VI - Nederländerna 1400-talet

Petrus Christus

Petrus Christus. Kristi födelse (1452). Berlins museum.

Holländarnas verk på 1400-talet är långt ifrån uttömda av de arbeten som har demonterats och i allmänhet de prover som har kommit ner till oss, och vid ett tillfälle var detta arbete helt enkelt fantastiskt vad gäller produktivitet och hög skicklighet. Emellertid är endast ett fåtal verk intressanta för landskapshistorien i materialet i en sekundär kategori (och ändå av hur hög kvalitet!), Vilket står till vårt förfogande och som ofta bara är en försvagad återspegling av huvudmästarnas konst; resten, utan personlig känsla, upprepa samma scheman. Bland dessa målningar utmärker sig flera verk av Petrus Christus (född omkring 1420, dog i Brygge 1472), som nyligen ansågs vara en student av Jan van Eyck och verkligen imiterade honom mer än någon annan. Vi kommer att träffas med Christus senare - när vi studerar historien om den dagliga målningen, där han spelar en viktigare roll; men i landskapet förtjänar han en viss uppmärksamhet, även om allt han har gjort har en något slapp, livlös nyans. Ganska vackert landskap sprider sig bara bakom figurerna i Bryssel "klagan över Herrens kropp": en typisk flamländsk utsikt med mjuka kullar där det finns slott, med trädrader planterade i dalar eller klättring i smala silhuetter längs sluttningen av avgränsade kullar; precis där - en liten sjö, en väg som slingrar sig mellan åkrar, en stad med en kyrka i en ihålig - allt detta under en klar morgonhimmel. Men tyvärr väcker tillskrivningen av denna målning till Christus allvarliga tvivel.

Hugo van der Goes. Landskap på högerkanten av Portinari-altaret (cirka 1470) i \u200b\u200bUffizi-galleriet i Florens

Det bör dock noteras att i de autentiska målningarna av mästaren i Berlinmuseet kanske det bästa är just landskap. Landskapet i tillbedjan av barnet är särskilt attraktivt. Skuggramen här är en eländig kapell, fäst vid steniga stenar, som om den hade kopierats helt från naturen. Bakom denna "gardin" och figurerna av Guds Moder, Joseph och barnmorskan i Sibyl, klädda i mörker, kretsar sluttningarna av två kullar, mellan vilka en lund med unga träd ligger i en liten grön dal. I utkanten av skogen lyssnar herdarna på ängeln som flyger över dem. En väg leder förbi dem till stadsmuren, och dess gren kryper upp till den vänstra kullen, där man under en rad av pilar kan se en bonde jaga åsnor med säckar. Allt andas en underbar värld; emellertid måste man erkänna att det i huvudsak inte finns någon koppling till det avbildade ögonblicket. Innan oss är dagen, våren, och det finns inget försök att betyda något "julstämning". I "Flemal" ser vi åtminstone något högtidligt i hela kompositionen och önskan att skildra en holländsk morgon i december. I Christus andas allt med pastoral nåd, och man känner konstnärens fullständiga oförmåga att gräva i ämnet. Vi kommer att hitta samma funktioner i landskapet hos alla andra sekundära mästare i mitten av 1400-talet: Dare, Meire och dussintals namnlösa.

Gertchen Sant Jans. "Bränning av resterna av Johannes döparen". Museum i Wien.

Det är därför det är underbart lysande bild Hugo van der Goes "Portinarialtaret" (i Florens i "Uffizi"), där konstnär-poeten är den första bland holländarna försöker på ett avgörande och konsekvent sätt dra en koppling mellan stämningen i den dramatiska handlingen i sig och landskapets bakgrund. Vi såg något liknande i Dijon-målningen "Flemal", men hur långt han gick före denna erfarenhet av sin föregångare Hugo van der Goes, som arbetade med en målning på uppdrag av den rika bankiren Portinari (representanten i Brygge för Medicis affärsaffärer) och tänkt att skickas till Florens. Det är möjligt att Gus på Portinari själv såg målningar av sina favorit Medici-artister: Beato Angelico, Filippo Lippi, Baldovinetti. Det är också möjligt att den ädla ambitionen att visa Florens den ryska konstens överlägsenhet talade i honom. Tyvärr vet vi inte något om Gus, förutom en ganska detaljerad (men också oklar) historia om hans galenskap och död. När det gäller var han kom ifrån, vem som var hans lärare, till och med vad han skrev förutom "Portinari-altaret", så förblir allt detta under hemlighet. Endast en sak är tydlig, även från studiet av hans målning i Florens, - detta är passionen, andligheten, vitaliteten i hans arbete, vilket är exceptionellt för en holländare. I Huss kombinerades Rogers dramatiska plasticitet och van Eycks djupa naturkänsla till en oskiljaktig helhet. Till detta kom hans personliga särdrag: någon form av vacker patetisk anteckning, någon form av mild, men inte avslappnad sentimentalism.

Det finns få målningar i målningens historia som är fulla av sådan vördnad, där konstnärens själ, all den underbara komplexiteten i hennes upplevelser, skulle lysa igenom. Även om vi inte visste att Hus hade gått till ett kloster från världen, att han där ledde något konstigt halvsekulärt liv, ockuperade hedersgäster och festade med dem, att han då var besatt av galenskapens mörker - en "Portinari-altare" skulle berätta för oss om författarens sjuka själ, om dess attraktion till mystisk extas, om sammanflätningen av de mest olika upplevelserna i den. Triptychens grå, kalla ton, ensam i hela den holländska skolan, låter som underbar och djupt sorglig musik.

"Lita aldrig på en dator så att du inte kan kasta ut ett fönster." - Steve Wozniak

Holländsk målare, vanligtvis identifierad med den flamländska mästaren - en okänd konstnär som har sitt ursprung i traditionen med tidig holländsk målning (de så kallade "flamländska primitiverna"). Mentor Rogier van der Weyden och en av de första porträttmålarna i europeisk målning.

(De liturgiska kläderna av den gyllene fleeceordenen - Jungfru Maria)

Att vara en samtida av miniatyrister som arbetade med att belysa manuskript, men ändå, kunde Kampen uppnå en sådan nivå av realism och observation som ingen annan målare före honom. Ändå är hans verk mer arkaiska än hans yngre samtida. Demokrati märks i vardagliga detaljer, ibland finns det en hushållstolkning av religiösa ämnen, som senare kommer att vara karakteristisk för den holländska målningen.

(Jungfru och barn i en interiör)

Konstkritiker har länge försökt hitta ursprunget Norra renässansen, ta reda på vem som var den första mästaren som lade den här stilen. Man trodde länge att den första konstnären som avviker något från de gotiska traditionerna var Jan van Eyck. Men att sent XIX århundradet blev det klart att van Eyck föregicks av en annan konstnär vars borste tillhör triptych med Announcement, som tidigare ägdes av grevinnan Merode (den så kallade "triptych Merode"), liksom den så kallade. Flamländska altaret. Det antogs att båda dessa verk tillhörde den flemalianska mästarens hand, vars identitet ännu inte var fastställd vid den tiden.

(Jungfrubröllopet)

(Holy Virgin in Glory)

(Werl Altarpiece)

(Trinity of the Broken Body)

(Välsigna Kristus och be Jungfru)

(Jungfrubröllopet - St James the Great och St. Clare)

(Jungfru och barn)

Gertgen till Sint Jans (Leiden 1460-1465 - Haarlem fram till 1495)

Denna tidigt avlidne konstnär, som arbetade i Haarlem, är en av de mest betydande figurerna i nord-holländsk målning i slutet av 1400-talet. Studerade eventuellt i Haarlem i Albert van Auvaters verkstad. Var bekant med konstnärerna i Gent och Brygge. I Haarlem levde han som målarlärling under Johanniternas ordning - därav smeknamnet "från St. John's kloster" (tot Sint Jans). Hertgens målningsstil kännetecknas av en subtil emotionalitet i tolkningen av religiösa ämnen, uppmärksamhet på fenomenen i vardagen och en tankeväckande, poetiskt inspirerad detaljerad bearbetning. Allt detta kommer att utvecklas i den holländska realistiska målningen under följande århundraden.

(Födelsekyrkan, på natten)

(Jungfru och barn)

(Jesse-trädet)

(Gertgen till Sint Jans St. Bavon)

Van Eycks rival om titeln som den mest inflytelserika mästaren i tidig holländsk målning. Konstnären såg målet med kreativitet för att förstå individens individualitet, han var en djup psykolog och en utmärkt porträttmålare. Genom att bevara den medeltida konstens spiritualism fyllde han de gamla bildscheman med renässansbegreppet en aktiv mänsklig personlighet. I slutet av sitt liv, enligt TSB, "överger han universalismen i van Eycks konstnärliga uppfattning om världen och koncentrerar all sin uppmärksamhet på människans inre värld."

(Upptäckten av relikerna från Saint Hubert)

Född i familjen till en träsnider. Konstnärens verk vittnar om en djup bekantskap med teologin, och redan 1426 kallades han "Master Roger", vilket gör det möjligt att framföra antagandet att han hade en universitetsutbildning. Han började arbeta som skulptör, i en mogen ålder (efter 26 år) började han studera måleri med Robert Campen i Tournai. Han tillbringade 5 år i sin verkstad.

(Läser Maria Magdalena)

Perioden med den kreativa bildandet av Rogier (som uppenbarligen tillhör Louvren "Bebådelsen") belyses dåligt av källor. Det finns en hypotes att det var han som i sin ungdom skapade verk tillskrivna det så kallade. Flamländsk mästare (en mer sannolik kandidat för deras författarskap är hans mentor Kampen). Lärjungen assimilerade så mycket Kampins önskan att mätta bibliska scener med de mysiga detaljerna i det inhemska livet att det nästan är omöjligt att skilja mellan deras verk i början av 1430-talet (båda konstnärerna undertecknade inte sina verk).

(Porträtt av Anton Bourgogne)

De tre första åren av Rogiers oberoende arbete dokumenteras inte på något sätt. Kanske tillbringade han dem i Brygge med van Eyck (med vilken han antagligen korsade vägar tidigare i Tournai). I vilket fall som helst är hans berömda komposition "Luke the Evangelist Painting the Madonna" genomsyrad av van Eycks uppenbara inflytande.

(Evangelisten Luke, måla Madonna)

År 1435 flyttade konstnären till Bryssel i samband med sitt äktenskap med en infödd i denna stad och översatte sitt riktiga namn Roger de la Pasture från franska till nederländska. Han blev medlem i stadens guild av målare, blev rik. Han arbetade som stadsmålare på uppdrag av hertigdomstolen för Filip den gode, kloster, adelsmän, italienska köpmän. Han målade stadshuset med bilder av rättvisa administration av kända personer från det förflutna (freskerna är förlorade).

(Porträtt av en dam)

I början av Bryssel-perioden tillhör den grandiosa känslomässigheten "Nedstigning från korset" (nu i Prado). I detta arbete övergav Rogier den bildande bakgrunden radikalt och fokuserade betraktarens uppmärksamhet på de tragiska upplevelserna av många karaktärer som fyller hela dukens utrymme. Vissa forskare är benägna att förklara spridningen i hans arbete genom hans fascination med läran om Thomas Kempis.

(Nedstigning från korset med givaren Pierre de Ranchicourt, biskop av Arras)

Rogiers återkomst från den grova Kampinsrealismen och sofistikeringen av Vaneiks proto-renässans till den medeltida traditionen är tydligast i Polytik för den sista domen. Den skrevs under åren 1443-1454. beställt av kansler Nicolas Rolen för altaret för sjukhusets kapell, grundat av det senare i den burgundiska staden Beaune. Platsen för komplexa landskapsbakgrunder här intas av den gyllene glansen, testad av generationer av hans föregångare, som inte kan distrahera betraktaren från vördnad för de heliga bilderna.

(Altaren för den sista domen i Bonn, höger yttre vinge: Helvete, vänster yttre vinge: Paradis)

I jubileet 1450 gjorde Rogier van der Weyden en resa till Italien och besökte Rom, Ferrara och Florens. Han hälsades varmt av italienska humanister (det finns en prisvärd recension av Nikolai av Cusansky om honom), men själv var han främst intresserad av konservativa konstnärer som Fra Angelico och Gentile da Fabriano.

(Huvudet av Johannes döparen)

Det är vanligt i konsthistorien att associera denna resa med italienarnas första bekantskap med oljemålningstekniken, som Rogier perfekt behärskade. På uppdrag av de italienska dynastierna Medici och d'Este avrättade Fleming Uffiziens "Madonna" och det berömda porträttet av Francesco d'Este. Italienska intryck återspeglades i altarkompositioner ("Johannes döparens altare", triptycher "Seven Sacraments" och "Adoration of the Magi"), utförda dem när de återvände till Flandern.

(Tillbedjan av magierna)

Rogiers porträtt har några gemensamma särdrag, vilket till stor del beror på det faktum att nästan alla av dem skildrar representanter för den högsta adeln i Bourgogne, på vars utseende och sätt de präglades av den allmänna miljön, uppfostran och traditionerna. Konstnären ritar i detalj händerna på modeller (särskilt fingrar), förfinar och förlänger deras ansiktsegenskaper.

(Porträtt av Francesco D "Este)

Under senare år arbetade Rogier i sin workshop i Bryssel, omgiven av många studenter, bland vilka tydligen var sådana framstående representanter för nästa generation som Hans Memling. De sprider hans inflytande över Frankrike, Tyskland och Spanien. Under andra hälften av 1400-talet, i norra Europa, rådde Rogiers uttrycksfulla stil över de mer tekniskt komplexa lektionerna från Kampen och van Eyck. Till och med på 1500-talet förblev många målare under hans inflytande, från Bernart Orlais till Quentin Massey. I slutet av seklet började hans namn glömmas bort, och redan på 1800-talet kom konstnären ihåg bara i specialstudier om tidig holländsk målning. Återställ det kreativ väg komplicerat av det faktum att han inte undertecknade några av hans verk, med undantag för Washington-porträttet av en kvinna.

(Bebudelse till Mary)

Hugo van der Goes (ca 1420-25, Gent - 1482, Odergem)

Flamländsk konstnär. Albrecht Dürer ansåg honom vara den största representanten för tidig holländsk målning, tillsammans med Jan van Eyck och Rogier van der Weyden.

(Porträtt av en böneman med Johannes döparen)

Född i Gent eller Ter Gus i Zeeland. Det exakta födelsedatumet är okänt, men ett dekret från 1451 hittades som gjorde det möjligt för honom att återvända från exil. Följaktligen hade han vid den tiden lyckats göra något fel och hade varit i exil under en tid. Gick med i guild av St. Luke. 1467 blev han befälhavaren på guilden och 1473-1476 var han dess dekan i Gent. Han arbetade i Gent, från 1475 i Augustinerklostret Rodendal nära Bryssel. På samma plats 1478 ordinerades han till munk. Hans sista år skämdes av psykisk sjukdom. Men han fortsatte att arbeta, fyllde order för porträtt. I klostret besökte han den framtida kejsaren av det heliga romerska riket Maximilian Habsburg.

(Korsfästelsen)

Han fortsatte de konstnärliga traditionerna för holländsk målning under första hälften av 1400-talet. Konstnärliga aktiviteter är varierade. Bouts inflytande märks i hans tidiga verk.

Deltog som dekoratör i att dekorera staden Brygge i samband med bröllopet 1468 av hertigen av Bourgogne Charles the Bold och Margaret of York, senare i dekorationen av firandet i staden Gent vid tillträdet till staden Charles the Bold och den nya grevinnan i Flandern 1472. Hans roll i dessa verk var uppenbarligen ledande, för enligt de överlevande dokumenten fick han en större lön än resten av konstnärerna. Tyvärr har målningarna som ingick i dekorationen inte överlevt. Den kreativa biografin har många tvetydigheter och luckor, eftersom ingen av målningarna dateras av konstnären eller undertecknas av honom.

(Benediktinermunk)

Det mest kända verket är den stora altartavlan "Herrens tillbedjan", eller "Portaris altare", som målades ca. 1475 på uppdrag av Tommaso Portinari - företrädaren för Medici-banken i Brygge - och hade ett djupt inflytande på de florentinska målarna: Domenico Ghirlandaio, Leonardo da Vinci, etc.

(Portaris altare)

Jan Provost (1465-1529)

Mästaren Provost nämns i dokument från 1493, som förvaras i Antwerpens stadshus. Och 1494 flyttade befälhavaren till Brygge. Vi vet också att han år 1498 gifte sig med den franska målaren och miniatyristen Simon Marmions änka.

(Martyrdom av St. Catherine)

Vi vet inte vem provost studerade med, men hans konst utvecklades tydligt under påverkan av de sista klassikerna från den tidiga holländska renässansen Gerard David och Quentin Massey. Och om David strävade efter att uttrycka en religiös idé genom dramatiseringen av situationen och mänskliga erfarenheter, så kommer vi i Quentin Masseys att hitta något annat - ett begär efter idealiska och harmoniska bilder. Först och främst påverkades här Leonardo da Vinci, med vars arbete Massys träffade under sin resa till Italien.

I målningarna från Provost kombineras traditionerna från G. David och C. Masseis till en. I samlingen av State Hermitage finns ett verk av provost, Maria in Glory, skrivet på en träskiva med oljemålningstekniken.

(Jungfru Maria i ära)

Denna enorma målning visar Jungfru Maria, omgiven av en gyllene glöd, som står på en halvmåne i molnen. I hennes armar finns Kristusbarnet. Gud Fadern, St. En ande i form av en duva och fyra änglar. Nedanför - den knäböjande kungen David med en harpa i händerna och kejsaren Augustus med en krona och spira. Förutom dem visar målningen sibylerna (karaktärer från forntida mytologi, förutsäga framtiden och tolka drömmar) och profeter. En av syskonen har en rullning med inskriptionen "Jungfruens barm kommer att vara nationernas frälsning."

I bildens djup kan man se ett landskap som slår i dess subtilitet och poesi med stadsbyggnader och en hamn. Allt detta komplexa och teologiskt invecklade intrig var traditionellt för holländsk konst. Till och med närvaron av forntida karaktärer upplevdes som ett slags försök till religiös rättfärdigande av de gamla klassikerna och överraskade ingen. Det som verkar svårt för oss uppfattades lätt av konstnärens samtida och var ett slags alfabet i hans målningar.

Provost tar dock ett visst steg framåt på vägen att behärska detta religiösa tema. Han förenar alla sina karaktärer i ett enda utrymme. Han kombinerar i en scen det jordiska (kung David, kejsare Augustus, sibylerna och profeterna) och det himmelska (Maria och änglarna). Av tradition skildrar han allt detta mot bakgrund av ett landskap, vilket ytterligare förstärker intrycket av verkligheten av vad som händer. Provost översätter flitigt handlingen till sitt samtida liv. I figurerna av David och Augustus kan du enkelt gissa klienterna av målningen, de rika holländarna. De forntida Sibylerna, vars ansikten är nästan porträtt, liknar levande de rika stadsborna på den tiden. Till och med det magnifika landskapet, trots all fantastik, är djupt realistiskt. Han syntetiserar som sagt Flandernars natur, idealiserar den.

De flesta av Provosts målningar är av religiös karaktär. Tyvärr har en betydande del av hans verk inte överlevt, och det är nästan omöjligt att återskapa den fullständiga bilden av hans verk. Men enligt samtida vittnesmål vet vi att provost deltog i utformningen av kung Charles ceremoniella inträde till Brygge. Detta talar om mästarens berömmelse och stora förtjänster.

(Jungfru och barn)

Enligt Dürer, som Provost reste med någon tid i Nederländerna, var ingången möblerad med stor glans. Hela vägen från stadsportarna till huset där kungen bodde var dekorerad med arkader på pelarna, kransar, kronor, troféer, inskriptioner, facklor fanns överallt. Det fanns också många levande målningar och allegoriska skildringar av "kejsarens talanger".
Provosten deltog mycket i designen. Holländsk konst från 1500-talet, av vilken Jan Provost var en typisk representant, gav upphov till verk som, enligt B.R.Vipper, "fängslar inte så mycket som skapandet av enastående mästare, utan som bevis på en hög och varierad konstnärlig kultur».

(Christian Allegory)

Jerun Antonison van Acken (Hieronymus Bosch) (cirka 1450-1516)

Den holländska målaren, en av de största mästarna i norra renässansen, anses vara en av de mest gåtfulla målarna i västerländsk konsthistoria. I Boschs hemstad 's-Hertogenbosch har Boschs kreativa centrum öppnats som visar kopior av hans verk.

Jan Mandijn (1500/1502, Haarlem - 1559/1560, Antwerpen)

Holländsk konstnär av renässansen och norra skapandet.

Jan Mundane tillhör gruppen Antwerpens anhängare av Hieronymus Bosch (Peter Hayes, Herri meth de Bles, Jan Wellens de Kokk), som fortsatte traditionen med fantastiska bilder och lade grunden till den så kallade Northern Mannerism, i motsats till italienska. Jan Mundanes verk, med hans demoner och onda andar, kommer närmast arvet från det mystiska.

(Saint Christopher. (State Hermitage, St. Petersburg))

Författarskapet till målningar som tillskrivs Mandain, utom "The Temptations of St. Anthony ”, har inte etablerats med säkerhet. Man tror att Mundane var analfabeter och därför inte kunde lämna gotiska signaturer på hans frestelser. Konstkritiker föreslår att han helt enkelt kopierade signaturen från det färdiga provet.

Det är känt att Mundane omkring 1530 blev mästare i Antwerpen, hans studenter var Gillis Mostert och Bartholomeus Spranger.

Martin van Heemskerk (riktigt namn Martin Jacobson van Ven)

Martin van Ven föddes i Nord-Holland till en bondefamilj. Mot sin fars vilja åkte han till Haarlem för att studera konstnären Cornelis Willems, och 1527 gick han vidare som student till Jan van Scorell, och nu kan konstkritiker inte alltid avgöra exakt tillhörighet av enskilda målningar av Scorel eller Heemskerk. Mellan 1532 och 1536 bor och arbetar konstnären i Rom, där hans verk är mycket populära. I Italien skapar van Heemskerk sina målningar i konstnärlig stil maner.
Efter att ha återvänt till Nederländerna fick han många beställningar från kyrkan för både altarmålning och skapande av glasmålningar och väggtapeter. Var en av de ledande medlemmarna i Saint Luke-guildet. Från 1550 till sin död 1574 tjänstgjorde Martin van Heemskerk som kyrkans huvud i St. Bavo-kyrkan i Haarlem. Bland andra verk är van Heemskerk känd för sin serie målningar Sju underverk i världen.

(Porträtt av Anna Codde 1529)

(St Luke målar jungfrun och barnet 1532)

(Sorgens man 1532)

(The Unhappy Lot of the Rich 1560)

(Självporträtt i Rom med Colosseum1553)

Joachim Patinir (1475/1480, Dinan i provinsen Namur, Vallonien, Belgien - 5 oktober 1524, Antwerpen, Belgien)

Flamländsk målare, en av grundarna av europeisk landskapsmålning. Han arbetade i Antwerpen. Han gjorde naturen till huvudkomponenten i bilden i kompositioner om religiösa ämnen, där han, enligt traditionen från Van Eyck-bröderna, Gerard David och Bosch, skapade ett majestätiskt panoramaområde.

Han arbetade med Quentin Masseys. Förmodligen är många av de verk som nu tillskrivs Patinir eller Masseis faktiskt deras gemensamma arbete.

(Slaget vid Pavia)

(Mirakel av St. Catherine)

(Landskap med flygningen till Egypten)

Herri meth de Bles (1500/1510, Bouvigne-sur-Meuse - cirka 1555)

Den flamländska konstnären är tillsammans med Joachim Patinir en av grundarna av den europeiska landskapsmålningen.

Nästan ingenting är säkert känt för konstnärens liv. I synnerhet är hans namn okänt. Smeknamnet "meth de Bles" - "med en vit fläck" - han fick antagligen ett vitt lås i håret. Han bar också det italienska smeknamnet "Civetta" (italienska: Civetta) - "uggla" - eftersom hans monogram, som han använde som signatur till sina målningar, var en liten figur av en uggla.

(Landskap med en scen för flygning till Egypten)

Herri meth de Bles tillbringade större delen av sin karriär i Antwerpen. Det antas att han var brorson till Joachim Patinir, och konstnärens riktiga namn var Herry de Patinir (nederländska. Herry de Patinir). I vilket fall som helst, 1535 gick en viss Gerry de Patinir med i Antwerpens gilde Saint Luke. Herri meth de Bles rankas också bland gruppen sydholländska artister - anhängare av Hieronymus Bosch, tillsammans med Jan Mundane, Jan Wellens de Kock och Peter Gays. Dessa mästare fortsatte traditionerna med Boschs fantastiska målning, och deras arbete kallas ibland "Northern Mannerism" (i motsats till italiensk manism). Enligt vissa källor dog konstnären i Antwerpen, enligt andra - i Ferrara, vid domstolen för hertigen del Este. Varken hans dödsår eller själva faktum om han någonsin besökt Italien är känt.
Herri meth de Bles målade huvudsakligen landskap, modellerade på Patinira, som också skildrade flersiffriga kompositioner. Landskapen förmedlar atmosfären noggrant. Typiskt för honom, som för Patinira, är en stiliserad bild av stenar.

Lucas van Leiden (Luke Leiden, Lucas Huygens) (Leiden 1494 - Leiden, 1533)

Han studerade måleri med Cornelis Engelbrekts. Han behärskade gravyrkonsten mycket tidigt och arbetade i Leiden och Middelburg. År 1522 gick han med i St. Luke-guiden i Antwerpen och återvände sedan till Leiden, där han dog 1533.

(Triptyk med dans runt den gyllene kalven. 1525-1535. Rijksmuseum)

I genrescener tog han ett djärvt steg mot en akut realistisk skildring av verkligheten.
Luke Leydensky är inte sämre i sin skicklighet än Dürer. Han var en av de första holländska grafikerna som visade en förståelse för ljus- och luftperspektivets lagar. Även om han i större utsträckning var intresserad av problem med komposition och teknik, och inte av traditionens trohet eller det känslomässiga ljudet av scener på religiösa teman. År 1521 i Antwerpen träffade han Albrecht Durer. Påverkan av den stora tyska mästarens arbete manifesterade sig i en mer styv modellering och i en mer uttrycksfull tolkning av figurer, men Luka Leydensky förlorade aldrig de funktioner som är inneboende endast i sin stil: långa, välbyggda figurer i något sättade poser och trötta ansikten. I slutet av 1520-talet framträder den italienska gravörens Marcantonio Raimondis inflytande i sitt arbete. Nästan alla Luke Leidens gravyrer är signerade med initialen "L", och ungefär hälften av hans verk är daterade, inklusive den berömda Passion of the Christ-serien (1521). Cirka ett dussin av hans träsnitt överlever, mestadels skildringar av scener från Gamla testamentet. Av det lilla antalet överlevande målningar av Luke Leiden är en av de mest kända triptiken Last Judgment (1526).

(Charles V, kardinal Walsley, Margaret av Österrike)

Joos van Cleve (födelsedatum okänt, förmodligen Wesel - 1540-41, Antwerpen)

Det första omnämnandet av Jos van Cleve går tillbaka till 1511, då han antogs i Antwerpen-guild St. Luke. Innan detta studerade Jos van Clewe med Jan Just van Kalkar tillsammans med Bartholomeus Brain the Elder. Han anses vara en av de mest aktiva artisterna i sin tid. Hans vistelse i Frankrike framgår av hans målningar och en konstnärs position vid Francis I. Det finns fakta som bekräftar Jos resa till Italien.
Jos van Cleves huvudverk är två altare som visar Jungfruens dormition (för närvarande i Köln och München), som tidigare tillskrevs en okänd konstnär, mästaren i Marias liv.

(Tillbedjan av magierna. 1: a tredjedel av 1500-talet. Art Gallery. Dresden)

Jos van Cleve klassificeras som författare. I sina tekniker för mjuk modellering av volymer känner han ekot från påverkan av Leonardo da Vincis sfumato. I många väsentliga aspekter av hans arbete är han ändå nära kopplad till den holländska traditionen.

"Jungfruens dormition" från den gamla Pinakothek var en gång i Jungfru Marias Kölnerkyrka och beställdes av företrädare för flera rika familjer i Köln. Altarstycket har två sidopaneler som visar kundernas skyddshelgon. Den centrala fliken är av största intresse. Van Mander skrev om konstnären: ”Han var den bästa färgaren i sin tid, han visste hur man skulle förmedla en mycket vacker lättnad till sina verk och mycket nära naturen förmedlade kroppens färg med endast en kroppsfärg. Hans verk uppskattades mycket av konstälskare, som de förtjänade helt. "

Jos van Cleves son Cornelis blev också konstnär.

Flamländsk målare från norra renässansen. Han studerade måleri hos Bernard van Orly, som inledde sitt besök på den italienska halvön. (Coxcie skrivs ibland av Coxie, till exempel i Mechelen på en gata tillägnad konstnären). I Rom 1532 målade han kardinalen Enckenvoirt kapell i kyrkan Santa Maria Delle av Anima och Giorgio Vasari, hans arbete görs på italienskt sätt. Men Coxies huvudsakliga arbete var utvecklingen för gravyrerna och fabeln av Psyche på trettiotvå ark av Agostino Veneziano och mästaren i Daiya gynnsamma exempel på deras färdigheter.

Återvänder till Nederländerna utvecklade Coxie sin praktik inom detta konstfält betydligt. Coxie återvände till Mechelen, där han designade altartavlan i kapellet i St. Luke-guildet. I mitten av detta altare representeras Evangelisten Saint Luke, skyddshelgon för konstnärer som skildrar Jungfru, på sidodelarna finns en scen av martyrskapet Saint Vitus och Visionen om Saint John the Evangelist i Patmos. Han beskyddades av Karl V, den romerska kejsaren. Hans mästerverk 1587 - 1588 förvaras i katedralen i Mechelen, i katedralen i Bryssel, museer i Bryssel och Antwerpen. Han var känd som den flamländska Raphael. Han dog i Mechelen den 5 mars 1592 efter att ha fallit från en trappa.

(Christina of Denmark)

(Killing of Abel)

Marinus van Reimersvale (ca 1490, Reimersvale - efter 1567)

Marinus far var medlem i Antwerp Artists Guild. Marinus anses vara en student av Quentin Masseys, eller påverkades åtminstone av hans arbete. Van Reimerswale var dock inte bara engagerad i målning. Efter att ha lämnat sitt hemland Reimersval flyttade han till Middelburg, där han deltog i rånet i kyrkan, straffades och utvisades från staden.

Marinus van Reimerswale stannade kvar i målningens historia tack vare sina bilder av St. Jerome och porträtt av bankirer, övningsföretag och skatteuppsamlare i detaljerade kläder som är noggrant målade av konstnären. Sådana porträtt var mycket populära på den tiden som personifiering av girighet.

Sydholländsk målare och grafiker, den mest kända och betydelsefulla av konstnärerna som bar detta namn. Befälhavare för landskap och genrescener. Far till konstnärerna Pieter Brueghel den yngre (helvetet) och Jan Brueghel den äldre (paradiset).

Liksom i andra stater i Västeuropa är uppkomsten av en renässansattityd i Nederländerna, som fram till 1447 styrdes av Bourgogne och därefter av Habsburgarna, förknippad med utvecklingen av produktion och handel, liksom med tillväxten av städer och bildandet av en borgare. Samtidigt var de feodala traditionerna fortfarande starka i landet, så nya saker inom holländsk konst introducerades mycket långsammare än på italienska.

I den nederländska målningen av norra renässansen fanns drag i gotisk stil under lång tid. Religion spelade en mycket större roll i holländarnas liv än italienarna. Mannen i de holländska mästarnas verk blev inte universums centrum, som det var fallet med konstnärerna italiensk renässans... Under nästan hela XV-talet. människor i målningen av Nederländerna framställdes på gotiskt sätt som ljusa och eteriska. Karaktärerna i holländska målningar är alltid klädda, de saknar sensualitet, men det finns inget majestätiskt och heroiskt. Om de italienska mästarna från renässansen målade monumentala freskomålningar föredrog den nederländska betraktaren att beundra små staffelmålningar. Författarna till dessa arbeten arbetade mycket noggrant med varje, även den minsta detalj av sina dukar, vilket gjorde dessa verk intressanta och mycket attraktiva för publiken.

På XV-talet. i Nederländerna fortsatte miniatyrkonsten att utvecklas, men redan i början av 1420-talet. de första målningarna dyker upp, varav Jan van Eyck och hans tidigt avlidne bror Hubert van Eyck, som blev grundare av den holländska konstskolan.

Jan van Eyck

Det var inte möjligt att fastställa den exakta tidpunkten för födelsen för Jan van Eyck, en av de mest framstående representanterna för den holländska renässansskolan. Det finns bara förslag på att van Eyck föddes mellan 1390 och 1400. Under perioden 1422 till 1428 uppfyller den unga målaren order av greven av Holland Johannes av Bayern: han målar väggarna på slottet i Haag.

Från 1427 till 1429 reste van Eyck över den iberiska halvön. År 1428, efter död av Johannes av Bayern, gick konstnären i tjänst för hertigen av Bourgogne, Philip den goda. Den senare kunde uppskatta inte bara målarens gåva utan också avslöja sin diplomatiska talang. Van Eyck befinner sig snart i Spanien. Syftet med hans besök var ett uppdrag från hertigen av Bourgogne att ordna ett bröllop och måla ett porträtt av bruden. Konstnären, som samtidigt spelar rollen som en diplomat, klarade briljant de uppgifter som tilldelats honom och fullbordade uppdraget. Efter en tid var porträttet av bruden klar. Tyvärr har detta arbete av den berömda målaren inte överlevt.

Från 1428 till 1429 var van Eyck i Portugal.

Van Eycks mest betydelsefulla verk var målningen av altaret i St. Bavo-kyrkan i Brygge, utfört i samarbete med broder Hubert. Hennes kund var en rik man från Gent, Jodokus Veidt. Senare kallat Gent har altaret, målat av den berömda mästaren, ett svårt öde. Under de religiösa krigarna, på 1500-talet, demonterades och doldes det för att rädda det från förstörelse. Några fragment togs till och med ut från Nederländerna till andra länder i världen. Och först på 1900-talet återvände de till sitt hemland, där de samlades. Altaret pryddes återigen med kyrkan St. Bavo. Men inte alla delar av verket bevarades. Således ersattes ett av fragmenten från det stulna originalet 1934 med ett bra exemplar.

Den övergripande sammansättningen av Ghent Altarpiece består av 25 målningar, vars hjältar är mer än 250 tecken. På utsidan av altardörrarna, i den nedre delen av det, finns bilder av kunden, Jodocus Veidt och hans fru, Isabella Borlut. Här finns också figurerna av Johannes döparen och Johannes teologen. På mellersta raden utvecklas en scen om en välkänd biblisk berättelse: ärkeängeln Gabriel ger den heliga jungfru Maria de goda nyheterna om Kristi förestående födelse. Kompositionen kännetecknas av enhetens färger som används av författaren: alla målningar är i pastellgråtoner.

En särskiljande egenskap hos denna målning är att konstnären omger bibliska karaktärer med vardagliga verkligheter. Så från fönstret i Marias kamrar kan man se en stad som är helt olik Betlehem. Det här är Gent, på en av gatorna, som samtidens målare lätt kunde känna igen den rika mannen Veidts hus. Hushållsartiklar som omger Mary fylls inte bara med symbolisk betydelse här (ett handfat och en handduk visas här som symboler för Marias renhet, tre fönsterfönster är en symbol för den eviga treenigheten), utan är också utformade för att föra det som händer närmare verkligheten.

Under religiösa helgdagar öppnas altarens dörrar, och betraktaren presenteras med en fantastisk bild som berättar om världens struktur som förstås av en person från 1400-talet. Så i det översta nivån finns bilder av den heliga treenigheten: Gud Fadern, avbildad i påvliga kläder broderade med guld, vid hans fötter ligger en krona - symbolen för Jesus Kristus, i mitten av raden är en duva som symboliserar den Helige Ande. Guds moder och Johannes döparen vänder sig mot dem. Treenighetens lovsånger sjungs av änglar. I van Eyck fördes de ut av unga män klädda i rikt dekorerade kläder. Denna rad stängs av figurerna från mänsklighetens förfäder - Adam och Eva.

I den övre raden på bilden finns en bred grön äng, längs vilken heliga, profeter, apostlar, soldater, eremiter och pilgrimer marscherar till offerlammet. Vissa karaktärer representerar riktiga människor. Bland dem kan du hitta konstnären själv, liksom hans bror Hubert och hertigen av Bourgogne Philip den goda. Landskapet är också intressant här. Alla träd och små växter målades av befälhavaren med extraordinär precision. Man får en känsla av att konstnären har beslutat att visa upp sina kunskaper om botanik för betraktaren.

Bakgrunden till kompositionen visar den himmelska staden Jerusalem som symboliserar kristendomen. Men här är det viktigare för mästaren att förmedla likheten mellan de arkitektoniska strukturerna i den fantastiska staden och de verkliga byggnaderna som fanns i tiden för Van Eyck.

Kompositionens allmänna tema låter som en förhärligning av harmonin i den mänskliga världsordningen. Forskare föreslår att en möjlig litterär källa till den berömda konstnärens verk var antingen "Uppenbarelsen av John Chrysostom" eller "Den gyllene legenden" av Jacopo da Varajin.

Oavsett temat för van Eycks verk är det viktigaste för konstnären att visa den verkliga världen så exakt och objektivt som möjligt, som om den överförs till duken, samtidigt som alla dess funktioner förmedlas. Det var denna princip som visade sig vara den ledande i bildandet av en ny teknik för konstnärlig skildring. Det manifesterade sig särskilt tydligt i konstnärens porträttverk.

År 1431 kom det påvliga legatet, kardinal Niccolò Albergati, till Bourgogne för ett besök. Samtidigt gjorde Jan van Eyck en skiss av ett porträtt av kardinalen. Under arbetet gjordes korrigeringar och tillägg till ritningen. Det bör noteras att mästaren här inte var mer intresserad av skärmen inre upplevelser person, och möjligen en mer exakt överföring av hans utseende, individuella egenskaper och ansiktslinjer, figur, hållning och ansiktsuttryck.

I porträttet av kardinal Albergati, målat senare i oljefärger, flyttas betoningen i bilden från att beskriva en persons utseende till att återspegla hans inre värld. Det dominerande nu för avslöjandet av bilden är karaktärens ögon, den mänskliga själens spegel, där känslor, upplevelser, tankar reflekteras.

Hur van Eycks konstnärliga metod utvecklas kan man se genom att jämföra hans tidigare verk med det berömda porträttet "Timofey", målat 1432. En betenande man med en mild karaktär dyker upp för betraktaren. Hans blick är inriktad på tomhet. Men det är just detta utseende som karakteriserar van Eycks hjälte som en öppen, blygsam, from, uppriktig och snäll person.

En konstnärs talang kan inte vara statisk. Befälhavaren bör alltid vara på jakt efter nya lösningar och sätt att uttrycka och skildra världen, inklusive en människas inre värld. Sådan var van Eyck. Nästa steg i utvecklingen av hans arbete präglades av ett porträttverk som heter "Mannen i den röda turbanen" (1433). Till skillnad från karaktären i målningen "Timofey" är hjälten på denna duk utrustad med ett mer uttrycksfullt utseende. Hans ögon riktas mot betraktaren. Den okända personen verkar berätta för oss sin sorgliga historia. Hans blick uttrycker mycket specifika känslor: bitterhet och ånger över det som hände.

"Timofey" och "The Man in the Red Turban" skiljer sig avsevärt från de verk som skapades av mästaren tidigare: de presenterar ett psykologiskt porträtt av hjälten. Samtidigt är konstnären inte så mycket intresserad av en viss persons andliga värld som av hans attityd till verkligheten. Så, Timofey tittar eftertänksamt på världen, och en man i en turban uppfattar det som något fientligt. Men denna princip att skildra en person länge
tiden kunde inte existera inom ramen för renässanskonsten, där huvudidén var att tydligt identifiera bildens individuella särdrag och visa dess inre värld. Denna idé blir dominerande i de efterföljande verken av van Eyck.

Jan van Eyck. Stående av en man i en röd turban. 1433 g.

År 1434 målar konstnären en av sina mest kända verk - "Portrait of the Arnolfini Couple", som enligt konsthistoriker visar en köpman från Lucca, en representant för Medici-huset i Brygge, Giovanni Arnolfini med sin fru Giovanna.

I kompositionens bakgrund finns en liten rund spegel, där inskriften ovan säger att ett av ceremoniets vittnen var konstnären själv, Jan van Eyck.

Bilderna som skapats av konstnären är ovanligt uttrycksfulla. Deras betydelse framhävs ljusare på grund av det faktum
att författaren placerar sina karaktärer i de mest vanliga vid första anblicken. Kärnan och innebörden av bilderna betonas här genom objekten som omger karaktärerna och begåvas hemlig mening... Så, äpplen utspridda på fönsterbrädan och bordet symboliserar himmelsk lycka, kristallrosband på väggen är förkroppsligandet av fromhet, en borste är en symbol för renhet, två par skor är ett tecken på äktenskapstrohet, ett tänt ljus i en vacker ljuskrona är en symbol för en gud som överskuggar äktenskapsceremoniens sakrament. Idén om lojalitet och kärlek föreslås också av en liten hund som står vid ägarnas fötter. Alla dessa symboler för äktenskaplig trohet, lycka och livslängd skapar en känsla av värme och andlig närhet, kärlek och ömhet som förenar makar.

Av särskilt intresse är van Eycks målning Madonna of Chancellor Rolen, skapad 1435. Verket, litet (0,66 × 0,62 m), ger intrycket av rymdens skala. En sådan känsla skapas i bilden på grund av att konstnären genom de välvda valven visar betraktaren ett landskap med stadsbyggnader, en flod och berg synliga i fjärran.

Som alltid med van Eyck spelar inställningen (i detta fall landskapet) kring karaktärerna en viktig roll för att avslöja deras karaktärer, även om karaktärer, interiör och landskap inte utgör en helhetsenhet här. Landskapet med bostadshus mittemot kanslerns figur är den sekulära början, och landskapet med kyrkor, som ligger bakom Marys rygg, är en symbol för den kristna religionen. De två stränderna vid den breda floden är förbundna med en bro, längs vilken fotgängare och ryttare går. Personifieringen av försoningen av andliga och sekulära principer är Kristusbarnet som sitter i Marias knä och välsignar kanslern.

Altarkompositionen "Canon of Van der Palais Madonna", skapad 1436, anses vara det verk som fullbordade perioden för bildandet av den kreativa metoden för Van Eyck. Deras monumentalitet blir ett utmärkande inslag i bilderna. Hjältarnas figurer fyller nu hela bildutrymmet och lämnar nästan inget utrymme för landskap eller interiör. Dessutom, i "Madonna of Canon van der Palais" är huvudpersonen inte Madonna alls, utan målaren själv. Det är för honom som Mary och St. Donatus presenterar honom med en pekande gest till den samlade St. George.

Metoden för att skildra huvudpersonen förändras också här.

Detta är inte längre en enkel kontemplator som uttrycker sin attityd till världen. Betraktaren ser en person som har dragit sig tillbaka till sig själv och tänker djupt på något mycket viktigt. Sådana bilder kommer att bli de ledande i efterföljande tider av holländsk konst.

I sina senare verk utvecklar van Eyck bilder som är ännu mer konkreta. Ett exempel på detta är målningen "Portrait of Jan van Leeuw" (1436). Personen i porträttet är öppen för oss. Hans blick riktas mot betraktaren, som lätt kan känna igen alla hjältens känslor. Man behöver bara titta in i hans ögon.

Höjdpunkten i mästarens arbete anses vara det sista, målat 1439, ett porträtt av hans fru Marguerite van Eyck. Här bakom konstnärens subtila utseende av hjältinnan är hennes karaktär tydlig. Van Eycks image har aldrig varit så objektiv. De använda färgerna är också ovanliga för konstnären: rödviolett klädsel, rökig päls i kanten, hjältinnens rosa hud och hennes bleka läppar.

Jan van Eyck dog den 9 juli 1441 i Brygge. Hans arbete, som påverkade många efterföljande mästare, markerade början på den holländska målningens bildande och utveckling.

En samtida bland van Eyck-bröderna var Robert Campen, författaren till dekorations- och målerverk, lärare för många målare, inklusive den berömda konstnären Rogier van der Weyden.

Altarkompositioner och porträtt av Kampen kännetecknas av en önskan om äkthet, mästaren försöker skildra alla objekt så att de ser ut i verkligheten.

Den största holländska konstnären på 1400-talet. det var Rogier van der Weyden, som målade dramatiska altarscener (härkomst från korset, efter 1435) och uttrycksfulla, själsliga porträtt (Porträtt av Francesco d'Este, 1450; Porträtt av en ung kvinna, 1455). Rogier van der Weyden öppnade den första stora verkstaden i Nederländerna, där många kända renässanskonstnärer studerade. Målaren var allmänt känd inte bara i sitt hemland utan också i Italien.

Under andra hälften av 1400-talet. i Nederländerna arbetade artister som Jos van Wassenhove, som gjorde mycket för utvecklingen av holländsk målning, den ovanligt begåvade Hugo van der Goes, författaren till det berömda Portinari-altaret, Jan Memling, i vars verk funktionerna i den italienska renässansen visas: kransar och putti, idealisering av bilder, klarhet och klarhet i kompositionskonstruktionen ("Madonna och Child, Angel and Donors").

En av de ljusaste mästarna i norra renässansen i slutet av 1400-talet. var Hieronymus Bosch.

Hieronymus Bosch (Hieronymus van Aken)

Hieronymus van Aken, senare smeknamnet Bosch, föddes mellan 1450-1460. i Hertogenbosch. Konstnärerna var hans far, två farbröder och en bror. De blev de första lärarna hos nybörjarmålaren.

Boschs verk kännetecknas av groteska och kaustisk sarkasm i att skildra människor. Dessa tendenser är redan uppenbara i konstnärens tidiga verk. Till exempel, i målningen "Removing the Stone of Dupidity", som visar en enkel operation utförd av en läkare på en bondes huvud, förlöjligar målaren prästerskapet, uppriktigheten och förevändningen av präster. Bondens blick riktas mot betraktaren och förvandlar honom från en extern observatör till en medbrottsling i det som händer.

Några av Boschs verk är originalillustrationer för folksägner och kristna legender. Sådana är hans dukar "The Fool of Fools", "The St. Temptation of St. Anthony "," The Garden of Earthly Delights "," Adoration of the Magi "," Mockery of Christ. " Plottarna av dessa verk är karakteristiska för konsten i Flandern på 15--1600-talen. Men de groteska figurerna av människor och fantastiska djur som visas här, ovanliga arkitektoniska strukturer som presenteras av målaren, skiljer Boschs dukar från andra mästares verk. Samtidigt visar dessa kompositioner tydligt särdrag av realism, som vid den tiden var främmande för Nederländerna. Med exakta streck får mästaren betraktaren att tro på verkligheten och tillförlitligheten i det som händer.

På dukar som ägnas åt religiösa teman befinner sig Jesus nästan alltid omgiven av människor som ler illvilligt och tvetydigt. Samma bilder presenteras i målningen "Carrying the Cross", vars färg består av bleka och kalla nyanser. Kristi figur sticker ut från den monotona människan, målad i något varmare färger. Detta är dock det enda som skiljer honom från andra. Ansikten till alla hjältar har samma uttryck. Till och med St. Veronica skiljer knappt hjältinnan från andra karaktärer. Dessutom förbättrar kombinationen av ljusa, giftiga blå och gula färger i hennes huvudbonad känslan av tvetydighet.

Av särskilt intresse för Bosch arbete är altarkompositionen som heter "Haystack". En allegorisk bild av människolivet utvecklas inför betraktaren. Människor åker en vagn: att vara mellan ängeln och djävulen, i full syn på alla de kysser, ha kul, spela på musikinstrument, sjunger sånger. Påven och kejsaren följer vagnen, folket från det vanliga folket stänger kolumnen. De senare, som vill bli deltagare i firandet av livet, springa framåt och falla under vagnens hjul krossas hänsynslöst utan att ha tid att förstå smaken av mänskliga glädjeämnen och nöjen. Den övergripande kompositionen är krönt med den lilla Jesus som sitter på ett moln och lyfter händer mot bönen i bön. Intrycket av realism av vad som händer skapas med hjälp av ett landskap som kännetecknas av konkretitet och tillförlitlighet.

Hieronymus Bosch. Spott av Kristus

Bosch introducerar alltid fantastiska element i sina målningar. De är de viktigaste, de avslöjar konstnärens avsikt. Det här är fåglar som svävar på himlen med segel istället för vingar; fisk med hästklövar istället för fenor; människor födda av trädstubbar; huvuden med svansar och en mängd andra fantasmagoriska bilder. Och alla är ovanligt mobila i Bosch. Även den minsta varelsen är utrustad med energi och riktas någonstans.

När man tittar på Boschs målningar får man intrycket att mästaren har bestämt sig för att visa allt som är grund, dyster och skamligt i denna värld. Det finns ingen plats för humor i dessa dukar. Det ersätts av en giftig hån, sarkasm, som tydligt framhäver alla brister i den mänskliga världsordningen.

I verk som tillhör konstnärens sena period försvagas dynamiken något. Men samma oändlighet av det representerade utrymmet och bildens mångsidiga natur bevaras. Så här kan man karaktärisera duken, som fick namnet "John on Patmos". Särskilt intressant är det att på baksidan av det placerade mästaren ett underbart, slående landskap. Konstnären har överraskande nog lyckats förmedla här luftens genomskinlighet och flodböjningarna och den ljusblå färgen på den höga himlen. Men de ljusa färgerna och de exakta linjerna i konturerna ger arbetet en spänd, nästan tragisk karaktär.

Det viktigaste kännetecknet för Boschs arbete är fokus på en person och hans värld, önskan att objektivt uttrycka människors liv, deras känslor, tankar och önskningar. Detta återspeglas mest i altarkompositionen som heter "The Garden of Delights", där mänskliga synder visas utan utsmyckning. Arbetet är extremt dynamiskt. Hela grupper av människor passerar framför betraktaren, vilket författaren placerar i flera nivåer för en bättre bild. Gradvis skapas intrycket av en kontinuerligt upprepad, enkelriktad rörelse av figurer, som förstärker den tragiska känslan och påminner betraktaren om de sju cirklarna i helvetet.

Boschs konstnärliga stil föddes ur konflikten mellan verkligheten och idealen för medeltida konst. Många konstnärer från den tiden, av en helt förståelig önskan att försköna en dyster, full av motsägelser, skapade livet ideal-vackra bilder, långt ifrån den hårda verkligheten. Tvärtom inriktades Boschs arbete på en objektiv bild av den omgivande verkligheten. Dessutom strävar konstnären efter att vända människors värld ut och visa sin dolda sida och därigenom återvända till konsten dess djupa filosofiska värde och världsbildvärde.

Landskap spelar en av huvudrollerna i The Adoration of the Magi. Huvudpersonerna visas här som en del av en helhet, de har ingen självständig betydelse. Viktigare för avslöjandet av konstnärens avsikt är det som ligger bakom karaktärernas figurer - landskapsmålningar: ryttare, träd, bro, stad, väg. Trots skalan ger landskapet intryck av tomhet, tystnad och hopplöshet. Detta är dock det enda där livet fortfarande glimmar och en viss mening avslutas. Mänskliga figurer här är statiska och obetydliga, deras rörelser, fixerade vid ett visst ögonblick, är upphängda. Huvudpersonen är just landskapet, andligt och därmed ännu mer skarpt skuggande av människolivets tomhet, meningslöshet och meningslöshet.

I kompositionen "Prodigal Son" bilder av naturen och huvudkaraktären utgör en slags enhet. Med hjälp av uttryck här
den allmänna färgen som används av författaren tjänar: landskapet och den mänskliga figuren är målade i gråtoner.

I Boschs senare verk tilldelas fantastiska varelser inte längre lika mycket utrymme som i tidigare verk. Några konstiga figurer visas fortfarande bara här och där. Men det här är inte de energiska, halvdjur som rusar överallt. Deras storlek och aktivitet minskar avsevärt. Det viktigaste nu för målaren är att visa ensamheten hos en person i denna värld av grymma, själlösa människor, där alla bara är upptagna med sig själv.

Hieronymus Bosch dog 1516. Hans arbete påverkade bildandet av den konstnärliga metoden för många anmärkningsvärda mästare, inklusive Pieter Bruegel den äldre. De fantastiska bilderna av Boschs verk förutbestämde till stor del framväxten av målning av surrealistiska konstnärer.

I början av 1500-talet. i Nederländerna fortsatte hantverkare från 1400-talet att leva och arbeta. - Hieronymus Bosch och Gerard David, men redan vid den tiden i den holländska målningen uppträdde (även i mindre utsträckning än på italienska) särdrag av högrenässansen.

Under den här perioden upplevde den nederländska ekonomin en boom utan motstycke. Industrin utvecklades snabbt, guildfartyg ersattes med tillverkning. Upptäckten av Amerika gjorde Nederländerna till ett viktigt centrum för internationell handel. Folkets självmedvetenhet växte och tillsammans med det intensifierades de nationella befrielsestendenser som under den sista tredjedelen av 1400-talet ledde till en revolution.

En av de viktigaste mästarna under 1500-talets första tredjedel. var Quentin Massys. Författaren till ett flertal altartavlaverk, han blev kanske den första skaparen av ett genreverk i holländsk målning, efter att ha målat sin berömda målning "Växlaren med fru" (1514). Masseys borstar är anmärkningsvärda porträtt där
konstnären försöker förmedla djupet i människans inre värld (porträtt av Etienne Gardiner, Erasmus från Rotterdam, Peter Egidius).

Samtidigt som Masseys, den så kallade. romanförfattare som vände sig till verk av italienska mästare. I sina verk försökte romanförfattarna inte återspegla verkligheten; deras huvudsakliga mål var att skapa en monumental bild av en person. De viktigaste företrädarna för denna trend var Jan Gossart, med smeknamnet Mabuse och Bernard van Orley.

Under den första tredjedelen av 1500-talet. arbetade en berömd mästare i sin tid, en av grundarna av den europeiska landskapsmålningen Joachim Patinir. Hans målningar av vida slätter, steniga toppar och lugna floder inkluderade religiösa scener med små figurer av människor. Gradvis tar bibliska motiv mindre och mindre utrymme i hans landskap ("Dop", "Landskap med flyg till Egypten"). Patinirs målning hade ett stort inflytande på konstnärer från de kommande generationerna.

Patinirs samtida var den största mästaren på den tiden, Luka Leydensky, som arbetade med gravyrteknik. Hans verk är anmärkningsvärda för sin realism och sammansättningsintegritet, liksom djup emotionalitet ("Mohammed med en mördad munk", 1508; "David och Saul", 1509). Många av hans gravyrer kännetecknas av element i den vardagliga genren ("The Game of Chess", "The Wife Brings Joseph's Clothes to Potiphar"). Porträtten av Luka Leydensky ("Porträtt av en man", c. 1520) är pålitliga och vitala.

Vardagslivets genre blev utbredd i målningen under andra tredjedelen av 1500-talet. I Antwerpen arbetade konstnärer som fortsatte traditionen med Massey - Jan Sanders van Hemessen, som skapade många versioner av "Changer", och Marinus van Roymerswale, författare till "The Merry Society". Med sina groteska bilder förändrade de flickor av lätt dygd, dessa mästare raderade praktiskt taget linjen som skiljer vardagliga och religiösa kompositioner.

Funktionerna i genregenren trängde också in i porträttmålning, vars största representanter var Amsterdam-konstnärerna Dirk Jacobs och Cornelis Teinissen. Naturliga poser och gester gör porträtten levande och övertygande. Tack vare Jacobs och Teinissen berikades den holländska målningen med en ny originalgenre som blev gruppporträttet.

Under dessa år fortsatte romanismen att utvecklas, vars mästare var Peter Cook van Aalst och Jan Scorel, som hade många talanger och förmågor. Han var inte bara en målare, utan också en präst, musiker, retoriker, ingenjör och kurator för samlingen av konstverk av påven Adrian VI.

Krisen i världsbilden från renässansen som grep om den italienska renässansen under andra hälften av 1500-talet påverkade också Nederländerna. På 1550-1560-talet. i holländsk målning fortsätter den realistiska trenden att utvecklas och förvärva funktionerna i en nationalitet. Samtidigt blir romanismen mer aktiv, där element av mannerism börjar råda.

Manneristiska drag finns i målningen av den antwerpska konstnären Frans Floris. Hans bibliska kompositioner är iögonfallande med överdrivet drama, komplexa kameravinklar och överdriven dynamik (Overthrow of the Angels, 1554; The Last Judgment, 1566).

En enastående representant för den tidens realistiska målning var Antwerpens mästare Peter Artsen, som målade huvudsakligen storfigursscener och stilleben. Ofta kombinerar han båda dessa genrer i sina verk, men en av dem har alltid företräde framför den andra. I målningen Peasant's Holiday (1550) spelar stilleben en sekundär roll, och i slaktaren (1551) pressade föremål människor i bakgrunden. Artsens dukar kännetecknas av stor äkthet, även om konstnären försöker presentera bilderna av bönder som monumentala och majestätiska (Bönder på marknaden, 1550-talet; Bönder vid härden, 1556; Dans bland äggen, 1557). I målningarna "Kocken" (1559), "Bonden" (1561), med sin uppenbara idealisering av bilder, kan man känna författarens uppriktiga sympati för den vanliga mannen.

Den mest betydelsefulla mästaren i realistisk holländsk målning på 1500-talet. blev Pieter Bruegel den äldre.

Pieter Bruegel den äldre

Pieter Bruegel (Bregel), smeknamnet den äldre, eller bonden, föddes mellan 1525 och 1530. I början av 50-talet. XVI-talet han bodde i Antwerpen, där han studerade måleri under P. Cook van Aelst. Under perioden 1552 till 1553 arbetade konstnären i Italien och från 1563 - i Bryssel. I Nederländerna mötte målaren landets demokratiska och radikala tänkare. Denna bekant bestämde kanske det tematiska fokus för konstnärens arbete.

Bruegels tidiga verk kännetecknas av inflytandet från den manneristiska konsten och den konstnärliga metoden från Hieronymus Bosch. För det mesta representerar de landskap som förkroppsligar målarens intryck av en resa till Italien och alpina berg, samt bilder av Nederländerna - konstnärens hemland. I dessa verk märks författarens önskan att visa en storskalig, storartad bild på en liten duk. Detta är hans "napolitanska hamn", som blev den första marinmålningen i målningens historia.

I sina tidiga verk försöker konstnären uttrycka oändligheten i rymden där en person går förlorad, blir grund, blir obetydlig. Senare får Bruegels landskap mer verkliga dimensioner. Tolkningen av en person som lever i denna värld förändras också. Bilden av en person är nu utrustad med en speciell betydelse och är inte en figur som av misstag dyker upp på duken. Ett exempel på detta kan vara en bild som skapades 1557 och kallades "The Sower".

I verket "Icarus fall" kompletteras huvudplottet, som uttrycker idén att en persons död inte kommer att stoppa rotationen av livets hjul, med flera till. Således tjänar plöjningsscenerna och det kustlandskap som presenteras här som symboler för människolivets måttlighet och naturens majestät. Även om duken är tillägnad den forntida myten, påminner nästan ingenting om Icarus död. Bara genom att titta noga kan du se hjälten som föll i havet. Ingen uppmärksammade Icarus död - inte en herde som beundrade den vackra utsikten, inte en fiskare som slog sig ner på stranden, inte en bonde som plogade sin åker, inte en besättning på en segelbåt på väg mot öppet hav. Det viktigaste på bilden är inte tragedin med en gammal karaktär, utan skönheten hos en person omgiven av vacker natur.

Alla Bruegels verk har en djup semantisk fullhet. De bekräftar idén om ordning och sublimitet i världsordningen. Det skulle dock vara fel att säga att Bruegels verk är optimistiska. De pessimistiska anteckningarna i målningarna uttrycks av en speciell ståndpunkt intagen av författaren. Han verkar vara någonstans utanför världen, observera livet från sidorna och tas bort från bilderna överförda till duken.

En ny etapp i konstnärens arbete präglades av att 1559 framkom målningen "Slaget vid karneval och fastan". Kompositionen är baserad på många folkmassor, mumlare, munkar och köpmän. För första gången i Brueghels arbete fokuseras all uppmärksamhet inte på landskapsmålningar utan på bilden av en rörlig folkmassa.

I det här arbetet uttryckte författaren en speciell uppfattning om världen, karakteristisk för tänkare från den tid då den naturliga världen humaniserades, animerades, och den mänskliga världen, tvärtom, liknades till exempel med en gemenskap av insekter. Ur Bruegels synvinkel är den mänskliga världen samma myrstack, och dess invånare är lika obetydliga och obetydliga som de är små. Deras känslor, tankar, handlingar är desamma. Målningen som visar glada människor väcker ändå dystra och sorgliga känslor.

Tavlorna Flamländska Ordspråken (1559) och Barnens spel (1560) är markerade med samma sorgsstämning. Den senare visar barn som leker i förgrunden. Emellertid är gatans perspektiv på målningen oändligt. Det är detta som har huvudbetydelsen i kompositionen: människors aktiviteter är lika meningslösa och obetydliga som barnens lek. Detta ämne - frågan om en persons plats i livet - blir den ledande i Bruegels verk i slutet av 1550-talet.

Sedan 1560-talet. realismen i Bruegels målningar ersätts plötsligt av en ljus och olycksbådande fantasi, när det gäller uttryckskraften som överträffar till och med de groteska verken från Bosch. Exempel på sådana verk är dukarna "Dödens triumf" (1561) och "Mad Greta" (1562).

I "Dödens triumf" visas skelett som försöker förstöra människor. De försöker i sin tur att fly i en enorm råttfälla. Allegoriska bilder är fyllda med djup symbolisk betydelse och är utformade för att återspegla författarens attityd och världsbild.

I "Mad Greta" hoppas människor inte längre på frälsning från onda varelser, vars antal ökar. Från ingenstans dyker många av dessa olyckliga varelser upp och försöker ta plats för människor på jorden. De senare, oroliga, tar de orenheter som det gigantiska monsteret spottat ut för guld och, glömmer bort den överhängande faran och krossar varandra i mängden, försök ta de "värdefulla" götarna i besittning.

Denna komposition visar för första gången konstnärens attityd till människor som var besatt av obegränsad girighet. Men denna tanke utvecklas i Bruegel till djupa diskurser om hela mänsklighetens öde. Det bör också noteras att trots alla de fantastiska elementen framkallade Bruegels målningar en ovanligt skarp känsla av det konkreta och verkligheten i det som hände. De var en slags återspegling av de händelser som ägde rum vid den tiden i Nederländerna - de förtryck som utfördes av de spanska erövrarna i landet. Bruegel var den första bland konstnärer som reflekterade på duken händelserna och konflikterna i sin tid och översatte dem till konstnärligt och bildspråk.

Gradvis viker starka känslor och tragedi vika för Bruegels tysta och sorgliga reflektioner över människors öde. Konstnären vänder sig igen till riktiga bilder. Nu ges huvudplatsen i kompositionen ett storskaligt landskap som sträcker sig långt till horisonten. Författarens sarkastiska hån, som är karakteristisk för tidigare verk, förvandlas här till värme, förlåtelse och förståelse för den mänskliga själens väsen.

Samtidigt verk verkas präglas av en stämning av ensamhet, lätt sorg och sorg. Bland sådana dukar är en speciell plats upptagen av "Apor" (1562) och "Babels torn" (1563). I den senare, till skillnad från den tidigare målade bilden med samma namn, är huvudplatsen upptagen av byggarna. Om konstnären tidigare var mer intresserad av en värld av vacker och perfekt natur, flyttas nu semantisk betoning till bilden av en person.

I sådana verk som "Sauls självmord" (1562), "Landskap med flyg till Egypten" (1563), "Att bära korset" (1564) övervinner mästaren tragedin om meningslöshet av mänsklig aktivitet på jorden. Här visas en helt ny idé för Bruegel om det mänskliga livets inneboende värde. I detta avseende är kompositionen "Carrying the Cross" av särskilt intresse, där den välkända religiösa och filosofiska handlingen tolkas som en massscen med många figurer av soldater, bönder, barn - vanliga människor som med nyfikenhet tittar på vad som händer.

År 1565 skapades en cykel av målningar som blev sanna mästerverk av världsmålningen. Dukarna är avsedda för årstiderna: ”Dyster dag. Vår ”,” Skörd. Sommar ”,” Besättningarnas återkomst. Höst ”,” Jägare i snön. Vinter". Dessa kompositioner representerar harmoniskt författarens idé att uttrycka majestät och samtidigt den naturliga världens vitala verklighet.

Med all tillförlitlighet lyckas mästaren att fånga levande bilder av naturen på duken. En känsla av nästan påtaglig verklighet uppnås genom konstnärens användning av färger av vissa toner, som är speciella symboler för en viss säsong: rödbruna jordfärger i kombination med gröna toner som bildar ett landskap i bakgrunden av "dystra dagen"; djupt gul, förvandlas till brun färg i kompositionen "Harvest"; övervägande av rött och alla nyanser av brunt i målningen Return of the Flockar.

Bruegel-cykeln är tillägnad naturens tillstånd vid olika tider på året. Det skulle dock vara fel att säga att endast landskapet upptar konstnärens huvuduppmärksamhet. I alla målningar finns det människor som representeras av konstnären som fysiskt starka, passionerade för alla yrken: skörd, jakt. Ett utmärkande drag hos dessa bilder är deras fusion med den naturliga världen. Mänskliga figurer är inte emot landskapet, de är harmoniskt integrerade i kompositionen. Deras rörelse sammanfaller med dynamiken i naturliga krafter. Således är början på jordbruksarbete förknippad med uppvaknandet av naturen ("dystra dagen").

Snart blev den realistiska skildringen av människor och händelser en ledande trend i Bruegels konst. Målningarna "Folkräkningen i Betlehem", "Massakern på spädbarn", "Johannes predikarens predikan", som dök upp 1566, markerade en ny etapp i utvecklingen av inte bara konstnärens verk utan också Nederländerna som helhet. Bilderna som visas på duken (inklusive de bibliska) uppmanades nu inte bara att personifiera vanliga mänskliga begrepp utan också att symbolisera en specifik social världsordning. Så i målningen "Massakern av barn" tjänar evangeliets berättelse som ett slags skärm för att skildra ett verkligt faktum: en attack från en av enheterna i den spanska armén på en flamländsk by.

Målningen Peasant Dance, skapad av Bruegel 1567, blev ett betydelsefullt verk under den sista perioden av konstnärens verk. Handlingen är baserad på dansande bönder, avbildade av mästaren i större skala. Det är viktigt för författaren att inte bara förmedla atmosfären under semestern utan också att realistiskt visa plasticiteten i rörelsen hos människokroppar. Allt i en person intresserar konstnären: hans ansiktsdrag, ansiktsuttryck, gester, hållningar, rörelsens sätt. Varje figur målas av en mästare med stor omsorg och precision. Bilderna som skapats av Bruegel är monumentala, betydelsefulla och bär en social patos. Resultatet är en målning som representerar en enorm, homogen massa människor som symboliserar bönderna. Denna komposition kommer att bli grundläggande i utvecklingen av folk-hushållens bondgenre inom Bruegels konst.

Vad är anledningen till utseendet folk tema i en konstnärs arbete? Konstkritiker föreslår att sådana verk av honom är ett slags svar på de händelser som då ägde rum i Nederländerna. Tiden då målningen "Bondedans" målades sammanfaller med tiden för det folkliga upprorets undertryckande, kallad "ikonoklasm" (rebellerna, ledda av kalvinister, förstörde ikoner och skulpturer i katolska kyrkor). Från denna rörelse, som blossade upp 1566, började revolutionen i Nederländerna. Händelser till själens djup skakade alla samtida till den berömda konstnären.

Historiker och konsthistoriker associerar också ikonoklasmen med utseendet på ett annat verk av Bruegel - "Bondens bröllop". Bilderna som skapas här får en ännu större skala än figurerna i "bondedansen". Men bönderna är utrustade med överdriven styrka och kraft i kompositionen. Denna idealisering av bilden var inte typisk för konstnärens verk som skapats tidigare. I samma bild manifesterades författarens extraordinära välvillighet gentemot folket som visas på duken.

Den glada, livsbekräftande stämningen i ovanstående verk ersätts snart av pessimism och en känsla av ofyllda förhoppningar, vilket återspeglas i målningarna "The Misanthrope", "Cripples", "Thief of Nests", "The Blind". Anmärkningsvärt är det faktum att de alla skrevs 1568.

I "Blind" i förgrunden finns siffror av förlamade. Deras ansikten är fruktansvärt fula. Själarna hos dessa människor verkar vara desamma. Dessa bilder är personifieringen av allt som är baserat på jorden: girighet, egenintresse och ilska. Deras tomma ögonkontakter är en symbol för människors andliga blindhet. Duken får en uttalad tragisk karaktär. Bruegels problem med andlig tomhet, mänsklig obetydlighet växer till universella proportioner.

Landskapets roll är också viktig i kompositionen, som presenteras av författaren som en opposition mot människors värld.

Kullar som höjer sig i fjärran, träd, en kyrka - allt är fyllt med tystnad, lugn och lugn. Människor och natur verkar här byta plats. Det är landskapet i bilden som uttrycker idén om mänsklighet, godhet, andlighet. Och personen själv visar sig vara andligt död och livlös här. De tragiska anteckningarna förstärks av författarens användning av ljusa kalla färger. Så grunden för färgen består av ljusa lila färger med stålskärm, vilket förstärker känslan av hopplöshet i situationen där en person har befunnit sig.

Det sista verket av Bruegel den äldre var ett verk som heter "Dans under galgen" (1568). På bilden visas figurer av människor som dansar nära galgen framför betraktaren. Denna duk blev ett uttryck för konstnärens fullständiga besvikelse över samtida världsordning och människor, i den finns en förståelse för omöjligheten att återvända till den tidigare harmonin.

Pieter Bruegel dog den 5 september 1569 i Bryssel. Den stora målaren blev grundaren av den populära, demokratiska riktningen inom Nederländerna på 1500-talet.

Etiskt, ekonomiskt och politiskt heterogent, med olika dialekter av romerskt och germanskt ursprung, skapade dessa provinser och deras städer inte en enda nationell stat förrän i slutet av 1500-talet. Tillsammans med den snabba ekonomiska uppsvinget blomstrar den demokratiska rörelsen för frihandels- och hantverksstäder och uppvaknandet av nationell identitet i dem, en kultur som på många sätt liknar den italienska renässansen. De rika städerna i de södra provinserna Flandern och Brabant (Brygge, Gent, Bryssel, Tournai, senare Antwerpen) blev de viktigaste centren för ny konst och kultur. Den urbana burgarkulturen, med sin kult av nykter praktik, utvecklades här tillsammans med den frodiga hovets frodiga kultur, som växte upp på fransk-burgundisk mark. Därför är det inte förvånande att den dominerande platsen bland de nordeuropeiska konstskolorna på 1400-talet togs av holländsk målning: konstnärerna Jan van Eyck, Robert Kampen, Jos van Gent, Rogier van der Weyden, Dirk Bouts, Hieronymus Bosch, Albert Ouvater, Hugo van der Goes, Petrus Christus, Hans Memling, Jacques Darais, Gertgen till Sint-Jans och andra målare (se nedan).

De särdrag som den nederländska historiska utvecklingen bestämde den konstiga färgen på konsten. Feodala grundvalar och traditioner bevarades här fram till slutet av 1500-talet, även om framväxten av kapitalistiska relationer som bröt klassisolationen ledde till en förändring i bedömningen av den mänskliga personligheten i enlighet med den verkliga platsen som den började inta i livet. De nederländska städerna fick inte det politiska oberoende som stadskommunerna i Italien hade. Samtidigt, tack vare den ständiga förflyttningen av industrin till landsbygden, svepte den kapitalistiska utvecklingen djupare lager av samhället i Nederländerna och lade grunden för ytterligare nationell enhet och stärkte företagsandan som kopplade samman vissa sociala grupper. Befrielsesrörelsen var inte begränsad till städer. Den avgörande stridskraften i honom var bönderna. Kampen mot feodalismen tog därför mer akuta former. I slutet av 1500-talet växte den till en kraftfull reformationsrörelse och slutade med den borgerliga revolutionens seger.

Holländsk konst har fått en mer demokratisk karaktär än italiensk konst. Den har starka särdrag av folklore, fantasi, grotesk, skarp satir, men dess huvudsakliga inslag är en djup känsla av det nationella originalet i livet, folkliga former av kultur, levnadssätt, seder, typer, samt visning av sociala kontraster i livet i olika samhällsskikt. De sociala motsättningarna i samhällslivet, fiendens och våldets kungarike i det, mångfalden av motsatta krafter skärpt medvetenheten om dess disharmoni. Därav de nederländska renässansens kritiska tendenser, som manifesteras i blomningen av den uttrycksfulla och ibland tragiska groteska i konst och litteratur, som ofta gömmer sig under ett skämts sken "så att kungarna kan tala sanningen med ett leende" (Erasmus från Rotterdam. "Ett prisvärt ord av dumhet"). Ett annat inslag i den nederländska konstnärliga kulturen under renässansen är medeltidens traditionella stabilitet, som i hög grad bestämde den holländska realismens natur under 15--16 århundradet. Allt nytt som avslöjades för människor under en lång tidsperiod applicerades på det gamla medeltida synsystemet, vilket begränsade möjligheterna till en oberoende utveckling av nya åsikter, men samtidigt tvingades att assimilera de värdefulla element som finns i detta system.

Intresset för exakt vetenskap, forntida arv och den italienska renässansen manifesterade sig i Nederländerna redan på 1400-talet. På 1500-talet, med hjälp av hans "ordstäv" (1500), "utplånade Erasmus från Rotterdam hemligheten med mysterierna" från eruditerna och introducerade en levande, full av frihetsälskande forntida visdom i vardagen i en bred krets av "oinitierade". Men i konsten, med hänvisning till prestationerna från det antika arvet och italienarna under renässansen, följde de nederländska konstnärerna sin egen väg. Intuition ersatte det vetenskapliga synsättet på att skildra naturen. Utvecklingen av de realistiska konstens huvudproblem - utvecklingen av proportionerna av den mänskliga figuren, konstruktionen av rymden, volymen etc. - uppnåddes genom akut direkt observation av specifika individuella fenomen. I detta gick de holländska mästarna från den nationella gotiska traditionen, som de å ena sidan övervann och å andra sidan tänkte de om och utvecklade sig i riktning mot en medveten, målmedveten generalisering av bilden, komplikationen av individuella egenskaper. Framgångarna med holländsk konst i denna riktning banade väg för prestationerna från 1600-talets realism.

Till skillnad från italienaren hävdade den nederländska renässanskonsten inte den gränslösa dominansen av bilden av den perfekta mänskliga titanen. Som under medeltiden såg holländarna människan som en integrerad del av universum, vävd i dess komplexa andliga helhet. Människans renässansens väsen bestämdes bara av det faktum att han erkändes som det största värdet bland universums många fenomen. Holländsk konst kännetecknas av en ny, realistisk vision av världen, påståendet om verklighetens konstnärliga värde som det är, uttrycket för det organiska sambandet mellan människan och hans miljö och förståelsen för de möjligheter som naturen och livet ger människan. När de skildrar en person är konstnärer intresserade av det karakteristiska och speciella, inom området för vardagen och det andliga livet; De nederländska målarna från 1400-talet fångar entusiastiskt mångfalden av människors individualiteter, den outtömliga färgstarka rikedomen i naturen, dess materiella mångfald, de känner subtilt poesin i vardagen, omärklig, men nära en människas saker, komforten i bebodda interiörer. Dessa särdrag av uppfattningen av världen manifesterade sig i holländsk målning och grafik från 1400- och 1500-talen i genren genre, porträtt, interiör, landskap. De visade en kärlek till detaljer som är typiska för holländarna, den konkreta bilden, berättelsen, subtiliteten i att förmedla stämningar och samtidigt en fantastisk förmåga att återge en integrerad bild av universum med dess rumsliga oändlighet.

Nya trender manifesterades ojämnt i olika konstformer. Arkitektur och skulptur fram till 1500-talet utvecklades inom ramen för den gotiska stilen. Vändpunkten i konst under den första tredjedelen av 1400-talet återspeglades mest i målningen. Hennes största prestation är förknippad med framväxten av Västeuropa målning av staffli, som ersatte väggmålningar från romanska kyrkor och gotiska glasmålningar. Staffelmålningar på religiösa teman var ursprungligen verk av ikonmålning. I form av målade veck med evangeliska och bibliska ämnen dekorerade de kyrkornas altare. Gradvis började sekulära ämnen inkluderas i altarkompositionerna, som därefter fick en självständig betydelse. Staffelmålning separerad från ikonmålning, blev en integrerad del av interiören i rika och aristokratiska hus.

För nederländska konstnärer är det huvudsakliga sättet för konstnärligt uttryck att färga, vilket öppnar upp möjligheten att återskapa visuella bilder i sin färgstarka rikedom med största påtaglighet. Holländarna var mycket medvetna om de subtila skillnaderna mellan föremål, återskapande av textur av material, optiska effekter - glans av metall, genomskinlighet av glas, spegelreflektion, drag av reflektion av diffust ljus, intrycket av en luftig atmosfär av ett landskapsrum som viker tillbaka i fjärran. Liksom i de gotiska glasmålningsfönstren, vars tradition spelade en viktig roll i utvecklingen av världens bilduppfattning, fungerade färg som det viktigaste sättet att förmedla bildens emotionella mättnad. Utvecklingen av realism orsakade i Nederländerna en övergång från tempera till oljefärg, vilket gjorde det möjligt att återge världens väsentlighet mer illusoriskt.

Förbättringen av oljemålningstekniken som var känd under medeltiden, utvecklingen av nya kompositioner tillskrivs Jan van Eyck. Användningen av oljefärg och hartsartade ämnen vid staffelmålning, dess införande med ett transparent, tunt lager på undermålning och vit eller röd kritajord accentuerade mättnaden, djupet och renheten i ljusa färger, utvidgade möjligheterna att måla - tillåtet att uppnå rikedom och variation i färg, de finaste tonövergångarna. Den varaktiga målningen av Jan van Eyck och hans metod fortsatte att leva nästan oförändrad under 15--16 århundraden, i praktiken av konstnärer i Italien, Frankrike, Tyskland och andra länder.

Under den första tredjedelen av 1400-talet, nästan samtidigt med början av renässansen i Italien, inträffar en vändpunkt i utvecklingen av konst i de nordliga länderna - Nederländerna, Frankrike, Tyskland. Trots individuella nationella särdrag kännetecknas konsten i dessa länder på 1400-talet av närvaron av ett antal funktioner, som är särskilt uttalade jämfört med Italien. Denna förändring sker mycket tydligt och konsekvent i målningen, medan skulpturen behåller gotiska drag under lång tid, och arkitekturen fortsätter att utvecklas inom ramen för den gotiska stilen fram till de första decennierna av 1500-talet. Den ledande rollen i utvecklingen av målning på 1400-talet tillhör Nederländerna, som har ett betydande inflytande på Frankrike och Tyskland; under det första kvartalet på 1500-talet kom Tyskland fram.
Gemensamt för renässanskonsten i Italien och i norr är önskan om en realistisk skildring av människan och världen omkring honom. Dessa uppgifter löstes dock olika, beroende på kulturens olika natur.
De nederländska mästarnas uppmärksamhet lockades av den outtömliga rikedomen i naturformerna och mångfalden av det individuella utseendet hos människor som utvecklas för människans ögon. Karaktäristiken och det speciella råder i konstnärerna i de nordliga länderna över det allmänna och typiska. De är främmande för de italienska renässansartisternas sökningar, som syftar till att avslöja naturlagarna och den visuella uppfattningen. Fram till 1500-talet, när Italiens inflytande som i gemensam kultur, så det kommer att spela en viktig roll i konsten, varken perspektivsteorin eller proportionen läran kommer att locka deras uppmärksamhet. De holländska målarna utvecklade emellertid på ett rent empiriskt sätt tekniker som gör det möjligt för dem att förmedla intrycket av rymdens djup med inte mindre övertygande än italienarna. Observation avslöjar för dem ljusets mångfaldiga funktioner; de använder i stor utsträckning olika optiska effekter - refrakterat, reflekterat och spritt ljus, vilket förmedlar både intrycket av ett landskap som sträcker sig långt borta och ett rum fyllt med luft och ljus, och de subtilaste skillnaderna i sakens materiella egenskaper (sten, metall, glas, päls, etc.). Genom att återge de minsta detaljerna med största försiktighet återskapar de den strålande färgrikheten med samma vaksamhet. Dessa nya bilduppgifter kunde endast lösas med hjälp av en ny målningsteknik för oljemålning, vars "upptäckt" tillskrivs Jan van Eyck i historisk tradition; från mitten av 1400-talet ersätter detta nya "flamländska sätt" den gamla tempera-tekniken i Italien.
Till skillnad från Italien fanns det i de norra länderna inga förutsättningar för någon betydande utveckling av monumental målning; en framträdande plats tillhör på 1400-talet i Frankrike och Nederländerna att boka miniatyr, som hade en stark tradition här. Ett väsentligt inslag i de nordiska ländernas konst var bristen på förutsättningar för intresset för antiken, vilket är så stor betydelse hade i Italien. Antiken kommer att uppmärksamma konstnärer först på 1500-talet, tillsammans med utvecklingen av humanistiska studier. Huvudplatsen i produktionen av konstverkstäder tillhör altarbilder (snidade och målade vikning), vars dörrar var täckta med bilder på båda sidor. Religiösa scener överförs till en verklig miljö, handlingen äger ofta rum i ett landskap eller i ett interiör. Betydande utveckling fick i Nederländerna på 1400-talet och i Tyskland i början av 1500-talet porträtt.
Under 1500-talet sker en gradvis uppdelning i oberoende genrer av vardagsmålning, landskap, stilleben, mytologiska och allegoriska målningar. En ny art dyker upp på 1400-talet visuella konsterna - träsnitt och metallgravering som når snabb blomning i slutet av seklet och första hälften av 1500-talet; de intar en särskilt viktig plats i Tysklands konst, vilket påverkade utvecklingen av holländsk och fransk grafik.