från 1600-talet är Michelangelo da Caravaggio (1573-1610). Mästarens dukar kännetecknas av enkelhet i komposition, emotionell spänning, uttryckt genom kontrasterna mellan ljus och skugga. Caravaggio var den första som motsatte sig den imitativa riktningen i målning (mannerism) med realistiska ämnen i folklivet. I huvudsak var Caravaggio initiativtagare till en stor målerivolution, som till och med påverkade utländska konstnärer. Hans konst hade en enorm inverkan inte så mycket på italienarna utan på 1600-talets ledande västeuropeiska mästare - holländare, flamländare, franska, spanjorer: Rubens, Jordaens, Georges de Latour, Zurbaran, Velasquez, Rembrandt. Karavagism födde två populära genrer: stilleben och scener från folklivet, som blev särskilt populärt i Europa. Europa antog italienarnas banbrytande anda, och i Italien avvisade kyrkan Caravaggios naturism starkt. Och uppenbarligen inte av en slump, för den italienska renässansen har redan avslutats. Italien sa nästan allt det kunde säga. Det var den nordeuropeiska renässansens tur.

Introduktion

Historieskrivning

Renässansens huvudstadier

Tidig renässans

Hög renässans

Sen renässans

Kännetecken för renässansarkitekturen

Renässanskonst

Slutsats

Bibliografi

Introduktion

”Jag skapade dig som en varelse inte himmelsk, men inte bara jordisk, inte dödlig, men inte heller odödlig, så att du, främmande för begränsningar, skulle bli din egen skapare och slutligen skapa din egen bild. Du har fått möjlighet att falla till ett djurs nivå, men också möjligheten att stiga till ett gudlikt väsens nivå - enbart tack vare din inre vilja ... "

Så säger Gud till Adam i avhandlingen av den italienska humanisten Pico della Mirandola "Om människans värdighet." I dessa ord kondenseras den andliga upplevelsen av renässansen, den förändring av medvetandet som hon gjorde uttrycks.

Renässansarkitektur - utvecklingsperioden för arkitektur i europeiska länder från början av 15-talet till början av 1600-talet, under renässansens allmänna förlopp och utvecklingen av grunden för den andliga och materiella kulturen i antika Grekland och Rom. Denna period är ett vattendrag i arkitekturens historia, särskilt i förhållande till den tidigare arkitektoniska stilen, gotiken. Gotik, till skillnad från renässansarkitektur, sökte inspiration i sin egen tolkning av klassisk konst.

Historieskrivning

Ordet "renässans" (fransk renässans) kommer från termen "la rinascita", som först användes av Giorgio Vasari i boken "Biografier av de mest kända italienska målare, skulptörer och arkitekter" som publicerades 1550-1568.

Termen "renässans" för att beteckna motsvarande period introducerades av den franska historikern Jules Michelet, men den schweiziska historikern Jacob Burckhardt avslöjade definitionen i sin bok "Kultur av den italienska renässansen", hans tolkning låg till grund för den moderna förståelsen av den italienska renässansen. Publiceringen av ett album med teckningar "Byggnader i det moderna Rom eller samling av palats, hus, kyrkor, kloster och andra mest betydelsefulla offentliga strukturer i Rom" som publicerades av Paul Le Taruill 1840 utlöste ett växande intresse för renässansen. Sedan ansågs renässansen vara en stil som "efterliknar det antika".

Den första representanten för denna trend kan kallas Filippo Brunelleschi, som arbetade i Florens, en stad, tillsammans med Venedig, betraktad som ett renässansmonument. Sedan sprids den till andra italienska städer, Frankrike, Tyskland, England, Ryssland och andra länder.

Renässansens huvudstadier

Vanligtvis är den italienska renässansen uppdelad i tre perioder. I konsthistorien kan vi prata om utvecklingen av konst och skulptur inom ramen för den tidiga renässansriktningen under XIV-talet. I arkitekturhistorien är situationen annorlunda. På grund av den XIV-talets ekonomiska kris började renässansperioden i arkitektur först i början av XV-talet och varade fram till början av XVII-talet i Italien och längre utanför dess gränser.

Tre huvudperioder kan urskiljas:

· Tidig renässans eller Quattrocento, ungefär samma som 1400-talet.

· Högrenässans, första kvartalet på 1500-talet.

· Manierism eller sen renässans (andra hälften av XVI-talet. XVII-talet).

I andra europeiska länder utvecklades sin egen pre-renässansstil och själva renässansen började inte tidigt på 1500-talet, stilen ympades på redan befintliga traditioner, vilket resulterade i att renässansens byggnader i olika regioner kan ha något liknande egenskaper.

I själva Italien övergick renässansarkitekturen till manistisk arkitektur, representerad i ganska olika tendenser i verk av Michelangelo, Giulio Romano och Andrea Palladio, som sedan återföds till barocken med liknande arkitektoniska tekniker i ett annat allmänt ideologiskt sammanhang.

Tidig renässans

Under Quattrocento-perioden upptäcktes och formulerades normerna för klassisk arkitektur. Studien av antika prover ledde till assimilering av klassiska element i arkitektur och utsmyckning.

Rymden, som en arkitektonisk komponent, är organiserad på ett sätt som skiljer sig från medeltida representationer. Det var baserat på proportionerna, formen och sekvensen av delar är underordnade geometrin och inte intuitionen, vilket var ett kännetecken för medeltida byggnader. Det första exemplet på perioden kan kallas basilikan San Lorenzo i Florens, byggd av Filippo Brunelleschi (1377-1446).

Filippo Brunelleschi

Filippo Brunelleschi (italienska Filippo Brunelleschi (Brunellesco); 1377-1446) - den stora italienska arkitekten från renässansen.

Filippo Brunelleschi föddes i Florens i familjen till notarius Brunelleschi di Lippo. Som barn fick Filippo, till vilken hans fars praxis skulle passera, en humanistisk uppfostran och den bästa utbildningen för den tiden: han studerade latin, studerade forntida författare.

Efter att ha övergivit en karriär som notarie var Filippo från 1392 i läran, troligen hos guldsmed, och praktiserades sedan som lärling hos en guldsmed i Pistoia; Han studerade också teckning, modellering, gravyr, skulptur och målning, i Florens studerade han industriella och militära maskiner, förvärvade betydande kunskaper i matematik för den tiden i studien av Paolo Toscanelli, som enligt Vasari lärde honom matematik. År 1398 gick Brunelleschi med i Arte della Seta, som inkluderade guldsmeder. I Pistoia arbetade den unga Brunelleschi på silverfigurerna av St.Jacobs altare - hans verk påverkas starkt av Giovanni Pisanos konst. I arbetet med skulpturerna fick Brunelleschi hjälp av Donatello (han var då 13 eller 14 år gammal) - från den tiden bunden vänskapen mästarna för livet.

År 1401 återvände Filippo Brunelleschi till Florens, deltog i den tillkännagivna Arta di Calimala (verkstaden för tyghandlare) för dekoration av de två bronsportarna till det florentinska baptisteriet med reliefer. Jacopo della Quercia, Lorenzo Ghiberti och ett antal andra mästare deltog i tävlingen med honom. Tävlingen, ledd av 34 domare, för vilken varje mästare var tvungen att lämna in en bronsrelief "Isaks offer" utförd av honom, varade ett år. Tävlingen gick förlorad för Brunelleschi - Ghibertis lättnad överträffade honom konstnärligt och tekniskt (den var gjuten från ett stycke och var 7 kg lättare än Brunelleschis).

Förolämpad av det faktum att han tappat tävlingen lämnade Brunelleschi Florens och åkte till Rom, där han kanske bestämde sig för att studera forntida skulptur till perfektion. I Rom vände sig den unga Brunelleschi från plast till konsten att bygga och började noggrant mäta de återstående ruinerna, skissera planer för hela byggnader och planer för enskilda delar, huvudstäder och taklistar, projektioner, byggnadstyper och alla detaljer. Han var tvungen att gräva ut de återfyllda delarna och fundamenten, han var tvungen att rita upp dessa planer i en enda helhet hemma, återställa det som inte var helt intakt. Så han var genomsyrad av antikens anda, arbetade som en modern arkeolog med ett måttband, en spade och en penna, lärde sig att urskilja typerna och strukturen i antika byggnader och skapade den första historien om romersk arkitektur i mappar med sina studier.

Bruneleskis verk:

1401-1402 tävling om temat "Abrahams offer" från Gamla testamentet; ett projekt av bronsreliefer för de norra dörrarna till det florentinska dopkapellet (28 reliefer inneslutna i ett kvadrifolium som mäter 53 × 43 cm). Brunelleschi förlorade. Tävlingen vann av Lorenzo Ghiberti. "Stängd av kommissionens beslut, vände Brunelleschi ryggen på sin hemstad och åkte till Rom ... för att studera äkta konst där." Lättnaden finns i Bargello National Museum, Florens.

1412-1413 Korsfästelse i kyrkan Santa Maria Novella (Santa Maria Novella), Florens.

1417-1436 Kupolen i katedralen Santa Maria del Fiore, eller helt enkelt Duomo, är fortfarande den högsta byggnaden i Florens (114,5 m), utformad på ett sådant sätt att hela stadens befolkning kan passa in i "en stor ... byggnad som svävar upp i himlen överskuggar alla toskanska länder ”skrev om honom Leon Battista Alberti.

1419-1428 Gammal sakristi (Sagrestia Vecchia) av kyrkan San Lorenzo, Florens. 1419 beslutade kunden Giovanni di Bicci, grundare av familjen Medici, fader till Cosimo il Vecchio, att bygga om katedralen, som då var en liten församlingskyrka, men Brunelleschi lyckades bara avsluta det gamla sakristiet, det nya sakristiet (Sagrestia Nuova ), redan designad av Michelangelo.

1429-1443 kapell (kapell) Pazzi (Cappella de'Pazzi), beläget på gården av den franciskanska kyrkan Santa Croce (Santa Croce) i Florens. Det är en liten kupolbyggnad med en portik.

· Kyrkan Santa Maria degli Angeli, som startade 1434 i Florens, förblev oavslutad.

1436-1487 Santo Spiritos kyrka, färdigställd efter arkitektens död. "Den centrerade kupolformade byggnaden med lika kvadrater och sidofartyg med kapellnischer utvidgades sedan genom tillägg av en längsgående byggnad till en basilikakolonn med platt tak."

· Palazzo Pitti lanserades 1440 och slutfördes äntligen först på 1700-talet. Arbetet avbröts 1465 på grund av att köpmannen Luca Pitti, slottets kund, gick i konkurs och Medici (Eleanor av Toledska, hustru till Cosimo I) köpte bostaden 1549, exakt vem Luca Pitti ville inreda, efter att ha beställt sådana fönster samma storlek som dörrarna till Medici Palazzo.

Enligt Brunelleschi borde ett riktigt renässanspalats ha sett ut så här: en tre våningar fyrkantig byggnad med murverk av florentinsk klippad sten (bryts direkt på platsen där Boboli-trädgårdarna nu ligger, bakom palatset), med 3 stora entrédörrar på den första golv. De två övre våningarna är kapade av 7 fönster på varje sida och förbundna med en rad balkonger som löper längs hela fasadens längd.

Först 1972 blev det känt att Brunelleschi begravdes i katedralen Santa Reparata (IV-V århundraden, i Florens) i den tidigare kyrkan, på resterna av vilka katedralen Santa Maria del Fiore uppfördes ( ).

Renässans (renässans). Italien. XV-XVI århundraden. Tidig kapitalism. Landet styrs av rika bankirer. De är intresserade av konst och vetenskap.

De rika och inflytelserika samlar de begåvade och kloka runt dem. Poeter, filosofer, målare och skulptörer har dagliga samtal med sina beskyddare. För ett ögonblick verkade det som om människor styrdes av vise, som Platon ville.

De kom ihåg de forntida romarna och grekerna. De byggde också ett samhälle av fria medborgare, där huvudvärdet är en person (förstås inte räknas slavar).

Renässansen kopierar inte bara konsten från antika civilisationer. Detta är förvirring. Mytologi och kristendom. Naturens realism och själsliga bilder. Fysisk och andlig skönhet.

Det var bara en blixt. Högrenässansen är ungefär 30 år gammal! Från 1490-talet till 1527 Sedan början av kreativitetens blomstrande Leonardo. Innan Roms säck.

Mirage av en idealvärld bleknade snabbt. Italien visade sig vara för ömtålig. Hon blev snart förslavad av en annan diktator.

Dessa 30 år har dock bestämt de viktigaste funktionerna i den europeiska målningen i 500 år framöver! Upp till .

Bildens realism. Antropocentrism (när världens centrum är människan). Linjärt perspektiv. Oljemålningar. Porträtt. Landskap…

Otroligt, under dessa 30 år arbetade flera lysande mästare på en gång. Vid andra tillfällen föds de en på 1000 år.

Leonardo, Michelangelo, Raphael och Titian är renässansens titaner. Men man kan inte låta bli att nämna deras två föregångare: Giotto och Masaccio. Utan det skulle det inte finnas någon renässans.

1. Giotto (1267-1337)

Paolo Uccello. Giotto da Bondogni. Fragment av målningen "Fem mästare i den florentinska renässansen". Början av 1500-talet. ...

XIV-talet. Proto-renässans. Huvudpersonen är Giotto. Detta är en mästare som ensam revolutionerade konsten. 200 år före högrenässansen. Om det inte vore för honom hade den era som mänskligheten är så stolt över knappast kommit.

Innan Giotto fanns det ikoner och fresker. De skapades enligt de bysantinska kanonerna. Ansikten istället för ansikten. Platta figurer. Icke-iakttagande av proportioner. Istället för ett landskap - en guldbakgrund. Som till exempel i den här ikonen.

Guido da Siena. Tillbedjan av magierna. 1275-1280 Altenburg, Lindenau Museum, Tyskland.

Och plötsligt dyker Giottos fresker upp. De har tredimensionella figurer. Ädla människors ansikten. Gammal och ung. Ledsen. Sorgsen. Överraskad. Olika.

Fresker av Giotto i kyrkan Scrovegni i Padua (1302-1305). Vänster: Klagomål över Kristus. Mitt: Kiss of Judas (detalj). Höger: Bebudelse till Saint Anna (mor Mary), detalj.

Giottos huvudsakliga skapelse är en cykel av hans fresker i Scrovegni-kapellet i Padua. När denna kyrka öppnades för församlingsbarn flödade folkmassor in i den. De hade aldrig sett något liknande.

Trots allt gjorde Giotto något okänt. Han översatte bibliska berättelser till ett enkelt, begripligt språk. Och de har blivit mycket mer tillgängliga för vanliga människor.

Giotto. Tillbedjan av magierna. 1303-1305 Fresco i Scrovegni kapell i Padua, Italien.

Detta är vad som kommer att vara karakteristiskt för många mästare i renässansen. Lakoniska bilder. Livliga känslor av karaktärer. Realism.

Läs mer om mästarens fresker i artikeln.

Giotto beundrades. Men hans innovation utvecklades inte vidare. Mode för internationell gotik kom till Italien.

Först 100 år senare kommer en värdig efterträdare till Giotto att dyka upp.

2. Masaccio (1401-1428)

Masaccio. Självporträtt (fragment av fresken "St. Peter i predikstolen"). 1425-1427 Brancacci kapell i kyrkan Santa Maria del Carmine, Florens, Italien.

Tidigt 1400-tal. Den så kallade tidiga renässansen. En annan innovatör går in på scenen.

Masaccio var den första konstnären som använde linjärt perspektiv. Det designades av hans vän, arkitekten Brunelleschi. Nu har den avbildade världen liknat den verkliga. Leksaksarkitektur hör till det förflutna.

Masaccio. Saint Peter läker med sin skugga. 1425-1427 Brancacci kapell i kyrkan Santa Maria del Carmine, Florens, Italien.

Han antog Giottos realism. Men till skillnad från sin föregångare kände han redan anatomi väl.

Istället för Giottos klumpiga karaktärer är de vackert byggda människor. Precis som de forntida grekerna.

Masaccio. Dop av neofyterna. 1426-1427 Brancacci kapell, kyrka av Santa Maria del Carmine i Florens, Italien.

Masaccio. Utvisning från paradiset. 1426-1427 Fresco i det Brancacci kapellet, kyrka av Santa Maria del Carmine, Florens, Italien.

Masaccio levde ett kort liv. Han dog, precis som sin far, oväntat. Vid 27 år gammal.

Men han hade många anhängare. Nästa generations mästare åkte till Brancacci-kapellet för att lära av hans fresker.

Så Masaccios innovation togs upp av alla stora konstnärer under högrenässansen.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo Da Vinci. Självporträtt. 1512 Kungliga biblioteket i Turin, Italien.

Leonardo da Vinci är en av renässansens titaner. Han påverkade måleriets utveckling på ett kolossalt sätt.

Det var da Vinci som själv höjde konstnärens status. Tack vare honom är representanter för detta yrke inte längre bara hantverkare. Dessa är andens skapare och aristokrater.

Leonardo gjorde ett genombrott främst inom porträtt.

Han trodde att ingenting skulle distrahera från huvudbilden. Blicken bör inte vandra från en detalj till en annan. Så här framträdde hans berömda porträtt. Lakonisk. Harmonisk.

Leonardo Da Vinci. Dam med en hermelin. 1489-1490 Chertoryski Museum, Krakow.

Den viktigaste innovationen hos Leonardo är att han hittade ett sätt att göra bilderna ... levande.

Innan honom såg karaktärerna i porträtten ut som skyltdockor. Linjerna var skarpa. Alla detaljer spåras noggrant. Den målade ritningen kunde aldrig leva.

Leonardo uppfann sfumato-metoden. Han skuggade linjerna. Gjorde övergången från ljus till skugga väldigt mjuk. Hans karaktärer verkar vara täckta med en subtil dis. Karaktärerna fick liv.

4. Michelangelo (1475-1564)

Daniele da Volterra. Michelangelo (detalj). 1544 Metropolitan Museum of Art, New York.

Michelangelo ansåg sig vara en skulptör. Men han var en mångsidig mästare. Liksom hans andra kollegor från renässansen. Därför är hans bildarv inte mindre grandios.

Han känns igen främst av sina fysiskt utvecklade karaktärer. Han skildrade en perfekt person, i vilken fysisk skönhet betyder andlig skönhet.

Därför är alla hans karaktärer så muskulösa och tuffa. Även kvinnor och gamla människor.

Michelangelo. Fragment av den sista domen fresco i Sixtinska kapellet, Vatikanen.

Michelangelo målade ofta karaktären naken. Och sedan avslutade jag ovanpå kläderna. Så att kroppen är så framträdande som möjligt.

Han målade ensamt taket i Sixtinska kapellet. Även om det här är flera hundra siffror! Han tillät inte ens någon att gnugga färgen. Ja, han var okänslig. Han hade en cool och krånglig karaktär. Men mest av allt var han missnöjd med ... sig själv.

Michelangelo. Fragment av fresken "Adams skapelse". 1511 Sixtinska kapellet, Vatikanen.

Michelangelo levde ett långt liv. Överlevde renässansens utrotning. Det var en personlig tragedi för honom. Hans senare verk är fulla av sorg och sorg.

I allmänhet kreativt sätt Michelangelo är unik. Hans tidiga arbete är en förhärligning av den mänskliga hjälten. Gratis och modig. I de bästa traditionerna i antikens Grekland. Som hans David.

Under de sista åren av hans liv är detta tragiska bilder. Avsiktligt grov huggen sten. Som om det före oss finns monument till offren för 1900-talets fascism. Titta på hans Pieta.

Skulpturer av Michelangelo vid konsthögskolan i Florens. Vänster: David. 1504 Höger: Pieta från Palestrina. 1555 g.

Hur är detta möjligt? En konstnär i ett av hans liv gick igenom alla stadier av konst från renässansen till XX-talet. Vad ska nästa generationer göra? Gå din egen väg. Inse att ribban har satts mycket högt.

5. Raphael (1483-1520)

6. Titian (1488-1576).

Titian. Självporträtt (fragment). 1562 g.

Titian var en fulländad färgist. Han experimenterade också mycket med komposition. I allmänhet var han en vågad innovatör.

För en sådan ljusstyrka av talang älskade alla honom. Kallade "kung av målare och kungsmålare".

På tal om Titian, jag vill sätta ett utropstecken efter varje mening. När allt kommer omkring var det han som tog dynamik till målningen. Patos. Entusiasm. Ljus färg. Glans av färger.

Titian. Uppstigning av Maria. 1515-1518 Santa Maria Gloriosi dei Frari kyrka, Venedig.

Mot slutet av sitt liv utvecklade han en ovanlig skrivteknik. Slaglängderna är snabba och tjocka. Han applicerade färgen med en pensel och sedan med fingrarna. Från detta - bilderna är ännu mer levande och andas. Och tomterna är ännu mer dynamiska och dramatiska.

Titian. Tarquinius och Lucretia. 1571 Fitzwilliam Museum, Cambridge, England.

Påminner detta dig om någonting? Naturligtvis är detta en teknik. Och tekniken för artister från XIX-talet: Barbizonians och. Titian, som Michelangelo, kommer att gå igenom 500 års målning i ett av hans liv. Det är därför han är ett geni.

Läs om mästarens berömda mästerverk i artikeln.

Renässanskonstnärer är mästare med stor kunskap. Det var mycket att lära sig att lämna ett sådant arv. Inom historia, astrologi, fysik och så vidare.

Därför får var och en av deras bilder oss att tänka. Varför är det avbildat? Vad är det krypterade meddelandet här?

De hade nästan aldrig fel. Eftersom de grundligt funderade över sitt framtida arbete. Vi använde allt bagage av vår kunskap.

De var mer än konstnärer. De var filosofer. De förklarade världen för oss genom målning.

Det är därför de alltid kommer att vara av djupt intresse för oss.

I kontakt med

En kraftfull ökning av kulturlivet i många europeiska länder, som främst inträffade under XIV-XVI-århundradena, och i Italien började under XIII-talet, kallas vanligtvis renässansen (renässans). Ursprungligen såg ett nytt fenomen i det europeiska kulturlivet ut som en återgång till de glömda prestationerna i den antika kulturen inom vetenskap, filosofi, litteratur, konst, en återgång till det klassiska "gyllene latin". I Italien sökte man manuskript från antika författare, verk av antik skulptur, arkitektur utvanns ur glömska. ...

Det skulle emellertid vara fel att tolka renässansen som en enkel återgång till antiken, eftersom dess representanter inte alls avvisade de medeltida kulturernas prestationer och behandlade det forntida arvet med en viss grad av kritik. Renässansfenomenet är ett mycket mångfacetterat fenomen i Europas kulturella utveckling, vars kärna var en ny världsbild, en ny självmedvetenhet hos människan. Till skillnad från den forntida synen på världen omkring oss, där människan är kallad att lära av naturen, trodde renässansens tänkare att en man begåvad med Gud med fri vilja är skaparen av sig själv och därmed sticker ut från naturen. Som du kan se skiljer sig en sådan förståelse av människans essens inte bara från det forntida utan motsäger också postulaten från medeltida teologi. Fokus för renässansens tänkare var människan, inte Skaparen, som det högsta måttet på allt som finns, på grund av vilket ett sådant synsystem kallas "humanism" (från latin humanus - människa).

Vad var grunden för den nya världsbilden? Det är inte möjligt att besvara denna fråga entydigt. Renässansfenomenet orsakades av ett antal faktorer, bland vilka är de vanligaste för de flesta länder i Västeuropa. Under översynsperioden observerades processen med att bilda nya (borgerliga eller marknadsrelationer) ganska tydligt, vilket krävde förstörelsen av systemet för medeltida reglering av det ekonomiska livet som höll dem tillbaka. Nya förvaltningsformer förutsatte frisläppandet, separationen av ekonomins ämne till en oberoende fri enhet. Denna process åtföljdes av motsvarande förändringar i samhällets andliga liv och framför allt de av dess skikt som låg i centrum för förändringarna.

Vad utgör ett oumbärligt villkor för personlig framgång om inte mer kunskap och skicklighet, mer energi och uthållighet för att uppnå målet? Förverkligandet av denna sanning tvingade många samtida under renässansen att vända blicken mot vetenskap och konst, orsakade ett ökat behov av kunskap i samhället och höjde utbildade människors sociala prestige.

Det är också nödvändigt att ta hänsyn till en mycket viktig faktor för en tillräcklig nivå av kulturell utveckling av det medeltida samhället, som på det hela taget kunde uppfatta nya idéer, kultur och konst från renässansen. Så här berättade den berömda franska filosofen och konstkritikern, en djup kännare av renässansen, Hippolyte Ten (1828-1893): ”... du kan inte se på renässansens konst som ett resultat av en lycklig olycka; det kan inte vara fråga om ett framgångsrikt öde-spel, som förde flera mer begåvade huvuden till världsscenen, av misstag producerade en extraordinär skörd av genier ...; Det kan knappast förnekas att anledningen till ett så underbart välstånd för konsten låg i den allmänna sinnesförmågan för den, i den fantastiska förmågan för den, belägen i alla folks skikt. Denna förmåga var omedelbar och själva konsten var densamma. "

Humanismens idéer om att hans personliga egenskaper hos en person är viktiga, såsom intelligens, kreativ energi, företagande, självkänsla, vilja och utbildning, och inte på något sätt social status och ursprung, föll på bördig mark. Som ett resultat av mer än två århundraden av renässansen har världskulturen berikats med andliga skatter, vars värde är bestående.

Men renässansen kan inte bara betraktas som en envektor, enbart progressiv sociokulturell process. Först och främst bör man uppmärksamma inkonsekvensen i begreppet obegränsad vilja och en persons förmåga till självförbättring. Dess humanistiska inriktning garanterade inte alls att begreppet individuell frihet skulle ersättas med begreppet tillåtelse, grundläggande egenvilja - essensen PS för humanismens antipoder. Ett exempel på detta är åsikterna från den italienska tänkaren Niccolo Machiavelli (1469-1527), som motiverade alla medel för att uppnå makt, liksom den engelska humanisten Thomas Mora (1478-1535) och den italienska filosofen Tommaso Campanella (1568-1639), som såg idealet för social harmoni i samhället , byggt på ett styvt hierarkiskt system som reglerar alla livssfärer. Därefter kommer denna modell att kallas "baracker kommunism." Kärnan i denna metamorfos ligger en ganska djup känsla av renässansens tänkare av frihetens dubbla natur. I detta avseende verkar synpunkten för den största västerländska psykologen och sociologen Erich Fromm (1900-1980) vara mycket lämplig:

”Individen är befriad från ekonomiska och politiska band. Han förvärvar också positiv frihet - tillsammans med den aktiva och oberoende roll som han har att spela i det nya systemet - men samtidigt befrias han från de band som gav honom en känsla av förtroende och tillhörighet till någon form av gemenskap. Han kan inte längre leva sitt liv i en liten värld vars centrum var han själv; världen har blivit gränslös och hotfull. Efter att ha förlorat sin bestämda plats i denna värld förlorade människan svaret på frågan om livets mening och tvivel föll på honom: vem är han, varför lever han? Paradiset är förlorat för alltid; individen står ensam, ansikte mot ansikte med sin värld, gränslös och hotfull. "

Renässansen uppstod i Italien, där de första tecknen märktes tillbaka på 1200- och 1300-talet (i aktiviteterna i Pisano, Giotto, Orcagna och andra), men den var stadigt etablerad först från 20-talet på 1400-talet. I Frankrike, Tyskland och andra länder började denna rörelse mycket senare. I slutet av 1400-talet nådde det sin topp. På 1500-talet började en kris med renässansens idéer, vilket resulterade i framväxten av manism och barock.

Renässansen själv är uppdelad i fem etapper:

Proto-renässans (andra hälften av XIII-talet - XIV-talet)

Tidig renässans (1410/1425 XV-tal - sent XV-tal)

Högrenässans (sena 15 - första 20 åren av 1500-talet)

Sen renässans (mitten av XVI - 90-talet av XVI-talet)

Norra renässansen - XVI-talet

Proto-renässansen är nära kopplad till medeltiden, med romanska, gotiska traditioner, denna period var förberedelsen för renässansen. Denna period är indelad i två delperioder: före Giottody Bondones död och efter (1337). Denna period av renässansen präglades av den stora poeten Dante Alighieris arbete, vars "gudomliga komedi" förevigade författarens namn. De viktigaste upptäckterna, de ljusaste mästarna lever och arbetar under den första perioden. Det andra segmentet är förknippat med pestepidemin som drabbade Italien. Alla upptäckter gjordes på en intuitiv nivå. I slutet av 1200-talet byggdes den huvudsakliga tempelstrukturen, katedralen Santa Maria del Fiore, i Florens, författaren var Arnolfodi Cambio, sedan fortsatte arbetet av Giotto, som designade kampanjen för Florensdomen.

Den tidigaste av all proto-renässansens konst manifesterade sig i skulptur (Niccolo och Giovanni Pisano, Arnolfodi Cambio, Andrea Pisano). Målning representeras av två konstskolor: Florens (Cimabue, Giotto) och Siena (Duccio, Simone Martini). Giotto blev den centrala figuren i målningen. Renässanskonstnärer ansåg honom vara en reformator för måleriet. Giotto skisserade vägen längs dess utveckling: fylla religiösa former med sekulärt innehåll, en gradvis övergång från platta bilder till tredimensionella och präglade, en ökning av realismen, introducerade plastvolymen av figurer i målningen, skildrade interiören i målningen.

Perioden för den så kallade "tidiga renässansen" i Italien täcker tiden från 1420 till 1500. Under dessa åttio år har konsten ännu inte helt övergett traditionerna från det senaste förflutna, utan försöker blanda med dem element lånade från den klassiska antiken. Först senare, och bara lite efter lite, under inflytande av mer och mer förändrade levnadsförhållanden och kultur, övergav konstnärerna helt de medeltida grundarna och använde djärvt exemplen på antik konst, både i det allmänna konceptet för deras verk och i deras detaljer.

Medan konsten i Italien redan beslutsamt följde vägen att imitera den klassiska antiken, behöll den i andra länder traditionerna i gotisk stil under lång tid. Norr om Alperna, och även i Spanien, kommer renässansen inte förrän i slutet av 1400-talet, och dess tidiga tid varar fram till ungefär mitten av nästa århundrade.

Den tredje perioden av renässansen - tiden för den mest magnifika utvecklingen av hans stil - kallas vanligtvis "Högrenässansen". Det är främst associerat med namnen på tre lysande mästare, renässansens titaner - Leonardo da Vinci, Raphael Santi och Michelangelo Buonarroti. Den karakteristiska bakgrunden till renässansens uppkomst var Italiens ekonomiska och politiska nedgång - ett mönster som har upprepats mer än en gång i historien. I arbetet med representanter för högrenässansen nådde den realistiska och humanistiska grunden för renässanskulturen toppen. Det sträcker sig i Italien från cirka 1500 till 1527. Vid denna tid flyttade inflytandecentret för italiensk konst från Florens till Rom tack vare anslutningen till den påvliga tronen till Julius II - en ambitiös, modig och driftig man som lockade de bästa italienska konstnärerna till sin hov, ockuperade dem med många och viktiga verk och gav andra ett exempel på kärlek till konst. Under denna påve och under hans närmaste efterträdare blir Rom som det nya Aten av Perikles tider: många monumentala byggnader byggs i den, magnifika skulpturala verk skapas, fresker och målningar målas, som fortfarande betraktas som målningspärlor; samtidigt går alla tre konstgrenar harmoniskt hand i hand, hjälper varandra och ömsesidigt verkar på varandra. Antik studeras nu noggrannare, reproduceras med större noggrannhet och konsekvens; lugn och värdighet ersätter den lekfulla skönhet som var strävan efter föregående period; minnet av medeltiden försvinner helt, och ett helt klassiskt avtryck faller på alla konstverk. Men imitation av de forntida dränker inte ut deras oberoende hos konstnärer, och de, med stor resursskydd och livlig fantasi, omarbetar fritt och tillämpar i affärer det de anser lämpligt att låna för sig från forntida grekisk-romersk konst.

Den senare renässansen i Italien täcker perioden från 1530- till 1590- och 1620-talet. Vissa forskare tillskriver 1630-talet till senrenässansen, men denna position orsakar kontroverser bland konstkritiker och historiker. Konsten och kulturen i denna tid är så olika i sina manifestationer att det är möjligt att reducera dem till en nämnare endast med en hel del konvention. PÅ Södra Europa Motreformationen triumferade, som såg med oro över allt frittänkande, inklusive beröm av människokroppen och återuppväxten av antikens ideal, som hörnstenarna i renässansideologin. I Florens resulterade motsättningar i världsbilden och en generell känsla av kris i den ”nervösa” konsten av konstruerade färger och streckade linjer - manierism. Manierism nådde först Parma, där Correggio arbetade, efter konstnärens död 1534. De konstnärliga traditionerna i Venedig hade sin egen utvecklingslogik; fram till slutet av 1570-talet. Titian och Palladio arbetade där, vars arbete hade lite gemensamt med krisfenomenen i konsten i Florens och Rom.

Men den humanistiska rörelsen tillbaka på 1400-talet. gick bortom Italien och hade en stark inverkan på den kulturella processen i länderna som ligger norr om renässansens födelseplats. Därför verkar det legitimt att använda termen norra renässansen, vilket betyder att det inte bara är en rent geografisk egenskap utan också några särdrag av renässansen i England, Tyskland, Spanien, Nederländerna, Schweiz och Frankrike. Ett mycket viktigt inslag i den norra renässansen var att den ägde rum under reformationen, och också att det i kultur av folken i dessa länder, på grund av historiska skäl, fanns inget sådant överflöd av antikviteter som i Italien. De stilistiska skillnaderna i målning är mest märkbara: till skillnad från Italien bevarades gotiska konstens traditioner och färdigheter under lång tid, mindre uppmärksamhet ägnas åt studiet av det antika arvet och kunskapen om mänsklig anatomi.

Renässansåldern var den största progressiva revolutionen i hela mänskligheten som upplevts fram till dess, en tid som "behövde titaner och som födde titaner i tankens, passionens och karaktärens kraft, i mångsidighet och lärande."

Men renässansen började mycket blygsamt, helt oskyldigt och ännu mindre överallt. Renässansens födelseplats är Florens, "Italiens Aten", för vilken det fanns vissa historiska och sociala förutsättningar. Så det var i Florens 1293, dvs. precis vid renässansens början antogs den första republikanska konstitutionen i det kristna Europa, och konstitutionen är mycket demokratisk, vilket ger uppdelning av makt i lagstiftande (signoria) och verkställande, vars chef, liksom befälhavaren för milisen, var "gonfalonier (standardbärare) av rättvisa." Alla hantverksbutiker valde lika många suppleanter till Signoria.

Florens var en stad med rika köpmän, ägare av tillverkning,

ett stort antal hantverkare - vävare, alkalitillverkare, pälsar - deras intressen representerades av workshops. Dessutom var workshops för läkare, apotekare och musiker mycket många för den tiden. Det fanns överraskande många advokater - advokater, advokater, notarier. Florentinska bankirer tävlade bara med de Lombardiska. De finansierade påven, den tyska kejsaren, den franska kungen, det florentinska myntet - guldflorinen, präglad sedan 1252, ansågs tillsammans med den venetianska dukaten, den mest kompletta i Europa.

Förekomsten av medborgerliga friheter, ekonomiskt välstånd säkerställde födelsen av nya kreativa samhällen. I Florens, och lite senare - i Siena, Ferrara, Pisa, bildades kretsar av utbildade människor som kallade sig humanister i ordets smalare - pedagogiska mening. Uttrycket i sig kommer från namnet på den vetenskapscirkel som de poetiskt och konstnärligt begåvade florentinerna var engagerade i: studiahumanitatis. Det här är vetenskapen som hade som människa och allt mänskligt, i motsats till studiadivina - allt som studerar det gudomliga, d.v.s. teologi.

De florentinska humanisterna var väl medvetna om skrifterna, patristikerna och bland humanisterna från en senare tid - särskilt 1500-talet. Enastående teologer träffades, som Erasmus från Rotterdam eller Johann Reuchlin. De tidiga florentinska humanisterna var oftast politiker, advokater och jurister. Till exempel är den stora Dante, en före detta diplomat och suppleant från White Guelph Party, Francesco Petrarca inte bara en stor lyrikpoet utan också författare till politiska dikter; och också en hel grupp talare, publicister från 1400-talet. - Colluccio Salutati, Leonardo Bruni, Gianozzo Manetti, Matteo Palmieri, Donato Acciuoli, Ala Magayu Rinuccini. Deras litterära och journalistiska arbete ligger i huvudströmmen för civil humanism. Men humanism är inte en politisk doktrin, även om politik alltid har varit inom humanisternas intressen. Dessutom, som utbildade människor, som kunde språk, talade korrekt latin, upplevt i rättspraxis, vältalighet, ofta kände befästning, matematik, arkitektur, teknik, och ibland astrologi och alkemi, försökte de locka till tjänster som sändebud, rådgivare, sekreterare, kansler för både de republikanska regeringarna i städerna Italien (Florens, Venedig, Genua) och olika monarker, inklusive påven.

Och ändå var den huvudsakliga riktningen för humanisternas verksamhet filologisk vetenskap. Humanister började söka omskrivning, studera först litterära och sedan konstnärliga monument från antiken, främst statyer. Dessutom har Florens - en forntida stad grundad i antiken och i Rom och i Ravenna och i Neapel, mest av alla grekiska och romerska statyer, målade kärl, byggnader bevarats. För första gången på tusen år av kristendomen behandlades antika statyer inte som hedniska avgudar, utan som konstverk. Detsamma kan sägas om forntida böcker.

Naturligtvis glömdes inte forntida tänkares verk under tidigare århundraden. Och under den så kallade karolingiska renässansen och under kejsaren Otgons regering och faktiskt under hela medeltiden kopierades forntida manuskript till kloster. Baserat på Aristoteles filosofi byggde Thomas Aquinas, skaparen av katolicismens teologiska system, en bild av världen som kyrkan tog för dogm. Antik tillämpad konst, ärvt av bysantinsk konst, dog inte heller.

Men det är med humanisterna som införandet av det antika arvet i utbildningssystemet, bekantskap med forntida litteratur, skulptur, filosofi från breda utbildade kretsar börjar. Poeter och konstnärer strävar efter att imitera forntida författare, i allmänhet att återuppliva forntida konst. Men som ofta händer i historien, särskilt konsthistorien, leder återupplivandet av vissa gamla principer och former (om naturligtvis mycket begåvade människor återupplivar) till skapandet av något helt nytt.

Ordet "renässans" uppträdde senare än ordet "humanism" - i arbetet av en målare, arkitekt och konsthistoriker från 1500-talet. Giorgio Vasari. Samtidigt talar Vasari med förvåning om konstens återupplivande efter tusen år, som han tror, \u200b\u200bdess vegetation.

Humanisterna försökte dock inte återuppliva forntida kultur på egen hand - den olympiska religionen och den hedniska mytologin, även om mytologin studerades mycket flitigt, särskilt enligt Ovidis metamorfoser.

Nästan alla humanister och konstnärer från renässansen är kristna, oavsett förhållande de befinner sig till den officiella kyrkan. Kanske är bara Lorenzo Balla och Pietro Pomponazzi 1400-talets humanister. - var skeptiska till religion i allmänhet och Pomponazzi - om tanken på själens odödlighet. Nästan alla målare, skulptörer, kompositörer från renässansen arbetade i det vanliga av kyrkans teman, i kyrkans genrer och former. Dessutom tog ofta religiös fanatism, obscurantism och okunnighet vapen mot humanismen och samtidigt mot den officiella kyrkan, som enligt vissa purister var fast i hedendom. Så, den florentinska Girolamo Savonarola (1452-1498), själv, förresten, uppvuxen i en humanistisk anda, blev en munk, bröt med humanism, föll på kyrkan med anklagelser och visade sig under en tid till och med vara Florens diktator. Under hans korta regeringstid brändes många böcker och konstverk, "icke-kristna i andan". Savonarola, hans arga predikan fördes bort under en tid av den stora konstnären Sandro Botticelli, som till och med bestämde sig för att bränna sina "hedniska" målningar. År 1498 avrättades Savonarola på order av Signoria. Således fanns det fall då fienderna till den officiella kyrkan agerade som humanismens fiender. Samtidigt hade vissa humanister höga positioner i kyrkhierarkin, var biskopar, kardinaler, till och med påvar - till exempel blev Eneo Silvio Piccolomia påve under namnet Pius II. Påven Leo X, sonen till härskaren i Florens, den rikaste bankiren och den berömda filantropen Lorenzo Medici, med smeknamnet Magnificent, var också en otvivelaktig humanist.

Med andra ord, bland humanisterna var människor med olika politiska

(republikaner, monarkister, demokrater, aristokrater etc.), religiösa ortodoxa katoliker, skeptiker, direkta ateister, protestantiska lutheraner, protestantiska kalvinister, fromma teologer), filosofiska och naturvetenskapliga åsikter. De förenades av en annan sak - ett engagemang för utbildning, en god litterär stil.

Humanister återupplivade det korrekta litterära latinska språket, där de skrev vetenskapliga uppsatser, höll predikningar och läror. Från 1400-talet började studiet av det antika grekiska språket och dess introduktion i skolutbildningen. Européer fick möjlighet att läsa Homer, Sophocles, Theocritus i originalen.

Paradoxen i situationen ligger i det faktum att det är humanister

Revivalists, mästare av det latinska språkets renhet, antikens älskare, finsmakare av grekisk-romersk mytologi blev samtidigt skaparna av litteratur på nationella språk. Först och främst är detta Dante Alighieri (1265-1321), som skrev en grandios dikt om sitt imaginära besök i efterlivet - "Divine Comedy" (Dante själv kallade dikten helt enkelt "Comedy", eftersom det slutar glatt, ordet Davina - "Divine" - lades till av samtida och beundrade poesi) i den toskanska dialekten. Den toskanska dialekten bildade grunden för det allmänna italienska litterära språket med den lätta handen från Dante, Petrarch, Boccaccio. I samma XIV-talet. I århundraden skapar Geoffrey Chaucer i England litterär engelska, född ur en blandning av keltiska, latinska, germanska dialekter av vinklar, saxar och juter (detta adverb gav den huvudsakliga lexikalkompositionen) och det franska språket för normannerna av William the Conqueror. Och i slutet av 1400-talet. och på XVI-talet. Frankrikes litterära språk (särskilt i Pleiadernas poeter - Pierre Ronsard, Joashen de Bellay), Tyskland (detta är fördelen med Luther), ett allmänt spanskt språk baserat på den kastilianska dialekten tar form.

Men inte bara litterära språk - under renässansen bildades regionala konstskolor där man kan se embryon från framtida nationella konstskolor. Det är sant att det är för tidigt att prata om nationella skolor under renässansen. Till exempel är den stora holländska kompositionsskolan (Okegem, Obrecht, Jog.ken des Prés, Dufet och på 1500-talet Orlando Lasso) inte bara holländsk utan också fransk och Orlando Lasso, dessutom nästan hela sitt liv arbetat i Bayerns huvudstad - München. Samtidigt utvecklades vid sidan av Sniderlandic eller, som det också kallas, de fransk-flamländska, betydande komponerande skolorna i Rom i Venedig.

Men faktum kvarstår: humanister återupplivar klassisk latin och skapar samtidigt konstverk på levande nationella språk.

Renässansens andra paradox: den våldsamma sekulariseringen (det vill säga övergången från det kyrkliga till det sekulära staten) för all kultur - särskilt utbildning - trots att de ljusaste konstnärliga skapelserna föddes i kärnkonstens huvudström. Alla renässansens stora mästare - Giotto och Cimabue, Leonardo, Botticelli, Raphael, Michelangelo skapar fresker, designar och målar katedraler, hänvisar till bibliska och Nya testamentets karaktärer och ämnen (till exempel Michelangelos Moses, David, Pieta) i skulptur. Musiker skapar massor och motetter (en genre av andlig polyfonisk komposition).

Humanister översätter om, kommenterar Bibeln och bedriver teologisk forskning. Och ändå, om du täcker hela konstnärslivet under renässansen som helhet, får du intrycket att konsten kom ut ur kyrkans dikter. Tydligen underlättas detta intryck av det faktum att både sekulära och kyrkliga verk talar renässansmästarna samma konstnärliga språk. Bilderna av Guds Moder av Leonardo da Vinci och Raphael är väldigt "sekulära" - särskilt i Leonardos "Benois Madonna" eller, som det också kallas "Madonna med en blomma" och i den mest kända Raphaels "Sixtinska Madonna", "Madonna Connestable", liksom i " Madonna med en guldfink ”, där förutom Jesusbarnet även den lilla Johannes avbildas - den framtida Johannes döparen.

Skiljelinjen mellan det sekulära och det kyrkliga - när det gäller emotionellt tillstånd, detaljer och skrivets natur - är suddig. Samma interpenetration av kyrkan och det sekulära sker i musiken. Josquin des Prés, Orlando Lasso, Palestrina skriver massor, motetter, offertorier på ett strikt polyfoniskt sätt i latinska texter. Men de skriver också polyfoniska sekulära låtar - fransk chanson, German Lied, italienska madrigaler. I sekulära sånger används samma polyfonimetoder som i massor, och teman för sekulära sånger läggs i grunden för massor. Därför kan vi säga att i renässansens konst finns det inte bara sekularisering, sekularisering av konst utan också interpenetration, en blandning av folklore, sekulär och kyrka.

Teocentriska attityder i läran om människan under medeltiden övervanns gradvis i renässansens filosofi. Deistiska och panteistiska begrepp om skapandet av världen och människan uppstod. Människosläktets syndighet förnekades, antikens idéer om människans inneboende värde, om hans rätt till lycka, frihet inte i efterlivet, men även under det jordiska livet, återupplivades. En humanistisk attityd bildades och placerade människan, inte Gud, i centrum för universum och filosofi. Hela filosofin visar sig vara genomsyrad av humanismens patos, mänskliga autonomi, tro på hans obegränsade möjligheter.

Picodela Mirandole (1463-1494): människan är central för universum. Detta beror på att han deltar i allt jordiskt och himmelskt. Han avvisar astral determinism till förmån för människans fria vilja. Valfrihet och kreativitet bestämmer att var och en själv är skaparen av sin egen lycka eller olycka och kan nå både ett djurtillstånd och stiga upp till en gudliknande varelse.

Det finns en rehabilitering av en persons kroppsliga karaktär, återställandet av det gamla idealet om kalokagatia. Idén om en helt utvecklad harmonisk personlighet blir utbredd. Utvecklingen av konst når en aldrig tidigare skådad blomning. Det var på konstspråket, i form av konstnärliga bilder, som alla huvudantropologiska idéer från renässansen uttrycktes, som skilde sig på det mest väsentliga sättet från motsvarande idéer från medeltiden. På dukarna från Masaccio, Botticelli, Leonardo, i novellerna om Boccaccio och Sacchetti, avbildas mänskligt liv i sin helhet, i den harmoniska enheten av sensuella och andliga nöjen.

I den filosofiska antropologin under denna period är motiven för den närmaste individualism, egoism och utilitarism som är förknippade med de framväxande kapitalistiska sociala relationerna och dominansen av privatintresset redan ganska tydliga. Så, Lorenzo Valla (1406-1457) förklarar med all säkerhet att försiktighet och rättvisa minskas till individens fördel, i första hand bör det vara deras egna intressen, och till sist - hemlandet.

Under renässansen ägnas särskild uppmärksamhet åt att förstå människans plats i denna värld, varför antropologins vetenskap fick enorm utveckling. Antropologi är en uppsättning vetenskapliga discipliner som handlar om studiet av människan, hans ursprung, utveckling, existens i naturliga och kulturella miljöer.

Ursprunget till termen "antropologi" går tillbaka till forntida filosofi. Den antika grekiska filosofen Aristoteles (384-322 f.Kr.) var den första som använde den för att utse ett kunskapsfält som främst studerar den andliga sidan av mänsklig natur. Trots att termen i denna mening användes av många klassiska och icke-klassiska tänkare (Kant, Feuerbach, etc.) bildades en speciell filosofisk disciplin och skola som sådan först i början av 1900-talet under namnet "filosofisk antropologi". I sin ursprungliga betydelse används termen "antropologi" också i många humaniora (konsthistoria, psykologi, etc.) och i teologi (teologi), religiös filosofi fram till i dag. Så i pedagogiken finns en antropologisk inställning till utbildning. Senare blev antropologisk kunskap differentierad och komplicerad.

Traditionellt skiljer sig flera discipliner som i varierande grad är isolerade från varandra och interrelaterade discipliner:

Filosofisk antropologi är en filosofisk undervisning om människans natur och essens, som betraktar människan som en speciell typ av varelse. Antropologi som en filosofisk doktrin är historiskt den första formen av att representera en person som sådan som ett speciellt ämne för förståelse och studier.

Religiös antropologi är en filosofisk undervisning om människans väsen, utvecklad i linje med teologin och med tanke på människans natur och väsen i samband med religiösa läror. Självbestämning av ämnet antropologi i teologin är avslöjandet av kyrkans lära om människan.

Fysisk antropologi, som inkluderar paleoantropologi och tillämpad disciplin för rättsmedicinsk antropologi, ser människor som en art i samband med dess utveckling och i jämförelse med sina närmaste släktingar, moderna och fossila stora apor.

Social och kulturell antropologi är en disciplin som ligger ganska nära etnologin och handlar om den jämförande studien av mänskliga samhällen. Inom ramen för problemfältet och metoden för sociokulturell antropologi särskiljs också språklig, kognitiv, politisk, ekonomisk, historisk antropologi och antropologi från lag som specifika discipliner.

Visuell antropologi - behandlar studiet av en person på basis av foto- och videomaterial med hjälp av uttrycksfulla medel som: film, fotografi, tv och andra.

Forskningsmetoder. Antropologi studerar variationer i kroppsstorlek och form genom beskrivning och mätning. Den beskrivande tekniken kallas antroposkopi, mättekniken kallas antropometri. Statistiska metoder spelar en viktig roll vid bearbetningen av antropometriskt material. Viktiga metoder för antropologisk forskning är kraniologi, osteologi, odontologi, antropologisk fotografering, tagning av hudmönster i handflatorna och plantar ytor på fötterna, avlägsnande av gips ansiktsmasker, erhållande av gipsavtryck av det inre kranialhålan (endokraner). I modern antropologi är metoder för hematologisk forskning utbredda, liksom metoder för mikroanatomi, biokemi, roentgenologi, familjestudier, longitudinell (långvarig) och tvärgående (engångsstudie) av grupper, metoder för fraktionering av kroppsvikt, användning av radioaktiva isotoper, olika fotometriska metoder och andra. innebörd fick den så kallade geografiska metoden, det vill säga att kartlägga avdelningens värden. rasegenskaper och "överlägg" av dessa kort ovanpå varandra. I kombination med etnografisk och historisk data utgör den geografiska metoden grunden för rasanalys.

Renässansfilosofer från Erasmus till Montaigne dyrkade förnuftet och dess skapande kraft. Förnuftet är en ovärderlig gåva av naturen, som skiljer en person från allt som finns, gör honom gudlik. För en humanist var visdom det högsta goda som var tillgängligt för människor, och därför var deras viktigaste uppgift propaganda för klassisk antik litteratur. Med visdom och kunskap trodde de att en person finner riktig lycka - och detta var hans sanna adel. Förbättringen av den mänskliga naturen genom att studera antik litteratur är hörnstenen i renässanshumanismen. Utvecklingen av kunskap under XIV-XVI-århundradena påverkade betydligt människors idéer om världen och människans plats i den. De stora geografiska upptäckterna, det heliocentriska systemet i Nicolaus Copernicus-världen förändrade idén om jordens storlek och dess plats i universum och verk av Paracelsus och Vesalius, där man för första gången efter antiken försökte studera människans struktur och de processer som förekommer i den, lade grunden för vetenskaplig medicin och anatomi. ...

De stora geografiska upptäckterna (XV - XVI århundraden) utvidgade antropologiska kunskapshorisonter och introducerade, om än ytligt, européerna till rasen av folken i Östasien (resor av Plano Carpini, Rubruk, Marco Polo), befolkningen i Amerika (H. Columbus), med folken i östra Sibirien (S. Dezhnev), Tierra del Fuego och Oceanien (F. Magellan). Betydelsen av Magellans resa runt om i världen var viktigast för antropologin i den meningen att den, som bekräftar förekomsten av antipoder, visade vetenskapens oförenlighet med den bibliska legenden om skapandet av människan i det "Heliga landet", en betydelsefull händelse i 1700-talets antropologihistoria. var de första beskrivningarna av anatomi av antropomorfa apor, till exempel av engelsmannen E. Tyson, som studerade liket av schimpanser 1699.

Under renässansen blev det humanistiska begreppet människa dominerande i filosofin. Till skillnad från de religiösa synen på människan som en syndig varelse, underkastad ödet, förkunnade renässansens tänkare (särskilt T. More och T. Campanella) värdet av den mänskliga personen, dess värdighet, förnuft och adel. I deras verk ses personligheten som något sublimt, självvärdigt.

Frågan om förhållandet mellan människan och naturen, individen och samhället lyfts fram, idealet om en helt utvecklad personlighet förkunnas, konturerna av ett nytt samhälle skisseras där alla och alla fria utveckling skulle äga rum.

I denna tids filosofi förnekades inte Gud helt, men dess banner var inte Gud utan människan. Hela renässansfilosofin visade sig genomsyras av humanismens patos, människans autonomi och tro på hans obegränsade möjligheter.

Pico de Mirandola (1463-1494) komponerar sitt tal om människans värdighet. Till skillnad från alla andra skapelser förfogar människan över sin moraliska karaktär. Idén om människan som ”den mest härliga mästaren och skulptören” av sig själv lägger till ett nytt element i grundidén i kristen antropologi - idén att vara gudlik. Om "Guds avbild" är en gåva, så är "Guds likhet" inte så mycket en gåva som en uppgift - och prestationen, i den process som Guds likhet förverkligas, måste en person bara utföra av personen själv. Ljuset från mänsklig frihet står över och överträffar all naturlig nödvändighet. Detta faktum - den obestämda mänskliga existensen - lyfter en person ännu högre än änglar. Eftersom änglarna och himmelska krafter uppfattades deras natur och fullkomlighet en gång för alla från Gud (även om de föll efter det). Människan uppnår perfektion självständigt på grundval av sin frihet.

Människan har förmågan att älska Gud i gengäld. (Fördömd som kättare av påven Innocent VIII).

I skrifterna från figurerna från renässansen bildas ett humanistiskt begrepp om människan. Grunden lagdes av den stora Dante. Förkroppsligandet av höga idéer om en person är bilden av Ulysses (Odyssey) - en modig upptäckare, en hjälte, en tapper, intelligent man. Genom sin mun förkunnade Dante en ny syn på människan.

“O bröder ...

Den där lilla tiden, medan de fortfarande är vaken

Jordiska känslor - deras rest är knapp

Ge förståelsen av nyhet ...

Du var inte gjord för djurets andel

Men de föddes till mod och kunskap. "

Frihet och personligt ansvar, adel, förmågan att prestera, att uppfylla det jordiska ödet, som är aktivitet, är de viktigaste egenskaperna hos en person. Begreppet humanister innehåller en ny förståelse för förhållandet mellan de gudomliga och naturliga principerna: de måste vara i enhet. Människan är en kreativ varelse. Dess värdighet ligger i förmågan att stiga över djurens tillstånd: det verkliga mänskliga i det är från kultur. Den humanistiska synen på en person bryter med asketism, förkunnar en persons rätt till det fysiska och andliga livets fullhet, den maximala utvecklingen av de bästa mänskliga egenskaperna.

Leonardo da Vinci (1452 - 1519) avslöjade människans inkonsekvens. Människan är ett magnifikt naturinstrument, en jordisk gud, men han är grym och ofta obetydlig i sina tankar och handlingar.

En ny aspekt i människans förståelse avslöjas i den utestående italienska statsmannen och politiska filosofen Nicolo Machiavelli (1487 - 1527). Enligt Machiavelli kräver politisk handling av en person, först och främst med hänsyn till objektiva omständigheter, en politikers vilja, energi och styrka - tapperhet (virtu). För att uppnå detta mål bör en politiker inte räkna med moraliska och religiösa domar. Politik och moral är autonoma. Moraliska överväganden är underordnade politiska mål. Endast statens intresse, det vill säga det nationella intresset, fäderneslandets intresse, driver en statsmanns handlingar. Resultatet av dessa överväganden var slutsatsen: målet motiverar medlen. I modern psykologi finns begreppet "Machiavellianism". Det betecknar en människas tendens att manipulera andra människor. En metod för att identifiera Machiavellianism som en personlighetskaraktäristik har utvecklats.

En djup psykologisk analys av människan finns i den franska filosofen M. Montaignes arbete (1533 - 1592) "Experiment". Mycket uppmärksamhet ägnas åt självkännedom. Människan är enligt Montaigne inte universums centrum utan en del av det. "När jag leker med en katt, vem vet om hon leker med mig snarare än jag är med henne?" han frågar. Montaines skepsis, hans tankar om den vanliga människans förtjänster, kritik av moral och hyckleri i den övre världen fortsatte i den moderna tidens vetenskap.

Antropologi var inte ensam om att hantera människans problem. Till en viss grad upprepade problemen som stod inför psykologin under renässansen de gamla som uppstod under bildandet av vetenskaplig psykologi vid början av 700-600-talet. FÖRE KRISTUS. Som då försökte psykologin övervinna den helighet som återvände till medeltiden. Därför kan vi säga att renässansperioden i huvudsak var tiden för återkomst (återupplivning) av de viktigaste principerna i antik vetenskap, en avvikelse från dogmatism och sökandet efter sätt för den mest optimala vetenskapliga forskningen av mentala (mentala) tillstånd. Samtidigt uppstod ett nytt ämne för psykologisk vetenskap som en vetenskap om medvetande, som äntligen formulerades redan i modern tid.

15--1700-talen förblev i historien som tiden för konstens uppkomst, främst italiensk målning och skulptur. Reformationen var också av stor betydelse och förändrade inte bara kyrkolivet utan också människors medvetande. Upptäckten av Amerika, utvidgningen av geografiska begrepp kunde inte bara påverka den allmänna världsbilden och ledde till en aktiv utveckling av vetenskaplig kunskap. Betydande upptäckter gjordes främst inom astronomi (N. Copernicus, G. Galilei, D. Bruno), matematik, fysik (L. da Vinci, I. Kepler), filosofi och samhällsvetenskap (T. More, M. Montaigne, E. . Rotterdam, N. Machiavelli).

I mindre utsträckning vid den tiden studerades psykens problem, eftersom frågorna om det andliga livet förblev till stor del utanför kretsen av vetenskapliga studier. En ny aspekt av de psykologiska och filosofiska verken på den tiden var studiet av förmåga problemet, som tillsammans med studiet av kognition ledde vid den tiden.

En ny tolkning av känslor och utveckling av affekter gavs i hans arbete av Bernardino Telesio (1509-1588). I ett försök att förklara det psykiska från naturlagar organiserade han det första samhället av naturvetare, som syftade till att studera naturen i alla dess delar och förklara den från sig själv. Därför kom läran om drivkrafterna som är källan till energi för olika former av utveckling fram i hans koncept. Han utpekade värme och kyla, ljus och mörker, förmågan att expandera och dra sig samman som de viktigaste. Dessa krafter, hävdade Telesio, är i ömsesidig penetration och skapar nya formationer associerade med koncentrationen av vissa krafter. Motståndskrafternas kamp är källan till all utveckling.

Telesio trodde också att naturens huvudmål är att bevara det uppnådda tillståndet. Således kan vi säga att idén om homeostas först uppträdde i hans koncept, även om det angavs på den vetenskapliga nivån vid den tiden. Enligt hans åsikt följer utvecklingen av psyken också lagen om självbevarande, och förnuft och känslor reglerar denna process. Samtidigt manifesteras själens styrka i positiva känslor och i negativa känslor, dess svaghet, som stör självbevarandet. Reason utvärderar situationer ur denna synvinkel. Jämförelse av dessa synpunkter på Telesio med bestämmelserna i efterföljande psykologiska begrepp, som bevisar att känslor och förnuft är kopplade till önskan om anpassning, kan man se deras släktskap förknippat med önskan att förklara det mentala till dess roll för att upprätthålla organismens liv. Men om man senare i sådana förklaringar inte bara kan hitta fördelar utan också nackdelar, så var Telesio-konceptet vid den tiden ett genombrott till nya förklarande principer som gör psykologi till en objektiv vetenskap.

Den berömda spanska forskaren Juan Luis (Ludovic) Vives (1492-1540) skrev också om behovet av att utveckla en naturvetenskaplig metod för att studera psyket. H. Vives utbildades i England, arbetade länge i England, Holland och Tyskland och upprätthöll vänskapliga relationer med många europeiska forskare på den tiden - T. More, E. Rotterdam och andra. I sitt arbete "On the soul and life" underbyggde H. Vives ett nytt synsätt på psykologi som en empirisk vetenskap, baserad på analys av data från sensorisk erfarenhet. För att skapa korrekta koncept föreslog han ett nytt sätt att generalisera sensorisk datainduktion. Även om den induktiva metodens operationella-logiska metoder senare utvecklades i detalj av Francis Bacon, hör H. Vives till beviset på möjligheten och giltigheten av den logiska övergången från det specifika till det allmänna. Grunden för en sådan övergång, enligt Vives, är föreningslagen, vars tolkning han tog från Aristoteles. Föreningen av intryck avgör, enligt hans åsikt, minnets natur. På samma grund uppstår de enklaste begreppen som ger material för allt efterföljande intellekt. Tillsammans med den sensoriska sidan av mental aktivitet fästes den emotionella stor vikt. Vives var en av de första som kom till slutsatsen att det mest effektiva sättet att undertrycka en negativ upplevelse inte är dess inneslutning eller undertryckande av sinnet, utan förtryck av en annan, starkare upplevelse. Det psykologiska begreppet H. Vives fungerade som grund för utvecklingen av J. Komenskys pedagogiska koncept.

Inte mindre viktigt för psykologin var boken från en annan berömd spansk psykolog - Juan Huarte (1530-1592) "Studie av förmågan till vetenskap." Detta var det första psykologiska arbetet, som en särskild uppgift som studerade individuella skillnader i förmågor för professionellt urval. I Huartes bok, som kan kallas den första studien inom differentiell psykologi, ställdes fyra frågor som huvudfrågorna:

Vilka egenskaper har naturen som gör en person kapabel till en vetenskap och oförmögen till en annan?

Vilka slags gåvor finns det i mänskligheten?

Vilken konst och vetenskap motsvarar särskilt varje gåva?

Vilka är tecknen på motsvarande talang?

Analysen av förmågor jämfördes med en blandning av fyra element i kroppen (temperament) och med skillnaden i aktivitetsområdena (medicin, rättsvetenskap, kampsport, regering, etc.) som krävde motsvarande talanger.

De viktigaste förmågorna erkändes som fantasi (fantasi), minne och intelligens. Var och en av dem förklarades med ett visst temperament i hjärnan, det vill säga den andel i vilken huvudjuicer blandades i den. Genom att analysera olika vetenskaper och konst utvärderade H. Huarte dem i termer av vilken av de tre förmågor de behöver. Detta riktade Huartes tanke till en psykologisk analys av aktiviteterna för en militärledare, läkare, advokat, teolog etc. Talangens beroende av naturen betyder enligt hans åsikt inte att det är värdelöst att utbilda och arbeta. Det finns dock också stora individuella skillnader och åldersskillnader. Fysiologiska faktorer, särskilt näringens natur, spelar en viktig roll i bildandet av förmågor.

Huarte ansåg att det är särskilt viktigt att upprätta yttre tecken genom vilka man kan urskilja hjärnans egenskaper som bestämmer talangens natur. Och även om hans egna observationer om överensstämmelsen mellan kroppsegenskaper och förmågor är mycket naiva (han till exempel utpekade hårstyvhet, skrattdetaljer etc. som sådana tecken), var själva idén om en korrelation mellan det inre och det yttre, som den efterföljande vägen visade differentiell psykologi, ganska rationell. Huarte drömde om att organisera professionellt urval i nationell skala: ”För att ingen ska kunna misstas när de väljer det yrke som bäst passar hans naturliga talang, bör suveränen utpeka bemyndigade människor med stor intelligens och kunskap som skulle öppna upp mer i en öm ålder; de skulle då tvinga honom att studera det kunskapsområde som passar honom. "

Av alla naturvetenskapliga områden, i samband med deras betydelse för psykologin, bör utvecklingen i olika länder inom medicin, anatomi och mänsklig fysiologi noteras särskilt. T. Paracelsus (1493 - 1541) kom med en ny teori om människokroppens natur, orsakerna och metoderna för behandling av sjukdomar. I anatomi släppte Andrei Vesalius (1514 - 1564) det grundläggande arbetet "Om människokroppens struktur" (1543). Boken ersatte Galens anatomi, där det fanns många misstag, för han bedömde strukturen i människokroppen på grundval av de uppgifter som han hämtade från aporna och hundarnas anatomi. Antalet nyupptäckta kroppsdelar ökade kontinuerligt. Vesalius italienska samtida - G. Fallopius, B. Eustachius, I. Fabrizius från Aquapendente och andra - gör ett antal upptäckter som alltid har kommit in i anatomi under deras namn.

Doktorn och tänkaren Miguel Servets verk (1509/1511 - 1553), hans idéer om lungcirkulationen (1553) var av stor betydelse. En ny era inom anatomi, fysiologi och embryologi började med arbetet av M. Malpighi (1628-1694) och forskning inom experimentell fysiologi. W. Harvey 1628 löste problemet med blodcirkulationen.

Således utvecklades kognition gradvis genom erfarenhet som kom att ersätta dogmer och skolastik.

Tyska skolastiker R. Goklenius och O. Kassmann introducerade först termen "psykologi" (1590). Innan detta gav Philip Melanchthon (1497 - 1560) - en tysk humanist, en vän till Luther, uppväxt under påverkan av Erasmus, i sin "Kommentar till själen" henne en hedersplats. Han ansågs vara en myndighet för undervisning i psykologi och dominerade vissa tyska universitet fram till mitten av 1700-talet. Den spanska humanisten, vän till Erasmus från Rotterdam, Juan Luis Vives (1492 - 1542), hävdade i sin bok "On the Soul and Life" (1538): huvudfrågan är inte vad själen är, utan vad är dess manifestationer och deras samband. Detta indikerar ett ökat intresse för psykologiska frågor och låter oss förstå utvecklingen av psykologisk analys på 1600-talet. F. Bacon och R. Descartes.

Sammanfattningsvis utvecklingen av psykologi under medeltiden och renässansen måste det betonas att denna period inte var homogen i sina framgångar och innehållet i psykologisk forskning. Förhållandet mellan kyrkan och vetenskapen har förändrats flera gånger under denna långa tidsperiod, med den största förföljelsen av kunskap och systemet med vetenskapliga bevis som inträffade under försämring av kyrkans makt, som i regel betraktade vetenskapen inte i sig själv utan som en källa (eller ett hinder) för uppnå vissa mål.

Bland de viktigaste studierna som utfördes vid den tiden av både arabiska forskare och europeiska kyrkor och sekulära tänkare är det nödvändigt att notera de första verken relaterade till studien av massornas psykologi, utvecklingen av metoder för att övertala människor. Uppmärksamhet uppmärksammas också på verken som senare kallades psykoterapeutiska, deras syfte var psykologisk hjälp för människor som upplever emotionellt obehag, spänning, neuros.

Å andra sidan återvände psykologisk forskning till renässansen till de problem som tagits upp i antiken. Detta beror på framväxten av möjligheten att till fullo läsa forskarna från den tiden (och inte bara de utvalda sakerna från Platon eller Aristoteles), och med återupplivandet av intresset för studiet av stadier av kognition, mänskliga förmågor, inklusive förmågan att bygga en objektiv bild av världen och förverkliga den som helhet. Detta intresse blev ledande under nästa period, som kallades den nya tiden.

Många forskare av medeltidskulturen och renässansen motsätter sig dem och påpekar att medeltidskulturen i grunden är väsentligen annorlunda än renässansens kultur. Så, som karakteriserar medeltidskulturen, P.A. Sorokin utpekade principen om idéer som dess karakteristiska drag. Enligt hans uppfattning var ”medeltida kultur inte ett konglomerat av olika kulturella verkligheter, fenomen och värderingar, utan en enda helhet, som alla delar uttryckte samma högsta princip för objektiv verklighet och betydelse: oändlighet, överkänslighet, överintelligens av Gud, Gud, allestädes närvarande, allsmäktig, allvetande , helt rättvis, vacker, skaparen av världen och människan. " Dela kulturerna av de epoker som är intressanta för oss, P.A. Sorokin påpekade att förändringarna av kulturer inträffade på grund av förändringen av idéen om idealitet till idén om sensualitet, vilket återspeglar kulturen av sensorisk, empirisk, sekulär och "motsvarande denna värld." Han ser renässansens kultur som ersätter den medeltida kulturen i nedgång.

J. le Goff delar upp de två kulturella epokerna på grundval av de värden som dominerar massmedvetandet hos de människor som levde vid den tiden.

Det bör här påpekas att J. le Goff betraktar renässansen som en komponent i medeltiden och förklarar detta genom att, som redan nämnts, lyfta fram massmedvetandets värderiktningar som en logisk grund för att klassificera kulturer i två epoker. Han förbinder förändringar i kulturen först och främst med en vädjan till den jordiska världen och dess värderingar. ”Naturligtvis, under det tidiga medeltiden var det omedelbara målet för mänskligt liv och kamp jordiskt liv, jordisk makt. Men ... de kulturella, ideologiska, existentiella tankarna hos människor riktades mot himlen. " Analys av skillnaderna mellan medeltidskulturen och renässansskulturen leder J. le Goff i tre riktningar:

Analys av de kulturella och mentala verktygen som tillhandahålls

födelsen av nya idéer;

Analys av attityden till det jordiska, särskilt till livet, till människan

kropp, till jord, till jordisk historia;

Analys av skillnaden i kyrkans värderings- och idésystem och det sekulära, andliga och sekulära, heliga och vanhelga.

Genom att analysera skillnaderna mellan medeltidskulturen och renässanskulturen påpekade han att omstruktureringen av värderingarna krävde att man kunde övervinna ett antal ideologiska hinder. Bland de viktigaste förändringarna utpekar J. le Goff erkännandet av innovationer och begränsningen av sfären för orubblig anslutning till "myndigheter" (autoritates) inom området religion, intellektuell aktivitet och konst, för att övervinna de idéer som är karakteristiska för tidig medeltid och ärvt från tidig kristendom att världen är gammal, att han redan har gått in i fasen av sin nedgång, den så kallade "sjätte åldern", att detta åldrande är irreversibelt, att han inte så mycket "lever" som "överlever" (mundussenesit). Världens ontologiska egenskaper: tid och rum, får en ny förståelse. Detta återspeglas i kultur och konst. Således återspeglas förändringarna i samband med tidsförståelsen i fiktion, särskilt i den kyrkliga romanen, där tiden utgör grunden för en berättelse som innehåller många episoder och oväntade plotvridningar. "Allt detta tillsammans förutsatte en orientering mot jordiska värden, mot förhållande som en logisk princip, förnuft och beräkning samtidigt." I uppkomsten av nya värderingar och ny praxis märks framför allt skrivandet som en mänsklig invasion av den heliga världen, den skrivna texten avskaliseras. Brevet får en vardaglig karaktär, blir mer och mer flytande. "Brevet skapas nu inte i Guds och himmelens namn utan för det jordiska."

Förändringarna påverkade också en människas attityd till själva sitt liv, till hans kropp. Den tidiga medeltiden utropade förakt för kroppen, dess impulser försökte stävja, dämpa. Kroppen ansågs vara ”själens avskyvärda skal”. Allt förändrades under renässansen. Kroppen hade blivit den erkända formen av varje andlig varelse; kroppens skönhet förkunnade nu själens skönhet. Betydelsen och värdet av jordiskt liv har ökat. Exempel inkluderar utvecklingen av attityder till skratt, förändringar i begreppet helighet och förändringar i attityder gentemot ett postumt minne. Monasticism i tidig medeltid lärde kristna samhälle att försumma den jordiska världen. En av manifestationerna av denna förakt var undertryckandet av skratt, det mest pinsamma av de ljud som munnen kan göra. I renässanskulturen legitimeras skratt i de flesta av dess manifestationer och ses som en prototyp av himmelsk glädje.

Utvecklingen av begreppet helighet var att det var livet

helgonet som sådan får större betydelse; tvivelaktiga ur kyrkans synvinkel räknas inte längre mirakulösa handlingar utförda av de heliga; rätten till helighet ges främst av ett dygdigt och fromt liv, manifestationer av djup fromhet. Mirakel kompletterar varandra. De kan bekräfta helighet, men det uttrycks inte i dem. Helgen uppträder traditionellt i ett mirakel inte som författare utan som medlare; Gud är fortfarande den enda mirakelmakaren. Men gudomlig inblandning i bildandet av heliga verkar nu vara mindre än tidigare. Helgen skapar på sätt och vis sig själv, han framträder som en "självmänniska".

Förändringarna påverkar också människors attityd till det postumiska minnet av sig själva.

Försök att övervinna glömskan vid denna tid hade olika uttryck. Till exempel återvänder de till praxis som testats förlorade sedan antiken. Rätten till postumt bortskaffande av sina varor bevarar sambandet med de utgångna ägodelarna för den avlidne. Ökningen av antalet begravningsmassor syftade både till att fortsätta minnet om de döda bland de levande och till att rädda själen.

Tro på existensen av skärselden (som en plats för rening från synder under perioden mellan döden och den sista domen) gav många människor tron \u200b\u200batt själar i skärselden har rätt att återvända till jorden och se ut som levande. Att komma in i skärselden innebar alltså inte att helt lämna detta liv.

Under renässansen skapas nya värdesystem baserat på

jordiska grundvalar inom etik, politik och religion.

Från antikens tid och upprättandet av kristendomen kände människan tre versioner av den kristna hjälten - en martyr, en munk och en helgon - som ett levande exempel för att imitera Kristus. Nu under XI-XIII århundraden bildas två nya modeller av aristokratiska och rent sekulära hjältar, även om dessa hjältar själva förblir kristna.

Den första av dessa modeller förkroppsligar den sekulära, världsliga artighetskoden.

Det kännetecknar konsten att leva och presenterar en kod för goda sätt och idealiska normer för jordiskt beteende. Han försöker sätta in en person fyra principer för sådant beteende: artighet (i stället för oförskämdhet och våld), mod, kärlek och andlig bredd, generositet. Denna kod skulle bilda en civiliserad krigare och passa in i ramarna för en harmonisk helhet, byggd på två huvudmotsättningar: kultur - natur och man - kvinna. Domlig kärlek upphöjer världslig, jordisk kärlek, som existerar tillsammans med gudomlig och himmelsk (och ibland försummar den).

På XIII-talet. denna enkla artighet ger vika för en mer sofistikerad som erkänner oklanderlighet som sitt ideal. Courtoisia framträder här i en mer måttlig inkarnation och kombinerar mod med visdom, tapp omedelbart. Samtidigt formulerades två modeller för ett idealiskt samhälle. Det första förutsätter det verkliga skapandet av det mest perfekta samhället på jorden; det andra sättet att skapa ett perfekt samhälle är ren utopi, som har fått sitt uttryck i litteraturen: detta är drömmen om mänsklighetens återkomst inte till det kristna paradiset, utan till antikens guldålder, i vars centrum mänskligheten och den jordiska världen är för vilka det inte finns något behov av himlen. Förändringarna påverkar också området för religion. De var nära förknippade med förnyelsen av kyrkan som ett resultat av de mendicant ordernas aktiviteter. Det var vid den här tiden som kätterska läror bildades, vilket hävdade en fullständig förkastelse av världen, allt materiellt för himmelens skull. Men parallellt bildas åsikter, där det huvudsakliga är drömmen om ett tusenårsriket som tillkännages i apokalypsen, och början av guldåldern, när alla typer av kyrka och sekulär hierarki kommer att försvinna och kungariket för de här helgons värld kommer att börja.

Konst försöker uttrycka betydelsen av det övergående, jordiska och kärleken för det. Uppmärksamhet på det flyktiga, flyktiga växer, allt jordiskt får en högre uppskattning. På grund av det faktum att en person behärskar rymden och viktiga förändringar observeras i konstruktionen av linjärt perspektiv inträffar en stor förändring i systemet för konstnärlig skildring, som kallas realismens födelse. Denna realism representerar också en uppsättning vissa regler, en typ av kod, avskalad och profan.

Tro på det oundvikliga i världens ände försvinner: hotet från den sista domen, avbildat på portalerna i katedraler, verkar avvisas. Jorden imiterar inte längre himlen, den blir verklighet, himlen tvärtom, imiterar jorden. Nära J. le Goffs ställning, yttrandet från G.K. Kosikova. Enligt hans uppfattning, ”Varken kronologiskt eller scenvis, följer inte renässansen den feodala medeltiden. Tvärtom är det mer korrekt att tala om en stor trehundraårsperiod som tillhör samtidigt medeltidens historia och New Age-historien. " Detta överensstämmer med yttrandet från B.F. Porshnev, enligt vilken renässans-humanistisk kultur, olika former av "fri tanke" från 1600-talet och slutligen upplysningen bildar tre på varandra följande stadier av uppstigningen från medeltidens världsbild till den stora borgerliga revolutionen i slutet av 1700-talet. G.K. Kosikov, det finns en kvalitativ skillnad mellan renässansens kultur och medeltidskulturen. Medeltida kultur institutionaliserades (d.v.s. i större utsträckning hade karaktären av en ritualiserad kultur), medan renässanskulturen institutionaliserades i liten utsträckning och huvudsakligen inom de humanitära områdena (dvs. den var mer lekfull i naturen). Efter att ha uppstått inom ramen för medeltiden och i princip inte bryter med dess värden, ändrade denna kultur ändå betydligt accenterna i den medeltida bilden av världen och skapade vissa förutsättningar för dess efterföljande förstörelse; men samtidigt avslöjade renässanskulturen i sig, främst på grund av dess principiella elitism, dess uppenbara icke-livskraft redan under andra hälften av 1500-talet, "den har överlevt sig själv i en ny social miljö. Antikens kult urartade till begränsad pedantri, stolt individualism - till självisk principlöshet, läran om mänsklig värdighet - till instruktioner för en exemplarisk hovman. "

Enligt G.K. Kosikov, "Renässansen uppstod inte vid medeltidens ruiner, utan tvärtom i en tät medeltida miljö, när den feodala civilisationen fortsatte att leva ett aktivt liv, genomgår en process av komplex utveckling." Här G.K. Kosikov fortsätter tanken på R.I.

Khlodovsky att "renässansen" är en sådan era i det medeltida samhällets liv, där en kulturell rörelse som kallades renässansen ägde rum, men som inte på något sätt reduceras till denna rörelse. L.M. Batkin, som karaktäriserade renässansens kultur, underbyggde en intressant, men inte helt obestridlig, uppfattning om dess "dialogiska karaktär": "Allt som definieras konkret i sfären av hans (renässans) tanke och kreativitet är faktiskt icke-renässans, vare sig det är kristendomen," litteratur ", Platonism, hermetism, averroism ... Endast mötet med icke-renässanskulturer i en individ, fritt i förhållande till var och en av dem, är en renässans.

Det är nödvändigt att fästa grundläggande vikt vid sakraliseringen av den forntida kulturen av den tids intellektuella elit; dess representanter tänkte inte på antiken, utan enligt det lämpliga uttrycket av G.K. Kosikov, "efter antiken - efter forntida kategorier, bilder, toposer och bara citat." De tycktes distansera sig från sin egen modernitet och från dess kultur, vilket förklarar den ursprungliga kulturella gesten från renässansens framstående kulturpersoner - en avskildhet från modernitet och en symbolisk "vidarebosättning" till antiken. Detta kan förklara det faktum att Petrarch på allvar riktade brev till Cicero och Titus Livy, Fichinov brände en lampa framför bysten av Platon, och Rabelais, som ansåg varje ord av Hippokrates ofelbar, pratade med äkta larm om de katastrofer som verkligen skulle hända i medicinsk praxis om publiceringen av texterna från den grekiska läkaren kryper åtminstone ett misstag. Detta innebär att de ljusaste representanterna för renässanskulturen gav antiken en inneboende karaktär, och om den inte alltid gav dem grund för fri dialog hade den alltid en ovillkorlig stimulans för dem.

Under tiden ligger renässansens väsen och grundläggande nyhet just i det faktum att den gjorde antiken till ett absolut mått, till en ideal horisont för mänsklig kultur, i ljuset av vilken levande modernitet skulle bedömas. Detta är precis vad, trots kontinuiteten, renässanskulturen skilde sig från kulturen från 1100-talet, som med all respekt för forntida prover aldrig gjorde dem till ett andligt kulturkriterium. Den ursprungliga rörelsen från modernitet till antikvaro existerade bara i renässansen för motståndets skull - från antiken till modernitet: att känna den grekisk-romerska antiken som en annan värld, men inte motbjudande, men attraktiv av sin "annorlunda", gav upphov till försök från renässansstänkare att flytta denna värld till den omgivande verkligheten, nämligen: den visdom som hämtats från forntida böcker för att förkroppsligas i nya livsvillkor.

Renässanssyntesen visade sig vara ett grandiost försök att överföra hela den medeltida civilisationens jord hela uppsättningen kulturella värden som genererats av en annan, om än delvis besläktad civilisation, inte bara för att "assimilera" eller "anpassa" sina individuella element, utan att direkt och direkt införa någon annans andliga upplevelse i sin egen.

Funktioner av medeltida och renässanskultur i förhållande till

en person, till en personlighet kan karakteriseras enligt följande. Den medeltida individen kännetecknas av upplevelsen av sitt eget "jag" i kategorierna av en social roll, men detta utesluter inte på något sätt inte bara känslan av "självkänsla" som kännetecknar honom utan, viktigast av allt, fri orientering och rörelse både inom sådana roller och från en roll till den andra. Varje sådan roll förutsätter en högre och en lägre gräns för dess "prestanda", dvs. måttet på intimt engagemang med det och medveten aktivitet, perfektion av utförandet av en sådan roll. Därav det medeltida begreppet personlighet och det medeltida begreppet individualism, som inte var förknippade med en persons känsla av sin egen specialitet och egenhet, utan med en känsla av hans originalitet, till exempel talang, förmåga att göra något, skicklighet i dess genomförande, etc.

I renässanskulturen är en i sig värdefull personlighet - "desto mer en isolerad mänsklig personlighet - inte den grundläggande principen för renässansestetiken." Renässansförståelsen av personlighet har en modifierad medeltida natur. Medeltida människan hade en känsla av sin ”självkänsla”, d.v.s. intern "integritet" och samladhet för varje "jag" i en enda punkt, som inte på något sätt förnekade idén om likheten mellan den mänskliga naturen och den individuella individens existentiella jämlikhet.

Enligt A.F. Losev, renässansmannen tog över "gudomliga funktioner" började leta efter värdefundamenten för sitt eget liv i just detta liv, utan metafysiskt stöd. A.F. Losev talar om "den spontana individualistiska inriktningen för en person som drömde om att bli beslutsamt befriad från allt som var objektivt meningsfullt och endast erkände hans inre behov och behov." ÅH. Gorfunkel analyserade skillnaderna mellan renässansantropologi och medeltida påpekar att renässansantropologi inte bara skilde människan från Gud och från "allt objektivt meningsfullt" utan tvärtom inkluderade honom i det "perfekta och vackra rummet" som en organisk del. ”En förgudad man är inte ett sandkorn i ett förgudat utrymme. Han är ett uttryck för samma stora kosmiska krafter som genomsyrar hela världsutrymmet. "

Att vara en del av Gud upphöjdes av renässansens tänkare inte som en isolerad och självförsörjande person utan som en representant för hela mänsklighetens generiska förmågor. Omvandlingen av dem bestod snarare inte av att en sådan person skilde sig från de överpersoonliga och allmänt betydande moraliska normerna och lagarna, utan i tonvikten från tanken på "förgudning" (som endast ges av nåd) av människan till hans "förgudning" - inte i den meningen förskjutningen av "skapelsen" av "skaparen", men i betydelsen att betona det "gudomliga" i dess oändlighet kognitiva - etiska och kreativa förmågor hos människan i förhållande till universum.

Renässanspersonalens ideal är inte ett subjekt som värnar om sin individuella unikhet, utan en person som individuellt utövar sin ande för att förvärva kvaliteten på ”universalitet”, d.v.s. att absorbera all möjlig mångfald av kultur och teman - i gränsen - att slå samman med andra lika "universella" individer. Renässanskulturen förblev huvudsakligen den intellektuella elitens egendom, vilket ledde till omvandlingen av innovativa idéer som cirkulerade inom det slutna systemet och senare nedbrytning, reduktion till blind imitation, överdriven uppmärksamhet på det yttre, existerande till nackdel för det inre, väsentliga. Således har det skett en utveckling från en kultur som är inre fri och till viss del innovativ till förlusten av den existentiella komponenten av liv och aktivitet, vilket har lett till koncentrationen av uppmärksamhet på de yttre formerna av deras manifestation.

Renässansindividualismens specificitet bestod i spontan självhävdande av en person som tänker och agerar konstnärligt och förstår den naturliga och historiska miljön som omger honom inte väsentligt utan självförsörjande kontemplativt.

Två element genomsyrar hela renessansens estetik och allt detta

konst. Tänkare och konstnärer från renässansen känner i sig själva en oändlig kraft och aldrig tidigare en möjlighet för en person att tränga in i djupet och inre upplevelseroch konstnärliga bilder och naturens allsmäktiga skönhet. Innan artisterna under högrenässansen hade ingen någonsin vågat vara en så djup filosof för att se djupet av den subtilaste kreativiteten hos människan, naturen och samhället. Men även de största, största figurerna från renässansen kände alltid någon form av begränsning av människan, någon form av honom, och dessutom mycket frekvent, hjälplöshet i att förvandla naturen, i konstnärlig kreativitet och i religiös förståelse.

Inom renässanskonsten finns det inte bara sekularisering, sekularisering av konst utan också interpenetration, blandning av folklore, sekulär och kyrka.

I renässansens kultur sker en förändring av värdena, en av de viktigaste komponenterna i det kulturella medvetandet. Bland de viktigaste förändringarna: att erkänna innovationer och begränsa sfären för orubblig anslutning till "myndigheter" inom området religion, intellektuell aktivitet och konst, övervinna idén att världen redan har gått in i fasen av dess nedgång. Världens ontologiska egenskaper: tid och rum, får en ny förståelse. Detta återspeglas i kultur och konst. Således återspeglas förändringarna i samband med tidsförståelsen i fiktion, särskilt i den kyrkliga romanen, där tiden utgör grunden för en berättelse som innehåller många episoder och oväntade plotvridningar. I uppkomsten av nya värderingar och ny praxis märks framför allt skrivandet som en mänsklig invasion av den heliga världen, den skrivna texten avskaliseras. Brevet får en vardaglig karaktär, blir mer och mer flytande. "Brevet skapas nu inte i Guds och himmelens namn utan för det jordiska."

Historien om den mänskliga kulturen känner till många uppgångar, ljusa blomningar, konstnärligt rikliga, intellektuellt rika och fruktbara epoker. Och ändå europeiska - främst italienska - renässans XIV-XVI århundraden. blev grunden för framväxten av en ny form av kulturmedvetenhet. Själva termen "renässans" uppstod vid den tiden bland de florentinska poeterna, konstnärerna och experterna i antiken, när betydande förändringar började äga rum i Europa, i dess kulturella och sociala liv. Därför är den kulturella omvälvningen som uppnåddes av renässansen naturligtvis särskilt viktig för Europas andliga liv. Men direkt eller indirekt, direkt eller efter flera århundraden, påverkade det kulturen och levnadssättet för alla världens folk, för det var renässansandan - individuell frihet, djärv kunskap, beundran för den antika, främst hellenistisk-romerska världen, intellektuell frossa - som gjorde det möjligt för européer att ockupera politisk, kulturell och ekonomisk hegemoni runt om i världen.

I renässansen etablerades således den gudomliga människans kult. Människokroppen är upplyst och förvandlas på ett sätt som var omöjligt utan tro på köttets uppståndelse. Kroppens perfektion tas som bilden av andlig perfektion, och nakenheten tas som bilden av renhet och sanning. I sin vädjan till antiken fann humanismen inspiration för en persons personliga sökning efter sanning och godhet. Humanister av olika epoker såg som regel sin uppgift att förhärliga en person. Humanismens kris leder naturligtvis till idén om en superman, som vi finner i F. Nietzsches filosofi. väckelse medeltida renässans

Med tanke på generationer som följde renässansen, fram till 1900-talet. det fanns ingen plats inte bara för extra-europeisk konst utan också för konstnärliga fenomen som hade bildats på Europas kulturella mark och avstod från renässanskanonerna. All meningsfull historia, forntida och ny, med människor, kultur, övergående verkligheter gick med i individen, dödlig människa - sådan var renässansen och så kommer det för alltid att förbli i minnet av Europa. Han gav henne ett exempel på hur en stor gemensam mänsklig skapelse kan skapa helt andra, originella men livfulla individer. Antiken antogs av renässansen som en prakultur, och den blev i sig en prakultur för det nya Europa.