VI - Nizozemska 15. stoletje
Petrus Christus
Petrus Christus. Kristusovo rojstvo (1452). Berlinski muzej.
Dela Nizozemcev v 15. stoletju še zdaleč niso izčrpana z razstavljenimi deli in na splošno z vzorci, ki so prišli do nas, nekoč pa je bilo to delo preprosto produktivno in visoko usposobljeno. Vendar pa je v gradivu sekundarne kategorije (in še kako kakovostno!), Ki ga imamo na voljo in je pogosto le oslabljen odsev umetnosti glavnih mojstrov, za zgodovino pokrajine zanimivo le majhno število del; ostali, brez osebnih občutkov, ponovijo iste sheme. Med temi slikami izstopa več del Petrusa Christusa (rojenega okoli leta 1420, umrlega v Bruslju leta 1472), ki je pred kratkim veljal za učenca Jana van Eycka in ga je resnično posnemal bolj kot kdorkoli drug. S Christusom se bomo srečali kasneje - pri preučevanju zgodovine vsakdanjega slikarstva, pri katerem ima pomembnejšo vlogo; toda v pokrajini si zasluži določeno pozornost, čeprav ima vse, kar je naredil, nekoliko ohlapno, brez življenja senco. Precej lepa pokrajina se razprostira le za figurami bruseljske "Žalovanje nad Gospodovim telesom": tipičen flamski pogled z mehkimi črtami višin, na katerih so gradovi, z vrstami dreves, posajenih v dolinah ali plezajočimi v tankih silhuetah po pobočju razmejenih gričev; prav tam je majhno jezero, cesta, ki se vije med polji, mesto s cerkvijo v kotanji - vse pod jasnim jutranjim nebom. Toda na žalost pripisovanje te slike Christusu vzbuja resne dvome.
Hugo van der Goes. Pokrajina na desnem krilu oltarja Portinari (približno 1470) v galeriji Uffizi v Firencah
Vendar je treba opozoriti, da so na verodostojnih slikah mojstra v berlinskem muzeju morda najboljši del ravno pokrajine. Poseba v Oboževanju otroka je še posebej privlačna. Okvir za senčenje je tu umazana krošnja, pritrjena na skalnate kamnine, kot da bi bila popolnoma kopirana iz narave. Za to "zaveso" in liki Matere božje, Jožef in babica Sibila, oblečeni v temo, krožijo pobočja dveh gričev, med katerimi se v majhni zeleni dolini ugnezdi gozd mladih dreves. Na robu gozda pastirji poslušajo angela, ki leti nad njimi. Mimo njih vodi pot do mestnega obzidja, njen krak pa se prikrade na levi hrib, kjer pod vrbo lahko vidimo kmeta, ki z vrečami lovi osle. Vse diha čudovit svet; vendar je treba priznati, da v bistvu ni nobene povezave z upodobljenim trenutkom. Pred nami je dan, pomlad in ni nobenega poskusa, da bi pomenili kaj "božičnega razpoloženja". V "Flemalu" v celotni kompoziciji vidimo vsaj nekaj slovesnega in željo po upodobitvi decembrskega nizozemskega jutra. V Christusu vse diha s pastoralno milino in človek čuti popolno nezmožnost umetnika, da se poglobi v temo. Iste značilnosti bomo našli v pokrajinah vseh drugih sekundarnih mojstrov sredi 15. stoletja: Dare, Meire in na desetine brezimnih.
Gertchen Sant Jans. "Sežiganje ostankov Janeza Krstnika". Muzej na Dunaju.
Zato je čudovito briljantna slika Hugo van der Goes "Oltar Portinari" (v Firencah v "Uffizi"), v katerem umetnik-pesnik prvi med Nizozemci poskuša na odločen in dosleden način vzpostaviti povezavo med razpoloženjem same dramske akcije in pokrajinskim ozadjem. Nekaj \u200b\u200bpodobnega smo videli v dijonski sliki "Flemal", toda kako daleč je šel pred to izkušnjo svojega predhodnika Huga van der Goesa, ko je delal na sliki, ki jo je naročil premožni bankir Portinari (predstavnik Medicisov v Bruslju) in je bil namenjen pošiljanju v Firence. Možno je, da je Gus v Portinariju sam videl slike svojih najljubših umetnikov Medici: Beato Angelico, Filippo Lippi, Baldovinetti. Možno je tudi, da je v njem govorila plemenita ambicija pokazati Florence premoč ruske umetnosti. O Gusu žal ne vemo ničesar, razen precej podrobne (a tudi nejasne) zgodbe o njegovi norosti in smrti. Glede tega, od kod je bil, kdo je bil njegov učitelj, tudi tisto, kar je napisal poleg "Oltarja Portinari", potem vse to ostaja pod krinko tajnosti. Jasno je samo eno, že iz študija njegovega slikarstva v Firencah - to je strast, duhovnost, vitalnost njegovega dela, ki je za Nizozemca izjemno. V Hussu sta bila Rogerjeva dramatična plastičnost in van Eyckov globok občutek za naravo združeni v eno neločljivo celoto. K temu je bila dodana še njegova osebna posebnost: nekakšna lepa patetična nota, nekakšna nežna, nikakor pa sproščena sentimentalizem.
V zgodovini slikanja je malo slik, ki so polne takega strahospoštovanja, na katerih bi se zasijala umetnikova duša, vsa čudovita zapletenost njenih izkušenj. Tudi če ne bi vedeli, da je Hus odšel v samostan s sveta, da je tam vodil nenavadno polsekularno življenje, zasedel častne goste in se z njimi gostil, da ga je potem obsedala tema norosti - bi nam rekel en "Portinari Oltar" o bolni duši njenega avtorja, o njeni privlačnosti do mistične ekstaze, o prepletanju najrazličnejših izkušenj v njej. Siv, hladen ton triptiha, osamljen v celotni nizozemski šoli, zveni kot čudovita in globoko žalostna glasba.
"Nikoli ne zaupajte računalniku, da ne morete vreči skozi okno." - Steve Wozniak
Nizozemskega slikarja praviloma poistovetijo s flamskim mojstrom - neznanim umetnikom, ki izvira iz tradicije zgodnjega nizozemskega slikarstva (tako imenovani "flamski primitivci"). Mentor Rogier van der Weyden in eden prvih slikarjev portretov v evropskem slikarstvu.
(Liturgična oblačila reda zlatega runa - obvladovanje Device Marije)
Ker je bil sodobnik miniaturistov, ki so se ukvarjali z osvetljevanjem rokopisov, je Kampen vseeno uspel doseči takšno stopnjo realizma in opazovanja, kot ga ni imel noben drug slikar pred njim. Vendar so njegova dela bolj arhaična kot dela njegovih mlajših sodobnikov. Demokracija je opazna v vsakdanjih podrobnostih, včasih obstaja gospodinjska interpretacija verskih tem, kar bo kasneje značilno za nizozemsko slikarstvo.
(Devica in otrok v notranjosti)
Umetniški kritiki že dolgo poskušajo najti izvor Severna renesansa, ugotovite, kdo je bil prvi mojster, ki je postavil ta slog. Dolgo časa so verjeli, da je bil prvi umetnik, ki se je nekoliko oddaljil od tradicije gotike, Jan van Eyck. Ampak da konec XIX stoletja, je postalo jasno, da je pred Van Eyckom prispel še en umetnik, čigar čopič pripada triptihu z oznanjenjem, ki je bil prej v lasti grofice Merode (tako imenovani "triptih Merode"), kot tudi t.i. Flamski oltar. Domnevalo se je, da sta obe deli pripadali roki flemalijskega mojstra, katerega identiteta takrat še ni bila ugotovljena.
(Deviški brati)
(Sveta Devica v slavi)
(Oltarna slika Werl)
(Trojica zlomljenega telesa)
(Blagor Kristusu in Devica, ki moli)
(Deviški brati - sv. Jakob Veliki in sveta Klara)
(Devica in otrok)
Gertgen do Sint Jans (Leiden 1460-1465 - Haarlem do 1495)
Ta zgodaj preminuli umetnik, ki je delal v Haarlemu, je ena najpomembnejših osebnosti severno-nizozemskega slikarstva poznega 15. stoletja. Mogoče študiral v Haarlemu v delavnici Alberta van Auvaterja. Bil je seznanjen z delom umetnikov iz Genta in Brugesa. V Haarlemu je kot slikarski vajenec živel po ukazu Johanitov - od tod vzdevek "iz [samostana] sv. Janeza" (tot Sint Jans). Za Hertgenov slikarski slog je značilna prefinjena čustvenost pri interpretaciji verskih tem, pozornost do pojavov vsakdanjega življenja in premišljeno, poetično navdihnjeno izdelovanje detajlov. Vse to se bo razvilo v nizozemskem realističnem slikarstvu naslednjih stoletij.
(Rojstvo, ponoči) 
(Devica in otrok)
(Jessejevo drevo)
(Gertgen do Sint Jans St. Bavon)
Van Eyckov tekmec za naslov najvplivnejšega mojstra zgodnjega nizozemskega slikarstva. Umetnik je cilj ustvarjalnosti videl v dojemanju individualnosti posameznika, bil je globok psiholog in odličen portretist. Da bi ohranil spiritualizem srednjeveške umetnosti, je stare slikovne sheme napolnil z renesančnim konceptom aktivne človeške osebnosti. Po mnenju TSB na koncu svojega življenja "opusti univerzalizem van Eyckovega umetniškega dojemanja sveta in vso svojo pozornost osredotoči na notranji svet človeka."
(Odkritje relikvij sv. Huberta)
Rojen v družini rezbarja. Umetnikova dela pričajo o globokem poznavanju teologije in že leta 1426 so ga imenovali "mojster Roger", kar omogoča postavitev predpostavke, da je imel univerzitetno izobrazbo. Začel je delati kot kipar, v odrasli dobi (po 26 letih) je začel študirati slikarstvo pri Robertu Campenu v Tournaiju. V svoji delavnici je preživel 5 let.
(Branje Marije Magdalene)
Obdobje ustvarjalnega oblikovanja Rogierja (kamor očitno spada tudi Louvre "Oznanjenje") viri slabo osvetljujejo. Obstaja hipoteza, da je prav on v mladosti ustvaril dela, pripisana t.i. Flamski mojster (verjetnejši kandidat za njihovo avtorstvo je njegov mentor Kampen). Študent je toliko izenačil Kampinovo željo, da bi biblijske prizore nasičil z udobnimi podrobnostmi domačega življenja, da je skoraj nemogoče ločiti med njihovimi deli iz zgodnjih 1430-ih (oba umetnika nista podpisala svojih del).
(Portret Antona Burgundije)
Prva tri leta Rogierjevega samostojnega dela niso nikakor dokumentirana. Morda jih je preživel v Bruggeu z van Eyckom (s katerim se je verjetno že križal v Tournaiju). Vsekakor je njegova znamenita skladba "Luka evangelist, ki slika Madono" prežeta z očitnim vplivom van Eycka.
(Evangelist Luka, slika Madone)
Leta 1435 se je umetnik preselil v Bruselj v zvezi s poroko z domačinom tega mesta in svoje pravo ime Roger de la Pasture prevedel iz francoščine v nizozemščino. Postal je član mestnega ceha slikarjev, obogatel. Delal je kot mestni slikar po naročilu vojvodskega dvora Filipa Dobrega, samostanov, plemičev, italijanskih trgovcev. Mestno hišo je naslikal s slikami izvrševanja pravičnosti znanih ljudi iz preteklosti (freske so izgubljene).
(Portret dame)
Na začetek bruseljskega obdobja spada grandiozen v čustvenosti "Spust s križa" (zdaj v Pradu). V tem delu je Rogier korenito opustil slikovno ozadje in gledalčevo pozornost usmeril v tragične izkušnje številnih likov, ki zapolnijo ves prostor platna. Nekateri raziskovalci so nagnjeni k razlagi njegovega dela z navdušenjem nad naukom Tomaža Kempisa.
(Spust s križa z donatorjem Pierrom de Ranchicourtom, škofom iz Arrasa)
Rogierjeva vrnitev iz surovega kampinškega realizma in prefinjenosti protorenesanse Vaneik \u200b\u200bv srednjeveško tradicijo je najbolj očitna v poliptihu Sodna sodba. Napisana je bila v letih 1443-1454. po naročilu kanclerja Nicolasa Rolena za oltar kapele bolnišnice, ki jo je ta ustanovil v mestu Burgundija Beaune. Mesto zapletenih krajinskih ozadij zavzema zlati sijaj, ki so ga preizkušale generacije njegovih predhodnikov in gledalca ne more odvrniti od spoštovanja do svetih podob.
(Oltar zadnje sodbe v Bonnu, desna zunanja vrata: Pekel, leva zunanja vrata: Raj)
V jubilejnem letu 1450 je Rogier van der Weyden odpotoval v Italijo in obiskal Rim, Ferraro in Firence. Italijanski humanisti so ga toplo pozdravili (o njem obstaja hvalevredna kritika Nikolaja Cusanskega), sam pa ga je zanimala predvsem konzervativna umetnika, kot sta Fra Angelico in Gentile da Fabriano.
(Obglavljanje Janeza Krstnika)
V zgodovini umetnosti je običajno, da se to potovanje poveže s prvim poznavanjem Italijanov s tehniko oljnega slikarstva, ki jo je Rogier odlično obvladal. Po naročilu italijanskih dinastij Medici in d'Este so Flemingovi naredili Madonno iz Uffizija in slavni portret Francesca d'Este. po vrnitvi v Flandrijo.
(Poklonitev čarovnikov)
Portreti Rogierjevega čopiča imajo nekaj skupnih značilnosti, kar je v veliki meri posledica dejstva, da skoraj vsi upodabljajo predstavnike najvišjega plemišča Burgundije, katerih videz in način vzdrževanja so vtisnili splošno okolje, vzgoja in tradicija. Umetnik podrobno nariše roke modelov (zlasti prste), dodela in podaljša poteze njihovih obrazov.
(Portret Francesca D "Esteja)
V zadnjih letih je Rogier delal v svoji bruseljski delavnici, obkrožen s številnimi študenti, med katerimi so bili očitno tudi vidni predstavniki naslednje generacije, kot je Hans Memling. Njegov vpliv so širili po Franciji, Nemčiji in Španiji. V drugi polovici 15. stoletja je v severni Evropi Rogierjev izrazni slog prevladoval nad bolj tehnično zapletenimi pouki Kampena in van Eycka. Tudi v 16. stoletju je veliko slikarjev ostalo pod njegovim vplivom, od Bernarta Orleyja do Quentina Masseisa. Konec stoletja so njegovo ime začeli pozabljati in že v 19. stoletju so se umetnika spomnili le v posebnih študijah o zgodnjem nizozemskem slikarstvu. Obnavljanje ustvarjalna pot zapleteno z dejstvom, da ni podpisal nobenega dela, z izjemo portreta ženske v Washingtonu.
(Oznanjenje Mariji)
Hugo van der Goes (približno 1420-25, Gent - 1482, Odergem)
Flamski umetnik. Albrecht Dürer ga je imel skupaj z Janom van Eyckom in Rogierjem van der Weydenom za največjega predstavnika zgodnjega nizozemskega slikarstva.
(Portret molilca s sv. Janezom Krstnikom)
Rojen v Gentu ali Ter Gusu na Zelandiji. Natančen datum rojstva ni znan, vendar je bil najden odlok iz leta 1451, ki mu je omogočil vrnitev iz izgnanstva. Posledično mu je takrat uspelo narediti nekaj narobe in je bil nekaj časa v izgnanstvu. Pridružil se cehu sv. Luka. Leta 1467 je postal mojster ceha, v letih 1473-1476 pa je bil njegov dekan v Gentu. Delal je v Gentu, od leta 1475 v avguštinskem samostanu Rodendal blizu Bruslja. Na istem kraju je bil leta 1478 posvečen v redovnika. Njegova zadnja leta so zaznamovale duševne bolezni. Vendar je še naprej delal, polnil naročila za portrete. V samostanu ga je obiskal bodoči cesar Svetega rimskega cesarstva Maximilian Habsburg.
(Križanje)
Nadaljeval je umetniško tradicijo nizozemskega slikarstva v prvi polovici 15. stoletja. Umetniške dejavnosti so raznolike. Boutov vpliv je opazen že v njegovih zgodnjih delih.
Kot dekorater je sodeloval pri okraševanju mesta Bruges ob poroki leta 1468 burgundskega vojvode Karla Drznega in Margarete od Yorka, kasneje pri okraševanju praznovanj v mestu Gent ob vstopu v mesto Karla Drznega in nove grofice Flandrije leta 1472. Očitno je bila njegova vloga pri teh delih vodilna. kajti po preživelih dokumentih je prejel večjo plačo kot ostali umetniki. Žal slike, ki so bile del dekoracije, niso ohranjene. Ustvarjalna biografija ima veliko dvoumnosti in vrzeli, saj nobena slika ni datirana ali podpisana s strani umetnika.
(Benediktinski menih)
Najbolj znano delo je velika oltarna slika "Čaščenje pastirjev" ali "Oltar Portinari", ki je bila poslikana ok. 1475, ki ga je naročil Tommaso Portinari - predstavnik banke Medici v Bruggeu - in je močno vplival na florentinske slikarje: Domenico Ghirlandaio, Leonardo da Vinci itd.
(Oltar Portinari)
Jan Provost (1465-1529)
Mojster Provost je omenjen v dokumentih iz leta 1493, ki se hranijo v mestni hiši Antwerpna. In leta 1494 se je mojster preselil v Bruges. Vemo tudi, da se je leta 1498 poročil z vdovo francoskega slikarja in miniaturista Simona Marmiona.
(Mučeništvo sv. Katarine)
Ne vemo, s kom je študiral Provost, vendar se je njegova umetnost očitno razvila pod vplivom zadnjih klasikov zgodnje nizozemske renesanse Gerarda Davida in Quentina Masseyja. In če si je David prizadeval izraziti religiozno idejo skozi dramatiko situacije in človeških izkušenj, bomo pri Quentinu Masseysu našli še nekaj - hrepenenje po idealnih in harmoničnih slikah. Najprej je tu vplival vpliv Leonarda da Vincija, s katerim se je Massys srečal med potovanjem v Italijo.
Na slikah Provosta so tradicije G. Davida in C. Masseisa združene v eno. V zbirki Državne puščave je eno delo Provosta - Marija v slavi, napisano na leseni deski v tehniki oljne barve.
(Devica Marija v slavi)
Ta ogromna slika prikazuje Devico Marijo, obkroženo z zlatim sijajem, ki stoji na polmesecu v oblakih. V njenem naročju je Kristusov otrok. Bog Oče, sv. Duh v obliki goloba in štirih angelov. Spodaj - klečeči kralj David s harfo v rokah in cesar Avgust s krono in žezlom. Poleg njih slika prikazuje sibile (like starodavne mitologije, ki napovedujejo prihodnost in razlagajo sanje) in preroke. V rokah ene od sibil je zvitek z napisom "naročje device bo odrešenje narodov."
V globinah slike lahko vidite pokrajino, ki je presenetljiva v svoji subtilnosti in poeziji z mestnimi zgradbami in pristaniščem. Vsa ta zapletena in teološko zapletena zgodba je bila tradicionalna za nizozemsko umetnost. Tudi prisotnost starodavnih likov je bilo dojeto kot nekakšen poskus verske utemeljitve starodavnih klasikov in nikogar ni presenetilo. Kar se nam zdi težko, so sodobniki umetnika dojemali z lahkoto in je bila na njegovih slikah nekakšna abeceda.
Vendar pa Provost naredi korak naprej na poti obvladovanja tega verskega zapleta. Vse svoje like združuje v enem prostoru. V enem prizoru združuje zemeljsko (kralj David, cesar Avgust, Sibile in preroki) in nebeško (Marija in angeli). Po tradiciji vse to prikazuje v ozadju pokrajine, kar še povečuje vtis o resničnosti dogajanja. Provost pridno prevede dogajanje v svoje sodobno življenje. Na Davidovih in Avgustovih slikah lahko zlahka uganete naročnike slike, premožne Nizozemce. Starodavni sibili, katerih obrazi so skoraj portretni, so živo podobni bogatim meščanom tistega časa. Tudi čudovita pokrajina je kljub vsej svoji fantastičnosti globoko realistična. Tako rekoč sintetizira naravo Flandrije, jo idealizira.
Večina Provostovih slik je verske narave. Žal pomemben del njegovih del ni preživel in skoraj nemogoče je poustvariti celotno sliko njegovega dela. Vendar pa po pričevanju sodobnikov vemo, da je Provost sodeloval pri oblikovanju slovesnega vstopa kralja Karla v Bruges. To govori o slavi in \u200b\u200bvelikih zaslugah mojstra.
(Devica in otrok)
Po besedah \u200b\u200bDürerja, s katerim je Provost nekaj časa potoval na Nizozemskem, je bil vhod opremljen z velikim sijajem. Vse od mestnih vrat do hiše, v kateri je bival kralj, so bile povsod okrašene z arkadami na stebrih, venci, krone, trofeje, napisi, bakle. Veliko je bilo tudi slik v živo in alegoričnih upodobitev "cesarjevih talentov".
Provost je odlično sodeloval pri oblikovanju. Nizozemska umetnost iz 16. stoletja, katere značilni predstavnik je bil Jan Provost, je povzročila dela, ki po besedah \u200b\u200bB.R.Vipperja "ne očarajo toliko kot ustvarjanja izjemnih mojstrov, temveč kot dokaz o visoki umetniška kultura».
(Christian Allegory)
Jerun Antonison van Acken (Hieronymus Bosch) (približno 1450-1516)
Nizozemski umetnik, eden največjih mojstrov severne renesanse, velja za enega najbolj zagonetnih slikarjev v zgodovini zahodne umetnosti. V Boschevem domačem kraju, s-Hertogenboschu, je bilo odprto Boschevo ustvarjalno središče, ki prikazuje kopije njegovih del.
Jan Mandijn (1500/1502, Haarlem - 1559/1560, Antwerpen)
Nizozemski umetnik renesanse in severnega manirizma.
Jan Mundane spada v skupino antwerpenskih umetnikov-privržencev Hieronymusa Boscha (Peter Hayes, Herri meth de Bles, Jan Wellens de Kokk), ki je nadaljeval tradicijo fantastičnih podob in postavil temelje tako imenovanega severnega manirizma, v nasprotju z italijanskim. Dela Jana Mundaneja se s svojimi demoni in zli duhovi najbolj približajo zapuščini skrivnostnega.
(Sveti Krištof. (Državna Ermitaž, Sankt Peterburg))
Avtorstvo slik, pripisanih Mandainu, razen "Skušnjav sv. Anthony ", za določen čas ni bila ugotovljena. Verjame se, da je bil Mundane nepismen in zato ni mogel pustiti gotskih podpisov na svojih skušnjavah. Umetnostni kritiki predlagajo, da je podpis preprosto kopiral iz končnega vzorca.
Znano je, da je Mundane okoli leta 1530 postal mojster v Antwerpnu, njegova učenca sta bila Gillis Mostert in Bartholomeus Spranger.
Martin van Heemskerk (pravo ime Martin Jacobson van Ven)
Martin van Ven se je rodil na Severnem Nizozemskem v kmečki družini. Proti očetovi volji je odšel v Haarlem, da bi študiral umetnika Cornelisa Willemsa, leta 1527 pa je kot študent prestopil k Janu van Scorelu, umetniški kritiki pa trenutno ne morejo vedno natančno določiti pripadnosti posameznih slik Scorela ali Heemskerka. Med letoma 1532 in 1536 umetnik živi in \u200b\u200bdela v Rimu, kjer so njegova dela zelo priljubljena. V Italiji van Heemskerk ustvarja svoje slike v Ljubljani umetniški slog manirizem.
Po vrnitvi na Nizozemsko je od cerkve prejel številna naročila tako za oltarno poslikavo kot za ustvarjanje vitražnih oken in stenskih tapiserij. Bil je eden vodilnih članov Ceha svetega Luke. Od leta 1550 do svoje smrti leta 1574 je Martin van Heemskerk služboval kot cerkveni predstojnik v cerkvi sv. Bava v Haarlemu. Van Heemskerk je med drugimi znan po seriji slik Sedem svetovnih čudes.
(Portret Ane Codde 1529)
(Sv. Luka slika Device in otroka 1532)
(Človek žalosti 1532)
(Nesrečni sklop bogatih 1560)
(Avtoportret v Rimu s Kolosejem1553)
Joachim Patinir (1475/1480, Dinan v provinci Namur, Valonija, Belgija - 5. oktober 1524, Antwerpen, Belgija)
Flamski slikar, eden od ustanoviteljev evropskega krajinskega slikarstva. Delal je v Antwerpnu. Naravo je naredil za glavno sestavino slike v skladbah na verske tematike, v katerih je po tradiciji bratov Van Eyck, Gerarda Davida in Boscha, ustvaril mogočen panoramski prostor.
Sodeloval je s Quentinom Masseysom. Verjetno so številna dela, ki jih zdaj pripisujejo Patinirju ali Masseisu, dejansko njihova skupna dela.
(Bitka pri Paviji)
(Čudež svete Katarine)
(Pokrajina z begom v Egipt)
Herri meth de Bles (1500/1510, Bouvigne-sur-Meuse - približno 1555)
Flamski umetnik je skupaj z Joachimom Patinirjem eden od ustanoviteljev evropskega krajinskega slikarstva.
O umetnikovem življenju skoraj nič ni znano. Zlasti njegovo ime ni znano. Vzdevek "meth de Bles" - "z belo liso" - verjetno je dobil belo pramen v laseh. Imel je tudi italijanski vzdevek "Civetta" (italijansko: Civetta) - "sova" - saj je bil njegov monogram, ki ga je uporabljal kot podpis na svojih slikah, majhna figurica sove.
(Pokrajina s prizorom leta v Egipt)
Herri meth de Bles je večino svoje kariere preživel v Antwerpnu. Domneva se, da je bil nečak Joachima Patinirja, pravo ime umetnika pa je bilo Herry de Patinir (nizozemsko. Herry de Patinir). Vsekakor pa se je leta 1535 neki Gerry de Patinir pridružil antwerpenskemu cehu svetega Luke. Herri meth de Bles je prav tako uvrščen med skupino južno nizozemskih umetnikov - privržencev Hieronymusa Boscha, skupaj z Janom Mundaneom, Janom Wellensom de Kockom in Petrom Gaysom. Ti mojstri so nadaljevali tradicijo Boschevega fantastičnega slikarstva in njihovo delo se včasih imenuje "severni manirizem" (v nasprotju z italijanskim manirizmom). Po nekaterih podatkih je umetnik umrl v Antwerpnu, po drugih - v Ferrari, na dvoru vojvode del Este. Niti leto njegove smrti niti dejstvo samo, ali je kdaj obiskal Italijo, ni znano.
Herri meth de Bles je slikal predvsem pokrajine po vzoru Patinire, ki prikazujejo tudi večfigurne kompozicije. Pokrajine skrbno prenašajo vzdušje. Zanj, tako kot za Patiniro, je značilna stilizirana podoba kamenja.
Lucas van Leiden (Luke Leiden, Lucas Huygens) (Leiden 1494 - Leiden, 1533)
Študiral slikarstvo pri Cornelisu Engelbrektsu. Zelo zgodaj je obvladal umetnost graviranja in je delal v Leidnu in Middelburgu. Leta 1522 se je pridružil cehu sv. Luke v Antwerpnu, nato pa se vrnil v Leiden, kjer je leta 1533 umrl.
(Triptih s plesi okrog zlatega teleta. 1525-1535. Rijksmuseum)
V žanrskih prizorih je pogumno stopil k akutno realistični upodobitvi resničnosti.
Luke Leiden po svoji spretnosti ni slabši od Durerja. Bil je eden prvih nizozemskih grafikov, ki je pokazal razumevanje zakonov svetlobne in zračne perspektive. Čeprav so ga v večji meri zanimali problemi kompozicije in tehnike, ne pa zvestoba tradicije ali čustveni zvok prizorov na verske teme. Leta 1521 je v Antwerpnu spoznal Albrechta Durerja. Vpliv dela velikega nemškega mojstra se je pokazal v bolj togem modeliranju in bolj izraziti interpretaciji figur, vendar Luka Leydensky ni nikoli izgubil lastnosti, ki so značilne samo za njegov slog: visoke, dobro grajene figure v nekoliko vzgojenih pozah in utrujeni obrazi Konec 1520-ih se v njegovem delu pojavlja vpliv italijanskega graverja Marcantonio Raimondi. Skoraj vsi odtisi Luke Leidena so podpisani z začetnico "L" in približno polovica njegovih del je datirana, vključno s slavno serijo Pasijon Kristusa (1521). Preživi približno ducat njegovih lesorezov, večinoma upodobitve prizorov iz Stare zaveze. Od majhnega števila ohranjenih slik Luke Leidena je eden najbolj znanih triptih Zadnja sodba (1526).
(Charles V, kardinal Walsley, Margareta iz Avstrije)
Joos van Cleve (datum rojstva neznan, domnevno Wesel - 1540-41, Antwerpen)
Prva omemba Jos van Cleve sega v leto 1511, ko je bil sprejet v antwerpenški ceh svetega Luke. Pred tem je Jos van Clewe študiral pri Janu Justu van Kalkarju skupaj z Bartolomejem Brain the Starejši. Velja za enega najbolj aktivnih umetnikov svojega časa. O njegovem bivanju v Franciji pričajo njegove slike in položaj umetnika na dvoru Franca I. Obstajajo dejstva, ki potrjujejo Josov izlet v Italijo.
Glavna dela Jos van Cleve sta dva oltarja, ki upodabljata Marijino vnebovzetje (trenutno v Kölnu in Münchnu), ki sta bila prej pripisana neznanemu umetniku, Mojstru Marijinega življenja.
(Poklonitev čarovnikov. 1. tretjina 16. stoletja. Umetnostna galerija. Dresden)
Jos van Cleve je uvrščen med romanopisce. V svojih tehnikah mehkega modeliranja volumnov čuti odmev vpliva sfumata Leonarda da Vincija. Kljub temu je v mnogih bistvenih vidikih svojega dela tesno povezan z nizozemsko tradicijo.
"Marijino vnebovzetje" iz stare pinakoteke je bilo nekoč v kölnski cerkvi Device Marije in so jo naročili predstavniki več bogatih, sorodnih kölnskih družin. Oltarna slika ima dve stranski plošči, ki upodabljata zavetnike strank. Najbolj zanimiva je osrednja loputa. Van Mander je o umetniku zapisal: »Bil je najboljši kolorist svojega časa, svojim delom je znal prenesti zelo lep relief in zelo blizu naravi je prenesel barvo telesa z uporabo samo ene barve za telo. Ljubitelji umetnosti so njegova dela zelo cenili, kar so si v celoti zaslužili. "
Sin Josa Clevea Cornelis je prav tako postal umetnik.
Flamski slikar severne renesanse. Slikarstvo je študiral pri Bernardu van Orlyju, ki je bil njegov obisk na italijanskem polotoku. (Coxcie včasih piše Coxie, na primer v Mechelenu na ulici, posvečeni umetniku). V Rimu je leta 1532 poslikal kapele kardinala Enckenvoirta v cerkvi Santa Maria Delle avtorjev Anime in Giorgia Vasarija, njegovo delo je narejeno po italijansko, glavno delo Coxie pa je bil razvoj graverjev in basna Psiha na dvaindvajsetih listih Agostina Veneziana in Mojstra v Daiji ugodni primeri njihovih spretnosti.
Ko se je Coxie vrnil na Nizozemsko, je pomembno razvil svojo prakso na tem področju umetnosti. Coxie se je vrnil v Mechelen, kjer je zasnoval oltarno sliko v kapeli Ceha sv. Luke. V središču tega oltarja je predstavljen sveti Luka Evangelist, zavetnik umetnikov, ki upodabljajo Devico, na stranskih delih je prizorišče mučeništva svetega Vida in vizije svetega Janeza Evangelista v Patmosu. Pokrovitelj mu je bil Karel V., rimski cesar. Njegove mojstrovine 1587 - 1588 hranijo v katedrali v Mechelenu, v katedrali v Bruslju, muzejih v Bruslju in Antwerpnu. Bil je znan kot flamski Raphael. Umrl je v Mechelenu 5. marca 1592, potem ko je padel s stopnišča.
(Christina iz Danske)
(Umor Abela)
Marinus van Reimersvale (ok. 1490, Reimersvale - po 1567)
Marinusov oče je bil član Antwerpenškega umetniškega ceha. Marinus velja za študenta Quentina Masseisa ali pa je vsaj vplivalo njegovo delo. Vendar se Van Reimerswale ni ukvarjal samo s slikanjem. Po odhodu iz rodnega Reimersvala se je preselil v Middelburg, kjer je sodeloval pri ropu cerkve, bil kaznovan in izgnan iz mesta.
Marinus van Reimerswale je ostal v zgodovini slikarstva po zaslugi svojih podob sv. Jeronima in portreti bankirjev, lihvarov in davkarjev v dodelanih oblačilih, ki jih je umetnik skrbno naslikal. Takšni portreti so bili v tistih časih zelo priljubljeni kot poosebljenje pohlepa.
Južno nizozemski slikar in grafik, najbolj znan in pomemben med umetniki, ki so nosili to ime. Mojster krajinskih in žanrskih prizorov. Oče umetnikov Pieter Brueghel mlajši (pekel) in Jan Brueghel starejši (raj).
Tako kot v drugih državah zahodne Evrope je tudi na Nizozemskem, ki je bila do leta 1447 pod vlado Burgundije in nato Habsburžanov, pojav renesančnega odnosa povezan z razvojem proizvodnje in trgovine, pa tudi z rastjo mest in oblikovanjem meščanov. Hkrati so bile fevdalne tradicije v državi še vedno močne, zato so se novosti v nizozemski umetnosti uvajale veliko počasneje kot v italijanščini.
V nizozemskem slikarstvu severne renesanse so značilnosti gotskega sloga obstajale že dolgo. Religija je imela v življenju Nizozemcev veliko večjo vlogo kot Italijanov. Človek v delih nizozemskih mojstrov ni postal središče vesolja, kot je bilo to pri umetnikih italijanska renesansa... Skoraj ves XV. ljudje na Nizozemskem so bili v gotski maniri upodobljeni kot lahki in eterični. Liki nizozemskih slik so vedno oblečeni, manjka jim čutnosti, ni pa nič veličastnega in junaškega. Če so italijanski mojstri renesanse slikali monumentalne freske, je nizozemski gledalec raje občudoval majhne stoječe slike. Avtorji teh del so zelo skrbno obdelali vse, tudi najmanjše detajle svojih platen, zaradi česar so bila ta dela zanimiva in zelo privlačna za občinstvo.
V XV. na Nizozemskem se je miniaturna umetnost še naprej razvijala, vendar že v začetku 1420-ih. pojavijo se prve slike, katerih avtorja sta bila Jan van Eyck in njegov zgodaj preminuli brat Hubert van Eyck, ki je postal ustanovitelj nizozemske umetniške šole.
Jan van Eyck
Natančnega časa rojstva Jana van Eycka, enega najvidnejših predstavnikov nizozemske šole renesančnega slikarstva, ni bilo mogoče ugotoviti. Obstajajo samo predlogi, da se je van Eyck rodil med letoma 1390 in 1400. V obdobju od 1422 do 1428 mladi slikar izpolnjuje naročilo grofa Nizozemske Janeza Bavarskega: poslika zidove gradu v Haagu.
Od 1427 do 1429 je van Eyck potoval po Iberskem polotoku. Leta 1428 je po smrti Janeza Bavarskega umetnik vstopil v službo burgundskega vojvode Filipa Dobrega. Slednji je lahko cenil ne samo darilo slikarskega mojstra, temveč tudi razkril njegov diplomatski talent. Van Eyck se kmalu znajde v Španiji. Namen njegovega obiska je bila naloga vojvode Burgundije, da pripravi poroko in naslika nevestin portret. Umetnik, ki hkrati opravlja vlogo diplomata, se je izvrstno spopadel z nalogami, ki so mu bile dodeljene, in izpolnil nalogo. Čez nekaj časa je bil portret neveste pripravljen. Žal se to delo slavnega slikarja ni ohranilo.
Od leta 1428 do 1429 je bil van Eyck na Portugalskem.
Najpomembnejše delo van Eycka je bila slika oltarja cerkve sv. Bava v Bruggeu, izvedena v sodelovanju z bratom Hubertom. Njena stranka je bil bogataš iz Genta, Jodokus Veidt. Kasneje imenovan Gent, ima oltar, ki ga je naslikal slavni mojster, težko usodo. Med verskimi vojnami so ga v 16. stoletju, da bi ga rešili pred uničenjem, razstavili in skrili. Nekatere drobce so celo odnesli z Nizozemske v druge države sveta. In šele v 20. stoletju so se vrnili v domovino, kjer so jih zbirali. Oltar je spet krasila cerkev sv. Bava. Niso pa bili ohranjeni vsi deli dela. Tako je bil eden od drobcev ukradenega ukradenega leta 1934 nadomeščen z dobro kopijo.
Splošno sestavo Gentskega oltarja sestavlja 25 slik, katerih junaki imajo več kot 250 likov. Na zunanji strani oltarnih vrat so v spodnjem delu podobe kupca Jodocusa Veidta in njegove žene Isabelle Borlut. Tu se nahajajo tudi liki Janeza Krstnika in Janeza Teologa. V srednji vrsti se odvije prizor o znani svetopisemski zgodbi: nadangel Gabrijel prinese sveti devici Mariji dobro novico o skorajšnjem Kristusovem rojstvu. Sestavo odlikuje enotnost barv, ki jih uporablja avtor: vse slike so oblikovane v pastelno sivkastih tonih.
Značilnost te slike je, da umetnik biblijske like obdaja z vsakdanjo realnostjo. Z okna Marijinih sob je torej vidno mesto, popolnoma drugačno od Betlehema. To je Gent, na eni izmed ulic katere so sodobniki slikarskega mojstra zlahka prepoznali hišo bogataša Veidta. Gospodinjski predmeti, ki obkrožajo Marijo, tukaj niso samo napolnjeni s simboličnim pomenom (umivalnik in brisača sta tukaj simbola Marijine čistosti, tri krila okna - simbol večne Trojice), temveč so namenjeni tudi približevanju dogajanja resničnosti.
Med verskimi prazniki se vrata oltarja odprejo in gledalcu se predstavi neverjetna slika, ki pripoveduje o ustroju sveta, kot ga je razumel človek iz 15. stoletja. Torej, v zgornjem sloju so podobe Svete Trojice: Bog Oče, upodobljen v papeških oblačilih, vezenih z zlatom, ob njegovih nogah leži krona - simbol Jezusa Kristusa, v sredini vrstice je golob, ki simbolizira Svetega Duha. Nanje so obrnjeni obrazi Matere božje in Janeza Krstnika. Pesmi hvale Trojici pojejo angeli. V van Eyck so jih pripeljali mladeniči, oblečeni v bogato okrašeno oblačilo. To vrstico zapirajo figure prednikov človeške rase - Adama in Eve.
V zgornji vrstici slike je širok zeleni travnik, po katerem svetniki, preroki, apostoli, vojaki, puščavniki in romarji korakajo do žrtev Jagnjeta. Nekateri liki predstavljajo resnične ljudi. Med njimi najdemo umetnika samega, pa tudi njegovega brata Huberta in vojvodo Burgundije Filipa Dobrega. Tudi tu je pokrajina zanimiva. Vsa drevesa in majhne rastline je mojster naslikal z izjemno natančnostjo. Človek dobi občutek, da se je umetnik odločil gledalcu pokazati svoje znanje botanike.
Ozadje kompozicije prikazuje nebeško mesto Jeruzalem, ki simbolizira krščanstvo. Vendar je tukaj bolj pomembno, da mojster predstavi podobnost arhitekturnih struktur čudovitega mesta z resničnimi zgradbami, ki so obstajale v času van Eycka.
Splošna tema skladbe zveni kot poveličevanje harmonije človeškega svetovnega reda. Znanstveniki menijo, da je bil možni literarni vir tega dela slavnega umetnika bodisi "Razodetje Janeza Zlatoustoga" bodisi "Zlata legenda" Jacopa da Varajina.
Ne glede na temo del Van Eycka je umetniku glavna stvar čim bolj natančen in objektiven prikaz resničnega sveta, kot da bi ga prenesel na platno, hkrati pa prenesel vse njegove značilnosti. Prav to načelo se je izkazalo za vodilno pri oblikovanju nove tehnike umetniške upodobitve. Še posebej jasno se je kazalo v portretnih delih umetnika.
Leta 1431 je v Burgundijo na obisk prispel papeški legat, kardinal Niccolò Albergati. Hkrati je Jan van Eyck naredil skico portreta kardinala. Med delom so bili na risbi popravljeni in dopolnjeni. Treba je opozoriti, da mojstra tukaj ni zaskrbelo bolj zaslon notranje izkušnje osebo in po možnosti natančnejši prenos njenega videza, posameznih značilnosti in linij obraza, postave, drže in izraza obraza.
Na portretu kardinala Albergatija, ki je bil kasneje naslikan z oljnimi barvami, se poudarek na sliki premakne s podrobnosti videza osebe na odsev njegovega notranjega sveta. Zdaj prevladujejo za razkritje podobe oči lika, tisto ogledalo človeške duše, ki odraža občutja, izkušnje, misli.
Kako se razvija Van Eyckova umetniška metoda, lahko vidimo, če primerjamo njegova prejšnja dela s slavnim portretom "Timofey", naslikanim leta 1432. Pred gledalcem se pojavi zaležen človek nežnega značaja. Pogled je uprt v praznino. Vendar je ravno ta videz van Eyckovega junaka označil za odprto, skromno, pobožno, iskreno in prijazno osebo.
Umetnikov talent ne more biti statičen. Mojster mora biti vedno v iskanju novih rešitev in načinov izražanja in upodabljanja sveta, vključno z notranjim svetom osebe. Takšen je bil van Eyck. Naslednjo stopnjo v razvoju njegovega dela je zaznamovalo portretno delo z naslovom "Človek v rdečem turbanu" (1433). V nasprotju z likom slike "Timofey" je junak tega platna obdarjen z bolj izrazitim videzom. Njegove oči so uprte v gledalca. Zdi se, da nam neznana oseba pripoveduje svojo žalostno zgodbo. Njegov pogled izraža zelo specifična čustva: grenkobo in obžalovanje nad tem, kar se je zgodilo.
"Timofey" in "Človek v rdečem turbanu" se bistveno razlikujeta od del, ki jih je mojster ustvaril prej: predstavljajo psihološki portret junaka. Hkrati umetnika ne zanima toliko duhovni svet določene osebe kot njegov odnos do resničnosti. Torej, Timofey na svet gleda zamišljeno, človek v turbanu pa ga dojema kot nekaj sovražnega. Vendar to načelo dolgotrajne upodobitve osebe
čas ni mogel obstajati v okviru renesančne umetnosti, kjer je bila glavna ideja jasno opredeliti posamezne značilnosti podobe in prikazati njen notranji svet. Ta ideja postane prevladujoča v naslednjih delih Van Eycka.
Jan van Eyck. Portret moškega v rdečem turbanu. 1433 g.
Leta 1434 umetnik naslika enega svojih najbolj znana dela - "Portret para Arnolfini", ki po besedah \u200b\u200bumetnostnih zgodovinarjev prikazuje trgovca iz Lucce, predstavnika hiše Medici v Bruggeu, Giovannija Arnolfinija z ženo Giovanno.
V ozadju kompozicije je majhno okroglo ogledalo, napis zgoraj pa pravi, da je bil eden od prič slovesnosti umetnik sam Jan van Eyck.
Slike, ki jih je ustvaril umetnik, so nenavadno izrazite. Njihov pomen je zaradi tega bolj poudarjen
da avtor postavi svoje like v najobičajnejšo postavitev na prvi pogled. Bistvo in pomen slik je tu poudarjeno s predmeti, ki obkrožajo like, in obdarjeno skrivni pomen... Torej, jabolka, raztresena na okenski polici in na mizi, simbolizirajo nebeško blaženost, kristalni rožni venec na steni je utelešenje pobožnosti, krtača je simbol čistosti, dva para čevljev sta znak zakonske zvestobe, prižgana sveča v čudovitem lestencu je simbol božanstva, ki zasenči zakrament poročne slovesnosti. Idejo o zvestobi in ljubezni predlaga tudi majhen pes, ki stoji lastnikom ob nogah. Vsi ti simboli zakonske zvestobe, sreče in dolgoživosti ustvarjajo občutek topline in duhovne bližine, ljubezni in nežnosti, ki združuje zakonca.
Posebej zanimiva je slika Van Eycka "Madonna of Chancellor Rolen", ki je nastala leta 1435. Majhno delo (0,66 × 0,62 m) daje vtis o obsegu vesolja. Takšen občutek na sliki ustvarja dejstvo, da skozi obokane oboke umetnik gledalcu pokaže pokrajino z mestnimi zgradbami, reko in gorami, ki so vidne v daljavi.
Kot vedno pri Van Eycku, ima okoliščina (v tem primeru pokrajina), ki obkroža znake, pomembno vlogo pri razkrivanju njihovih likov, čeprav liki, notranjost in pokrajina tu ne predstavljajo celostne enotnosti. Pokrajina z stanovanjskimi stavbami nasproti figure kanclerke je posvetni začetek, pokrajina s cerkvami, ki se nahajajo za Marijinim hrbtom, pa je simbol krščanske religije. Oba brega široke reke sta povezana z mostom, po katerem hodijo pešci in konjeniki. Poosebljenje sprave duhovnih in posvetnih načel je dojenček Kristus, ki sedi v Marijinem naročju in blagoslavlja kanclerja.
Delo, ki je zaključilo obdobje oblikovanja ustvarjalne metode van Eycka, velja za oltarno kompozicijo "Madonna of Canon Van der Palais", ki je nastala leta 1436. Njihova monumentalnost postane posebnost podob. Figure junakov zdaj zapolnijo celoten prostor slike, tako da skoraj ne ostane prostora za pokrajino ali notranjost. Poleg tega v "Madonni Canon van der Palais" glavni lik sploh ni Madonna, temveč sam kupec slike. Zanj sta Marija in sv. Donat mu podari kazalno gesto zbranemu sv. George.
Tu se spreminja tudi način upodabljanja glavnega junaka.
To ni več preprost kontemplator, ki izraža svoj odnos do sveta. Gledalec vidi osebo, ki se je umaknila vase, globoko razmišlja o nečem zelo pomembnem. Takšne slike bodo postale vodilne v nizozemski umetnosti poznejših časov.
V svojih kasnejših delih van Eyck razvija podobe, ki so še bolj konkretne. Primer tega je slika "Portret Jana van Leeuwa" (1436). Oseba na portretu je odprta za nas. Njegov pogled je uprt v gledalca, ki zlahka prepozna vse junakove občutke. Treba ga je samo pogledati v oči.
Vrhunec mojstrovega dela je zadnji, naslikan leta 1439, portret njegove žene Marguerite van Eyck. Tu je za umetnikovim subtilnim videzom junakinje jasno viden njen lik. Podoba Van Eycka še nikoli ni bila tako objektivna. Uporabljene barve so za umetnika tudi nenavadne: rdeče-vijolična tkanina oblačil, zadimljen kožuh na robu, roza koža junakinje in njene blede ustnice.
Jan van Eyck je umrl 9. julija 1441 v Bruggeu. Njegovo delo, ki je vplivalo na številne poznejše mojstre, je pomenilo začetek oblikovanja in razvoja nizozemskega slikarstva.
Sodobnik bratov van Eyck je bil Robert Campen, avtor dekorativnih in slikovnih del, učitelj številnih slikarjev, vključno s slavnim umetnikom Rogierjem van der Weydenom.
Oltarne kompozicije in portrete Kampena odlikuje želja po pristnosti, mojster poskuša vse predmete upodobiti tako, da so videti v resnici.
Največji nizozemski umetnik 15. stoletja. tam je bil Rogier van der Weyden, ki je risal dramatične oltarne prizore (Spust s križa, po letu 1435) in izrazite, duševne portrete (Portret Francesca d'Esteja, 1450; Portret mlade ženske, 1455). Rogier van der Weyden je odprl prvo večjo delavnico na Nizozemskem, kjer so študirali številni priznani renesančni umetniki. Slikar je bil široko znan ne le v domovini, temveč tudi v Italiji.
V drugi polovici 15. stoletja. na Nizozemskem so delali umetniki, kot je Jos van Wassenhove, ki je veliko naredil za razvoj nizozemskega slikarstva, nenavadno nadarjeni Hugo van der Goes, avtor slavnega oltarja Portinari Jan Janling, v delu katerega se pojavljajo značilnosti italijanske renesanse: venci in putti, idealizacija podob, jasnost in jasnost kompozicijske konstrukcije ("Madona z otrokom, angel in darovalci").
Eden najsvetlejših mojstrov severne renesanse ob koncu 15. stoletja. je bil Hieronymus Bosch.
Hieronymus Bosch (Hieronymus van Aken)
Hieronymus van Aken, pozneje vzdevek Bosch, se je rodil med letoma 1450-1460. v Hertogenboschu. Umetniki so bili njegov oče, dva strica in brat. Postali so prvi učitelji slikarja začetnika.
Boschevo delo odlikuje groteska in zajedljiv sarkazem pri upodabljanju ljudi. Te težnje so očitne že v umetnikovih zgodnjih delih. Na primer, na sliki "Odstranjevanje kamna neumnosti", ki prikazuje preprosto operacijo zdravilca na glavi kmeta, slikar zasmehuje duhovščino, neiskrenost in pretvarjanje duhovščine. Kmečki pogled je uprt v gledalca in ga iz zunanjega opazovalca spremeni v sokrivca dogajanja.
Nekatera Boscheva dela so izvirne ilustracije za bajke in krščanske legende. Takšna so njegova platna "Ladja norcev", "Skušnjava sv. Anthony "," Vrt zemeljskih užitkov "," Poklonitev čarovnikov "," Kristusovo posmehovanje ". Zapleti teh del so značilni za umetnost Flandrije od 15. do 16. stoletja. Vendar groteskne figure ljudi in fantastičnih živali, prikazane tukaj, nenavadne arhitekturne strukture, ki jih je slikar predstavil, ločujejo Boscheva platna od del drugih mojstrov. Hkrati te kompozicije jasno kažejo značilnosti realizma, ki je bil takrat nizek v likovni umetnosti. Z natančnimi potezami mojster gledalca prepriča v resničnost in zanesljivost dogajanja.
Na platnih, posvečenih verskim temam, se Jezus skoraj vedno znajde obkrožen z ljudmi, ki se zlobno in dvoumno smehljajo. Iste slike so predstavljene na sliki "Nošenje križa", katere barvanje je sestavljeno iz bledih in hladnih odtenkov. Kristusov lik izstopa iz monotone množice ljudi, pobarvan v nekoliko toplejših barvah. Vendar ga to edino loči od drugih. Obrazi vseh junakov imajo enak izraz. Tudi svetel obraz sv. Veronica junakinje skoraj ne razlikuje od drugih likov. Poleg tega kombinacija svetlih, strupenih modrih in rumenih barv v njenem pokrivalu krepi občutek dvoumnosti.
Pri Boschevem delu je še posebej zanimiva oltarna kompozicija, imenovana "Kozolec". Pred gledalcem se razgrne alegorična slika človeškega življenja. Ljudje se vozijo na vozičku: biti med angelom in hudičem, pred očmi vseh, ki jih poljubijo, se zabavajo, igrajo glasbila, petje pesmi. Papež in cesar sledita kočiji, ljudje iz navadnih ljudi pa kolono zaprejo. Slednji, ki želijo postati udeleženci praznovanja življenja, tečejo naprej in, ko padejo pod kolesa vozička, so neusmiljeno zdrobljeni, ne da bi imeli čas, da bi razumeli okus človeških radosti in užitkov. Celotna kompozicija je okronana z malim Jezusom, ki sedi na oblaku in v molitvi dviguje roke proti nebu. Vtis realizma dogajanja se ustvari s pomočjo pokrajine, ki jo odlikujeta konkretnost in pristnost.
Hieronymus Bosch. Kristusovo posmehovanje
Bosch v svoje slike vedno vnese fantastične elemente. Oni so glavni, razkrivajo umetnikov namen. To so ptice, ki se na nebu vzpenjajo z jadri namesto s krili; ribe s konjskimi kopiti namesto s plavutmi; ljudje, rojeni iz drevesnih štorov; glave z repi in množico drugih fantazmagoričnih podob. In vsi so v Boschu nenavadno mobilni. Tudi najmanjše bitje je obdarjeno z energijo in je nekam usmerjeno.
Ko pogledamo Boscheve slike, dobimo vtis, da se je mojster odločil pokazati vse, kar je na tem svetu nizko, mračno in sramotno. Na teh platnih ni prostora za humor. Nadomešča ga strupeno posmehovanje, sarkazem, ki močno poudarja vse pomanjkljivosti človeškega svetovnega reda.
Pri delih, ki spadajo v pozno obdobje umetnikovega dela, je dinamika nekoliko oslabljena. Ohranjena pa je enaka neskončnost predstavljenega prostora in večfiguracija slike. Tako lahko označimo platno, ki je dobilo ime "Janez na Patmosu". Še posebej zanimivo je dejstvo, da je mojster na hrbtni strani postavil čudovito, presenetljivo pokrajino. Umetniku je presenetljivo natančno tukaj uspelo prenesti prosojnost zraka, ovinke rečnih bregov in bledo modro barvo visokega neba. Svetle barve in natančne linije kontur dajejo delu napeti, skoraj tragični značaj.
Glavna značilnost Boschevega dela je osredotočenost na človeka in njegov svet, želja po objektivnem izražanju življenja ljudi, njihovih občutkov, misli in želja. To se najbolj polno odraža v oltarni kompoziciji, imenovani "Vrt naslade", kjer so človeški grehi prikazani brez olepševanja. Delo je izjemno dinamično. Pred gledalcem gredo cele skupine ljudi, ki jih avtor za boljši pogled postavi v več nivojev. Postopoma se ustvarja vtis nenehno ponavljajočega se, enosmernega gibanja figur, kar okrepi tragičen občutek in gledalca spomni na sedem peklenskih krogov.
Boschev umetniški slog je nastal iz konflikta med resničnostjo in ideali srednjeveške umetnosti. Številni umetniki tistega časa so iz povsem razumljive želje polepšati mračno, polno nasprotij življenje ustvarili idealno lepe podobe, daleč od ostre resničnosti. Boschevo delo je bilo nasprotno usmerjeno v objektivno podobo okoliške resničnosti. Poleg tega si je umetnik prizadeval svet ljudi obrniti navzven in pokazati njegovo skrito stran ter s tem umetnosti vrniti globok filozofski in svetovni pogled.
Pokrajina igra eno glavnih vlog v Poklonitvi čarovnikov. Glavni junaki so tukaj prikazani kot del celote, nimajo samostojnega pomena. Za razkritje umetnikovega namena je bolj pomembno, kaj je za figurami likov - krajinske slike: konjeniki, drevesa, most, mesto, cesta. Kljub obsegu daje pokrajina vtis praznine, tišine in brezupnosti. Vendar je to edina stvar, v kateri življenje še vedno utripa in vsebuje nekaj pomena. Tu so človeške figure statične in nepomembne, njihovi gibi, določeni v določenem trenutku, so ustavljeni. Glavni lik je ravno pokrajina, navdihnjena in zato še bolj ostro zasenči praznino, brezpredmetnost in nesmiselnost človeškega življenja.
V sestavi "Prodigal Son" slike narave in glavni lik predstavljajo neke vrste enotnost. Z izrazom tukaj
skupnost barv, ki jih uporablja avtor, služi: pokrajina in človeška figura sta naslikana v sivih odtenkih.
V kasnejših delih Boscha fantastičnim bitjem ni več dodeljeno toliko prostora kot v prejšnjih delih. Tu in tam se še vedno pojavijo nekatere čudne figure. Vendar to niso tiste energične, polživali, ki se povsod drvijo. Njihova velikost in aktivnost se znatno zmanjšata. Zdaj je glavno za slikarja pokazati osamljenost človeka v tem svetu okrutnih, brezdušnih ljudi, kjer je vsak zaposlen samo s sabo.
Hieronymus Bosch je umrl leta 1516. Njegovo delo je vplivalo na oblikovanje umetniške metode mnogih izjemnih mojstrov, vključno s Pieterjem Bruegelom starejšim. Fantastične podobe Boschevih del so v veliki meri vnaprej določile nastanek slik nadrealističnih umetnikov.
Na začetku 16. stoletja. na Nizozemskem so obrtniki iz 15. stoletja še naprej živeli in delali. - Hieronymus Bosch in Gerard David, toda že takrat so se na nizozemskem slikarstvu pojavile (čeprav v manjši meri kot v italijanščini) značilnosti visoke renesanse.
V tem obdobju je nizozemsko gospodarstvo doživelo razcvet brez primere. Industrija se je hitro razvijala, cehovsko obrt je nadomestila proizvodnja. Zaradi odkritja Amerike je Nizozemska postala glavno središče za mednarodno trgovino. Samozavedanje ljudi je raslo, skupaj z njim pa so se stopnjevale narodnoosvobodilne težnje, ki so v zadnji tretjini 15. stoletja privedle do revolucije.
Eden najpomembnejših mojstrov prve tretjine 16. stoletja. je bil Quentin Massys. Avtor številnih oltarnih del je morda postal prvi ustvarjalec žanrskega dela v nizozemskem slikarstvu, saj je naslikal svojo slavno sliko "Menjalnik z ženo" (1514). Masseysovi čopiči so izjemni portreti, na katerih
umetnik poskuša predstaviti globino človekovega notranjega sveta (portreti Etienne Gardiner, Erazem Rotterdamski, Peter Egidius).
Hkrati z Masseysom so se imenovali tudi t.i. romanopisci, ki so se obrnili na dela italijanskih mojstrov. V svojih delih romanopisci niso želeli odražati resničnosti, njihov glavni cilj je bil ustvariti monumentalno podobo osebe. Najpomembnejša predstavnika tega trenda sta bila Jan Gossart z vzdevkom Mabuse in Bernard van Orley.
V prvi tretjini 16. stoletja. delal kot slavni mojster svoje dobe, eden od ustanoviteljev evropskega krajinskega slikarstva Joachim Patinir. Njegove slike širokih ravnic, skalnatih vrhov in mirnih rek vključujejo religiozne prizore z majhnimi figurami ljudi. Svetopisemski motivi postopoma zavzemajo vse manj prostora v njegovih pokrajinah ("Krst", "Pokrajina z begom v Egipt"). Patinirjeva slika je imela velik vpliv na umetnike naslednjih generacij.
Patinirjev sodobnik je bil največji mojster tistega časa Luka Leydensky, ki je delal v tehniki graviranja. Njegova dela odlikujejo realizem in kompozicijska celovitost ter globoka čustvenost ("Mohammed z umorjenim menihom", 1508; "David in Savel", 1509). Za številne njegove gravure so značilni elementi vsakdanje zvrsti ("Igra šaha", "Žena prinese Jožefovo obleko Potiparju"). Portreti Luke Leydenskega ("Portret moškega", ok. 1520) so zanesljivi in \u200b\u200bvitalni.
Žanr vsakdanjega življenja se je v slikarstvu razširil v drugi tretjini 16. stoletja. V Antwerpnu so delali umetniki, ki so nadaljevali Masseyjevo tradicijo - Jan Sanders van Hemessen, ki je ustvaril številne različice "Changer", in Marinus van Roymerswale, avtor "The Merry Society". S svojimi grotesknimi podobami so zamenjali dekleta lahkotne vrline, ti mojstri so praktično izbrisali črto, ki ločuje vsakdanje in verske skladbe.
Značilnosti žanrskega žanra so prodrle tudi v portretiranje, katerega največja predstavnika sta bila amsterdamska umetnika Dirk Jacobs in Cornelis Teinissen. Naravna poza in gesta portrete naredijo žive in prepričljive. Zahvaljujoč Jacobsu in Teinissenu je bilo nizozemsko slikarstvo obogateno z novo, izvirno zvrstjo, ki je postala skupinski portret.
V teh letih se je še naprej razvijal roman, katerega mojstra sta bila Peter Cook van Aelst in Jan Scorel, ki sta imela številne talente in sposobnosti. Bil je ne samo slikar, ampak tudi duhovnik, glasbenik, retorik, inženir in kustos zbirke umetniških del papeža Adriana VI.
Kriza renesančnega dojemanja sveta, ki je v drugi polovici 16. stoletja zajela umetnost italijanske renesanse, je prizadela tudi Nizozemsko. V letih 1550-1560. v nizozemskem slikarstvu se realistični trend še naprej razvija in pridobiva lastnosti narodnosti. Hkrati je vse bolj aktiven romanizem, v katerem začnejo prevladovati elementi manirizma.
Manneristične značilnosti so prisotne na sliki antwerpenskega umetnika Fransa Florisa. Njegove biblične skladbe presenečajo s pretirano dramatičnostjo, zapletenimi koti kamere in pretirano dinamiko (Overthrow of the Angels, 1554; The Last Judgment, 1566).
Izjemen predstavnik realističnega slikarstva tega časa je bil mojster iz Antwerpena Peter Artsen, ki je slikal predvsem žanrsko velike figure in tihožitja. V svojih delih pogosto kombinira oba zvrsti, vendar eden od njih vedno prevlada nad drugim. Na sliki Kmečki praznik (1550) ima tihožitje stransko vlogo, v Mesnici (1551) pa so predmeti ljudi potisnili v ozadje. Artsenova platna odlikuje velika pristnost, čeprav skuša umetnik podobe kmetov predstaviti kot monumentalne in veličastne (Kmetje na trgu, petdeseta leta; Kmetje ob ognjišču, 1556; Ples med jajci, 1557). Na slikah "Kuhar" (1559), "Kmec" (1561) je z očitno idealizacijo podob čutiti avtorjevo iskreno simpatijo do navadnega človeka.
Najpomembnejši mojster realističnega nizozemskega slikarstva XVI. Stoletja. je postal Pieter Bruegel starejši.
Pieter Bruegel starejši
Pieter Bruegel (Bregel) z vzdevkom Starejši ali kmečki, se je rodil med letoma 1525 in 1530. V zgodnjih 50-ih. XVI stoletje živel je v Antwerpnu, kjer je študiral slikarstvo pri P. Cooke van Aelstu. V obdobju od 1552 do 1553 je umetnik delal v Italiji, od leta 1563 pa v Bruslju. Medtem ko je slikal na Nizozemskem, se je srečal z demokratičnimi in radikalnimi misleci države. To poznanstvo je morda določilo tematski poudarek umetnikovega dela.
Bruegelova zgodnja dela zaznamuje vpliv manieristične umetnosti in umetniške metode Hieronymusa Boscha. Večinoma predstavljajo pokrajine, ki poosebljajo slikarjeve vtise s potovanja po Italiji in alpskih gorah ter slike narave Nizozemske - umetnikove domovine. V teh delih je opazna avtorjeva želja, da na majhnem platnu prikaže obsežno, grandiozno sliko. To je njegovo "neapeljsko pristanišče", ki je postalo prvo morsko pokrajino v zgodovini slikarstva.
Umetnik skuša v svojih zgodnjih delih izraziti neskončnost prostora, v katerem se človek izgubi, postane manjši, nepomemben. Kasneje ima Bruegelova pokrajina bolj resnične razsežnosti. Spreminja se tudi razlaga človeka, ki živi na tem svetu. Podoba osebe je zdaj obdarjena s posebnim pomenom in ni figura, ki se je slučajno pojavila na platnu. Primer tega je lahko slika, ustvarjena leta 1557 in imenovana "Sejalec".
V delu "Padec Ikarja" je glavni zaplet, ki izraža idejo, da smrt ene osebe ne bo ustavila vrtenja kolesa življenja, dopolnjen še z več. Tako predstavljeni prizori oranja in obalna pokrajina služijo kot simboli izmerjenosti človeškega življenja in veličastnosti naravnega sveta. Čeprav je platno posvečeno starodavnemu mitu, skoraj nič ne spominja na Ikarjevo smrt. Le z natančnim ogledom lahko vidite nogo junaka, ki je padel v morje. Nihče ni bil pozoren na smrt Ikarja - ne pastir, ki je občudoval čudovit razgled, ne ribič, ki se je naselil na obali, ne kmec, ki ora svoje polje, ne posadka jadrnice, ki se je odpravila na odprto morje. Glavna stvar na sliki ni tragedija starodavnega značaja, temveč lepota človeka, obkroženega s čudovito naravo.
Vsa Bruegelova dela imajo globoko pomensko polnost. Potrjujejo idejo o urejenosti in vzvišenosti svetovnega reda. Vendar bi bilo napačno trditi, da so Bruegelova dela optimistična. Pesimistične note na slikah so izražene s posebnim stališčem avtorja. Zdi se, da je nekje zunaj sveta, opazuje življenje s strani in odstranjen s slik, prenesenih na platno.
Novo stopnjo v umetnikovem delu je zaznamoval pojav slike "Bitka za karneval in post" leta 1559. Sestava temelji na številnih množicah veseljakov, mumerjev, menihov in trgovcev. Prvič v delu Bruegel vsa pozornost ni usmerjena na krajinske slike, temveč na podobo ganljive množice.
V tem delu je avtor izrazil posebno dojemanje sveta, značilno za mislece tistega časa, ko je bil naravni svet poočlovečen, animiran, človeški svet pa je bil, nasprotno, podoben na primer skupnosti žuželk. Z vidika Bruegela je človeški svet isti mravljišče, njegovi prebivalci pa so tako nepomembni in nepomembni kot majhni. Njihovi občutki, misli, dejanja so enaki. Slika, ki prikazuje vesele ljudi, kljub temu vzbuja mračne in žalostne občutke.
Platni "Flamski pregovori" (1559) in "Igre otrok" (1560) so označeni z enakim razpoloženjem žalosti. Slednja v ospredju prikazuje otroke v igri. Vendar je perspektiva ulice, prikazane na sliki, neskončna. Prav to ima v sestavi glavni pomen: dejavnosti ljudi so tako nesmiselne in nepomembne kot otroška igra. Ta tema - vprašanje človekovega mesta v življenju - postane vodilna v Bruegelovem delu v poznih petdesetih letih 20. stoletja.
Od petdesetih let 20. stoletja. realizem na Bruegelovih slikah nenadoma nadomesti svetla in zlovešča domišljija, saj izrazna moč presega celo Boscheva groteskna dela. Primeri tovrstnih del so platni "Zmagoslavje smrti" (1561) in "Mad Greta" (1562).
V "Triumph of Death" so prikazani okostnjaki, ki poskušajo uničiti ljudi. Tisti pa poizkušajo pobegniti v ogromni miškolovki. Alegorične podobe so napolnjene z globokim simbolnim pomenom in so zasnovane tako, da odražajo avtorjev odnos in pogled na svet.
V "Mad Greti" ljudje ne upajo več na odrešitev pred hudimi bitji, katerih število se povečuje. Od nikoder se pojavijo številna ta zlovešča bitja, ki poskušajo nadomestiti ljudi na zemlji. Slednji raztreseni sprejmejo nečistoče, ki jih je izbila velikanska pošast, za zlato in, pozabijoč na grozečo nevarnost in se med seboj zdrobijo, poskušajo vzeti v posest "dragocene" ingote.
Ta sestava prvič prikazuje umetnikov odnos do ljudi, ki jih je obvladala nebrzdana pohlepnost. Vendar se ta misel v Brueglu razvije v globoke razprave o usodi vsega človeštva. Omeniti je treba tudi, da so Brueglove slike ob vsej raznolikosti fantastičnih elementov vzbudile nenavadno izostren občutek za konkretnost in resničnost dogajanja. Bili so nekakšen odraz dogodkov, ki so se takrat dogajali na Nizozemskem - represije španskih osvajalcev v državi. Bruegel je prvi med umetniki, ki je na platnu odseval dogodke in konflikte svojega časa ter jih prevedel v umetniški in slikovni jezik.
Močna čustva in tragedije se postopoma umaknejo Bruegelovim tihim in žalostnim razmišljanjem o usodi ljudi. Umetnik se spet obrne k resničnim slikam. Zdaj je glavno mesto v kompoziciji namenjeno obsežni pokrajini, ki se razteza daleč do obzorja. Avtorjevo sarkastično posmehovanje, značilno za prejšnja dela, se tu spremeni v toplino, odpuščanje in razumevanje bistva človeške duše.
Hkrati se dela pojavljajo v znamenju razpoloženja osamljenosti, rahle žalosti in žalosti. Med takšnimi platni posebno mesto zavzemata "Opice" (1562) in "Babilonski stolp" (1563). V slednjem za razliko od prej naslikane istoimenske slike glavno mesto zasedajo figure graditeljev. Če je prej umetnika bolj zanimal svet čudovite in popolne narave, se zdaj pomenski poudarek preusmerja na podobo osebe.
V delih, kot so "Samomorov Savel" (1562), "Pokrajina z begom v Egipt" (1563), "Nošenje križa" (1564), mojster premaga tragedijo nesmiselnosti človeške dejavnosti na zemlji. Tu se za Bruegela pojavi popolnoma nova ideja o notranji vrednosti človeškega življenja. V zvezi s tem je še posebej zanimiva sestava "Nošenje križa", kjer znano versko in filozofsko fabulo razlagajo kot množični prizor s številnimi figurami vojakov, kmetov, otrok - navadnih ljudi, ki z radovednostjo opazujejo, kaj se dogaja.
Leta 1565 je nastal cikel slik, ki so postale resnične mojstrovine svetovnega slikarstva. Platna so posvečena letnim časom: »Turoben dan. Pomlad «,» Žetev. Poletje “,„ Vrnitev čred. Jesen «,» Lovci v snegu. Zima ". Te skladbe skladno predstavljajo avtorjevo idejo, da izrazi veličino in hkrati življenjsko resničnost naravnega sveta.
Mojster z vso zanesljivostjo uspe zajeti žive slike narave na platno. Občutek skoraj oprijemljive resničnosti doseže umetnikova uporaba barv določenih tonov, ki so svojevrstni simboli določenega letnega časa: rdečkasto rjavi zemeljski toni v kombinaciji z zelenimi toni, ki oblikujejo pokrajino v ozadju "Turobnega dne"; temno rumena, prehaja v rjava barva v sestavi "Žetev"; prevladovanje rdeče in vseh odtenkov rjave na sliki Vrnitev čred.
Bruegelov cikel je posvečen naravnim stanjem v različnih letnih časih. Vendar bi bilo napačno trditi, da samo pokrajina zavzema glavno pozornost umetnika. Na vseh slikah obstajajo ljudje, ki jih umetnik predstavlja kot fizično močne, strastne do katerega koli poklica: žetve, lova. Značilnost teh podob je njihovo zlivanje z naravnim svetom. Človeške figure niso v nasprotju s pokrajino, so skladno integrirane v kompozicijo. Njihovo gibanje sovpada z dinamiko naravnih sil. Tako je začetek kmetijskih del povezan z prebujanjem narave ("Turoben dan").
Kmalu je realistično prikazovanje ljudi in dogodkov postalo vodilni trend v Bruegelovi umetnosti. Slike "Popis v Betlehemu", "Poboj dojenčkov", "Pridiga Janeza Krstnika", ki so se pojavile leta 1566, so zaznamovale novo stopnjo v razvoju ne samo umetnikovega dela, ampak tudi nizozemske umetnosti na splošno. Podobe, prikazane na platnu (vključno s svetopisemskimi), so bile zdaj pozvane ne samo, da poosebljajo univerzalne človeške koncepte, temveč tudi simbolizirajo določen družbeni svetovni red. Tako je na sliki "Poboj dojenčkov" evangeljska zgodba nekakšen zaslon za prikaz resničnega dejstva: napad ene od enot španske vojske na flamsko vas.
Slika Kmečki ples, ki jo je Bruegel ustvaril leta 1567, je postala pomembno delo zadnjega obdobja umetnikovega dela, ki temelji na plesnih kmetih, ki jih je mojster prikazal v povečanem obsegu. Za avtorja ni pomembno le, da posreduje vzdušje praznika, ampak tudi realno pokaže plastičnost gibanja človeških teles. Vse, kar je v človeku, zanima umetnika: njegove poteze obraza, izrazi obraza, geste, drže, način gibanja. Vsako figuro z veliko skrbnostjo in natančnostjo naslika mojster. Podobe, ki jih je ustvaril Bruegel, so monumentalne, pomembne in nosijo socialni patos. Rezultat je slika, ki predstavlja ogromno, homogeno množico ljudi, ki simbolizira kmečko gospodarstvo. Ta skladba bo postala temeljna pri razvoju ljudsko-vsakdanje kmečke zvrsti v Bruegelovi umetnosti.
Kaj je razlog za pojav ljudska tema v delu umetnika? Umetnostni kritiki trdijo, da so tovrstna njegova dela nekakšen odgovor na dogodke, ki so se takrat odvijali na Nizozemskem. Čas, ko je bila naslikana slika "Kmečki ples", sovpada s časom zatiranja ljudske vstaje, imenovane "ikonoklazem" (uporniki na čelu s kalvinisti so uničevali ikone in skulpture v katoliških cerkvah). Od tega gibanja, ki se je razplamtelo leta 1566, se je začela revolucija na Nizozemskem. Dogodki do globine duše so pretresli vse sodobnike slavnega umetnika.
Zgodovinarji in umetnostni zgodovinarji ikonoklazem povezujejo tudi s pojavom drugega Brueglovega dela - "Kmečka poroka". Tu ustvarjene podobe imajo še večje razsežnosti kot figure "kmečkega plesa". Vendar so kmetje v sestavi obdarjeni s pretirano močjo in močjo. Ta idealizacija slike ni bila značilna za umetnikova dela, ki so nastala prej. Na isti sliki se je pokazala avtorjeva izjemna dobrohotnost do ljudi, upodobljenih na platnu.
Veselo, življenjsko potrjevalno razpoloženje zgoraj omenjenih del kmalu nadomešča pesimizem in občutek neizpolnjenih upov, ki se odražajo na slikah "Mizantrop", "Hromi", "Tat gnezd", "Slepi". Izjemno je dejstvo, da so bili vsi napisani leta 1568.
V "Slepem" so v ospredju figure invalidov. Njihovi obrazi so strašno grdi. Zdi se, da so duše teh ljudi enake. Te podobe so poosebitev vsega, kar je osnova na zemlji: pohlepa, lastne koristi in jeze. Njihove prazne očesne jamice so simbol duhovne slepote ljudi. Platno dobi izrazit tragičen značaj. Za Bruegla problem duhovne praznine, človeške nepomembnosti naraste do univerzalnih razsežnosti.
Pomembno v sestavi in \u200b\u200bvlogi krajine, ki jo avtor predstavlja kot nasprotovanje svetu ljudi.
Hribi, ki se dvigajo v daljavi, drevesa, cerkev - vse je napolnjeno s tišino, tišino in mirom. Zdi se, da se ljudje in narava tu menjata. Pokrajina na sliki izraža idejo človečnosti, dobrote, duhovnosti. In sam človek se tukaj izkaže za duhovno mrtvega in brez življenja. Tragične note poudarja avtorjeva uporaba lahkih hladnih barv. Osnovo barve torej sestavljajo svetlo lila barve z jeklenim odtenkom, ki krepijo občutek brezizhodnosti situacije, v kateri se je človek znašel.
Zadnje delo Bruegla starejšega je bilo delo z naslovom "Ples pod vislicami" (1568). Na sliki se pred gledalcem pojavijo figure ljudi, ki plešejo v bližini vislic. To platno je postalo izraz umetnikovega popolnega razočaranja nad sodobnim svetovnim redom in ljudmi, v njem je razumevanje nemogoče vrnitve v nekdanjo harmonijo.
Pieter Bruegel je umrl 5. septembra 1569 v Bruslju. Veliki slikar je v 16. stoletju postal ustanovitelj priljubljene demokratične smeri nizozemske umetnosti.
Etnično, ekonomsko in politično raznolike, govoreče narečja rimskega in germanskega izvora, te province in njihova mesta šele konec 16. stoletja niso ustvarile ene same nacionalne države. Skupaj s hitrim gospodarskim vzponom, demokratičnim gibanjem proste trgovine in obrtnih mest ter prebujanjem nacionalne identitete v njih cveti kultura, v marsičem podobna italijanski renesansi. Bogata mesta južnih provinc Flandrije in Brabanta (Bruges, Gent, Bruselj, Tournai, kasneje Antwerpen) so postala glavna središča nove umetnosti in kulture. Mestna meščanska kultura se je s svojim kultom trezne praktičnosti tu razvila ob bujni kulturi knežjega dvora, ki je odraščal na francosko-burgundskih tleh. Zato ni presenetljivo, da je med severnoevropskimi umetniškimi šolami v 15. stoletju prevladujoče mesto zavzelo nizozemsko slikarstvo: umetniki Jan van Eyck, Robert Kampen, Jos van Gent, Rogier van der Weyden, Dirk Bouts, Hieronymus Bosch, Albert Ouvater, Hugo van der Goes, Petrus Christus, Hans Memling, Jacques Darais, Gertgen do Sint-Jans in drugi slikarji (glej spodaj).
Posebnosti zgodovinskega razvoja Nizozemske so določale svojevrstno obarvanost umetnosti. Fevdalni temelji in tradicije so se tu ohranili do konca 16. stoletja, čeprav je pojav kapitalističnih odnosov, ki so pretrgali razredno izolacijo, privedel do spremembe ocene človeške osebnosti v skladu z dejanskim krajem, ki ga je začela zasedati v življenju. Nizozemska mesta niso dobila politične neodvisnosti, ki so jo imele mestne občine v Italiji. Hkrati je kapitalistični razvoj zahvaljujoč nenehnemu gibanju industrije na podeželje zajel globlje družbene sloje na Nizozemskem, postavil temelje za nadaljnjo nacionalno enotnost in okrepil korporativni duh, ki je povezal nekatere družbene skupine. Osvobodilno gibanje ni bilo omejeno na mesta. Odločilna bojna sila v njem je bilo kmečko gospodarstvo. Boj proti fevdalizmu je zato dobil bolj ostre oblike. Konec 16. stoletja je preraslo v močno reformacijsko gibanje in se končalo z zmago meščanske revolucije.
Nizozemska umetnost je dobila bolj demokratičen značaj kot italijanska umetnost. Ima močne značilnosti folklore, domišljije, groteske, ostre satire, vendar je njegova glavna značilnost globok občutek nacionalne izvirnosti življenja, ljudskih oblik kulture, načina življenja, običajev, vrst, pa tudi prikaz družbenih kontrastov v življenju različnih slojev družbe. Družbena protislovja družbenega življenja, kraljestvo sovražnosti in nasilja v njem, raznolikost nasprotujočih si sil so izostrili zavest o njegovi neskladnosti. Od tod tudi kritične težnje nizozemske renesanse, ki se kažejo v razcvetu ekspresivne in včasih tragične groteske v umetnosti in literaturi, ki se pogosto skriva pod krinko šale, "da bi kralji lahko z nasmehom govorili resnico" (Erazem Rotterdamski. "Hvalevredna beseda neumnosti"). Druga značilnost nizozemske umetniške kulture renesanse je stabilnost srednjeveških tradicij, ki so v veliki meri določile naravo nizozemskega realizma v 15-16 stoletjih. Vse novo, kar se je ljudem razkrivalo v daljšem časovnem obdobju, je bilo uporabljeno za stari srednjeveški sistem pogledov, ki je omejeval možnosti za samostojen razvoj novih pogledov, hkrati pa je bil prisiljen asimilirati dragocene elemente, ki jih vsebuje ta sistem.
Zanimanje za natančne znanosti, starodavno dediščino in italijansko renesanso se je na Nizozemskem pokazalo že v 15. stoletju. V 16. stoletju je Erazem Rotterdamski s pomočjo svojih "Sayings" (1500) "razkril skrivnost skrivnosti" eruditov in v uporabo širokih krogov "nepoklicanih" vnesel živo, polno svobodoljubne starodavne modrosti. Vendar so v umetnosti, sklicujoč se na dosežke antične dediščine in Italijane v renesansi, nizozemski umetniki sledili svoji poti. Intuicija je nadomestila znanstveni pristop k upodabljanju narave. Razvoj glavnih problemov realistične umetnosti - razvoj razmerij človeške figure, konstrukcija prostora, prostornine itd. - je bil dosežen z akutnim neposrednim opazovanjem določenih posameznih pojavov. Pri tem so nizozemski mojstri šli od nacionalne gotske tradicije, ki so jo na eni strani premagali, na drugi pa so premislili in se razvijali v smeri zavestnega, namenskega posploševanja podobe, zapleta posameznih značilnosti. Uspehi nizozemske umetnosti v tej smeri so utrli pot dosežkom realizma 17. stoletja.
Za razliko od italijanske nizozemska renesančna umetnost ni uveljavila brezmejne prevlade podobe popolnega človeškega titana. Tako kot v srednjem veku je tudi Nizozemec videl človeka kot sestavni del vesolja, tkanega v njegovo zapleteno produhovljeno celoto. Renesančno bistvo človeka je določalo le dejstvo, da je bil prepoznan kot največja vrednota med številnimi pojavi vesolja. Za nizozemsko umetnost je značilna nova, realistična vizija sveta, uveljavljanje umetniške vrednosti resničnosti, kakršna je, izraz organske povezave med človekom in njegovim okoljem, razumevanje možnosti, ki jih narava in življenje obdarjata s človekom. Pri upodabljanju osebe umetnike zanima značilnost in posebnost sfere vsakdanjega in duhovnega življenja; Nizozemski slikarji iz 15. stoletja z navdušenjem ujamejo raznolikost posameznikovih ljudi, neizčrpno barvito bogastvo narave, njeno materialno raznolikost, subtilno čutijo poezijo vsakdanjih, neopaznih, a ljudem blizu stvari, udobja naseljenih notranjosti. Te značilnosti dojemanja sveta so se pokazale v nizozemskem slikarstvu in grafiki 15. in 16. stoletja v žanrskem žanru, portretu, notranjosti, pokrajini. Izkazali so ljubezen do detajlov, značilnih za Nizozemce, konkretnost njihovega upodabljanja, pripovednost, prefinjenost pri prenašanju razpoloženja in hkrati neverjetno sposobnost reprodukcije celovite slike vesolja s svojo prostorsko neskončnostjo.
Novi trendi so se neenakomerno manifestirali v različnih oblikah umetnosti. Arhitektura in kiparstvo do 16. stoletja sta se razvijali v okviru gotskega sloga. Prelomnica v umetnosti v prvi tretjini 15. stoletja se je najbolj polno odrazila v slikarstvu. Njen največji dosežek je povezan z nastankom Zahodna Evropa stojalsko slikarstvo, ki je nadomestilo stenske poslikave romanskih cerkva in gotske vitraže. Stalne slike na verske teme so bile prvotno dejansko dela ikonopisa. V obliki poslikanih gub z evangeličanskimi in svetopisemskimi temami so okrasili oltarje cerkva. V oltarne skladbe so se postopoma začeli vključevati posvetni predmeti, ki so kasneje dobili samostojen pomen. Stafelajno slikarstvo se je ločilo od ikonopisa in postalo sestavni del notranjosti premožnih in plemiških hiš.
Za nizozemske umetnike je glavno likovno izrazno sredstvo barva, ki odpira možnost poustvarjanja vizualnih podob v njihovem barvnem bogastvu z največjo otipljivostjo. Nizozemci so se dobro zavedali najtanjših razlik med predmeti, reprodukcije teksture materialov, optičnih učinkov - sijaja kovine, prosojnosti stekla, zrcalnega odseva, značilnosti loma odsevane in razpršene svetlobe, vtisa zračnega ozračja krajinskega prostora, ki se umika v daljavo. Tako kot v gotskih vitražih, katerih tradicija je imela pomembno vlogo pri razvoju slikovnega zaznavanja sveta, je tudi barva služila kot glavno sredstvo za posredovanje čustvene nasičenosti slike. Razvoj realizma je na Nizozemskem povzročil prehod s tempere na oljno barvo, kar je omogočilo bolj iluzorno reprodukcijo materialnosti sveta.
Izboljšanje tehnike oljnega slikarstva, znano v srednjem veku, razvoj novih kompozicij pripisujejo Janu van Eycku. Uporaba oljne barve in smolnatih snovi pri štafelajnem slikanju, njena namestitev s prozorno, tanko plastjo na podbarvanje in tla iz bele ali rdeče krede so poudarili nasičenost, globino in čistost svetlih barv, razširili možnosti slikanja - omogočili so doseči bogastvo in raznolikost barv, najboljše tonske prehode. Trajno slikarstvo Jana van Eycka in njegove metode je še naprej živelo skoraj nespremenjeno v praksi umetnikov v Italiji, Franciji, Nemčiji in drugih državah.
V prvi tretjini 15. stoletja, skoraj sočasno z začetkom renesanse v Italiji, je prišlo do prelomnice v razvoju umetnosti severnih držav - Nizozemske, Francije, Nemčije. Kljub posameznim nacionalnim značilnostim je za umetnost teh držav v 15. stoletju značilna vrsta značilnosti, ki so še posebej izrazite v primerjavi z Italijo. Ta sprememba se najbolj živo in dosledno dogaja v slikarstvu, medtem ko kiparstvo dolgo časa ohranja gotske značilnosti, arhitektura pa se še naprej razvija v okviru gotskega sloga do prvih desetletij 16. stoletja. Vodilna vloga pri razvoju slikarstva 15. stoletja pripada Nizozemski, ki ima pomemben vpliv na Francijo in Nemčijo; v prvi četrtini 16. stoletja je v ospredje stopila Nemčija.
V renesančni umetnosti v Italiji in na severu je skupna želja po realističnem upodabljanju človeka in sveta okoli njega. Te naloge pa so se reševale različno, glede na drugačno naravo kulture.
Pozor nizozemskih mojstrov je pritegnilo neizčrpno bogastvo naravnih oblik in raznolikost individualnega videza ljudi, ki se razpre pred očmi človeka. Značilnost in posebnost prevladuje v delu umetnikov severnih držav nad splošnim in tipičnim. Tuja so jim iskanja umetnikov italijanske renesanse, katerih namen je razkriti naravne zakone in vizualno zaznavanje. Do 16. stoletja, ko je vpliv Italije kot v skupna kultura, zato bo imel pomembno vlogo v umetnosti, niti teorija perspektive niti doktrina proporcij ne bodo pritegnili njihove pozornosti. Nizozemski slikarji pa so povsem empirično razvili tehnike, ki jim omogočajo, da z nič manj prepričljivimi izrazi kot Italijani posredujejo vtis globine prostora. Opazovanje jim razkrije mnogovrstne funkcije svetlobe; široko uporabljajo različne optične učinke - lomljeno, odsevano in razpršeno svetlobo, ki prenašajo tako vtis pokrajine, ki se razteza daleč, in prostora, napolnjenega z zrakom in svetlobo, kot tudi najtanjše razlike v materialnih lastnostih stvari (kamen, kovina, steklo, krzno itd.) Z izjemno natančno reprodukcijo najmanjših podrobnosti z enako močno budnostjo poustvarijo briljantno bogastvo barv. Te nove slikovne naloge je bilo mogoče rešiti le s pomočjo nove slikovne tehnike oljnega slikarstva, katere »odkritje« zgodovinsko izročilo pripisuje Janu van Eycku; od sredine 15. stoletja ta nova "flamska manira" nadomešča staro tehniko tempere tudi v Italiji.
Za razliko od Italije v severnih državah ni bilo pogojev za pomembnejši razvoj monumentalnega slikarstva; vidno mesto pripada v 15. stoletju v Franciji in na Nizozemskem za knjigo miniatur, ki so tu imele močno tradicijo. Bistvena značilnost umetnosti severnih držav je bilo pomanjkanje predpogojev za zanimanje za antiko, kar je tako velik pomen imeli v Italiji. Antika bo pozornost umetnikov pritegnila šele v 16. stoletju, skupaj z razvojem humanističnih študij. Glavno mesto pri izdelavi umetniških delavnic imajo oltarne podobe (izrezljane in poslikane zložljive), katerih vrata so bila na obeh straneh prekrita s podobami. Verski prizori se prenesejo v resnično življenje, dogajanje se pogosto dogaja v pokrajini ali v notranjosti. Pomemben razvoj je dobil na Nizozemskem v 15. stoletju in v Nemčiji na začetku 16. stoletja portretiranje.
V 16. stoletju se postopoma ločujejo na samostojne zvrsti vsakdanjega slikarstva, krajine, tihožitja, mitoloških in alegoričnih slik. Nova vrsta se pojavi v 15. stoletju vizualna umetnost - gravura na lesu in kovini, ki je dosegla hiter razcvet konec stoletja in v prvi polovici 16. stoletja; zasedajo še posebej pomembno mesto v nemški umetnosti, ki je vplivala na razvoj nizozemske in francoske grafike.