Надіслати свою гарну роботу до бази знань просто. Використовуйте форму нижче

Студенти, аспіранти, молоді вчені, які використовують базу знань у своєму навчанні та роботі, будуть вам дуже вдячні.

Розміщено на http://www.allbest.ru

Особливості живопису як виду образотворчого мистецтва

Живописи належить особливе місце серед інших мистецтв : мабуть, жоден інший вид мистецтва не здатний передати побачені явища світу, людські образи з такою повнотою, особливо якщо врахувати, що більшість інформації ми отримуємо із зовнішнього світу за допомогою зору,тобто. візуально. мистецтво живопис портрет краєвид натюрморт

Саме мистецтву живопису вдалося створити неможливе – зупинити мить задовго до фотографії: твори цього виду імистецтва через один зображуваний момент передає попереднє наступне, минуле і майбутнє, що домислюються глядачем.

Картина - це видовище, організоване художником:

· Незважаючи на те, що живописець втілює дійсні образи у зримих формах, вони є прямим копіюванням життя;

· Створюючи картину, художник спирається на натуру, але при цьому відтворює її на матеріалі, отриманому в результаті його соціального та професійного досвіду, уміння, майстерності, образного мислення.

Можна виявити кілька основних видів переживання, що викликаються мальовничими творами:

· Впізнавання звичних предметів, осяганих зором,- з урахуванням цього народжуються певні асоціації щодо зображуваного;

· Отримання естетичного почуття.

Таким чином, мальовничий твір виконує образотворчу, оповідальну та декоративну функції.

Види живопису та його виразні засоби

Живопис поділяють такі виды:

· Монументально – декоративна – служить для доповнення та оформлення архітектурних споруд (стінні розписи, плафони, панно, мозаїки);

· Декораційна – використовується в інших видах мистецтв (у кіно чи театрі);

· Станкова;

· Іконопис;

· Мініатюра.

Найбільш самостійним різновидом є станковий живопис.

Живописмає особливими виразними засобами:

· Малюнок;

· Колорит;

· Композиція.

Малюнок -один із найважливіших виразних засобів: саме за допомогою нього та складових малюнок лінійстворюються пластичні образи.Іноді ці лінії схематичні лише намічають конструкції обсягів.

Колір -провідне виразне засіб мистецтва живопису. Саме в кольорі пізнає людина навколишній світ. Колір:

· Вибудовує формузображуваних предметів;

· Моделює простірпредметів;

· Створює настрій;

· Утворює певний ритм.

Система організації кольору, співвідношення колірних тонів,за допомогою яких вирішуються завдання художнього образу, називається колоритом:

· У вузькому значенні - це єдино правильна організація колірних рішень цієї картини;

· У широкому - загальні для більшості людей закони сприйняття кольору,оскільки можна сказати «теплий колорит», «холодний колорит» тощо.

У різні періоди історії живопису існували свої Колористичні системи.

На ранніх етапах використовувався локальний колорит,що виключає гру кольорів та відтінків: колір тут як би однорідний і незмінний.

В епоху Відродження склався тональний колорит,де кольориобумовленіположенням у просторі та їх освітленістю.Вміння позначити саме світлом форму предмета, що зображається, називається пластикою кольору.

Існує два типи тонального колориту:

· Драматичний -контраст світла та тіні;

· Колірний -контраст кольорів.

Для художника дуже важливим є вміння користуватися прийомом світлотіні,тобто. витримати вірну градацію світлого та темного на картині,оскільки саме так досягається обсяг зображуваного предмета,оточеного світлоповітряним середовищем.

Композиція у живописі у найзагальнішому сенсі - розміщення фігур, їх співвідношення у просторі картини.Композиція поєднує в єдине ціле величезне розмаїття деталей та елементів. Причинно-наслідковий зв'язок утворює замкнуту систему, в якій нічого не можна змінити або додати до неї. Ця система відображає частину дійсного світу, яка усвідомлена та відчута художником, виділена ним із безлічі явищ.

У той же час в області композиції знаходиться зосередження ідейно-творчого задуму,оскільки саме через неї проявляється ставлення автора до своєї моделі.Зображення стає явищем художнім лише тоді, коли воно підпорядковане ідейному задуму, тому що інакше можна говорити лише про просте копіювання.

Н.Н Волков звертає увагу на відмінність понять «структура», «конструкція» та «композиція»:

· Структура визначається єдиним характером зв'язків між елементами, єдиним законом формоутворення.З поняттям структури стосовно твору мистецтва пов'язують багатошаровість художнього твору, т. е. у процесі сприйняття картини ми можемо поринути у більш глибокі верстви її структури;

· Конструкція - це тип структури, в якій елементи пов'язані функціонально, тому що її цілісність залежить від єдності функції. Щодо картини можна сказати, що функцією конструктивних зв'язків у картині є створення та зміцнення смислових зв'язків, так як зазвичай конструктивний центр найчастіше і є смисловий вузол;

· Композиція твору мистецтва є замкнута структура з фіксованими елементами, пов'язана єдністю смислу.

Одним із головних законів композиціїє обмеження зображення, яке забезпечує можливості для найважливішої у виразі задуму картини.

Форма обмеженнятакож відіграє істотну роль - в художній практицібули вироблені такі основні форми:

· Прямокутник.

Обмеження стосується і того, щоможна зобразити, тобто. знайти зовнішню подобу в фарбах, лініях на площиніпредметам, особам, видимому простору тощо.

У практиці образотворчого мистецтва відомі такі типи композицій:

· Стійкі (статичні) – основні композиційні осі перетинаються під прямим кутом у центрі твору;

· Динамічні - з панівними діагоналями, колами та овалами;

· Відкриті - композиційні лінії як би розходяться від центру4

· Закриті – відбувається стягування ліній до центру.

Стійкі та закриті композиційні схемихарактерні для художньої практики епохи Відродження,динамічні та відкриті -для епохи бароко.

Техніки та основні жанри живопису

Виразність картини та втілення художнього задумузалежить від того, яка техніка живопису використовується художником.

Основні види технік живопису:

· Масляний живопис;

· Акварель;

· Темпера;

· Пастель;

· Фреска.

Живопис олійними фарбами характеризується тим, що з їх допомогою можна отримувати складні колористичні рішення -в'язкість та довге висихання масляних фарб дозволяють користуватися змішуванням фарб та отримувати їх різноманітні комбінації.

Звичайною основою для олійного живопису служить лляне полотно, покрите напівмасляним ґрунтом.

Можливі інші поверхні.

Акварель відрізняється від інших технік особливою прозорістю та свіжістю кольору.Вона не застосовує білил і використовується на неґрунтованому білому папері, що виконує їхню роль.

Цікавою є акварель, виконана по сирому паперу.

Темпера, що готується на казеїново-олійній, яєчній або синтетичній сполучній речовині, є однією з найдавніших технік живопису.

Темпера ускладнює роботу художника тим, що досить швидко висихає і не піддається змішуванню, а також при висиханні змінює колір. колір у темперіособливо гарний - спокійний, бархатистий, рівний.

Пастель живопис кольоровими крейдами.

Дає м'які, ніжні тони. Виконується на сирому папері чи замші.

Твори, виконані пастеллю, на жаль, важко зберігаються через їхню сипкість.

Акварель, пастель та гуаш іноді відносять до графіку,оскільки ці фарби наносяться на негрунтований папір, проте вони мають більшою мірою основну специфічну властивість живопису - кольором.

Фресковий живопис виконується наступним чином: порошок барвистого пігменту розлучається водою і наноситься на сиру штукатурку, що міцно скріплює барвистий шар.

Має багатовікову історію.

Особливо часто така техніка використовується при оздобленні стін будівель.

Незважаючи на те, що живопис здатний відображати практично всі явища дійсного життя, найчастіше він представляє зображення людей, живої та неживої природи.

Тому основними жанрами живопису вважатимуться:

· Портрет;

· Пейзаж;

· Натюрморт.

Портрет

Портрету найзагальнішому сенсі визначається як зображення людини чи групи людей, що існують чи існували насправді.

Зазвичай вказують такі ознаки портрета в образотворчому мистецтві:

· Подібність з моделлю;

· Відображення через неї соціально-етичних характеристик.

Але, безсумнівно, у портреті відбито як це, а й особливе ставлення митця до портретованого.

Ніколи не сплутати портрети пензля Рембрандта з роботами Веласкеса, Рєпіна з Сєровим або Тропініним, оскільки в портреті є два характери - художники та його моделі.

Невичерпна основна тема портрета -людина. Однак, залежно від особливостей сприйняття художником портретованого, виникає ідея, яку прагне передати художник.

Залежно від ідеї портрета визначаються:

· Композиційне рішення;

· Техніка живопису;

· Колорит і т. д.

Ідея твору породжує образ портрета:

· Документально-оповідальний;

· Емоційно-чуттєвий;

· Психологічний;

· Філософський.

Для документально-оповідального рішенняобразу характерне тяжіння до достовірної конкретизації портрета.

Прагнення документального подібності тут переважає авторським баченням.

Емоційне образне рішеннядосягається декоративними мальовничими засобамита документальна справжність тут не обов'язкова.

Не так важливо, як схожі на свої прототипи рубенсівські жінки. Головне - захоплення їхньою красою, здоров'ям, чуттєвістю, що передається від художника до глядача.

До різновиду філософського портретаможна віднести "Портрет старого в червоному" Рембрандта (бл. 1654). У період його творчої зрілості були дуже поширені такі портрети-біографії людей похилого віку, які є філософським роздумом художника про той період людського життя, коли підбиваються своєрідні підсумки довгого та непростого буття.

Художники досить часто обирають як модель себе,тому так поширений автопортрет.

У ньому художник прагне оцінити себе з боку як особистість, визначити своє місце в суспільстві, просто сфотографувати себе для нащадків.

Дюрер, Рембрандт, Веласкес, Ван Гог роблять внутрішню розмову із собою та одночасно з глядачем.

Особливе місце посідає у живописі груповий портрет.

Цікавий він тим, що є саме загальний портрет,а чи не портрети кількох конкретних особистостей, зображених однією полотні.

У такому портреті, звичайно, існує окрема характеристика кожного персонажа, але в той же час складається враження спільності, єдності художнього образу («Регенші притулку для людей похилого віку в Харлемі» Ф. Халса).

Деколи дуже складно провести кордон між груповим портретом та іншими жанрами, оскільки старі майстри зображали групи людей часто у дії.

Краєвид

Основним предметом зображення жанру пейзажу є природаабо природна, або перетворена людиною.

Цей жанр значно молодший, порівняно з іншими.Якщо скульптурні портрети створювалися ще 3 тис. е., а мальовничі налічують історію близько 2 тис. років, то початок біографії пейзажу датується 6 в. е., причому поширені вони були Сході, особливо у Китаї.

Народження європейського пейзажусталося у 16 ​​ст., а самостійність жанру він набув лише з початку 17 століття.

Пейзажний жанр сформувався, пройшовши шлях від декоративно-допоміжного елемента у складі інших творів до самостійного художнього явища, портретування природного довкілля.

Це можуть бути реально існуючі чи уявні види природи. За деякими з них закріпилися свої назви:

· Міський архітектурний пейзаж називають редутою ("Оперний проїзд" К. Пісарро;

· Морські види - мариною (пейзажі І. Айвазовського).

Жанр пейзажустає не просто відображенням природи, а й засобом вираження особливої ​​художньої ідеї.

Більше того, за характером улюблених сюжетів до певної міри можна судити про емоційний лад художника та стилістичні особливості його творчості.

Від вибору природного вигляду залежить образне значення твору:

· Епічне початок міститься у зображенні лісових далі, гірських панорам, безмежних рівнин («Кама» А. Васнєцов).

· Бурхливе море або непрохідна глушина втілює щось таємниче,часом суворе (Ж. Мішель «Гроза»);

· Ліричні види засипаних снігом стежок, лісових галявин, невеликих водойм;

· Сонячний ранок чи опівдні може передавати відчуття радості та спокою («Білі латаття» К.Моне, «Московський дворик» В. Поленова).

Оскільки первозданна природа поступово зазнає активного втручання з боку людини, краєвид набуває рис серйозного історичного документа.

Пейзаж здатний втілити навіть деякі соціальні відчуття епохи, перебіг суспільної думки:так у середині 19 століття естетика романтичного та класичного пейзажу поступово поступається своїм місцем національному пейзажу, який нерідко набуває соціального сенсу; зафіксовано у пейзажі та настання нової технічної ери («Нова Москва Ю. Піменова, «Берліно-Потсдамська Залізна дорога»А. Менцеля).

Краєвид є не тільки об'єктом пізнання природи, пам'яткою мистецтва, а й відображенням стану культури певної доби.

Натюрморт

Натюрморт зображує світ оточуючих людини речей, які розміщені та організовані в цільну композицію у реальному побутовому середовищі.

Саме така організація речейє компонентом образної системи жанру.

Натюрморт може мати самостійне значення,а може стати частиною композиції іншого жанру,щоб більш повно розкрити змістовий зміст твору, як, наприклад, у картинах «Купчиха» Б.Кустодієва, «Хвора» В. Поленова, «Дівчинка з персиками» В. Сєрова.

У сюжетно- тематичних картинах натюрморт має хоч і важливе, але підлегле значення, проте як самостійний жанр мистецтва має великими промовистими можливостями.У ньому представлена ​​як зовнішня, матеріальна сутність предметів, а й у образної формі передаються суттєві сторони життя, відбиваються епоха і навіть важливі історичні події.

Натюрморт служить гарною творчою лабораторією,де художник удосконалює свою майстерність, індивідуальний почерк,

У натюрморту спостерігалися періоди спаду та розвитку.

Величезне значення для формування зіграли голландські художники 16 - 17 ст.

Ними були вироблені основні, художні принципи:

· Реалізм;

· Тонкі спостереження над життям;

· Особливий дар передачі естетичної цінності звичних речей.

У улюблених «сніданках» та «лавках», з великою майстерністю передавалися матеріал предметів; фактура поверхні фруктів, овочів, дичини, риби.

Особливо важливим є те, що у натюрморті підкреслюється нерозривний зв'язок людини зі світом речей.

Художники імпресіоністи дещо по-іншому вирішували творче завдання мальовничого натюрморту.

Тут головним було, не відображення властивостей предметів, їхня відчутність. А гра світла, кольору, свіжість колориту (натюрморти К. Моне, майстрів російської гілки французького імпресіонізму К. Коровіна та І. Грабаря).

Не всяке відображення світу речей на папері чи полотні вважатиметься натюрмортом. Так як кожен предмет має свої природне довкілля і призначення, приміщення його в інші умови може викликати дисонанс у звучанні картини.

Головне, щоб об'єднані у композицію натюрморту речі створювали гармонійний емоційно – насичений художній образ.

Інші жанри живопису

Значне місце у мистецтві живопису займають жанри:

· Побутовий;

· Історичний;

· Батальний;

· Анімалістичний.

Побутовий жанр зображує повсякденне приватне та суспільне життя,як правило, сучасного художника.

У картинах цього жанру представлені трудова діяльність людей («Пряхи» Д.Веласкеса, «На жниві» А. Венеціанова), свята («Селянський танець» П.Брейгеля), хвилини відпочинку, дозвілля («Молода пара в парку» Т.Гейсборо , «Шахматисти» О.Дом'є), національний колорит («Алжирські жінки у своїх покоях» Е.Делакруа).

Історичний жанр Зображення важливих історичних подій.До цього жанру відносять легендарні та релігійні сюжети.

Серед картин історичного жанру можна назвати "Смерть Цезаря" К.Т. фон Пілоті, «Здачу Бреди» Д. Веласкеса, «Прощання Гектора з Андромахою» О.Лосенко, «Сбінянок» Ж.Л. Давида, «Свободу, провідну народ» Е Делакруа та інших.

Предметом зображеннябатального жанру є військові походи, славетні битви, ратні подвиги, бойові дії ("Битва при Ангьярі" Леонардо да Вінчі, "Тачанка" М. Грекова, "Оборона Севастополя" А. Дейнекі). Іноді його входять до складу історичного живопису.

У картинаханімалістичного жанру відображається світ тварин ("Домашні птахи» М. де Хондекутера, «Жовті коні» (Ф. Марка).

Розміщено на Allbest.ru

...

Подібні документи

Зародження та розвиток у XVII столітті голландського мистецтва. Вивчення творчості найбільших майстрів голландського та нідерландського жанрового та пейзажного живопису. Дослідження специфічних характеристик таких жанрів як побутовий жанр, портрет, краєвид та натюрморт.

контрольна робота , доданий 04.12.2014


Історія розвитку техніки олійного живопису там і у Росії із XVIII в. Етапи розвитку пейзажу як жанру образотворчого мистецтва. Сучасний стан олійного живопису у Башкортостані. Технологія виконання пейзажів прийомами олійного живопису.

дипломна робота , доданий 05.09.2015


Портрет як жанр у живописі. Історія портретного живопису. Портрет у російському живописі. Побудова композиції портрет. Техніка олійного живопису. Основа під живопис. Олійні художні фарби та пензлі. Палітра барвників і змішування фарб.

дипломна робота , доданий 25.05.2015


Поняття станкового живопису як самостійного виду мистецтва. Корейський живопис періоду королівства Когуро. Види образотворчого мистецтва та архітектура Сілла. Видатні художники та їх твори. Особливості утримання корейського народного живопису.

реферат, доданий 04.06.2012


Натюрморт як із жанрів образотворчого мистецтва, знайомство з вміннями і навичками живописного виконання. Особливості використання рідких фарб акрилових. Знайомство із завданнями живопису. Аналіз напружено-аскетичного мистецтва Візантії.

курсова робота , доданий 09.09.2013


Тенденції у розвитку російського живопису, освоювання художниками лінійної перспективи. Розповсюдження техніки живопису олією, виникнення нових жанрів. Особливе місце портретного живопису, розвиток реалістичного спрямування російської живопису XVIII століття.

презентація , доданий 30.11.2011


Загальна характеристика, класифікація та види пейзажу як одного з актуальних жанрів видів мистецтва. Виявлення особливостей, взаємозв'язків пейзажного жанру у живописі, фотографії, кіно та телебаченні. Історія появи фотомистецтва на рубежі ХІХ-ХХ століть.

реферат, доданий 26.01.2014


Художньо-історичні засади пейзажного живопису. Історія російського пейзажу. Особливості, шляхи, засоби пейзажу як жанру. Композиційні особливості та колір. Обладнання та матеріали для олійного живопису як одного з найпоширеніших видів живопису.

дипломна робота , доданий 14.10.2013


Виникнення натюрморту та навчання натюрмортного живопису у художньо-педагогічних освітніх закладах. Самостійне значення натюрморту як жанру живопису. Натюрморт у російському мистецтві. Навчання кольорознавства на основі живопису квітів.

дипломна робота , доданий 17.02.2015


Історія розвитку натюрморту, відомі живописці. Модель виконання, зображувані об'єкти, композиційні особливостіжанру. Колір, засоби, прийоми та технологія олійного живопису. Основні правила роботи фарб. Вибір теми, робота з полотном та картоном.

Живопис – одне з древніх мистецтв, яке багато століть пройшло еволюцію від наскельних розписів палеоліту, до нових течій XX і навіть XXI століття. Це мистецтво народилося практично з появою людства. Стародавні люди, навіть не усвідомивши повністю себе людиною, відчули необхідність зображати світ на поверхні. Вони малювали все, що бачили: тварин, природу, мисливські сцени. Для малювання вони використовували щось схоже на фарби, виготовлені з натуральних матеріалів. Це були земляні фарби, деревне вугілля, чорна сажа. Пензлики робили з волосся тварин, або просто малювали пальцями.

Внаслідок змін виникали нові види та жанри живопису. За давнім періодом був період Античності. Виникло прагнення живописців і художників до відтворення реального життя, такий, якою вона бачиться людині. Прагнення точності передачі викликало зародження основ перспективи, основ світлотіньових побудов різних зображень та дослідження цього художниками. І вони насамперед вивчали те, як можна зобразити об'ємний простір на площині стіни, у фресковому живописі. Деякі витвори мистецтва, такі як об'ємний простір, світлотіні стали використовувати для прикраси приміщень, центрів релігії та поховання.

Наступним важливим періодом у минулому живописі є Середньовіччя. У цей час живопис був більш релігійного характеру, і думка стала відбиватися на мистецтві. Творчість художників була спрямована на іконопис та інші мелодії релігії. Основними важливими моментами, які повинен був підкреслити художник, було не стільки точне відображення реальності, скільки передача духовності навіть у найрізноманітніших мальовничих творах. Полотна майстрів того часу вражали своєю виразністю контурів, яскравістю та барвистістю. Живопис середньовіччя здається нам площинним. Усі персонажі художників на той час перебувають у одній лінії. І тому багато творів здаються нам дещо стилізованими.

Період сірого Середньовіччя змінив яскравіший період Ренесансу. Епоха Відродження знову внесла перелом у історичний розвиток цього мистецтва. Нові настрої у суспільстві, новий світогляд стали диктувати художнику: які ж аспекти у живопису розкривати повніше і ясно. Жанри живопису, такі як портрет та пейзаж, стануть незалежними стилями. Художники виражають емоції людини та її внутрішній світ через нові способи живопису. На XVII і XVIII століття доводиться ще серйозніше зростання живопису. У цей період католицька церква втрачає свою значущість, і художники у своїх творах все частіше відображають справжні види людей, природи, побутового та повсякденного життя. У цей час також формуються такі жанри, як – бароко, рококо, класицизм, маньеризм. Виникає романтизм, який пізніше змінюється ефектнішим стилем - імпресіонізмом.

На початку ХХ століття живопис кардинально змінюється і з'являється новий напрям сучасного мистецтва – абстрактний живопис. Ідея цього напряму в тому, щоб передати згоду між людиною та мистецтвом, створити гармонійність у поєднаннях ліній та кольорових відблисків. Це мистецтво не має предметності. Вона не переслідує точної передачі реального образу, а навпаки – передає те, що у душі художника, його емоції. Важливою роллю для цього виду мистецтва є форми та кольори. Суть її у тому, щоб по-новому передати раніше знайомі предмети. Тут митцям надається повна свобода своїх фантазій. Це і дало поштовх до зародження та розвитку сучасних напрямів, таких як авангардизм, андеграунд, абстракціонізм. З кінця ХХ століття і до теперішнього часу живопис постійно змінюється. Але, незважаючи на все нові досягнення та сучасні технології, художники все-таки залишаються вірними класичному мистецтву – олійному та акварельному живопису, творять свої шедеври за допомогою фарб та полотен.

Наталія Мартиненко

Історія образотворчого мистецтва

Історія живопису - нескінченний ланцюжок, що почався з перших зроблених картин. Кожен стиль виростає із стилів, які були перед ним. Кожен великий художник додає щось до досягнень ранніх художників і впливає на пізніших художників.

Ми можемо насолоджуватися живописом за її красу. Його лінії, форми, кольори та склад (розташування частин) можуть подобатися нашим почуттям та затримуватись у наших спогадах. Але насолода мистецтвом зростає, коли ми дізнаємося, коли і чому і як вона була створена.

На історію живопису вплинули багато чинників. Географія, релігія, національні особливості, історичні події, розробка нових матеріалів – це допомагає формувати бачення художника. Протягом усієї історії живопис відображав мінливий світ і наші уявлення про це. У свою чергу художники надали одні з найкращих записів про розвиток цивілізації, іноді розкриваючи більше, ніж письмове слово.

Доісторичний живопис

Печерні жителі були ранніми художниками. Кольорові малюнки тварин, датовані від 30 000 до 10 000 років до нашої ери, були знайдені на стінах печер на півдні Франції та Іспанії. Багато з цих малюнків напрочуд добре збереглися, тому що печери були запечатані протягом багатьох століть. Ранні люди малювали диких тварин, яких вони бачили довкола. Дуже грубі людські постаті, зроблені у життєвих позиціях, знайшли в Африці та Сході Іспанії.

Печерні художники заповнювали стіни печери малюнками у багатих яскравих тонах. Деякі з найкрасивіших картин перебувають у печері Альтаміра, Іспанії. Одна деталь показує пораненого бізона, який більше не здатний стояти - ймовірно, жертву мисливця. Він забарвлений у червонувато-коричневий колір і окреслений просто, але вміло, чорним. Пігменти, які використовували печерні художники – охра (оксиди заліза, що відрізняються за кольором від світло-жовтого до темно-жовтогарячого) та марганець (темний метал). Вони подрібнювалися на дрібний порошок, змішувалися зі змащенням (можливо, з жирним маслом), і наносилися на поверхню якоюсь щіткою. Іноді пігменти набували форми паличок, схожих на крейду. Жир, змішаний із порошкоподібними пігментами, робив лакофарбову рідину, а частинки пігменту склеювалися. Мешканці печери робили щітки з тварин волосків чи рослин, а гострі інструменти із кремнію (для малювання та подряпин).

Ще 30 000 років тому люди винайшли основні інструменти та матеріали для живопису. Методи та матеріали були вдосконалені та покращені у наступні століття. Але відкриття печерного мешканця залишаються основними для живопису.

Єгипетський та месопотамський живопис (3400–332 до н.е.)

Одна з перших цивілізацій виникла в Єгипті. З письмових записів та мистецтва, залишеного єгиптянами, відомо багато про їхнє життя. Вони вважали, що тіло має бути збережене, щоб душа могла жити після смерті. Великі піраміди були складними гробницями багатих і могутніх єгипетських правителів. Багато єгипетського мистецтва було створено для пірамід і гробниць царів та інших важливих людей. Щоб бути абсолютно впевненим, що душа продовжуватиме існувати, художники створювали зображення мертвої людини у камені. Вони також відтворювали сцени із життя людини у настінних розписах у похоронних камерах.

Єгипетські техніки образотворчого мистецтва залишалися незмінними протягом століть. В одному способі акварельна фарба наносилася на глинисті або вапнякові поверхні. В іншому процесі контури вирізали на кам'яних стінах і фарбували акварельними барвниками. Матеріал, званий гуміарабік, ймовірно, використовувався для приклеювання фарби до поверхні. На щастя, сухий клімат та запечатані гробниці заважали деяким із цих акварельних картин руйнуватися від вогкості. Багато мисливських сцен зі стін гробниць у Фівах, датованих близько 1450 до н.е., добре збереглися. Вони показують, як мисливці переслідують птахів чи рибу. Ці сюжети ще можна ідентифікувати сьогодні, тому що вони були акуратно і ретельно пофарбовані.

Месопотамська цивілізація, яка тривала з 3200 до 332 року до нашої ери, була розташована в долині між річками Тигр і Євфрат на Близькому Сході. Будинки в Месопотамії будувалися переважно з глини. Оскільки глина пом'якшується дощем, їхні будівлі валилися в пилюку, знищуючи будь-які настінні картини, які, можливо, були б дуже цікавими. Що збереглося, це прикрашена кераміка (забарвлена ​​та обпалювана) та барвисті мозаїки. Хоча мозаїки не можна розглядати як живопис, вони часто на неї впливають.

Егейська цивілізація (3000-1100 до н.е.)

Третьою великою ранньою культурою була Егейська цивілізація. Егейці жили на островах біля берегів Греції та на півострові Малої Азії приблизно в той же час, що й давні єгиптяни та месопотамці.

1900 року археологи почали викопувати палац короля Міноса в Кноссі на острові Крит. Розкопки відкрили витвори мистецтва, написані близько 1500 до н.е. у незвичайно вільному та граціозному стилі того часу. Очевидно, крітяни були безтурботними людьми, які любили природу. Серед їхніх улюблених тем мистецтво були морське життя, тварини, квіти, спортивні ігри, масові процесії. У Кноссі та інших егейських палацах картини були виконані на мокрих гіпсових стінах фарбами з мінеральних речовин, піску та земляних охр. Фарба просочилася вологою штукатуркою та стала постійною частиною стіни. Ці картини пізніше назвали фресками (від італійського слова "свіжі" або "нові"). Критянам подобалися яскраві жовті, червоні, сині та зелені тони.

Грецький та римський класичний живопис (1100 р. до н.е. – 400 р. н.е.)

Стародавні греки прикрашали стіни храмів та палаців фресками. З давніх літературних джерел та з римських копій грецького мистецтва можна сказати, що греки малювали маленькі картини та робили мозаїки. Відомі імена грецьких майстрів і трохи з їхнього життя і робіт, хоча дуже мало грецького живопису пережило століття та наслідки воєн. Греки небагато писали у гробницях, тому їхні роботи не були захищені.

Пофарбовані вази – це все, що збереглося від грецького живопису сьогодні. Виготовлення кераміки було великою галуззю у Греції, особливо у Афінах. Контейнери мали великий попит, поставлялися на експорт, так само як масло і мед, і для побутових цілей. Найбільш ранній вазковий живопис був виконаний у геометричних фігурах та орнаментах (1100-700 до н.е.). Вази були прикрашені і людськими фігурами у коричневій глазурі на світлій глині. До VI століття вазочні художники часто малювали чорні людські постаті на природній червоній глині. Деталі вирізали на глині ​​гострим інструментом. Це дозволило червоному проявитись у глибинах рельєфу.

Червоно-фігурний стиль зрештою замінив чорний. Т. е. навпаки: фігури червоні, а чорним стало тло. Перевага цього стилю полягала в тому, що митець міг використати пензель для створення контурів. Щітка дає вільнішу лінію, ніж металевий інструмент, що використовується в чорних фігурних вазах.

Римські настінні розписи знайшли головним чином віллах (заміських будинках) в Помпеях і Геркулануме. У 79 році нашої ери ці два міста були повністю поховані виверженням вулкана Везувій. Археологи, які розкопали цей район, змогли багато дізнатися про давньоримське життя з цих міст. Майже на кожному будинку та віллі у Помпеях на стінах були картини. Римські живописці ретельно готували поверхню стіни, наносячи суміш із мармурового пилу та штукатурки. Вони полірували поверхні до якості мармурового покриття. Багато картин є копіями грецьких картин IV століття до н.е. Витончені пози фігур, написаних на стінах Вілли Містерій у Помпеях, надихнули художників XVIII століття, коли місто було розкопане.

Греки та римляни також писали портрети. Невелика кількість з них, переважно портрети мумій, виконані в грецькому стилі єгипетськими художниками, збереглися навколо Олександрії, на півночі Єгипту. Заснована в IV столітті до нашої ери Олександром Великим із Греції, Олександрія, стала провідним центром грецької та римської культури. Портрети писалися в техніці енкаустики по дереву і встановлювалися у вигляді мумії після смерті людини. Енкаустичні картини, зроблені в фарбі, змішаній із розплавленим бджолиним воском, зберігаються дуже довго. Справді, ці портрети все ще виглядають свіжими, хоч вони були зроблені ще в другому столітті до нашої ери.

Ранній християнський та візантійський живопис (300–1300 р.р.)

Римська імперія пішла на спад у 4 столітті н. У той самий час набирало силу християнство. У 313 римський імператор Костянтин офіційно визнав релігію і сам прийняв християнство.

Виникнення християнства сильно вплинуло на мистецтво. Художникам було доручено прикрасити стіни церков фресками та мозаїкою. Вони робили панно у церковних каплицях, ілюстрували та прикрашали церковні книги. Під впливом Церкви митці мали якомога ясніше повідомляти про вчення християнства.

Ранні християни та візантійські художники продовжили техніку мозаїки, про яку вони дізналися від греків. Маленькі плоскі шматочки кольорового скла чи каменю встановлювалися на вологий цемент чи штукатурку. Іноді використовувалися інші тверді матеріали, такі як шматочки випеченої глини або шкаралупа. В італійській мозаїці кольори особливо глибокі та сповнені. Італійські художники робили фон шматками позолоченого скла. Вони зображували людські фігури в багатих кольорах на тлі блискучого золота. Загальний ефект виходив плоским, декоративним і не реалістичним.

Мозаїки візантійських художників часто були ще менш реалістичними та ще більш декоративними, ніж мотиви ранніх християн. "Візантійське" - це назва, дана стилю мистецтва, яке розвивалося навколо стародавнього міста Візантії (нині Стамбул, Туреччина). Мозаїчна техніка ідеально відповідала візантійському смаку для прикрашених церков. Знамениті мозаїки Феодори та Юстиніана, виготовлені близько 547 р. н.е., демонструють смак багатства. Ювелірні вироби на фігурах блищать, а кольорові сукні придворні виблискують на тлі блискучого золота. Візантійські художники також використовували золото на фресках та панелях. Золото та інші дорогоцінні матеріали використовувалися у середні віки, щоб відокремити духовні предмети від повсякденного світу.

Середньовічний живопис (500–1400 р.р.)

p align="justify"> Перша частина середньовіччя, приблизно з 6 по 11 століття нашої ери, зазвичай називають Темними. Саме тоді заворушень мистецтво зберігалося переважно у монастирях. У V столітті н.е. варранські племена з Північної та Центральної Європи бродили континентом. Протягом сотень років вони домінували у Західної Європи. Ці люди зробили мистецтво, у якому головним елементом є візерунок. Вони особливо захоплювалися структурами драконів і птахів, що переплітаються.

Найкраще з кельтського та саксонського мистецтва можна знайти у рукописах 7 та 8 століть. Книжкові ілюстрації, висвітлення та мініатюрний живопис, практикований з пізнього римського часу, набув поширення в середні віки. Освітлення - це прикраса тексту, великих літер та полів. Використовувалися золоті, срібні та яскраві кольори. Мініатюра – це маленька картинка, часто портрет. Спочатку цей термін використовувався для опису декоративного блоку навколо початкових літер у рукописі.

Карл Великий, який був коронований імператором Священної Римської імперії на початку IX століття, намагався відродити класичне мистецтво пізнього римського та ранньохристиянського періодів. Під час його правління художники мініатюр наслідували класичне мистецтво, але вони також передавали через свої предмети особисті почуття.

Дуже мало розпису стін збереглося із середньовіччя. У церквах, побудованих під час романського періоду (11-13 вв.(століття)), було кілька великих фресок, але більшість з них зникла. У церквах готичного періоду (XII-XVI ст.) не було достатньо місця для настінних розписів. Книжкова ілюстрація була головною роботою готичного художника.

Серед найкращих ілюстрованих рукописів були книги годинників – збірки календарів, молитов та псалмів. Сторінка з італійського рукопису показує ретельно оформлені ініціали та дрібно деталізовану маргінальну сцену святого Георгія, який убиває дракона. Кольори блискучі і схожі на дорогоцінне каміння, як у вітражному склі, а золото мерехтить над сторінкою. Витончено тонкі листові та квіткові конструкції межують із текстом. Художники, ймовірно, використовували збільшувальне скло для виконання такої складної деталізованої роботи.

Італія: Чімабуе та Джотто

Італійські художники наприкінці XIII століття все ще працювали у візантійському стилі. Людські постаті були зроблені плоскими та декоративними. Особи рідко мали вираз. Тіла були невагомими і, здавалося, плавали, а не стояли на землі. У Флоренції художник Чимабуе (1240-1302) намагався модернізувати деякі зі старих візантійських методів. Ангели в «Мадонні на престолі» активніші, ніж зазвичай на картинах того часу. Їхні жести та обличчя показують трохи більше людських почуттів. Чимабуе додав до своїх картин нове почуття монументальності чи пишноти. Однак, він продовжував слідувати багатьом візантійським традиціям, таким як золоте тло і візерункове розташування предметів і фігур.

Це був великий флорентійський художник Джотто (1267–1337), який фактично порвав із візантійською традицією. Його фрескова серія в Каплиці Арени в Падуї залишає візантійське мистецтво далеко позаду. У цих сценах із життя Марії та Христа є справжні емоції, напруження та натуралізм. Усі якості людського тепла та симпатії присутні. Люди не здаються абсолютно нереальними чи небесними. Джотто заштрихував контури фігур, і він помістив глибокі тіні у складки одягу, щоб дати відчуття округлості та міцності.

Для своїх невеликих панелей Джотто використав чисту яєчну темперу, середовище, яке було вдосконалено флорентійцями у 14-му столітті. Ясність і яскравість його кольорів мали сильно вплинути на людей, які звикли до темних кольорів візантійських панелей. Картини темперою справляють враження, що на сцену падає м'яке денне світло. Вони мають майже плоский вигляд, на відміну від глянцю олійного живопису. Яєчна темпера залишалася головною фарбою, поки олія майже повністю не замінила її в 16 столітті.

Пізній середньовічний живопис на північ від Альп

На початку XV століття художники в Північній Європі працювали в стилі, зовсім відмінному від італійського живопису. Північні художникидосягли реалізму, додавши до своїх картин незліченні подробиці. Все волосся було витончено окреслене, і кожна деталь драпірування або підлоги була точно встановлена. Винахід олійного живопису спростило деталізацію деталей.

Фламандський художник Ян ван Ейк (1370-1414) зробив свій великий внесок у розвиток олійного живопису. Коли використовується темпера, кольори потрібно наносити окремо. Вони не можуть добре затіняти один одного, тому що фарба швидко висихає. З маслом, яке повільно сохне, художник може досягти складніших ефектів. Його портрети 1466-1530 р. р. були виконані у фламандській масляній техніці. Всі деталі і навіть дзеркальне відображення – точні та точні. Колір міцний та має тверду, емалеподібну поверхню. Грунтована дерев'яна панель була приготовлена ​​так само, як Джотто готував свої панелі для темпери. Ван Ейк створив картину шарами тонкого кольору, що називається глазур'ю. Темпера, ймовірно, використовувалася в оригінальному підліску та для відблисків.

Італійський ренесанс

У той час, коли ван Ейк працював на Півночі, італійці переходили в золоте століття мистецтва та літератури. Цей період називається Ренесансом, що означає відродження. Італійські художники були натхненні скульптурою стародавніх греків та римлян. Італійці хотіли відродити дух класичного мистецтва, який прославляє людську незалежність та шляхетність. Митці епохи Відродження продовжували малювати релігійні сцени. Але вони також підкреслювали земне життя та досягнення людей.

Флоренція

Досягнення Джотто на початку 14 століття започаткували Ренесанс. Італійські художники XVII століття його продовжили. Мазаччо (1401-1428) був одним із лідерів першого покоління художників епохи Відродження. Він жив у Флоренції, багатому торговому місті, де починалося мистецтво епохи Відродження. До його смерті наприкінці двадцятих років він справив революцію у живопису. У своїй знаменитій фресці "The Tribute Money" він ставить солідні скульптурні фігури у пейзаж, який, здається, йде далеко в далечінь. Мазаччо, можливо, навчався перспективі у флорентійського архітектора та скульптора Брунеллескі (1377-1414).

Техніка фрески була дуже популярною в епоху Відродження. Вона особливо підходила для великих розписів, тому що кольори на фресці сухі та ідеально плоскі. Зображення можна переглядати під будь-яким кутом без відблисків або відбитків. Також фрески мають доступність. Зазвичай художники мали кілька помічників. Роботи виконувались частинами, тому що їх потрібно було закінчити, поки штукатурка була ще вологою.

Повний тривимірний стиль Мазаччо був типовим для нового прогресивного напряму 15-го століття. Стиль Фра Анджеліко (1400-1455) є традиційнішим підходом, використовуваним багатьма художниками раннього Ренесансу. Він був менш стурбований перспективою та більше цікавився декоративним малюнком. Його «Коронація Богородиці» - приклад темпери у найкрасивішому виконанні. Веселі, насичені кольори на тлі золота та акцентовані золотом. Картина виглядає як збільшена мініатюра. Довгі вузькі фігури мають мало спільного із Мазаччо. Композиція організована у широких лініях руху, що кружляють навколо центральних фігур Христа та Марії.

Ще одним флорентійцем, який працював у традиційному стилі, був Сандро Боттічеллі (1444-1515). Поточні ритмічні лінії поєднують ділянки «Весни» Боттічеллі. Фігура Весни, що переноситься західним вітром, проноситься праворуч. Три грації танцюють у колі, складки їхніх суконь, що розвіваються, і витончені рухи їхніх рук виражають ритми танцю.

Леонардо да Вінчі (1452-1519) навчався живопису у Флоренції. Він відомий своїми науковими дослідженнями та винаходами, а також своїми картинами. Дуже небагато його картин збереглися, почасти тому, що він часто експериментував з різними способамистворення та застосування фарби, а не з використанням перевірених та достовірних методів. "Таємна вечеря" (написана між 1495 і 1498 роками) була зроблена в олії, але, на жаль, Леонардо написав її на вологій стіні, через яку фарба розкололася. Але навіть у поганому стані (до реставрації) картина мала здатність збуджувати емоції у всіх, хто це бачить.

Одною з відмінних рисЛеонардо стиль був його методом зображення вогнів і темряви. Італійці називали його напівтемне освітлення сфумато, що означає димчастий або туманний. Фігури в "Мадонні зі скель" завуальовані в атмосфері сфумато. Їхні форми та риси м'яко затінені. Леонардо досяг цих ефектів, використовуючи дуже тонкі градації світлих і темних тонів.

Рим

Кульмінація ренесансного живопису відбулася у 16 ​​столітті. У той же час центр мистецтва та культури перемістився з Флоренції до Риму. Під папою Сікстом IV та його наступником, Юлієм II, місто Рим було славно і багато прикрашене художниками епохи Відродження. Деякі з найамбіційніших проектів цього періоду було розпочато за часів папства Юлія II. Юлій доручив великому скульптору та живописцю Мікеланджело (1475-1564) розписати стелю Сикстинської капелита вирізати скульптуру для гробниці Папи. Юлій також запросив художника Рафаеля (1483-1520) допомогти прикрасити Ватикан. З помічниками Рафаель розписував чотири кімнати квартир Папи у Ватиканському палаці.

Мікеланджело, флорентієць за народженням, розробив монументальний стиль живопису. Фігури у його картині настільки міцні та об'ємні, що вони виглядають як скульптури. Сикстинський стеля, який зайняв у Мікеланджело 4 роки, складається з сотень людських фігур зі Старого Завіту. Щоб виконати цю грандіозну фреску, Мікеланджело довелося лягати на спину на ліси. Задумливе обличчя Єремії серед пророків, які оточують стелю, деякі експерти вважають автопортретом Мікеланджело.

Рафаель приїхав до Флоренції з Урбіно ще дуже юнаком. У Флоренції він увібрав ідеї Леонардо і Мікеланджело. На той час, коли Рафаель вирушив у Рим до роботи у Ватикані, його стиль став однією з найбільших по красі виконання. Він особливо любив свої прекрасні портрети Мадонни з немовлям. Вони були відтворені тисячами, їх можна побачити всюди. Його "Мадонна дель Грандука" успішна завдяки своїй простоті. Безчасна у своїй мирності та чистоті, вона так само приваблива для нас, як і для італійців епохи Рафаеля.

Венеція

Венеція була головним північним італійським містом доби Відродження. Його відвідали художники з Фландрії та інших регіонів, які знали про фламандські експерименти з олійною фарбою. Це стимулювало раннє використання олійної техніки в італійському місті. Венеціанці навчилися писати картини на щільно витягнутому полотні, а не на дерев'яних панелях, які зазвичай використовуються у Флоренції.

Джованні Белліні (1430-1515) був найбільшим венеціанським художником 15 століття. Він також був одним із перших італійських художників, хто використовував олію на полотні. Джорджоне (1478-1151) та Тіціан (1488-1515), який є найвідомішим з усіх венеціанських художників, були учнями в майстерні Белліні.

Майстер масляної техніки Тіціан писав величезні полотна у теплих насичених кольорах. У своїх зрілих картинах він пожертвував деталями для створення приголомшливих ефектів, наприклад, як у «Мадонні Песаро». Він використав великі кисті, щоб робити великі мазки. Його кольори особливо багаті, тому що він терпляче створював глазурі контрастних кольорів. Зазвичай глазурі наносили на темну коричневу поверхню, що надавало картині єдиний тон.

Ще одним великим венеціанським художником XVI століття був Тінторетто (1518–1594). На відміну від Тіціана, він зазвичай працював безпосередньо на полотні без попередніх ескізів чи контурів. Він часто спотворював свої форми (викручував їх) заради композиції та драми сюжету. Його техніка, яка включає широкі мазки і драматичні контрасти світла і темряви, здається дуже сучасною.

Художник Кіріакос Теотокопулос (1541-1614) був відомий як Ель Греко («Грецька»). Народжений на острові Кріт, окупований венеціанською армією, Ель Греко навчався італійськими художниками. Будучи хлопцем, він вирушив навчатися у Венецію. Об'єднаний вплив візантійського мистецтва, що він бачив навколо себе на Криті, та італійського мистецтва епохи Відродження, зробили роботу Ель Греко видатною.

У своїх картинах він спотворював природні форми і використовував ще дивніші, неземніші кольори, ніж Тінторетто, яким він захоплювався. Пізніше Ель Греко перебрався до Іспанії, де похмурість іспанського мистецтва вплинула на його роботу. У його драматичному баченні Толедо шторм вирує над смертельною тишею міста. Холодний блюз, зелень та синьо-білі відтінки розносять холод над краєвидом.

Ренесанс у Фландрії та Німеччині

Золотим століттям живопису у Фландрії (нині частиною Бельгії та північної Франції) було 15 століття, час ван Ейка. У XVI столітті багато фламандських художників наслідували італійських художників епохи Відродження. Проте деякі фламандці продовжували фламандську традицію реалізму. Тоді поширився жанровий живопис - сцени з повсякденному житті, які іноді були чарівними, а іноді й фантастичними. Ієронім Босх (1450-1515), що передував жанровим художникам, мав надзвичайно яскраву уяву. Він вигадав всіляких дивних, гротескних істот для The Temptation of St. Anthony». Пітер Брейгель Старший (1525-1569) також працював у фламандській традиції, але додав до своїх жанрових сцен перспективу та інші характеристики Ренесансу.

Альбрехт Дюрер (1471-1528), Ганс Гольбейн Молодший (1497-1543) та Лукас Кранах Старший (1472-1553) були трьома найважливішими німецькими художниками XVI століття. Вони багато зробили для пом'якшення похмурого реалізму раннього німецького живопису. Дюрер щонайменше один раз мав візит до Італії, де він був вражений картинами Джованні Белліні та інших північних італійців. Завдяки цьому досвіду він прищепив німецькому живопису знання перспективи, почуття кольору та світла та нове розуміння композиції. Гольбейн засвоїв ще більше італійських здобутків. Його чутливий малюнок та здатність вибирати лише найважливіші деталі зробили його майстром-портретистом.

Барочний живопис

XVII століття відоме мистецтво як період Бароко. В Італії художники Караваджо (1571-1610) та Анібале Карраччі (1560-1609) представляли дві контрастні точки зору. Караваджо (справжнє ім'я Мікеланджело Мерісі) завжди черпав натхнення безпосередньо з реалій життя. Одна з його головних проблем полягала в тому, щоб скопіювати природу якнайточніше, не прославляючи її якимось чином. Карраччі, з іншого боку, дотримувався ідеалу краси епохи Відродження. Він вивчав стародавню скульптуру та роботи Мікеланджело, Рафаеля та Тіціана. Стиль Караваджо захоплював багатьох художників, особливо іспанця Рібер і молодого Веласкеса. Карраччі надихнув Ніколу Пуссена (1594-1665), відомого французького художника XVII століття.

Іспанія

Дієго Веласкес (1599-1660), придворний живописець іспанського короля Філіпа IV, був одним із найбільших із усіх іспанських художників. Будучи шанувальником робіт Тіціана, він був майстром у використанні багатого, гармонійного кольору. Жоден художник було краще створити ілюзію багатих тканин чи шкіри людини. Портрет маленького принца Пилипа Проспера показує цю майстерність.

Фландрія

Картини фламандського художника Пітера Пауля Рубенса (1577-1640 рр.) є втіленням повнокольорового стилю бароко. Вони розриваються енергією, кольором та світлом. Рубенс порвав із фламандською традицією малювати маленькі картини. Його полотна величезні, сповнені людських фігур. Він отримував більше замовлень у великі картини, ніж міг би виконати. Тому він часто малював лише невеликий кольоровий ескіз. Потім його помічники переносили ескіз на велике полотно та закінчували картину під керівництвом Рубенса.

Голандія

Досягнення голландського живописця Рембрандта (1606-1669) є одними з найвидатніших в історії. Він мав чудовий дар - точно спіймати і передати людські емоції. Як і Тіціан, він довго працював над створенням багатошарових картин. Земні кольори – жовта охра, коричнева та коричнево-червона – були його фаворитами. Його картини виконані, переважно, у темних тонах. Важливе значення темних багатошарових частин роблять його техніку незвичайною. Акцент передається яскравим освітленням щодо світлих ділянок.

Ян Вермеєр (1632-1675) був в одній із груп голландських художників, які писали скромні сцени повсякденного життя. Він був майстром у малюванні будь-яких текстур - сатинових, перських килимів, хлібних скоринок, металу. Загальне враження від інтер'єру Вермеєра – це сонячна, життєрадісна кімната, наповнена знаковими побутовими предметами.

Живопис 18 століття

У 18 столітті Венеція народила кілька прекрасних художників. Найвідомішим був Джованні Баттіста Тьєполо (1696-1770). Він прикрашав інтер'єри палаців та інших будівель грандіозними барвистими фресками, що становлять сцени багатства. Франческо Гварді (1712-1793) був дуже вправний пензлем, лише кількома плямами кольору міг викликати уявою ідею крихітної постаті у човні. Видовищні краєвиди Антоніо Каналетто (1697-1768 рр.) оспівували минулу славу Венеції.

Франція: стиль Рококо

У Франції смак до пастельних квітів і хитромудрого оздоблення на початку 18 століття призвів до розвитку стилю Рококо. Жан Антуан Ватто (1684-1721), придворний художник короля Людовіка XV, а пізніше Франсуа Буше (1703-1770) та Жан Оноре Фрагонар (1732-1806) були пов'язані з трендами Рококо. Ватто писав мрійливі бачення, життя, в якому все - веселощі. В основі стилю – пікніки у парках, лісові вечірки, де веселі джентльмени та елегантні дами розважаються на природі.

Інші художники 18 століття зображували сцени звичайного життя середнього класу. Як і Голландський Вермеєр, Жан Батіст Сімеон Шарден (1699-1779) цінував прості домашні сюжети та натюрморти. Його кольори тверезі і спокійні в порівнянні з Ватто.

Англія

У у вісімнадцятому сторіччі англійці вперше розробили окрему школу живопису. Ядро складалося переважно з художників-портретистів, на яких впливали художники венеціанського ренесансу. Сер Джошуа Рейнольдс (1723-1792) та Томас Гейнсборо (1727-1788) є найвідомішими. Рейнольдс, який подорожував Італією, дотримувався ідеалів живопису ренесансу. Його портрети, привабливі та зворушливі, не особливо цікаві за кольором чи текстурою. Гейнсборо, з іншого боку, мав талант до блиску. Поверхні його картин світяться сяючим кольором.

Живопис 19 століття

XIX століття іноді розглядається як період, протягом якого почало складатися сучасне мистецтво. Одною з важливих причинтак званої революції в мистецтві в цей час був винахід камери, яка змусила художників переглянути мету живопису.

Найважливішою подією стало широке використання заздалегідь виготовлених фарб. До 19-го століття більшість художників чи їхні помічники робили свої власні фарби шляхом подрібнення пігменту. Ранні комерційні фарби поступалися ручним фарбам. Художники наприкінці 19-го століття виявили, що темні сині та коричневі тони більш ранніх картин протягом кількох років ставали чорними чи сірими. Вони знову почали використовувати чисті кольори, щоб зберегти свою роботу, а іноді тому, що намагалися точніше відбивати сонячне світло у вуличних сценах.

Іспанія: Гойя

Франсіско Гойя (1746-1828) був першим великим іспанським художником, що з'явився з 17 століття. Як улюблений художник іспанського двору він зробив багато портретів королівської родини. Королівські персонажі оснащені елегантним одягом та прекрасними коштовностями, але на деяких їхніх обличчях все, що відбивається, це марнославство та жадібність. Окрім портретів, Гойя малював драматичні сцени, такі як Третє травня 1808 року. На цій картині зображено виконання групою іспанських повстанців французькими солдатами. Сміливі контрасти світлих і темних та похмурих кольорів, пронизані червоними бризками, викликають похмурий жах видовища.

Хоча Франція була великим центром мистецтва у 1800-х роках, англійські ландшафтні художники Джон Констебль (1776-1837) та Джозеф Мелорд Вільям Тернер (1775-1851) зробили цінний внесок у живопис 19-го століття. Обидва цікавилися живописом світла та повітря, двома аспектами природи, які митці XIX століття досліджували повністю. Констебль використовував метод, відомий як поділ, або зламаний колір. Він використовував контрастні кольори над основним кольором тла. Він часто використовував ніж для палітри, щоб щільно нанести колір. Картина "Hay Wain" зробила його знаменитим, після показу в Парижі в 1824 році. Це проста сільська сцена сіножаті. Хмари дрейфують над луками, покритими плямами сонячного світла. Картини Тернера драматичніші, ніж у Констебля, який писав величні пам'ятки природи - бурі, морські пейзажі, захід сонця, високі гори. Часто золотий серпанок частково приховує об'єкти в його картинах, змушуючи їх здаватися плаваючими в безкінечному просторі.

Франція

Період правління Наполеона та Французька революціяознаменували появу двох протилежних тенденцій у французькому мистецтві – класицизму та романтизму. Жак Луї Давид (1748-1825) та Жан Огюст Домінік Енгр (1780-1867) були натхненні давньогрецьким та римським мистецтвом та епохою Відродження. Вони підкреслювали деталі та використовували колір для створення твердих форм. Як улюблений художник революційного уряду, Давид часто писав історичні події того періоду. У своїх портретах, таких як мадам Рекам'є, він прагнув досягнення класичної простоти.

Теодор Геріко (1791-1824) та романтик Ежен Делакруа (1798-1863) повстали проти стилю Давида. Для Делакруа колір був найважливішим елементом у живопису і він не мав терпіння для імітації класичних статуй. Натомість він захоплювався Рубеном і венеціанцями. Він вибрав барвисті, екзотичні теми для своїх картин, які сяють світлом та сповнені руху.

Художники Барбізона також були частиною загального романтичного руху, що тривало приблизно з 1820 до 1850 року. Вони працювали неподалік села Барбізон на краю лісу Фонтенбло. Вони черпали натхнення на природі та закінчували картини у своїх студіях.

Інші художники експериментували із повсякденними звичайними предметами. Ландшафти Жана Батіста Каміля Коро (1796-1875) відбивають його любов до природи, і його етюди людського тіла показують свого роду збалансований спокій. Гюстав Курбе (1819-1877) називав себе реалістом, тому що він зображував світ таким, як бачив його – навіть його суворий, неприємний бік. Він обмежив свою палітру лише кількома похмурими квітами. Едуар Мане (1832-1883) також брав основу своїх сюжетів з навколишнього світу. Люди були вражені його барвистими контрастами та незвичайними прийомами. На поверхнях його картин часто є плоска візерункова текстура мазків. Методи Мане щодо нанесення ефектів світла на форму вплинули на молодих художників, особливо імпресіоністів.

Працюючи у 1870-х та 1880-х роках, група художників, відомих як імпресіоністи, хотіла зображати природу саме такою, якою вона була. Вони пішли набагато далі, ніж Констебль, Тернер та Мане у вивченні ефектів світла у кольорі. Деякі їх розробили наукові теорії кольору. Клод Моне (1840-1926) часто писав той самий вид у різний час доби, щоб показати, як він змінюється в різних умовах освітленості. Яким би не був об'єкт, його картини складаються із сотень крихітних мазків, розташованих поруч один з одним, часто у контрастних кольорах. На відстані штрихи поєднуються, щоб створити враження твердих форм. П'єр Огюст Ренуар (1841-1919) використав методи імпресіонізму, щоб захопити свято паризького життя. У його «Танці у Мулен де ла Галетт» люди в яскраво забарвленому одязі юрмилися і весело танцювали. Ренуар написав усю картину дрібними мазками. Крапки та штрихи фарби створюють текстуру на поверхні картини, яка надає їй особливого вигляду. Натовпи людей, здається, розчиняються в сонячному світлі та мерехтливому кольорі.

Живопис 20 століття

Ряд художників незабаром стали незадоволені імпресіонізмом. Художники, такі як Пол Сезанн (1839-1906), відчували, що імпресіонізм не визначає міцність форм у природі. Сезанн любив малювати натюрморти, тому що вони дозволяли йому зосередитися на формі фруктів чи інших предметів та їхньому розташуванні. Об'єкти його натюрмортів виглядають міцно, оскільки він зводив їх до простих геометричних форм. Його техніка розміщення плям фарби і коротких мазків багатого кольору пліч-о-пліч показує, що він багато чому навчився у імпресіоністів.

Вінсент Ван Гог (1853-90) та Поль Гоген (1848-1903) відреагували на реалізм імпресіоністів. На відміну від імпресіоністів, які казали, що вони об'єктивно розглядають природу, Ван Гог мало дбав про точність. Він часто спотворював об'єкти, щоб висловити свої думки творчіше. Він використовував імпресіоністські принципи приміщення контрастних квітів поруч друг з одним. Іноді він стискав фарбу з трубок прямо на полотно, як у «Полі жовтої кукурудзи».

Гоген не дбав про плямистий колір імпресіоністів. Він плавно застосовував колір у великих плоских областях, які він відокремлював один від одного лініями чи темними краями. Барвисті тропічні народи забезпечили більшу частину його сюжетів.

Метод Сезану створення простору за допомогою простих геометричних форм був розвинений Пабло Пікассо (1881-1973), Жоржем Шлюбом (1882-1963) та іншими. Їхній стиль став відомий як Кубізм. Кубісти малювали об'єкти так, ніби їх можна було побачити з кількох кутів одразу або, ніби їх розібрали і зібрали на плоскому полотні. Часто об'єкти виявлялися не схожими на щось, що існує в природі. Іноді кубісти вирізали фігури з тканини, картону, шпалер чи інших матеріалів та наклеювали їх на полотно, щоб зробити колаж. Текстури також змінювалися, додаючи до фарби пісок або інші речовини.

Пізніші тенденції полягали в тому, щоб приділяти менше уваги темі. Найбільший акцент стали набувати композиція та техніка зображення.

• Акриловий живопис: історія, техніка, переваги акрилу

Готика(від італ. gotico - незвичний, варварський) - період у розвитку середньовічного мистецтва, що охоплював майже всі галузі культури і розвивався біля Західної, Центральної і частково Східної Європи з XII по XV століття. Готика завершила розвиток європейського середньовічного мистецтва, виникнувши з урахуванням досягнень романської культури, а епоху Відродження мистецтво середньовіччя вважалося «варварським». Готичне мистецтво було культовим за призначенням та релігійним за тематикою. Воно зверталося до вищих божественних сил, вічності, християнського світогляду. Готика у розвитку поділяється на Ранню готику, Період розквіту, Пізню готику.

Шедеврами готичного стилю стали знамениті європейські собори, які так люблять фотографувати у найдрібніших деталях туристи. В оформленні інтер'єрів готичних соборів важлива роль відводилася колірним рішенням. У зовнішньому та внутрішньому оздобленні панувала велика кількість позолоти, світлоносність інтер'єру, ажурність стін, кристалічна розчленованість простору. Матерія була позбавлена ​​великоваговості і непроникності, вона була ніби одухотворена.

Величезні поверхні вікон заповнювали вітражі з композиціями, що відтворювали історичні події, апокрифічні оповіді, літературні та релігійні сюжети, зображення побутових сцен із життя простих селян і ремісників, які являли собою унікальну енциклопедію життя у період середньовіччя. Кона зверху до низу заповнювалися фігурними композиціями, які були поміщені в медальйони. Поєднання світлового та колірного початку живопису в техніці вітража надавало підвищену емоційність художнім композиціям. Використовувалися різні скла: густо-червоні, вогняні, червоні, кольори граната, зелені, жовті, темно-сині, блакитні, ультрамаринові, вирізані по контуру малюнка… Вікна гріли подібно до дорогоцінних самоцвітів, пронизані зовнішнім світлом, - вони перетворюють налаштовували його відвідувачів на піднесений лад.

Завдяки готичному кольоровому склу зародилися нові естетичні цінності, а фарби набули найвищої звучності сяючого кольору. Чистий колір породжував атмосферу повітряного середовища, фарбованого в різні тони завдяки грі світла на колонах, підлозі, вітражах. Колір перетворився на джерело світла, що поглиблювало перспективу. Товсте скло, часто неоднакове, було наповнене не зовсім прозорими бульбашками, що посилювали художній ефект від вітража. Світло, проходячи через нерівномірну товщу шибок, дробилося і починало грати.

Кращі зразки справжніх готичних вітражів відкриті огляду в соборах Шартра, Буржа і Парижа (наприклад, «Богоматір з немовлям»). Наповнена не меншою пишнотою, а також «Вогняні колеса» та «Молючі блискавки» в соборі Шартра.

З середини 1-го століття в яскраву палітру почали вводити складні кольори, одержувані за допомогою дублювання скла. Такі незвичайні вітражі в готичному стилі збереглися Сент-Шапель (1250г.). коричневою емалевою фарбою наносилися контури по склу, а форми при цьому мали площинний характер.

Готична епоха стала часом розквіту мистецтва мініатюрної книги та художньої мініатюри. Посилення світських тенденцій у культурі лише посилило їх розвиток. Ілюстрації з багатофігурними композиціями на релігійну тематику включали різні реалістичні деталі зображення птахів, звірів, метеликів, орнаменти рослинних мотивів, побутових сценок. Особливою поетичною чарівністю сповнені роботи французького мініатюриста Жана Пюсселя.

У розвитку французької готичної мініатюри 13-14 століть чільне місце було зайнято паризькою школою. Псалтир святого Людовіка рясніє багатофігурними композиціями, обрамленими одним мотивом готичної архітектури, чому оповідання набуває надзвичайної стрункості (Лувр, Париж, 1270р.). фігури жінок і лицарів граціозні, їх форми відрізняються струминними лініями, що створює ілюзію руху. Соковитість та густота фарб, а також декоративна архітектурамалюнку перетворюють дані мініатюри на унікальні витвори мистецтва та дорогоцінні прикраси сторінок.

Стиль готичної книги відрізняють загострені форми, незграбність, незграбність, філігранність ажурного візерунка і топкість звивистих ліній. Варто зазначити, що у 14-15 столітті світські рукописи також ілюструвалися. Часослови, наукові трактати, збірки любовних пісень та хроніки наповнені чудовими мініатюрами. У мініатюрі, що ілюструвала твори куртуазної літератури, втілився ідеал лицарського кохання, а також сцени зі звичайного життя. Подібний витвір – рукопис Манес (1320р.).

Згодом у готиці посилилася оповідальність. «Великі французькі хроніки» кона 14-го століття наочно демонструю прагнення художника проникнути в зміст події, що зображується ним. Поруч із цим книгам надавалося декоративна ошатність шляхом використання вишуканих віньеток і рамок химерних форм.

Готична мініатюра дуже вплинула на живопис і внесла живий струмінь у мистецтво Середньовіччя. Готика стала не просто стилем, а важливою ланкою у загальному культурному розвитку суспільства. Майстри стилю з неймовірною точністю змогли відтворити образ свого сучасника в предметному та природному середовищі. Великі та одухотворені готичні твори оточені аурою неповторної естетичної чарівності. Готика породила нове розуміння синтезу мистецтв, та її реалістичні завоювання підготували ґрунт переходу до мистецтва епохи Відродження.

Абріс - лінійні контури зображуваної фігури, її контур.

Абстрактне мистецтво - один з формалістичних напрямків в образотворчому мистецтві, що виник у наприкінці XIX- На початку XX ст. Абстракціоністи відмовилися від зображення предметів та явищ об'єктивного світу (звідси інша назва абстракціонізму – безпредметне мистецтво). Їх творчість - це спроба висловити свої почуття і думки за допомогою поєднань кольорів плям або ліній самих по собі, без зображення реальних предметів і об'єктів. Абстракціоністи відмовилися від малюнка, перспективи, колориту та інших засобів образотворчої мови мистецтва живопису. Цим вони порушили професійні основи живопису, знищили справжні художні можливості. Абстракціонізм спотворює естетичні уподобання людей, відводить їх від розуміння краси природи та життя.

Адаптація - властивість ока пристосовуватись до певних умов освітлення. Розрізняють адаптації до світла, темряви, а також кольору. Особливість останньої полягає в пристосовуванні ока не помічати на предметах колір освітлення.

В умовах сутінків і взагалі при слабкому освітленні в оці найбільш чутливі до світла нервові закінчення (фоторецептори), які називаються паличками. З їхньою допомогою очей сприймає чорно-білі градації. При сильному освітленні вдень більш чутливі інші фоторецептори - колбочки, за допомогою яких сприймається колір. При адаптації до світла чутливість зору знижується, а при адаптації до темряви збільшується. Коли око адаптується до темряви, ми починаємо добре розрізняти деталі краєвиду. Зважаючи на підвищення чутливості ока до темряви в похмурий день і в сутінки, початківець художник втрачає з уваги уявлення про рівень загальної освітленості, яка в цих умовах значно слабша, ніж у сонячний або світлий сірий день. У сутінки світлі предмети йому не здаються зниженими по світлоті настільки, наскільки освітленість стала нижчою за попередню денну освітленість. Погано помічає він також більш зближені тонові відносини, характерні для сутінків та сірого дня. Крім цього, незважаючи на потемніння, художник-початківець розрізняє в натурі (або тіні) дуже тонкі градації світлотіні на предметах і допускає зайву строкатість і дробовість. Таким чином він спочатку не в змозі точно оцінити та передати ті дійсні зміни світла та кольору, які відбуваються в природі.

Адаптація ґрунтується на різних змінах, що відбуваються в нашому оці, при зміні сили освітленості. Так, наприклад, вдень зіниця зменшується на 1-2 мм, через що в око проходить мало світла. У темряві він розширюється на 8-10 мм, пропускаючи багато світла. Знаючи, що площа зіниці пропорційна квадрату діаметра, можна встановити, що якщо зіниця збільшується вдвічі, то кількість світла, що пропускається, зростає в чотири рази; якщо зіниця збільшується вчетверо, кількість світлового світла зростає в 16 разів. У цьому частково полягає причина того, що ми розрізняємо в сутінки основні світлі відносини. Зірочний рефлекс на світло і темряву, таким чином, компенсує певною мірою зниження освітленості.

Академізм - оцінний термін, що відноситься до тих напрямів у мистецтві, представники яких цілком орієнтуються на встановлені художні авторитети, вважають прогрес сучасного мистецтва над живого зв'язку з життям, а найбільшому наближенні його до ідеалів і форм мистецтва минулих епох, і відстоюють абсолютні, не залежать від місця та часу, норми прекрасного. Історично академізм пов'язаний з діяльністю академій, які виховували молодих художників у дусі нерозсудливого слідування зразкам мистецтва античності та італійського Відродження. Зародившись уперше в Болонській академії XVI століття, ця тенденція набула широкого розвитку в академіях наступного часу; вона була властива і Російській Академії мистецтв у XIX ст., що викликало боротьбу з академією передових художників-реалістів. Канонізуючи класицистичні методи та сюжети, академізм відгороджував мистецтво від сучасності, оголошуючи її «низькою», «низовиною», недостойною «високого» мистецтва.

Поняття академізму не можна ототожнювати з усією діяльністю мистецьких академій минулого. У системі академічної освіти було багато переваг. Зокрема, заснована на тривалій традиції, висока культура малюнка, яка була однією з найсильніших сторін академічної освіти.

Акварельні фарби - водно-клейові з тонко розтертих пігментів, змішаних з камеддю, декстрином, гліцерином, іноді з медом або цукровим сиропом; випускаються сухі - у вигляді плиток, напівсирі - у порцелянових чашках або напіврідкі - у тюбиках.

Аквареллю можна писати по сухому або сирому папері відразу, на повну силу кольору і можна працювати лісуванням, поступово уточнюючи колірні відносини натури. Необхідно знати, що акварель не виносить виправлень, замученості, численних повторних прописок змішаними фарбами.

Нерідко художники використовують техніку акварелі разом із іншими матеріалами: гуашшю, темперою, вугіллям. Однак у цьому випадку губляться головні якості акварельного живопису – насиченість, прозорість, чистота та свіжість, тобто саме те, що відрізняє акварель від будь-якої іншої техніки.

Акцент - прийом підкреслення лінією, тоном чи кольором будь-якого виразного предмета, деталі зображення, куди необхідно звернути увагу глядача.

Алла прима - технічний прийом в акварельному або олійному живописі, що полягає в тому, що етюд або картина пишуться без попередніх прописок і підмальовка, іноді за один прийом, в один сеанс.

Анімаліст - художник, який в основному присвятив свою творчість зображенню тварин.

Ахроматичні кольори - білий, сірий, чорний; розрізняються тільки за світлом і позбавлені колірного тону. На противагу їм існують хроматичні кольори, що мають колірний відтінок різної світлоти і насиченості.

Блік - Елемент світлотіні, найбільш світле місце на освітленій (головним чином блискучій) поверхні предмета. Зі зміною точки зору відблиск змінює своє місце розташування на формі предмета.

Валер - термін художньої практики, що визначає якісну сторону окремого, переважно світлотіньового тону, у його взаємозв'язку з оточуючими тонами. У реалістичному живописі матеріальні властивості предметного світу передаються, переважно, через об'єктивно закономірні тонові відносини. Але щоб живо, цілісно відтворити матеріальність, пластику, кольоровість предмета при певному стані освітленості і в певній обстановці, художник повинен домогтися дуже великої точності і виразності у співвідношеннях тонів; багатство, тонкість співвідношень переходів, що ведуть до виразності живопису, і є основною ознакою валера. У найбільших майстрів XVII-XIX ст. - таких, як Веласкес, Рембрандт, Шарден, Рєпін - живопис завжди багата валерами.

Бачення мальовниче - бачення та розуміння колірних відносин натури з урахуванням впливу середовища та загального стану освітленості, який характерний для натури в момент її зображення. В результаті такого бачення в етюді з'являються правдивість світлових і колірних відносин, багатство тепло-холодних відтінків, їхня кольорова єдність і гармонія, що передають натуру з усією трепетністю життя. І тут говорять про живописності етюду чи картини.

Бачення художнє - Вміння дати необхідну естетичну оцінку якостей, закладених у натурі. Перед зображенням натури художник у основних рисах вже бачить її образне живописне рішення з урахуванням певного матеріалу.

Вітраж - живопис на склі прозорими фарбами або орнамент, складений зі шматочків різнокольорового скла, скріпленого металевою палітуркою, служить для заповнення віконних та дверних отворів. Промені світла, що проникають крізь скла, набувають підвищеної яскравості і утворюють гру кольорових рефлексів в інтер'єрі.

Повітряна перспектива - Зміни деяких ознак предметів, що здаються, під впливом повітряного середовища і простору. Усі ближні предмети сприймаються чітко, з багатьма деталями та фактурою, а віддалені – узагальнено, без подробиць. Контури ближніх предметів виглядають різко, а віддалених – м'яко. На великій відстані світлі предмети здаються темнішими, а темні - світлішими. Всі близькі предмети мають контрастну світлотінь і здаються об'ємними, всі далекі - слабо вираженою світлотінню і здаються плоскими. Кольори всіх віддалених предметів через повітряний серпанок стають менш насиченими і набувають кольору цього серпанку - блакитний, молочно-блідий або фіолетовий. Усі ближні предмети здаються багатобарвними, а віддалені однобарвними. Художник враховує всі ці зміни для передачі простору та стану освітленості – важливих якостей пленерного живопису.

Сприйняття зорове - процес відображення предметів та явищ дійсності у всьому різноманітті їх властивостей, які безпосередньо впливають на органи зору. Поряд із зоровими відчуттями у сприйнятті бере участь і минулий досвід знань та уявлень про той чи інший предмет. Осмислити, зрозуміти сутність сприйманого можна лише за умови зіставлення спостережуваних предметів і явищ із раніше баченими (аконстантне і константне зорове сприйняття). До цього слід додати, що візуальне сприйняття супроводжується асоціативними почуттями, відчуттям краси, які пов'язані з особистим досвідом чуттєвих переживань від впливу навколишнього.

Гамма кольорова - Кольори, що переважають у даному творі та визначають характер його колірного ладу. Кажуть: гамма холодних, теплих, блідих відтінків кольору тощо.

Гармонія - Зв'язок, пропорційність, узгодженість. У образотворчому мистецтві – поєднання форм, взаємозв'язок частин чи кольорів. У живопису - це відповідність деталей цілому за розмірами, а й за кольором (колірна єдність, гамма споріднених відтінків). Джерелом гармонії є закономірності змін кольорових об'єктів природи під впливом сили і спектрального складу освітлення. Гармонія колірного ладу етюду чи картини залежить також від особливостей фізіології та психології зорового сприйняття світлових та колірних якостей об'єктивного світу (контрастна взаємодія квітів, явище ореолу та ін.).

Гравюра- друковане відтворення малюнка, вирізаного або витруєного на дерев'яній дошці (ксилографія), лінолеумі (ліногравюра), металевій пластинці (офорт), камені (літографія) тощо. надрукувати велику кількість різнокольорових відбитків (естампів). За характером обробки друкарської форми (дошки або платівки) та способу друку розрізняють опуклу та поглиблену гравюру.

Графіка - один із видів образотворчого мистецтва, близький живопису з боку змісту та форми, але має свої завдання та художні можливості. На відміну від живопису основним образотворчим засобом графіки є однотонний малюнок (тобто лінія, світлотінь); роль кольору залишається у ній порівняно обмеженою. З боку технічних засобів графіка включає малюнок у власному значенні слова у всіх його різновидах. Як правило, твори графіки виконують на папері, зрідка застосовуються інші матеріали.

Залежно від призначення та змісту, графіка поділяється на станкову, до якої належать твори самостійного значення (не вимагають для розкриття свого змісту неодмінного зв'язку з літературним текстом та не обмежені звуженим, суворо визначеним практичним призначенням), книжкову, що утворює ідейно-художню єдність із літературною або супровідним текстом і одночасно призначену для декоративно-художнього оформлення книги, плакатну, що є найбільш масовий виглядобразотворчого мистецтва, покликаний здійснювати мистецькими засобами завдання політичні, агітаційні, художньо-виробничі чи прикладні (етикетки, грамоти, поштові марки та ін.).

Гризайль - зображення чорно-білою фарбою (або одноколірною, наприклад, коричневою); застосовується часто для допоміжних робіт при виконанні підмальовки або ескізу, а також у навчальних цілях при оволодінні прийомами тонального зображення, яке виконується акварельними або олійними фарбами. Зображення створюється з урахуванням лише тональних (світлот-них) відносин предметів натурної постановки.

Грунт - тонкий шар спеціального складу (клейовий, масляний, емульсійний), що наноситься поверх полотна або картону з метою надання їх поверхні потрібних колірних та фактурних властивостей та обмеження надмірного вбирання сполучної речовини (олії). Якщо працювати олійними фарбами на необгрунтованій основі (наприклад, полотні), фарби не лягають, жухнуть, масло з фарби вбирається в тканину, руйнує полотно і барвистий шар. За складом сполучної речовини розрізняють ґрунти: масляні, клейові, емульсійні, синтетичні. За кольором – тоновані та кольорові. Грунт, як правило, складається з 3 елементів: тонкого шару клею, що покриває плівкою всю поверхню полотна (тобто проклейки), і декількох шарів фарби для грунтовки, в тому числі тонкого завершального шару. Проклеювання - тонкий шар клею (столярного, казеїнового або желатинового) - оберігає полотно від проникнення фарби грунтовки або масла в тканину або на зворотний бік полотна, міцно пов'язує наступні шари грунту з полотном. Грунтувальна фарба вирівнює поверхню полотна, створює необхідний (частіше білий) колір та забезпечує міцне з'єднання барвистого шару з ґрунтом.

Грунтівка - у технології живопису: процес нанесення ґрунту на поверхню, призначену для мальовничої роботи.

Гуаш - водна фарба, що володіє великими можливостями, що криють. Фарби після висихання швидко світлішають, і потрібний чималий досвід, щоб передбачити ступінь зміни їх тону та кольору. Гуашевими фарбами пишуть на папері, картоні, фанері. Роботи мають матову бархатисту поверхню.

Деталізація - ретельне опрацювання деталей форми предметів на зображенні. Залежно від завдання, яке ставить художник, ступінь деталізації може бути різною.

Додаткові кольори - два кольори, що дають білий при оптичному змішуванні (червоний та блакитно-зелений, помаранчевий та блакитний, жовтий та синій, фіолетовий та зеленувато-жовтий, зелений та пурпуровий). При механічному змішуванні цих пар додаткових кольорів виходять відтінки зі зниженою насиченістю. Додаткові кольори часто називають контрастними.

Жанр - Внутрішній підрозділ, що історично склався, у всіх видах мистецтва; тип художнього твору в єдності специфічних властивостей його форми та змісту. Поняття «жанр» узагальнює риси, властиві великій групі творів будь-якої епохи, нації чи світового мистецтва взагалі. У кожному виді мистецтва система жанрів складається по-своєму. У образотворчому мистецтві - з урахуванням предмета зображення (портрет, натюрморт, пейзаж, історична і батальна картина), котрий іноді характеру зображення (карикатура, шарж).

Живопис - одне із головних видів образотворчого мистецтва. Правдива передача зовнішнього вигляду предмета, його зовнішніх ознак можлива і графічними засобами – лінією та тоном. Але передати все надзвичайно різноманітне багатоцвіття навколишнього світу, може тільки живопис.

За технікою виконання живопис підрозділяється на масляну, темперну, фрескову, воскову, мозаїчну, вітражну, акварельну, гуашеву, пастельну. Ці назви вийшли від сполучної речовини або від застосовуваних матеріально-технічних засобів. Призначення та зміст мальовничого твору вимагають вибору таких образотворчих засобів, за допомогою яких можна найповніше висловити ідейно-мистецький задум художника.

За жанрами живопис поділяється на станкову, монументальну, декоративну, театрально-декоративну, мініатюрну.

Живопис декоративний не має самостійного значення і служить окрасою екстер'єру та інтер'єру будівель у вигляді барвистих панно, які реалістичним зображенням створюють ілюзію «прориву» стіни, збільшення розмірів приміщення, або, навпаки, навмисне сплощеними формами зорово ніби звужують, замикають простір. Візерунки, вінки, гірлянди та інші види декору, що прикрашають твори монументального живопису та скульптури, пов'язують докупи всі елементи інтер'єру, підкреслюючи красу, узгодженість їх з архітектурою. Декоративним живописом прикрашають і речі: скриньки, шкатулки, таці, скрині та ін. Її теми та форми підпорядковані призначенню речей.

Живопис мініатюрний набула великого розвитку в середні віки, до винаходу друкарства. Рукописні книги прикрашалися найтоншими заставками, кінцівками, детально опрацьованими ілюстраціями, мініатюрами. Мальовничою технікою мініатюр російські художники першої половини ХІХ століття вміло користувалися під час створення невеликих (переважно акварельних) портретів. Чисті глибокі кольори акварелі, їх вишукані поєднання, ювелірна тонкість листа вирізняють ці портрети.

Живопис монументальний - особливий вид мальовничих творів великого масштабу, що прикрашають стіни та стелі архітектурних споруд (фреска, мозаїка, панно). Вона розкриває зміст великих соціальних явищ, що надали позитивний вплив на розвиток суспільства, прославляє їх і увічнює. Височина змісту монументального живопису, значні розміри його творів, зв'язок з архітектурою вимагають великих колірних мас, суворої простоти та лаконізму композиції, ясності силуетів та узагальненості пластичної форми.

Живопис станковий - назва походить від верстата (мольберта), у якому створюється картина. Як матеріальну основу використовують дерево, картон, папір, але найчастіше полотно, натягнуте на підрамник. Картина вставляється в раму та сприймається як самостійне художній твір, незалежно від оточення. У зв'язку з цим до створення творів станкового живопису використовуються дещо інші художні засоби, даються тонші і грунтовні колірні і тональні відносини і складніша і докладно розроблена психологічна характеристика персонажів.

Живопис театрально-декораційний - декорації, костюми, грим, бутафорія, виконані за ескізами художника; допомагають глибше розкрити зміст вистави. Особливі театральні умови сприйняття живопису вимагають обліку безлічі точок зору публіки, їхньої більшої віддаленості, впливу штучного освітлення та колірних підсвічувань. Декорація дає уявлення про місце та час дії, активізує у глядача сприйняття того, що відбувається на сцені. В ескізах костюмів та гриму театральний художник прагне гостро висловити індивідуальний характер персонажів, їхнє соціальне становище, стиль епохи та багато іншого.

Живопис академічний - живопис, виконана з будь-якою навчальною метою.

Живопис по сирому - технічний прийом олійного та акварельного живопису. При роботі маслом необхідно закінчити роботу до підсихання фарб і виключити такі етапи, як підмальовки, лісування та повторні прописки. Живопис по сирому має відомі переваги - свіжість барвистого шару, гарну безпеку, порівняльну простоту техніки виконання.

В акварелі перед початком роботи з сирого паперу рівномірно змочують водою. Коли вода вбереться в папір і трохи просохне (через 2-3 хв), починають писати; мазки фарби, лягаючи на вологу поверхню, розпливаються, зливаються один з одним, створюють плавні переходи. Так, можна досягти м'якості у передачі обрисів предметів легкості та просторовості зображення.

Жахлість - небажані зміни у висихаючому барвистому шарі, через які живопис позбавляється свіжості, втрачає блиск, звучність фарб, темніє, стає чорнуватим. Причина жухлості - надмірне зменшення в фарбі сполучної олії, що вбирається грунтом або барвистим шаром нижче, а також нанесення фарб на не цілком просохлий попередній шар масляних фарб.

Закінченість .- така стадія в роботі над етюдом або картиною, коли досягнуто найбільшої повноти втілення творчого задуму, або коли виконано певне образотворче завдання.

"Заміси" опорних фарб - попереднє заготування на палітрі суміші фарб, які відповідають основним тоновим та колірним відносинам об'єктів натури (пейзажу). У процесі роботи до цих основних сумішей вносяться різні варіації відтінків, вливаються нові фарби. Однак заготовлені на палітрі фарби основних об'єктів не дозволяють впасти в надмірне розцвічення, не дають втратити характеру основних колірних відносин. В акварелі ці опорні «заміси» виготовляються в окремих чашках.

Замальовка - малюнок з натури, виконаний переважно поза майстернею з метою збирання матеріалу для більш значної роботи, заради вправи, іноді ж - з якоюсь спеціальною метою (наприклад, за завданням газети, журналу). На відміну від подібного за технічними засобами нарис, виконання замальовки може бути дуже деталізованим.

Ідеалізація у мистецтві - відступ від життєвої правди внаслідок навмисного чи мимовільного прикрашання художником предмета зображення. Ідеалізація зазвичай проявляється у перебільшенні та абсолютизації позитивного початку як якогось граничного, нібито вже досягнутого досконалості; у згладжуванні життєвих протиріч та конфліктів; у втіленні абстрактного, наджиттєвого ідеалу і т. д. Ідеалізація завжди означає розрив з принципами реалізму і так чи інакше виявляється пов'язаною з ідеологією реакційних класів, схильних уникнути правдивої картини життя і підміняють вивчення дійсності суб'єктивно прикрашеними уявленнями про неї.

Від ідеалізації слід відрізняти свій відбиток у реалістичному мистецтві певного суспільно-прогресивного життєвого ідеалу, яке, будучи важливою стороною ідейного змісту будь-якого реалістичного художнього образу, може іноді бути визначальним початком у художньому рішенні образу.

Ідея картини - основна думка твору, що визначає його зміст та образний лад, що виражається у відповідній формі.

Ілюзорність - подібність зображення до натури; межує з обманом зору. Внаслідок ілюзорності може бути втрачено художня виразністьтвори та глибина його змісту, якщо у картині прагнення до зовнішньої подібності заступає головне - її задум.

Імпресіонізм - напрям у мистецтві останньої третини 19 - початку 20 вв.(століття), представники якого прагнули найбільш природно і неупереджено відобразити реальний світ у його рухливості та мінливості, передати свої швидкоплинні враження. Імпресіонізм зародився у 1860-х роках. у французькому живописі. Е. Мане, О. Ренуар, Е. Дега внесли в мистецтво свіжість і безпосередність сприйняття життя, зображення миттєвих, як би випадкових рухів і ситуацій, неврівноваженість, фрагментарність композиції, несподівані точки зору, ракурси, зрізи фігур. У 1870-80 р.р. сформувався імпресіонізм у французькому пейзажі. К. Моне, К. Пісарро, А. Сіслей виробили послідовну систему пленеру. Крім живописців інтерес до миттєвого руху, текучої форми сприйняли скульптори (О. Роден, М. Рос-со, П. П. Трубецькой).

Імпресіонізм розвивав реалістичні принципи мистецтва, але у творчості його послідовників часто давався взнаки відхід від вивчення основних явищ соціальної дійсності, постійних стійких якостей матеріального світу. Така спрямованість творчості призвела до пізніх імпресіоністів до формалізму.

Інтер'єр - Внутрішній вигляд приміщення. Зображення інтер'єру потребує ґрунтовного знання перспективи. Важливо знайти місце, звідки можна цікавіше закомпонувати зображення. Закінчене зображення інтер'єру, крім цікавої композиції, правильної перспективної побудови, розміщення предметів у просторі, має давати уявлення про висвітлення.

Картина - Твір станкового живопису, що правдиво втілює задум художника, що відрізняється значністю змісту, правдивістю та завершеністю художньої форми. Картина є підсумком тривалих спостережень та роздумів художника над життям. Їй передують нариси, замальовки, етюди, ескізи, в яких художник фіксує окремі явища життя, збирає матеріал для майбутньої картини, шукає основу її композиції та колориту. Створюючи картину, художник спирається на натуру, виходить із неї як у загальному задумі, і у окремих деталях. У цьому вся велику роль грає спостережливість, уяву, задум. Картина по-своєму несе у собі певну ідейно-образну концепцію, а форми вираження є зорово достовірними. Кожна деталь частина співвіднесена з цілим, кожен елемент виражає образ. Для занепадних формалістичних напрямів характерна криза сюжетно-тематичної картини, відмова від значної ідейної проблематики та психологізму. З картин як виганяється сюжет, а й відбувається розрив із предметним зображенням взагалі. За формою зображення картина стає безпредметною, абстрактною.

Клейові фарби - сухі фарби, що випускаються в порошках і змішуються самим художником із клейовою водою. Добре розтерті вони іноді застосовуються художниками при оформленні репродукційних оригіналів як замінники гуашевих фарб. Найчастіше вони виконують театральні декорації.

Клячка - різновид м'якої гумки, що застосовується в тих випадках, коли потрібно освітлити тон тушевки в малюнках олівця. Клячка м'яка і легко розминається пальцями; нею не стирають олівець, а її злегка притискають до тих частин малюнка, які освітлюють: графіт пристає до клячки і утримується нею, після того, як вона буде відібрана від паперу. Якщо ділянки, що освітлюються, дуже малі, клячці надають вигляду гострого конуса.

Клячку можна виготовити в такий спосіб. Звичайну гумку поміщають на два-три дні бензин (можна в гас), потім її витримують ще два дні. Після цього розм'якшену гуму місять з картопляним борошном (крохмалем), борошно слід брати щіпками та її кількістю регулювати в'язкість клячки.

Колорит (етюди чи картини) - характер взаємозв'язку всіх колірних елементів зображення, його колірний лад. Головне його гідність - багатство і узгодженість кольорів, що відповідають самій натурі, що передають у єдності зі світлотінню предметні властивості та стан освітленості моменту, що зображається. Колорит етюду визначається: 1) витриманістю пропорційних натурі колірних відносин з урахуванням загального тонового та колірного стану освітленості; 2) багатством та різноманітністю рефлексів світло-повітряного та предметного середовища; 3) контрастною взаємодією теплих та холодних відтінків; кольору натури, робить їх супідрядними та спорідненими.

Правдиве відображення стану реальних умов освітленості впливає на почуття глядача, створює настрій, викликає відповідні естетичні переживання.

Щітки . Пензлі бувають колонкові, біличі, щетинні. Щетинні пензлі призначені для роботи олійними фарбами, але можуть бути використані в живописі темперними та гуашевими фарбами. Біличі та колонкові пензлі використовують у акварелі. За формою бувають плоскі та круглі. Величину пензля позначають номером. Номери плоских пензлів та флейців відповідають їх ширині в міліметрах, а номери круглих пензлів – діаметру (також вираженому у міліметрах).

Після роботи олійними фарбами кисті миють теплою водою з милом. Не можна мити кисті в ацетоні: від цього псується волосся. Акварельні пензлі після роботи миють у чистій воді. У жодному разі не можна давати кистям засихати, особливо після роботи олійними фарбами, ставити кисті в банку волоссям вниз, тому що відбувається деформація волосся. Вимиту кисть потрібно загорнути в папір, тоді вона збереже свою форму.

Композиція - Побудова етюду або картини, узгодження її частин. При натурному зображенні: підбір та постановка предметів, вибір найкращої точки зору, освітленості, визначення формату та розміру полотна, виявлення композиційного центру, підпорядкування йому другорядних частин твору. При створенні картини: вибір теми, розробка сюжету, знаходження формату та розміру твору, характеристика дійових осіб, їхні стосунки один до одного, пози, рухи і жести, виразність осіб, використання контрастів та ритмів - все це складові елементи композиційної побудовикартини, що служать найкращому втіленню задуму художника. У такій композиції враховується все: маси предметів та їх силуети, ритм, з яким вони розміщені на полотні, перспектива, уявна лінія горизонту та думка на зображуване, колорит картини, угруповання дійових осіб, напрям їх поглядів, напрям лінії перспективного скорочення предметів, розподіл світлотіні, пози і жести і т.д.

Константність зорового сприйняття - тенденція сприймати предмет, його розміри, форму, світлоту, колір стійкими і незмінними, незалежно від змін (видалення від глядача, зміна освітлення, вплив середовища та ін), що відбуваються з ним; - Константність розміру - тенденція сприймати розмір об'єкта постійним, незважаючи на зміну відстані до нього. Як правило, рисувальники-початківці перспективних змін не помічають.

Константність форми - тенденція сприймати дійсну форму, навіть якщо об'єкт повернений так, що його зображення на сітківці ока відрізняється від дійсної форми. (Наприклад, квадратний аркуш паперу, що лежить на столі, здається квадратним, навіть якщо його проекція на сітківці очей не є квадратною.)

Константність яскравості - тенденція сприймати світлоту об'єкта постійною, незважаючи на зміни у освітленості; залежить головним чином постійного співвідношення інтенсивності світла, відбитого як від предмета, і від навколишнього середовища.

Константність кольору - тенденція сприймати предметний колір (його локальне забарвлення) незалежно від умов освітлення, що змінюються, його сили і спектрального складу (денне, вечірнє, штучне).

Через явища константності сприйняття і передача в живопису предметів і явищ саме такими, якими вони видаються оку в конкретних умовах освітлення, у певному середовищі та на певній відстані, становлять на початку навчання певну труднощі. Початківець художник хоч і знає, що колір змінюється в залежності від умов освітлення, бачить його без змін і не наважується, наприклад, зелені за кольором дерева в променях заходу сонця написати червонуватими або блакитне небо написати складним рожево-охристим, яким воно буває на заході сонця.

Недосвідченому живописцеві здається, що білий предмет у всіх своїх частинах білий, темний предмет – темний. А тим часом у натурній постановці звернена до світла поверхня темного предмета відображатиме більше світлових променів, ніж тіньова частина білого предмета, і тому тінь білого предмета буде темнішою, ніж світлова частина темного предмета.

Під час роботи над етюдом пейзажу недосвідчений художник не помічає, як настає сутінки, хоча освітлення значно знизилося.

Навколишні предмети можуть висвітлюватися світлом різного спектрального складу, через що змінюється спектральний склад відбитого від предметів світла. Однак око художника-початківця не помічає і цієї зміни кольоровості.

Константність сприйняття може зростати та посилюватися від багатьох причин. Чим сильніше хроматичне освітлення, і навіть що більше відстань, з якого спостерігається предмет, тим слабше прояв константності. Здатність поверхні предмета сильно відбивати світлові промені теж сприяє аконстантному сприйняттю: світлі за фарбуванням предмети помітно показують вплив кольору освітлення. Світлова та колірна адаптації посилюють константність сприйняття. Спостерігаючи зимовий пейзаж при похмурій погоді, можна побачити лише складні сіруваті відтінки. Якщо ж подивитися на цей же зимовий мотив із вікна освітленої електрикою кімнати, то краєвид за вікном сприйматиметься напружено-синюватим. Якщо вийти з приміщення просто неба, то через кілька хвилин синій тон пейзажу зникне. Аналогічно нульова константність у глядачів проявляється при кольоровому освітленні театральної сцени; після того, як згасає в залі тепле електричне освітлення, відкривається завіса і глядач захоплюється сценою зимового, місячного або інших станів освітленості.

В результаті практики художник набуває вміння помічати в натурі зумовлені середовищем та освітленням зміни кольору предмета, бачить і передає все багатство та різноманітність зовнішнього світу, безліч колірних градацій. В результаті на полотні з'являються переконливість освітлення, колір виглядає ускладненим та збагаченим середовищем та освітленням. Багато художників та педагогів виконували спеціальні вправи, створюючи наочні моделі, щоб усвідомити колористичні особливості різних станів освітленості. Моне, наприклад, написав серію етюдів, зображуючи один і той же об'єкт (стіг сіна), і вивчив таким чином зміну кольору в різних умовах освітленості в природі. Для вироблення аконстантного сприйняття М. М. Кримов ставив білий куб, пофарбований з одного боку чорною фарбою, і висвітлював його з цього боку потужною лампою, залишаючи білу сторону в тіні. При цьому учні його переконувалися, що чорна, освітлена сторона куба, світліша, ніж біла, що знаходиться в тіні. Кримов пропонував учням написати невелику картонну ширму-гармошку, площини якої були пофарбовані в різні кольори та висвітлювалися з двох сторін: з одного – електричною лампою, з іншого – денним світлом. Промені від лампи були спрямовані на ділянки, пофарбовані холодними квітами, а теплі кольори були звернені до денного освітлення. Учні переконувалися, що умови освітлення суттєво змінюють предметні кольори, і у такий спосіб звільнялися від константного сприйняття кольорів.

Початківець живописець повинен позбавитися константності сприйняття і вміти сприймати форму предмета, його світлоту і колір, зумовлені світловим середовищем, освітленням і простором.

Конструкція - в образотворчому мистецтві сутність, характерна риса будови форми, що передбачає закономірну взаємозв'язок елементів форми, її пропорцій.

Контраст - 1) різка відмінність, протилежність двох величин: розміру, кольору (світлого та темного, теплого та холодного, насиченого та нейтрального), руху тощо; 2) контраст світлотний і хроматичний - явище, у якому сприймається відмінність значно більше, ніж фізична основа. На світлому тлі колір предмета здається темнішим, на темному - світлішим. Світлотний контраст найбільш чітко троє на межі темної і світлої поверхонь. Хроматичний контраст - зміна колірного тону та насиченості під впливом навколишніх кольорів (одночасний контраст) або під впливом кольорів, що попередньо спостерігалися (послідовний контраст). Наприклад: зелений колір поруч із червоним збільшує свою насиченість. Сірий колір на червоному тлі набуває зеленого відтінку. Хроматичний контраст проявляється сильніше, коли кольори, що взаємодіють, приблизно рівні по світлоті.

Копіювання - процес отримання копій малюнка чи креслення; може проводитися різними способами: переколюванням, калькуванням, передавлюванням, перемальовуванням на просвіт, перемальовуванням по сітці, а також за допомогою пантографа та епідіаскопа.

Переколювання - спосіб копіювання без зміни масштабу: оригінал накладають на чистий аркуш паперу і за допомогою тонкої голки наколюють всі характерні точки малюнка або креслення, через які потім на папері наколоті проводять олівцеві лінії.

Калькування - Спосіб копіювання без зміни масштабу. Кальку накладають на оригінал, якою олівцем чи тушшю малюють зображення; Робочу поверхню кальки слід попередньо знежирити – протерти порошком крейди чи вуглекислої магнезії.

Перетискання - спосіб копіювання без зміни масштабу: під оригінал або його копію на кальці підкладають сухий переказний папір; по лініях зображення оригіналу водять загостреною голкою, завдяки чому на чистому аркуші паперу відтискується зображення, що перекладається. Зворотний бік оригіналу (кальки) можна натерти м'яким олівцем, у разі передавлене зображення виходить чіткішим.

Перемальовка на просвіт - Спосіб копіювання без зміни масштабу. Оригінал кладуть на скло та покривають чистим папером або калькою; за склом знаходиться джерело світла (денне або електричне); лінії оригіналу, що просвічують через папір, обводять олівцем. Існують спеціальні копіювальні верстати, пристосовані для цієї мети.

Перемальовка по сітці - спосіб копіювання з можливою зміною масштабу (збільшенням або зменшенням малюнка) за допомогою зробленої на оригіналі та чистому аркуші паперу координатної сітки. Зображення малюється "по клітинах". Клітини будують квадратні чи прямокутні. Перемалювання по клітинах дуже трудомістка і не може з бездоганною точністю передати лінії оригіналу, оскільки проводиться на око та від руки.

Корпусна (пастозна) прокладка фарб - Виконання етюду або картини щільним, непрозорим, порівняно товстим шаром масляної фарби, що часто має рельєфну фактуру.

Шаги - швидка замальовка з натури, рідше швидка фіксація композиційного задуму як малюнка. Термін "кроки" маловживаний; по загальному змістувін близький ширшому терміну «малюнок».

Ксилографія - гравюра на дереві, основний технічний різновид опуклої гравюри, найдавніша техніка гравюри взагалі. Ксилографію виконують, вирізаючи на дошці, зазвичай грушевого, букового дерева, частини нанесеного поверх неї гравюрного малюнка, які мають залишатися білими. У поздовжній чи обрізній гравюрі волокна дошки паралельні її поверхні, а робота ведеться, переважно, гострими ножами. Можливості цієї техніки порівняно неширокі, труднощі ж значні (опір волокнистого матеріалу ножу нерівномірно у різних напрямах). Торцева гравюра виконується на дошці з перпендикулярним волокном до поверхні; її основний інструмент – штихель, допускає дуже тонку та різноманітну техніку.

На відміну від будь-якого різновиду поглибленої гравюри, ксилографія може друкуватися разом із набором на звичайній друкарській машині, і нерідко застосовується у книжковій ілюстрації.

Лаки . Художники покривають лаками ґрунти, щоб захистити їх від проникнення олії з фарб, вводять лаки до складу сполучної речовини фарби, наносять на затверділий барвистий шар йеред подальшою роботою (для кращого зв'язку шарів) і, нарешті, покривають лаком закінчені твори. При цьому лак посилює насиченість фарб. Лакова плівка захищає картину від безпосереднього зіткнення зі шкідливими газами атмосфери, пилом і кіптявою, що знаходяться у повітрі. Лаки у складі масляної фарби сприяють її більш рівномірному та швидкому висиханню, а барвисті шари краще зв'язуються з ґрунтом та між собою. Картини краще покривати скипидарними лаками, ніж масляними (тоді менше темніють). Лак-фіксатор закріплює роботи, виконані вугіллям, сангіною, пастеллю, акварельними фарбами.

Ліплення форми кольором - процес моделювання предмета, виявлення його обсягу та матеріалу кольоровими відтінками з урахуванням їх змін за світлом та насиченістю.

Лесування - один із прийомів мальовничої техніки, що полягає у нанесенні дуже тонких шарів міцних та напівпрозорих фарб поверх висохлого щільного шару інших фарб. При цьому досягається особлива легкість, звучність кольорів, що є результатом їхнього оптичного змішування.

Ліногравюра - гравюра на лінолеумі, різновид опуклої гравюри. За технікою та художніми засобами ліногравюра подібна до ксилографії і у відбитку нерідко відрізняється від неї лише відсутністю тонких деталей.

Літографія - в образотворчому мистецтві широко поширений різновид графічної техніки, пов'язаний з роботою на камені (щільний вапняк) або металевій пластинці, що замінює його (цинк, алюміній).

Літографію художник виконує, малюючи по зернистій або гладкій поверхні каменю жирним літографським олівцем та спеціальною тушшю. Слідом за травленням каменю кислотою (що впливає на непокриту жиром поверхню) малюнок змивають: натомість наноситься друкарська фарба, яка пристає лише до непротруєних частинок каменю, що точно відповідає малюнку. Фарбу накочують валиком по зволоженому каменю; друкування проводиться на спеціальному верстаті.

Локальний колір - колір, характерний для даного предмета (його забарвлення) і ніяких змін. Насправді так не буває. Предметний колір постійно дещо змінюється під впливом сили та кольору освітлення, навколишнього середовища, просторового видалення і називається він уже не локальним, а зумовленим. Іноді під локальним кольором мають на увазі не предметний колір, а однорідну пляму обумовленого кольору, взятого в основних відношеннях до сусідніх кольорів, без виявлення мозаїки кольорових рефлексів, без нюансування цих основних плям.

Манера - щодо художньої практики: характер чи спосіб виконання як суто технічна особливість (наприклад, «широка манера»).

В історії мистецтва терміном "манера" ​​позначаються іноді загальні властивостівиконання, характерні для художника чи художньої школи у певний період творчого розвитку (наприклад, «пізня манера Тіціана»).

Манерність - у художній практиці: властивості підходу та виконання, позбавлені простоти та природності, що призводять до химерних, надуманих чи умовних результатів. Найчастіше манерність називають пристрасть до якоїсь зовні ефектної, завченої манери та всякого роду упереджених художнім прийомам, тяжіння до стилізаторства Крайній вираз манірності дає формалістична практика сучасного буржуазного мистецтва.

Масляні фарби - барвники, змішані з олією: лляною (переважно), маковою або горіховою; масляні фарби від впливу світла та повітря поступово тверднуть. Багато основ (полотно, дерево, картон) для роботи на них олійними фарбами заздалегідь загрунтовують. Найпоширеніша грунтовка наступна: матеріал покривають рідким столярним клеєм, а коли він висохне, протирають пемзою, після чого покривають дрібним порошком крейди, змішаним з клейовою водою до консистенції сметани. Для очищення кистей їх миють у гасі, скипидарі або бензині і остаточно в теплій воді з милом, вичавлюючи фарбу з кореня пензля, після чого полощуть у чистій воді.

Матеріальність зображуваних предметів передається насамперед характером світлотіні. Предмети, які з різних матеріалів, мають характерні їм градації світлотіні. Гіпсовий предмет циліндричної форми має плавні переходи від світла через півтінь, тінь та рефлекс. Скляна циліндрична судина не має яскраво виражених градацій світлотіні. На його формі лише відблиски та рефлекси. Металеві предмети теж характеризуються переважно відблисками і рефлексами. Якщо передати малюнку характер світлотіні, то предмети виглядатимуть матеріальними. Інша, ще важливіша умова, від якої залежить зображення матеріальних якостей предметів, - це витриманість на малюнку або мальовничому етюді пропорційних натурі тональних та колірних відносин між предметами. При сприйнятті матеріальних якостей предметів наша свідомість спирається головним чином їх тональні і колірні відносини (відмінності). Тому, якщо характер світлотіні, тональні та колірні відносини передані відповідно до зорового образу натури, ми отримуємо правдиве зображення матеріальних якостей предметів натюрморту або об'єктів пейзажу.

Багатошаровий живопис - найважливіший технічний різновид олійного живопису, що вимагає розчленування роботи на ряд послідовних етапів (підмальовки, прописки, лесування), розділених перервами для повного просихання фарби. При виконанні великої тематичної композиції, а також при тривалій роботі взагалі багатошаровий живопис є єдиною повноцінною технікою олійного живопису. До середини XIXв. усі найбільші передові художники минулого застосовували цю техніку як основну. Пізніше імпресіоністи та їхні послідовники відмовилися від неї.

З вузькотехнологічної точки зору, не пов'язаної з технікою старих майстрів, поняття багатошаровий живопис можуть відповідати лише прописки за висохлим барвистим шаром (без підмальовки та лесувань).

Моделювання - в образотворчому мистецтві: передача об'ємно-пластичних та просторових властивостей предметного світу за допомогою світлотіньових градацій (живопис, графіка) або відповідною пластикою тривимірних форм (скульптура, зокрема рельєф). Моделювання зазвичай здійснюється з урахуванням перспективи, у живопису ж, крім того, за допомогою нерозривно пов'язаних зі світлом кольорів градацій. Завдання моделювання не обмежуються простим відтворенням предметного світу: беручи участь в ідейно-подібній характеристиці предмета, вона узагальнює, посилює та виявляє найбільш суттєве, характерне.

Модернізм - загальне позначення напрямів мистецтва та літератури кінця XIX-XX ст. (кубізм, дадаїзм, сюрреалізм, футуризм, експресіонізм, абстрактне мистецтвоі т.п.). Основні риси модернізму: заперечення пізнавальної та суспільної ролі мистецтва, його ідейності, народності, підміна мистецтва всілякими трюкацтвами, повне спотворення чи ігнорування професійних традицій реалістичної мистецької спадщини.

Мозаїка - особливий технічний різновид монументального живопису, заснований на застосуванні різнокольорових твердих речовин - смальти, природних кольорових каменів, кольорових емалей поверх обпаленої глини та ін. як основний художній матеріал. Зображення складається зі шматочків таких матеріалів, добре пригнаних один до одного, укріплених на цементі або спеціальній мастиці, а потім відшліфованих. За способом так званого прямого набору мозаїка виконується з лицьового боку - на призначеному їй місці (стіна, склепіння та ін.) або на окремій плиті, яка потім вбирається в стіну. При зворотному наборі кольорові шматочки видно художнику лише з обороту, так як наклеюються лицьовою поверхнею на тимчасову тонку підкладку (що слідує за перенесенням мозаїки на стіну). Перший з цих способів порівняно складний і трудомісткий, але досконаліший з художньої точки зору.

Мольберт - верстат (звідси визначення «станковий живопис»), необхідний художнику підтримки потрібного нахилу картини під час роботи. Основна вимога до мольберту – стійкість.

Монотипія - особливий вид графічної техніки, пов'язаний з процесом друкування, але різко відрізняється від будь-якого різновиду гравюри повною відсутністю механічних чи технічних впливів на поверхню дошки. Фарби наносять від руки на гладку поверхню з наступним друкуванням на верстаті. Отриманий відбиток є єдиним та неповторним.

Монументальність у творах станкового живопису обумовлена ​​суспільною значимістю тематики картини, її героїчним пафосом, глибиною та силою втілення ідей у ​​відповідних образах – простих, строгих, величних та експресивних.

Малюнок у кольорі - етюд невеликих розмірів, швидко і швидко виконаний. Головне призначення такого начерку - придбання вміння цільно сприймати натуру, знаходити і передавати правильні колірні відносини основних її об'єктів. Відомо, що повноцінний живописний лад зображення визначається пропорційною передачею відмінностей між основними кольоровими плямами натури. Без цього ніяке ретельне опрацювання деталей, рефлексів, мозаїки кольорових відтінків не призведе до повноцінного мальовничого зображення.

Народність - зв'язок мистецтва з народом, обумовленість художніх явищ життям, боротьбою, ідеями, почуттями та прагненнями народних мас, вираження у мистецтві їхніх інтересів та психології. Один із основних принципів соціалістичного реалізму.

Натура - у практиці образотворчого мистецтва це будь-які природні явища, об'єкти та предмети, які художник зображує, спостерігаючи як модель безпосередньо. З натури виконується, зазвичай, лише етюд, малюнок, замальовка, портрет, котрий іноді пейзаж.

Натуралізм - в образотворчому мистецтві виявляється у відриві від широких узагальнень, від ідейності і призводить до методу суто зовнішнього копіювання всього, що у полі зору. Початківці художники теж іноді думають, що достовірне зображення натури при передачі її об'ємних, матеріальних та просторових якостей і є абсолютна мета образотворчого мистецтва. Звісно, ​​володіти образотворчою грамотою, технічними прийомами мальовничої майстерності необхідно. Проте важливо важливо паралельно з цим розвивати здатність бачити дійсність очима художника. Мальовниче зображення не є дзеркальним відображеннямприроди. «Живопис, - говорив І. І. Левітан, - не протокол, а пояснення природи мальовничими засобами». Живописець відбирає та узагальнює у барвистому різноманітті природи ті її елементи, які зможуть виразно передати ідейно-образний задум. Він намагається розкрити суть зображуваного, показує те, що його схвилювало. У цьому виявляється особистість художника, його світогляд, а також смак та практичний досвід у використанні барвистих матеріалів та технічних прийомів.

Натюрморт - один з жанрів образотворчого мистецтва, присвячений відтворенню предметів побуту, фруктів, овочів, квітів тощо. . Зображення натюрморту особливо корисне у навчальній практиці для оволодіння живописною майстерністю. У натюрморті художник осягає закони колірної гармонії, набуває технічної навички мальовничого моделювання форми.

Узагальнення художнє - здатність художника пізнавати об'єктивну дійсність, виявляючи головне, суттєве в об'єктах та явищах шляхом порівняння, аналізу та синтезу. Твір образотворчого мистецтва є результатом виразності загального, зберігаючи водночас усю неповторність конкретно-зорового образу.

У вузькопрофесійному розумінні узагальнення - це остання стадія процесу виконання малюнка або живопису з натури, що йде за детальним опрацюванням форми. На цій стадії роботи здійснюється узагальнення деталей з метою створення цілісного образу натури на основі цілісного її зорового сприйняття.

Образ художній - специфічна форма відображення дійсності в конкретно-чуттєвій формі, що візуально сприймається. Створення художнього образу тісно пов'язані з відбором найхарактернішого, з підкресленням істотних сторін предмета чи явища не більше індивідуальної неповторної природи цих предметів і явищ. Відомо, що свідомість людини відбиває як об'єктивний зоровий образ предмета чи явища, а й емоційні якості їх сприйняття. Тому художній образ живопису містить як реальні риси зображуваного об'єкта, а й його чуттєво-емоційну значимість. Кожен образ – це водночас правдиве відображення об'єктивної дійсності та вираження естетичних почуттів художника, індивідуального, емоційного його ставлення до зображуваного, смаку та стилю.

Зворотня перспектива - помилковий прийом малювання перспективи, суть якого в тому, що паралельні та горизонтальні у просторі лінії на картині зображуються не схожими, а розбіжними; трапляється досить часто у старовинному іконописі, як наслідок незнання художниками елементарних правил побудови перспективи (у деяких випадках допускається свідоме порушення правил перспективної побудови).

Загальний тоновий та колірний стан натури - Результат різної сили освітлення. Щоб передати стан різної освітленості (вранці, вдень, увечері або в сірий день), при побудові ладу етюду не завжди використовуються світлі і яскраві фарби палітри. В одних випадках митець будує відношення у зниженій гамі світла і сили кольору (сірий день, темне приміщення), в інших випадках світлими та яскравими фарбами (наприклад, сонячний день). Таким чином художник витримує тонові та колірні відносини етюду у різних тональних та колірних діапазонах (масштабах). Це сприяє передачі стану освітленості, що особливо важливо у пейзажному живописі, оскільки саме цим станом визначається її емоційний вплив (див. тональний та колірний масштаб зображення).

Об `єм - Зображення тривимірності форми на площині. Здійснюється насамперед правильною конструктивною та перспективною побудовою предмета. Іншим важливим засобом передачі обсягу на площині є градації світлотіні, виражені кольором: відблиск, світло, півтінь, тінь власна та падаюча, рефлекс. Зображення об'єму на образотворчій площині сприяє також напрямок мазка або штрихування, рух їх у напрямку форми (на плоских поверхнях вони прямі та паралельні, на циліндричних та кульових - дугоподібні).

Ореол - явище, відоме також за назвою «іррадіація»; виникає в результаті розсіювання яскравого світла в прозорій рідині, що заповнює очне яблуко. У зв'язку із збільшенням чутливості ока у темряві, він сильно реагує при спостереженні джерел яскравого світла (вогнище або запалена лампа). Вдень вони не здаються яскравими, в сутінки або вночі вони можуть сліпити очі. Колір джерел яскравого світла очей майже не сприймає, але ореол навколо тіл, що світяться, або сильно освітлених предметів має колір більш виражений. Полум'я свічки виглядає майже білим, а ореол навколо нього – жовтим. Сильний відблиск на блискучій поверхні здається білим, а ореол навколо нього приймає на себе колірну властивість джерела світла. Тонкі стовбури дерев на тлі неба повністю огортаються ореолом, тобто виглядають синіми, а на тлі жовтого заходу сонця - помаранчевими або червоними. Коли ореол передається на зображенні, око сприймає предмети, що світяться (свічка, світлі вікна вдень і вночі, зірки на небі та ін.). Зображені без ореолу, неодмінного супутника яскравого світла, стовбур дерева та його крона виглядають жорсткою аплікацією на тлі світлого неба, зірки без ореолу справляють враження цяток фарби, розбризканої пульверизатором по темному тлі, яскраві відблиски без ореолу на тлі.

Основа - у технології живопису: матеріал, на який наноситься ґрунт та барвистий шар картини. Найпоширеніший різновид основи - полотно, дерево (було найпоширенішою основою в античності, в середні віки та епоху Відродження), рідше вживаються картон, папір, метал, скло, лінолеум та інших. У деяких видах живопису (наприклад, фреска, акварель і ін) основа використовується без спеціальної підготовки.

Відмивання - 1) акварельна техніка з використанням дуже рідкої фарби чи туші. Для зафарбовування порівняно великої площі світлим тоном підцвічують фарбою приблизно склянки води, дають фарбі відстоятися (краще потім ще й профільтрувати) і пензликом беруть «розчин» зверху, не торкаючись дна склянки; 2) прийом освітлення фарби або видалення її з паперу за допомогою пензлика, змоченого в чистій воді, та збирання відмоченої фарби промокальним папером (процедура повторюється кілька разів).

Відносини тоноцвіті - відмінності предметів за світлом і кольором: що в натурі світліше, що темніше, плюс відмінності за кольором та його насиченістю.

Відтінок (нюанс) - невелика, часто ледь помітна відмінність у кольорі, світлі або насиченості кольору.

Офорт - голковий або штриховий офорт, широко вживаний технічний різновид поглибленої гравюри на металі. Робота над офортом подряпанням гравюрного ґрунту спеціальними голками, зазвичай у вільній техніці штрихового малюнка. Нерівномірною тривалістю травлення деталей зображення кислотами досягають відмінності в силі та соковитості штриха. Техніка офорту відрізняється порівняльною простотою та великою гнучкістю.

Відчуття зорове - результат взаємодії променистої енергії з органом зору та сприйняття цієї взаємодії свідомістю. В результаті людина отримує різноманітні відчуття світла та кольору, багаті колірні градації, що характеризують форму предметів та явища природи у різноманітних умовах освітлення, середовища та простору.

Палітра - 1) невелика тонка дошка чотирикутної чи овальної форми, на якій митець змішує фарби під час роботи; 2) точний перелік фарб, якими користується той чи інший митець у творчій практиці.

Панорама - мальовниче полотно у вигляді замкнутої кругової стрічки. Перед мальовничим зображенням на полотні поміщаються різні реальні бутафорські предмети, які створюють ілюзію безпосереднього переходу реального простору переднього плану живописний простір картини. Панорама розташовується у спеціально побудованому для неї картинному залі з центральним, зазвичай затемненим оглядовим майданчиком. На відміну від панорами, діорама – це мальовнича картина у вигляді вигнутої напівкруглої стрічки.

Неперевершеними досі зразками є панорами, створені художником Ф. А. Рубо «Оборона Севастополя» (1902-1904) та «Бородинська битва» (1911).

Пастель - Кольорові олівці без оправи, виготовлені із барвистого порошку. Їх одержують шляхом змішування барвистого порошку з клеючою речовиною (вишневим клеєм, декстрином, желатином, казеїном). Працюють пастеллю на папері, картоні чи полотні. Фарби наносять штрихами, як у малюнку, або втирають пальцями з розтушовкою, що дозволяє досягти найтонших барвистих нюансів і найніжніших переходів кольорів, матової бархатистої поверхні. При роботі пастеллю можна легко знімати або перекривати барвисті шари, оскільки вона вільно зіскаблюється з ґрунту. Твори, виконані пастеллю, зазвичай закріплюються спеціальним розчином.

Пастозність - 1) у техніці олійного живопису: значна товщина барвистого шару, використана як художній засіб. Виступаючи технічною особливістю, пастозність завжди залишається помітною для ока і проявляється у відомій нерівномірності барвистого шару, у «рельєфному мазку» та ін. живопис); 2) особлива властивість пластичності фарбового матеріалу, що дозволяє нерозрідженою олійною фарбою повністю зберігати ту форму, яку надає їй пензля.

Краєвид - вид, зображення будь-якої місцевості; у живопису, і графіці жанр та окремий твір, у якому основний предмет зображення – природа. Часто зображуються види міст та архітектурних комплексів (архітектурний краєвид), морські види (марина).

Строкатість (дрібність) зображення - Недоліки малюнка або етюду, які виходять у тому випадку, коли художник-початківець малює або пише натуру частинами, «в упор». В результаті форма предметів виявляється перевантаженою деталями, контури їх різкі, багато предметів та їх поверхні виглядають однаковими за тоном і силою кольору. Це виходить тому, що недосвідчений митець хоч і порівнював предмети за тоном та кольором, але дивився на них поперемінно, окремо. Коли у художника виробляється навичка одночасного (цілісного) бачення та порівняння предметів за трьома властивостями кольору (колір, світло, насиченість), тональна строкатість зображення зникає.

Плани просторові - умовно розділені ділянки простору, що знаходяться на різній відстані від спостерігача. У картині розрізняють кілька планів: перший, другий, третій або передній, середній, задній. Простір на площині полотна чи паперу передається головним чином правильною перспективною побудовою. Якщо предмети або обсяги на просторових планах намальовані без суворого дотримання їх перспективних змін, колірне рішення мало що дасть зображення простору. Передачі просторових якостей зображення сприяє характер мазка (в малюнку - характер штриха). Техніка нанесення штрихування предметів переднього плану більш певна, жорстка та щільна. Мазок фарб - пастозніший, рельєфний, дробовий. Далекі плани передаються м'якшим штрихом, тонким шаром лісуванню фарби.

Пластичність - гармонійність, виразність і гнучкість форм, ліній, помічених художником в натурі, що зображається.

Пленерний живопис - живопис просто неба. Активне значення у написанні етюду на свіжому повітрі мають зміни фарб природи під впливом світла і повітря. Особливу увагу при цьому слід приділяти загальному тоновому та колірному стану натури (що залежить від сили та кольору освітлення) та явищу повітряної перспективи. Визначальним моментом у живопису на пленері є витриманість тонального та колірного масштабу при побудові тонових та колірних відносин етюду (див. тональний та колірний масштаб зображення):

Підмалювань - підготовча стадія роботи над картиною, що виконується у техніці олійного живопису. Підмальовка виконується зазвичай тонким барвистим шаром і може бути однотонним або кольоровим.

Підрамник. Полотно, на якому художник пише картину, натягується на підрамник. Його призначення – тримати полотно у натягнутому стані. Це забезпечується не жорстким скріпленням дерев'яних планок підрамника. При глухому кріпленні кутів підрамника важко виправити провисання полотна від вогкості. На рейках підрамника роблять скоси, спрямовані усередину підрамника. Інакше на місцях зіткнення полотна із внутрішніми ребрами підрамника полотно деформується, на ньому проявляються внутрішні ребра підрамника. Підрамники великих розмірів виготовляють із хрестовиною, яка оберігає їх від діагональних перекосів та прогинів планок.

Напівтінь - Одна з градацій світлотіні на поверхні об'ємного предмета, проміжна між світлом і тінню (як у натурі, так і на зображенні).

Портрет - Зображення, в якому відображено зовнішній вигляд конкретної людини, його індивідуальні риси. Мистецтво портрета вимагає, щоб, поруч із зовнішнім подібністю, у вигляді людини відбивалися його духовні інтереси, соціальне становище, типові риси тієї епохи, до якої належить. Особисте ставлення митця до зображених людей, його світогляд, відбиток творчої манери також мають бути присутніми у портреті.

Примітивізм - одна з формалістичних течій в образотворчому мистецтві. Характеризується повною відмовою від досягнень реалізму заради наслідування форм мистецтва про примітивних епох (первісних племен), навмисного запозичення особливостей дитячих малюнків тощо.

Прописки - у техніці олійного живопису основний етап виконання великого полотна, який слідує за підмальовкою, передуючи лісуванню. Кількість прописок залежить від перебігу роботи художника; кожна з них завершується повним просиханням фарби. У широкому і неточному значенні слова прописками називають іноді і підмалювань, а також будь-яку переробку вже закінченого полотна або його деталі.

Пропорції - Відношення розмірів предметів або їх частин один до одного і до цілого. У малюнку чи живопису ці відносини передаються у пропорційному відповідності, тобто подібними, зменшеними чи збільшеними одне й те саме число раз. Дотримання пропорцій має вирішальне значення, оскільки є характерним ознакою предмета і становлять основу правдивого і виразного зображення.

Пропорційність відносин - Закон реалістичного живопису, що визначає пропорційну зоровому образу натури взаємозв'язок кожної світлоколірної плями етюду з іншими, важлива умова правдивого та цілісного зображення дійсності. Наше зорове сприйняття та впізнавання форми, забарвлення, матеріалу предметів, стану освітленості спирається на їх тональні та колірні відносини. Особливості тону та кольору візуально сприймаються не ізольовано, а залежно від оточення, разом з іншими тонами та кольорами. Тому тонові та колірні відмінності натури митець відтворює на етюді, як і перспективні розміри предметів, методом пропорційної відповідності зображення та зорового образу натури. Цим досягається стан освітленості етюду, правдиве моделювання об'ємної форми, матеріальність, просторова глибина та інші мальовничі якості зображення.

Процес живопису з натури передбачає особливий порядок ведення роботи на початку, у середині та на завершальній стадії. Цей процес йде від загального до детального опрацювання форми і закінчується узагальненням - виділенням головного та підпорядкуванням йому другорядного. У живопису цих стадіях вирішуються такі конкретні завдання: 1) знаходження відносин основних колірних плям з урахуванням тонового і колірного стану освітленості (її сили та спектрального складу); 3) у стадії узагальнення - пом'якшення різких контурів предметів, приглушення або посилення тону і кольору окремих предметів, виділення головного, підпорядкування йому другорядного. Зрештою, все мальовниче зображення приводиться до цілісності та єдності, до того враження, яке отримує зір при цілісному баченні натури.

Розріджувачі . Для акварельних та гуашевих фарб єдиний розріджувач – вода. Для розведення олійних фарб застосовуються склади скипидарного походження (пінен № 4) або продукти переробки нафти в суміші зі спиртом або лляною олією (розріджувачі № 1, 2). Додавання, наприклад пінена, в олійну фарбу сприяє якнайшвидшому їх висиханню. Крім того, щоб забезпечити краще зчеплення барвистих шарів, перед повторною пропискою п'яним протирають затверділу поверхню барвистого шару.

Ракурс - Перспективне скорочення форми предмета, що призводить до зміни його звичних обрисів; різко виражені скорочення, що виникають під час спостереження предмета зверху чи знизу.

Рама. Картина, створена художником, має обрамлення, раму. Вона завершує композицію, надає їй єдності, звертає увагу глядача на сам твір. Найчастіше рама має прямокутну форму, зрідка круглу чи овальну. Часто рейки рами мають тонкі профілювання, ніби сходи, що сходять до самої картини. Вони допомагають оку глядача легше поринути у світ зображуваного. Художники ставляться до рами як до суттєвої частини мальовничої композиції та забарвлюють її у світлі та темні кольори різних відтінків. Є рами з багатими пластичними мотивами, орнаментом умовного рослинного чи геометричного змісту.

Реалізм - метод художньої творчості, заснований на глибокому пізнанні життя та образному відображенні її сутності та краси. Реалізм у живопису ґрунтується на зображенні життя у формах самого життя. Художник постійно вивчає життя з олівцем та пензлем у руці та досконало опановує майстерність правдивого зображенняпредметів та об'єктів реальної дійсності. Без органічного пізнання та узагальнення життя, з одного боку, та вміння втілити все це у конкретному наочному зображенні, з іншого боку, художній образ у картині перетворюється на схему, позбавлену життєвої переконливості.

Реалізм соціалістичний - метод соціалістичного мистецтва, спрямований на правдиве, історично конкретне відображення дійсності у її революційному розвитку з метою ідейно-естетичного виховання людей у ​​дусі соціалізму та комунізму.

Рефлекс - Світлий або кольоровий відсвіт, що виникає на формі в результаті відображення променів світла навколишніх предметів. Кольори всіх предметів взаємно пов'язані між собою рефлексами. Чим більша різниця за світлом і кольором між двома розташованими поруч предметами, тим помітнішими є рефлекси. На шорстких, матових поверхнях вони слабші, на гладкій вони помітніші і виразніші в обрисах. На полірованих поверхнях вони особливо виразні (у разі їх посилює дзеркальне відображення).

Малюнок -1) повноцінне відтворення предметного світу: об'ємно-просторове моделювання, вірні пропорції, правдива експресія, ясно виражений характер і т. д. Це основа для реалістичного зображення дійсності взагалі - будь-якими технічними засобами та прийомами. Навчання малюнку становить найважливішу частину професійної освіти живописця, графіка та скульптора; 2) різновид художньої графіки, заснований на технічних засобах та можливостях малювання. На відміну від живопису, малюнок виконується переважно твердою барвником (олівець, вугілля, сангіна та ін), як правило, за допомогою штриха та лінії, при допоміжній ролі кольору; 3) окремий твір відповідного різновиду графіки.

Ритм та ритмічність - повторюваність тих чи інших композиційних елементів твору, особлива їхня пропорційність, що веде до стрункої, закономірної злагодженості цілого. Ритм може виявлятися через контрасти та відповідності угруповань фігур, предметів, ліній, рухів, світлотіньових та колірних плям, просторових планів та ін.

Світло - Елемент світлотіньових градацій, служить для позначення освітленої частини поверхні предметів.

Світлота (тон) - Порівняльний ступінь відмінності від темного: чим далі від темного, тим більшу світлоту має колір.

Світлосила - ступінь світло предмета, його тон. Світлосила залежить від присутності інших (сусідніх) тонів, а також від забарвлення предметів.

Світлотінь - закономірні градації світлого та темного на об'ємній формі предмета, завдяки яким як у натурі, так і на малюнку сприймаються оком такі предметні властивості, як об'єм та матеріал. Основні градації світлотіні: відблиск, світло, півтінь, тінь власна, рефлекс, тінь падаюча.

Властивості кольору - колірний тон, або відтінок: червоний, синій, жовтий, жовто-зелений, світла і насиченість (ступінь відмінності його від сірого, тобто ступінь наближеності до чистого спектрального кольору). У процесі живопису за цими трьома властивостями порівнюються кольори натурної постановки, перебувають їх колірні відмінності і передаються на етюді в пропорційних відносинах.

В'яжуча речовина - це в'яжуча речовина (клей, масло, гашене вапно, жовток курячого яйця), за допомогою якого частинки пігменту з'єднуються між собою та закріплюються на поверхні ґрунту, утворюючи барвистий шар. Види живопису - фреска, масляний живопис, темпера - відрізняються саме складом сполучної речовини, хоча пігмент, зазвичай, той самий.

Силует - темне на світлому фоні одноколірне площинне зображення. людини, тварини чи предмета. Термін походить від прізвища французького міністра фінансів XVIII ст. Е. де Сілуетта, на якого була намальована карикатура у вигляді тіньового профілю.

Символ. - образ, алегорично виражає якесь широке поняття або абстрактну ідею. У тому випадку, якщо зв'язок символу з поняттям, що виражається, випливає з внутрішньої змістовної подібності, спорідненості між зображуваним предметом і його алегоричним значенням, вживання символу стає доречним і можливим у реалістичному образотворчому мистецтві. Символ вживають тоді, коли хочуть у лаконічній і стислій формі висловити широке поняття, що багато вміщає.

Зміст та форма в мистецтві - нерозривно пов'язані та взаємозумовлені категорії, одна з яких вказує на те, що саме відображено і виражено у творі (зміст), а друга на те, як, якими засобами це досягнуто (форма). Провідна, визначальна роль належить змісту. Ним стає певне явище життя, усвідомлене та естетично осмислене художником у процесі творчої роботи. До категорії художньої форми в образотворчому мистецтві відносять: сюжет, композицію, типаж, малюнок, колірний лад, об'єм, просторовість, світлотіньова побудова та ін. використання форм вираження. Без практичного оволодіння культурою використання кольору неможливо виразити образний зміст засобами живопису у певному матеріалі.

Порівняння - метод визначення пропорцій, тональних та колірних відносин та ін. Властивості та якості пізнаються нашою свідомістю шляхом порівняння. Зрозуміти характер форми предмета, визначити його тон і колір можна лише в порівнянні з іншими предметами. Щоб зобразити натуру правдиво, художник має створити на етюді пропорційні натурі відмінності предметів за розмірами, тоном та кольором. Саме лише методом порівняння (при цілісному сприйнятті натури) можна визначити в натурі колірні відносини між предметами, передати їх на полотні чи папері.

Стилізація - 1) навмисна імітація художнього стилю, характерна для будь-якого автора, жанру, течії, для мистецтва і культури певного соціального середовища, народності, епохи. Зазвичай передбачає вільне тлумачення змісту та стилю мистецтва, який став прототипом; 2) в образотворчому мистецтві та переважно у декоративному мистецтві, дизайні узагальнення зображуваних фігур та предметів за допомогою умовних прийомів; стилізація особливо уражає орнаменту, де вона перетворює об'єкт зображення на мотив візерунка.

Стиль - 1) спільність ідейно-мистецьких особливостей творів мистецтва певної доби. Виникнення та зміна стилів визначається ходом історичного розвитку суспільства (наприклад, класицизм, бароко та ін.); 2) національна особливістьмистецтва (китайський, мавританський стиль тощо). Говорять також про стиль групи художників або одного художника, якщо їхня творчість відрізняється яскравими індивідуальними рисами.

Суха кисть - у живопису і графіці допоміжний технічний прийом, що у роботі слабо насиченими фарбою жорсткими пензлями. Як самостійна техніка суха кисть застосовується головним чином в декоративному мистецтві.

Сфумато - у живопису та графіці термін, пов'язаний з живописом італійського Відродження починаючи з Леонардо да Вінчі та що означає м'якість виконання, невловимість предметних обрисів як результат певного художнього підходу.

Сюжет - 1) конкретна подія чи явище, зображене у картині. Одна й та тема може бути розкрита у безлічі сюжетів; 2) іноді під сюжетом розуміється будь-який об'єкт живої натури чи предметного світу, взятий для зображення. Нерідко сюжет замінює поняття мотив, покладений основою твори (особливо пейзажу).

Творчий процес (творчість) - Процес створення художнього твору, починаючи від зародження образного задуму до його втілення, процес втілення спостережень дійсності в художній образ. У живопису творчість полягає у створенні твору у достовірних зримих формах.

Тема - коло явищ, обраний художником для зображення та розкриття ідеї твору.

Темперні фарби - водно-клейові фарби, виготовлені з сухих порошків, змішаних з яєчним жовтком, розведеним клейовою водою. В даний час виготовляються також напіврідкі фарби, укладені в тюбики і приготовані на жовтку, цільному яйці або емульсії з олії з яйцем і клеєм. Темперними фарбами можна писати густо, як олійними, і рідко, як акварельними, розбавляючи їх водою. Сохнуть вони повільніше за гуаші. Недоліком є ​​різниця у відтінках сирої та висохлої фарби. Картини, написані темперними фарбами, мають матову поверхню, тому їх іноді покривають спеціальним лаком, що усуває цю матовість.

Тінь - елемент світлотіні, найбільш слабко освітлені ділянки в натурі та зображенні. Розрізняють тіні власні та падаючі. Власними називають тіні, що належать самому предмету. Падаючі - це тіні, що відкидаються тілом на навколишні предмети.

Теплі та холодні кольори . Теплі кольори умовно асоціюються з кольором вогню, сонця, розжарених предметів: червоні, червоно-жовтогарячі, жовто-зелені. Холодні кольори асоціюються із кольором води, льоду та інших холодних об'єктів: зелено-блакитні, блакитні, синьо-блакитні, синьо-фіолетові. Ці якості кольору відносні та залежать від розташування поряд іншого кольору. Ультрамарин, наприклад, холодний сам по собі, поряд з берлінською блакиттю буде теплим, а краплак червоний здаватиметься холоднішим, ніж кіновар червона.

У колірному вигляді видимої натури завжди присутні і теплі, і холодні відтінки. Це теплохолодність відтінків ґрунтується насамперед на природних колірних протиставленнях на світлі та в тіні. У природі часто буває так, що кольори у предметів холодні, а тіні теплі, і навпаки. Появі тешюхолодності сприяє і так зване контрастне візуальне сприйняття кольорів: від присутності в сприймається натурі теплого кольору на сітківці очей виникає і враження холодного, хоча в натурі цього немає. Теплохолодність у живописі є природним явищем та невід'ємною якістю живописного зображення етюду натури чи картини.

Техніка - в галузі мистецтва: сукупність спеціальних навичок та прийомів, за допомогою яких виконується художній твір. Поняття «техніка» у вузькому значенні слова зазвичай відповідає прямий, безпосередній результат роботи художника спеціальним матеріалом та інструментом, вміння використовувати художні можливості цього матеріалу; у ширшому значенні це поняття охоплює і відповідні елементи образотворчого характеру - передачу речовинності предметів, ліплення об'ємної форми, моделювання просторових відносин та ін.

Технічні засоби мистецтва не залишаються нейтральними стосовно змісту. Основні особливості реалістичної техніки зумовлені передусім її підпорядкованістю ідейно-образному устрою твору.

Техніка живопису - див. масляний живопис, акварель, гуаш, темпера, клейовий живопис, пастель, енкаустика, фреска, мозаїка.

Тон (без супроводу словом «колірний») – у термінології художників рівнозначний поняттю світло кольору (фарби). Будь-який хроматичний чи ахроматичний колір може мати різну світлоту. Можна сказати про тон в межах одного кольору, наприклад червоного: "світлий тон червоної фарби" або "темний тон фарби". Іноді термін «тон» застосовується до колориту, наприклад «золотистий тон панно», «коричневий тон картини». Художники часто замість терміну "тон" кольору застосовують термін "світло" або "світлосилу" кольору.

Тональність - термін, що позначає зовнішні особливості колориту чи світлотіні у творах живопису та графіки. Він більш уживаний щодо кольору і збігається з терміном «гама кольорова».

Тональний та колірний масштаб зображення . Передача пропорційних натурі тонових і колірних відносин може здійснюватися в різних діапазонах світлоти та насиченості фарб палітри. Це залежить від загального стану сили освітленості натури та від видалення її від малюючого. Щоб передати цей стан, перед початком кожної роботи з натури художник попередньо з'ясовує, якими за силою світла та силою кольору будуть на етюді світлі та яскраві плями натури. Найсвітліші та найнасиченіші за кольором у натурі предмети художник може взяти на етюді або на повну силу світлих та яскравих фарб палітри, або лише у половину їх можливостей. Так витримується тональний та колірний масштаб зображення, в якому знаходять відображення тонові та колірні відносини предметів натурної постановки.

Тонове зображення - Зображення з різними тоновими переходами від світла до тіні, тобто з ділянками, що мають різну силу тону. Типовим прикладом тонового зображення є фотографія, олійний або акварельний малюнок одним кольором (гризайль), а також малюнок олівцем, виконаний прийомом тушовки.

Тонові відносини . Впізнавання об'ємної форми предметів, їх матеріалу відбувається у нашій свідомості з урахуванням зорового сприйняття їх світлотних відносин. Тому світлі відносини малюнка художник повинен відтворювати методом подоби. За допомогою градацій світлотіні на об'ємній формі та передачі пропорційних натурі тональних відносин між забарвленням (матеріалом) предметів художник досягає правдивого об'ємного моделювання форми, вираження матеріальності, просторової глибини та стану освітленості (тональний малюнок, живопис технікою гризайль).

Фактура - характерні особливості поверхні предметів з різних матеріалів як у натурі, і у зображенні (рельєф барвистого шару мазків). Фактура може бути гладкою, шорсткою, рельєфною. Фактура письма багато в чому залежить від властивостей барвистого матеріалу, від особливостей об'єкта натури, які зображує митець, а також поставленого завдання та матеріалу виконання. В акварелі фактура багато в чому залежить від поверхні паперу. У фактурі листа проявляється індивідуальний почерк художника.

Фас (анфас) - Лицьова сторона, вид спереду. Цей термін показує, що модель (голова людини або предмет) розташована фронтально, паралельно до площини картини.

Фон - будь-яке середовище чи площину, що знаходяться за об'єктом зображення.

Форма - 1) зовнішній вигляд, контур; передбачає наявність об'ємності, конструкції, пропорції; 2) в образотворчому мистецтві художня форма - це художні засоби, що служать до створення образу, розкриття змісту (див. зміст і форму).

Формалізм - загальне позначення численних 1Х антиреалістичних шкіл та напрямів в образотворчому мистецтві: кубізм, футуризм, конструктивізм, сюрреалізм, супрематизм, пуризм, дадаїзм, абстракціонізм, поп-арт та ін. Всі ці різновиди формалізму ґрунтуються на протиприродному відділенні форми мистецтва від змісту на визнанні незалежності та самостійності форми, помилково претендуючи на те, щоб шляхом різних комбінацій «чистих» ліній чи кольорів створювати витвори мистецтва. Формалістичне зображення грубо спотворює дійсність, втрачає здатність образного пізнання світу, іноді перетворюється на безглузді, шарлатанські експерименти.

Формат - Форма площини, на якій виконується зображення. Він обумовлений загальними контурами натури, ставленням висоти до ширини. Вибір формату залежить від змісту та відповідає композиції зображення. Для образного ладу формат має важливе значення.

Фреска - найважливіший технічний різновид монументального живопису, що застосовує вапно як основну сполучну речовину.

Колір живопису. Колір взагалі - це властивість предметів викликати певне зорове відчуття відповідно до спектрального складу відбитих променів. У повсякденному житті за кожним предметом чи об'єктом закріплюється якийсь один певний колір. Такий колір називають предметним або локальним (трава – зелена, небо – блакитне, морська вода – синя тощо). У художників-початківців, як правило, переважає предметне бачення кольору, що призводить до дилетантського забарвлення. У мальовничому відношенні правильно зобразити предмет можна тільки в тому випадку, якщо передавати не предметний колір, а колір, змінений освітленням та довкіллям. Предметний колір змінюється при посиленні та ослабленні сили світла. Він також змінюється від спектрального складу освітлення. Середовище, в якому знаходиться предмет, теж відображає колірні промені, які, потрапивши на поверхню інших предметів, утворюють на них кольорові рефлекси. Колір змінюється від контрастного взаємодії. Таким чином, колір предмета завжди є мозаїкою, складеною з кольорових і світлотіньових плям (рефлексів і відблисків), і називається він у цьому випадку не предметним, а обумовленим. Саме такий колір є одним із основних образотворчих засобів реалістичного живопису.

Прийнято вважати, що колір сам по собі може впливати на людину. Іноді думають, що темні та світлі тони створюють бадьорий настрій; сірі і чорні викликають почуття зневіри тощо. буд. У психології із цього приводу ведуться дослідження та експерименти, проте певних закономірностей у цій справі досі виявлено. Художник-живописець не використовує вказані вище значення кольору. Загального правила емоційного впливу колориту на різні випадки» у нього немає. Зовсім не обов'язково вирішувати картину в темному або суворому колориті, якщо її тема трагічна чи сумна, а для радісних сюжетів не обов'язковий яскравий колорит. Наприклад, сюжети картин Сурікова «Меншиков у Березові» та «Бояриня Морозова» присвячені трагічній долі людей сильної волі та переконань. У колориті першої картини переважають темні тони. Друга картина побудована на багатих поєднаннях пленерного живопису зимового пейзажу, яскравих одягів натовпу, святкової «килимості» колориту. Характер натурного сюжету, стан освітленості зумовили та колорит цих робіт. Таким чином, колорит картини створюється системою колірних відносин, спрямованих на зображення реальних життєвих умов та обстановки. Колір є засобом зображення об'ємної форми предмета, її матеріальності, просторових якостей, колористичного стану освітленості натури, і лише розкриваючи таким чином смисловий зміст картини, він і необхідний емоційний вплив.

Колірна єдність і спорідненість фарб. Колір освітлення, його спектральний склад, відповідним чином впливає різноманітні фарби предметів та об'єктів природи, підпорядковує їх певній гамі. В результаті виходить колористична єдність кольорів. Правдиве відображення цих якостей робить етюд з натури особливо правдивим та гармонійним у мальовничому відношенні.

Колірні відносини - відмінності кольорів натури за тоном кольору (відтінку), світлоті і насиченості. У натурі колір завжди сприймається у відносинах з оточуючими його квітами, з якими він перебуває у суворій взаємодії та залежності. Тому колірні відносини етюду повинні передаватися пропорційно до колірних відносин натури. У цьому полягає закон колористичного перекладання фарб видимої натури на діапазон фарб палітри, обумовлюється він психофізіологією нашого зорового сприйняття та мислення.

Цілісність зображення - результат роботи з натури методом відносин (порівнянь) при цільному баченні натури, у результаті художник позбавляється таких недоліків малюнка чи етюду, як дробність і строкатість.

Цілісність сприйняття - Вміння художника бачити предмети натурної постановки одночасно, все одразу. Тільки в результаті цілісного зорового сприйняття можна правильно визначити пропорції предметів, тонові та колірні відносини і досягти цілісності зображення натурної постановки. Цілісність сприйняття полягає професійне вміння бачити і «постановка ока» художника.

Існує ряд порад, як практично сприймати натуру цільно: 1) у момент спостереження, при визначенні колірних відносин примружити або «розпустити» очі на всю натуру; відносини», 3) Р. Фальк для цілісності бачення рекомендував вирізати в шматку картону прямокутний отвір (2X1 см) і дивитися на натуру в площині цього віконця (очей отримує при цьому цілісний мальовничий лад основних колірних відносин натури, схожий на мозаїку з дорогоцінного каміння) ; 4) сприйняти натуру цільно і зрозуміти її колірні відносини можна також за допомогою «чорного дзеркала» (якщо зафарбувати один бік прозорого скла чорною фарбою, то отримаємо дзеркало, в якому при яскравому сонячному освітленні можна розглядати об'єкти пейзажу в зниженій яскравості. У такому дзеркалі предмети відображаються в одній площині в зменшеному вигляді, їх можна охопити все одночасно, це дозволить точніше вловити тональні і колірні відносини натури).

Екстер'єр (на противагу інтер'єру) - зображення зовнішнього вигляду будівлі.

Енкаустика - восковий живопис - маловживаний в даний час різновид мальовничої техніки, заснований на застосуванні воску як сполучної речовини. Найкращий за результатами та міцністю спосіб воскового живопису – антична енкаустика. Переваги її полягають у виняткових якостях спеціально підготовленого воску, який майже не піддається впливу часу чи вогкості, ніколи не дає тріщин і зберігає незмінним свій колір.

Ескіз - попередній малюнок етюду чи картини. У процесі роботи з натури ескізи використовуються як допоміжний матеріал; у них розробляються варіанти композицій аркуша паперу чи полотна. Ескізи виконують як у вигляді олівцевих замальовок, так і в матеріалі.

Етюд - Зображення допоміжного характеру обмеженого розміру, виконане з натури задля ретельного її вивчення. За допомогою етюду художник удосконалює свою професійну майстерність. Основною метою етюдної роботи завжди залишається правдиве та живе втілення мальовничого задуму, створення картини. У реалістичному мистецтві етюд завжди виконує допоміжну роль.

Етюдність є результатом переоцінки ролі етюду, вона неминуче веде до збіднення ідейно-образного змісту. Вважають, що етюдність породжена імпресіонізмом, що обмежує діяльність художника легкою роботою з натури, заміною етюдом картини.

Ефект Пуркіне - Зміна відносної яскравості кольорів при посиленні або ослабленні освітлення. Наприклад, вдень сильною здається відносна яскравість червоного та жовтого, а в сутінки – зеленого та синього кольору. Справа тут у тому, що вдень при нормальному освітленні наше око бачить за допомогою одних клітин сітківки ока, так званих колб, а при дуже слабкому вже за допомогою інших - паличок. Колбочки більш чутливі до жовтого та червоного кольорів, тоді як палички – до синьо-зеленого. Ще Леонардо да Вінчі помічав: «Зелений та блакитний підсилюють свої кольори в півтіні, а червоний та жовтий виграють у кольорі у найсвітліших місцях».

Види образотворчого мистецтва.

Живопис

Живопис — одне із найдавніших видів мистецтва, що з передачею зорових образів у вигляді нанесення фарб на тверду чи гнучку основу. Найбільш поширені твори живопису, виконані на плоских або майже плоских поверхнях, таких як натягнуте на підрамник полотно, дерево, картон, папір, оброблені поверхні стін і т.д. графіка.

Ірина Шанько
"Березень, на березі Фінської затоки"
полотно, олія
33/58
2011р

Класифікація.

Також живопис можна розділити на станкову та монументальну. Ось зразковий поділ на ці типи, хоча практично будь-який матеріал станкового живопису може бути застосований і в монументальному. До станкового живопису належать "невеликі" роботи, які можна поставити на мольберт чи кілька. Монументальна, живопис основу якої зазвичай не переносять - стіна, стеля тощо.

Станкова:

Масляний живопис, техніка, що використовує фарби з рослинною олією як основна сполучна речовина. Масляні фарби складаються з сухих пігментів і олії, що висихає.

Шанько Ірина, "Заснули човни",полотно/олія, 50/60, 2014

Темперний живопис, сполучною речовиною є жовток курячого яйця.

Свою назву цей вид живопису отримав від назви фарби – темпера. В основі цього слова латинське temperare, що означає «змішувати». Технологія виробництва цієї фарби приблизно полягала ось у чому. Пігменти розтирали з водою та висушували. Далі їх змішували з яйцем, розведеним клеєм, оцтом, вином чи пивом.

Техніка малювання темперою полягала у послідовному нанесенні кількох шарів. На підготовлену поверхню наносили легкий фарбовий шар. Спочатку художники описували контури, зображували навколишнє оточення, природу, одягу. Зображення людей промальовувалися на заключному етапі. При цьому в темперному живописі було дуже важливо, щоб кожен із шарів добре висох, інакше наступні могли розпливатися. На щастя, структура фарб дозволяла їм сохнути дуже швидко. Тому робота художника над зображенням тривала практично безперервно.

Андрій Рубльов, "Трійця", 1411 чи 1425-27, дерево, темпера, 142/114 см, державна Третьяковська галерея, Москва.

_____________________________________________________________________________________________________

Клейовий живопис, на основі тваринного клею.техніки, при якій сполучною пігменту служить клей: тваринний (риб'ячий, мездровий, кістковий, казеїновий) або рослинний (крохмаль, камеді, трагант).

Фарби в клейовому живописі криють, непрозорі, мальовнича матова поверхня. При великому вмісті клею в фарбі поверхня набуває блиску, а колір - підвищеної інтенсивності.

Марія зі сплячим Ісусом, 1455.

_____________________________________________________________________________________________________

Енкаустика, живопис восковими фарбами.

Енкаустика (від др.-грец. ἐγκαυστική - [мистецтво] випалювання) - техніка живопису, в якій сполучною речовиною фарб є віск. Живопис виконується фарбами у розплавленому вигляді (звідси й назва).

Апостол Петро (н. VI ст.)

_____________________________________________________________________________________________________

Монументальна:

Фреска, одна з технік настінного розпису, що характеризується написанням по сирій штукатурці.

Фре́ска (від італ. Fresco — свіжий), афреско (італ affresco) — живопис по сирій штукатурці одна з технік настінних розписів, протилежність «А секко» (розписи по сухому). При висиханні вапно, що міститься в штукатурці, утворює тонку прозору кальцієву плівку, що робить фреску довговічною.

В даний час терміном «фреска» можуть називати будь-який настінний живопис, незалежно від його техніки (а секко, темпера, живопис олійними, акриловими фарбами тощо). Іноді вже по сухій фресці пишуть темперою.

Римська фреска, 40-30 р. до зв. е.

_____________________________________________________________________________________________________

А секко, на відміну від фрески, розпис по сухій штукатурці.

А секко також називають казеїновий і силікатний живопис. Її застосовують до виконання робіт як у внутрішніх, і зовнішніх поверхнях будинків. Техніка допускає наступні виправлення темперою і промивання чистою водою.

Леонардо Да Вінчі. Таємна Вечеря.1498

_____________________________________________________________________________________________________

Сграфіто, стінопис, суть якої полягає особливо багаторівневого нанесення фарби.

Сграффіто (італ. sgraffito) або граффіто (італ. graffito) - техніка створення настінних зображень, гідністю яких є їхня велика стійкість.

Найпростіший випадок двоколірного сграфіто - нанесення на стіну одного шару штукатурки, що відрізняється за кольором від основи. Якщо в деяких місцях подряпати шар, оголиться нижній, іншого кольору і вийде двоколірний малюнок. Для отримання багатобарвного сграфіто на стіну наносять кілька шарів штукатурки, що відрізняються за кольором (штукатурку фарбують різними пігментами); потім штукатурку зіскребають на різну глибину, щоб оголити шар із потрібним кольором.

Такі розписи дуже трудомісткі, їх важко виправляти, тому для виконання розпису в такій техніці часто використовують трафарет, щоб уникнути помилок.

Двокольорове сграфіто, Březnice, Чехія.

_____________________________________________________________________________________________________

Акрил, воднодисперсні фарби.

Акрилові фарби при висиханні стають темнішими. Вони можуть використовуватися також як альтернатива масляній фарбі з широко відомими техніками. Висихають дуже швидко — у цьому їхня перевага перед іншими фарбами. Наносити можна як у дуже рідкому, розведеному стані (розбавляється водою), так і в пастоподібному стані, що згущується спеціальними згущувачами, використовуваними художниками, при цьому акрил не утворює тріщин, на відміну від олійних фарб. Кладеться фарба рівною плівкою, трохи блищить, не вимагає закріплення закріплювачами та лаками, має властивість утворювати плівку, що змивається після висихання тільки спеціальними розчинниками.

Акрилові фарби та лаки можна використовувати на будь-якій нежирній основі.

Свіжа акрилова фарба легко видаляється з предметів водою, але при засиханні вимагає спеціальних розчинників.

_____________________________________________________________________________________________________